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Come September – Vieni Settembre

September In The Rain – Sarah Vaughan

The leaves of brown
Came tumbling down, remember
In September in the rain

The sun went out
Just like a dying ember
That September in the rain

To every word of love
I heard you whisper
The raindrops seemed to play
A sweet refrain

Though spring is here,
To me it’s still September
That September in the rain

To every word of love
I heard you whisper
The raindrops seemed to play
A sweet refrain

Though spring is here,
To me it’s still September
That September in the rain
I said that September in the rain

September Of My Years – Frank Sinatra

One day you turn around, and it’s summer
Next day you turn around, and it’s fall
And the springs and the winters of a life time
Whatever happened to them all

As a man who has always had the wandering ways
Now I’m reaching back for yesterdays
‘Til a long forgotten love appears
And I find that I’m sighing softly as I near September
The warm September of my years

As a man who has never paused at wishing wells
Now I’m watching children’s carousels
And their laughter’s music to my ears
And I find that I’m smiling gently as I near September
The warm September of my years
The golden, warm September of my years

Settembre – Peppino Gagliardi

Fra qualche giorno finirà l’estate
E sulla spiaggia niente resterà
Le ore passate saranno un ricordo
Che noi porteremo lontano, io e te

L’estate se ne andrà insieme al sole
L’amore se ne è andato già con lei
Le prime gocce baciano la sabbia
E stanno già bagnando gli occhi miei

Settembre poi verrà, ma senza sole
E forse un altro amore nascerà
Settembre poi verrà, ma non ti troverà
E piangeranno solo gli occhi miei

Settembre poi verrà, ma non ti troverà
E piangeranno solo gli occhi miei

E piangeranno solo gli occhi miei

E piangeranno solo gli occhi miei

September – Earth, Wind & Fire

Do you remember
The 21st night of September?
Love was changin’ the minds of pretenders
While chasin’ the clouds away

Our hearts were ringin’
In the key that our souls were singin’
As we danced in the night, remember
How the stars stole the night away, oh, yeah

Hey, hey, hey
Ba-dee-ya, say, do you remember?
Ba-dee-ya, dancin’ in September
Ba-dee-ya, never was a cloudy day

Ba-du-da, ba-du-da, ba-du-da, ba-du
Ba-du-da, ba-du, ba-du-da, ba-du
Ba-du-da, ba-du, ba-du-da

My thoughts are with you
Holdin’ hands with your heart to see you
Only blue talk and love, remember
How we knew love was here to stay

Now December
Found the love that we shared in September
Only blue talk and love, remember
The true love we share today

Hey, hey, hey
Ba-dee-ya, say, do you remember?
Ba-dee-ya, dancin’ in September
Ba-dee-ya, never was a cloudy day
There was a
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), say, do you remember?
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), dancin’ in September
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), golden dreams were shiny days

The bell was ringin’, oh, oh
Our souls were singin’
Do you remember never a cloudy day? Yow

There was a
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), say, do you remember?
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), dancin’ in September
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), never was a cloudy day
And we’ll say
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), say, do you remember?
Ba-dee-ya (dee-ya, dee-ya), dancin’ in September
Ba-dee-ya (dee ya, dee-ya), golden dreams were shiny days

Ba-dee-ya, dee-ya, dee-ya
Ba-dee-ya, dee-ya, dee-ya
Ba-dee-ya, dee-ya, dee-ya, dee-ya!
Ba-dee-ya, dee-ya, dee-ya
Ba-dee-ya, dee-ya, dee-ya
Ba-dee-ya, dee-ya, dee-ya, dee-ya!

September morn – Neil Diamond

Stay for just a while
Stay and let me look at you
It’s been so long, I hardly knew you
Standing in the door

Stay with me a while
I only wanna talk to you
We’ve traveled halfway ‘round the world
To find ourselves again

September morn
We danced until the night
Became a brand new day
Two lovers playing scenes
From some romantic play
September morning
Still can make me feel that way

Look at what you’ve done
Why, you’ve become a grown-up girl
I still can hear you crying
In a corner of your room
And look how far we’ve come
So far from where we used to be
But not so far that we’ve forgotten
How it was before

September morn
Do you remember
How we danced that night away
Two lovers playing scenes
From some romantic play
September morning
Still can make me feel that way

September morn
We danced until the night
Became a brand new day
Two lovers playing scenes
From some romantic play
September morning
Still can make me feel that way

September morn
We danced until the night
Became a brand new day
Two lovers playing scenes
From some romantic play
September morning
Still can make me feel that way
September morning
Still can make me feel that way

Settembre – Alberto Fortis

Ahi settembre mi dirai
Quanti amori porterai
Le vendemmie che farò
Ahi settembre tornerò

Sono pronto e tocca a me
L’aria fresca soffierà
L’armatura non l’avrò
Ahi settembre partirò

Mentre il giorno sparisce
Primavera verrà
Sarà dolce e nervosa
Ma non mi scapperà
Salirò sul battello e non la fuggirò
Sarò avvolto per sempre e la bacerò
E i suoi lunghi capelli
Non li rivedrò più
Ahi settembre lontano
Dalle un bacio per me
La tempesta di neve non mi sorprenderà
Ahi settembre che sarà

Lascio tutto a te
Dille del mio amore
Dille che se può
Io saprò aspettare
L’accompagnerò dentro il mio giardino
Sempre la terrò
Da vicino, sempre, sempre

Ed un giorno mi disse
Entra ti aspetterò
Ma il nemico da sempre si cattura così
Apri bene la porta
Fallo entrare da te
Lei l’ha fatto settembre
Lei l’ha fatto con me

E se nella sua testa un rasoio terrà
Taglierà i miei pensieri
Come e quando vorrà
Userà i suoi capelli
Io la pettinerò
E prima che sia settembre
Il mio sangue darò

Lascio tutto a te
Dille del mio amore
Dille che se può
Io saprò aspettare
L’accompagnerò dentro il mio giardino
Sempre la terrò
Da vicino, sempre, sempre

Sempre vi terrò
Da vicino, sempre, sempre

Oh settembre my love
I love
Oh settembre my love

September Song – Wynton Marsalis & Sarah Vaughan

Oh, it’s a long, long while
From May to December
But the days grow short
When you reach September

When the autumn weather
Turns the leaves to flame
One hasn’t got time
For the waiting game

Oh, the days dwindle down
To a precious few
September
November

And these few precious days
I’ll spend with you
These precious days
I’ll spend with you

September When I First Met You – Barry White

September
Remember?
September
Remember?
September

September (september)
When I first met you
Remember? (remember)
September (september)
When I first met you
Remember? (remember)

Oh what a day it was
Everything was so clear
There’s something about that day
I could feel it in the air
Ooh Suddenly I knew
Why I felt that way
The moment I laid eyes on you

Girl, I just had to say
Please let me be the one
You give your love to
If we reminisce
Through all of this
That’s how we make
Everyday anew

September
Remember?
September
Remember?

September (september)
When I first met you
Remember? (remember)
September (september)
When I first met you
Remember? (remember)
Oh what a night it was
How I had it planned
The things I would say and do
The way I’d hold your hand
But when you rushed into my arms
There was nothing left to say
I’ll never forget that night
I’ll never forget that day

September
Remember?
September
Remember?
September
Remember?
September
Remember?

September (september)
When I first met you
Remember? (remember)
September (september)
When I first met you
Remember? (remember)
September (september)
When I first met you
Remember? (remember)
Uh uh uh
Uh uh uh

September
Remember?
September
Remember?
September
Remember?
September
Remember?
September

Remember?
September
Remember?
September
Remember?
September
Remember?
September
Remember?

Settembre – Luca Carboni

Forse sarà quest’aria di settembre
O solo che, che tutto cambia sempre
L’estate va e poi ogni giorno muore
E se ne va portandosi con sé la mia allegria

Forse sarà quest’aria di settembre
O solo che vorrei sognare sempre
Ma poi perché di colpo tutto non è facile
Mi chiedo se qualcosa resta o tutto se ne va

Come i gol che facevo contro una porta di legno
Con le ginocchia sbucciate di esterno gol
Come morire di sete dopo una corsa d’estate
Ma non ho più la mia bici da cross

E allora scaldalo, amore
Questo bambino che trema
Che vuole tutto l’amore che c’è

Forse sarà quest’aria di settembre
O solo che sto diventando grande
Ecco cos’è, mi vien da ridere due lacrime
Ma poi perché di colpo tutto non è facile

Come i gol che facevo contro una porta di legno
E con le braccia alzate segnare gol
È la mia mamma che chiama che è già pronta la cena
Ma voglio ancora giocare un po’

E allora salvalo, amore
Questo bambino che trema
Che vuole tutto l’amore che c’è

Come morire di sete dopo una corsa d’estate

Come aspettare Natale e poi le palle di neve

Come aspettare Natale

September Gurls – The Bangles

September girls
Do so much
And for so long
‘Till we touched
I love you, boy
Never mind
I’ve been crying
All the time

December boys got it bad
December boys got it bad

September girls
I don’t know why
How can I deny
What’s inside
Even though I
Keep away
They will love
All our days

December boys got it bad
December boys got it bad

When I get to bed
Late at night
That’s the time he
Makes things right
Ooh when he makes
Love to me

September When It Comes – Rosanne Cash

There’s a cross above the baby’s bed
A Saviour in her dreams
But she was not delivered then
And the baby became me

There’s a light inside the darkened room
A footstep on the stair
A door that I forever close
To leave those memories there

So when the shadows link them
Into an evening sun
Well, first there’s summer then
I’ll let you in
September when it comes

I plan to crawl outside these walls
Close my eyes and see
And fall into the heart and arms
Of those who wait for me

I cannot move a mountain now
I can no longer run
I cannot be who I was then
In a way I never was

I watch the clouds go sailing
I watch the clock and sun
Oh, I watch myself depending on
September when it comes

When the shadows link them
And burn away the clouds
They will fly me like an angel
To a place where I can rest

When this begins
I’ll let you in
September when it comes

Impressioni di settembre – Marlene Kuntz

Quante gocce di rugiada intorno a me
Cerco il sole ma non c’e’
Dorme ancora la campagna, o forse no
è sveglia
Mi guarda
Non so

Già l’odore della terra
Odor di grano
Sale adagio verso me
E la vita nel mio petto, batte piano
Respiro la nebbia
Penso a te

Quanto verde tutto intorno
E ancor piu’ in la’
Sembra quasi un mare d’erba
E leggero il mio pensiero vola e va
Ho quasi paura che si perda…

Un cavallo tende il collo verso il prato
Resta fermo come me
Io faccio un passo
Lui mi vede
è già fuggito
Respiro
La nebbia
Penso a te

No! Cosa sono, adesso non lo so
Sono solo
Un uomo in cerca di se stesso
No! Cosa sono adesso non lo sooooo
Sono solo
Solo il suono del mio passo

E intanto il sole
Tra la nebbia filtra gia’
Il giorno
Come sempre
Sara’…

Aaaaaahhhhhh

September – Sting and Zucchero

One more sunrise
One more empty sky
Though she’s gone
I will stay
Counting days
‘Til September

Sorge il sole
Sui miei giorni
E tu sei
Via da qui
Pregherò
Vieni Settembre

Lunghi giorni d’estate
Mi rattristano un po’
Piove dentro di me
Un deserto che so

Trace her perfume
In my lonely room
Like a dream
Coming down
You’ll come back
Come September

Ma se ascolto però
Queste voci
Sembra strano, lo so
Cade pioggia dal sole

Verrò
Lo sai
Ovunque tu sarai
I lie awake
So many thoughts in my head

E che mai ti dirò
Se tu fossi qui
Io chi mai tradirei
E se fosse cosi
Prego te e prego Dio
Vieni Settembre
Vieni Settembre

Centro di gravita permanente

Franco Battiato: la malattia, la musica e l’eterno enigma di un maestro senza confini

«Il silenzio del rumore / Delle valvole a pressione / I cilindri del calore / Serbatoi di produzione / Anche il tuo spazio è su misura / Non hai forza per tentare / Di cambiare il tuo avvenire / Per paura di scoprire / Libertà che non vuoi avere / Ti sei mai chiesto / Quale funzione hai?».

Così cantava Franco Battiato nello spettacolo «Pollution» (1972) ancor oggi un classico dello sperimentalismo musicale. È morto oggi — come ha reso noto la famiglia — dopo lunga malattia nella sua casa che era l’ex castello della famiglia Moncada a Milo, in Sicilia.

Battiato è stato uno degli artisti più significativi e complessi e versatili dell’universo artistico italiano.

Nei decenni a trionfare sia nella musica classica e sperimentale che nel pop, finendo più volte in testa alle classifiche con brani come «Bandiera bianca», o «L’era del cinghiale bianco». Pur avendo creato opere musicali complesse come «Gilgamesh» andato in scena all’Opera di Roma o la sonata per pianoforte «L’Egitto prima delle sabbie», Battiato è riuscito a vincere come autore il festival di Sanremo 1981, avendo composto con Giusto Pio e la stessa Alice il brano «Per Elisa».

Battiato viveva allora un momento magico al centro di un sodalizio artistico molto affiatato composto da lui, il violinista Giusto Pio, il produttore Angelo Carrara, la cantante Giuni Russo, il cantante Mino di Martino, il musicista Francesco Messina e il compositore e pianista Roberto Cacciapaglia.

La scomparsa del padre, il viaggio a Milano con la madre

Battiato era nato a Riposto, allora chiamata Ionia, il 23 marzo 1945.

A seguito della prematura scomparsa del padre si trasferisce con la madre a Milano.

Nel cabaret club 64, dove suona e canta conosce Paolo Poli, Enzo Jannacci, Renato Pozzetto, Bruno Lauzi e Giorgio Gaber con cui instaura una duratura amicizia.

Scrive con lui il brano «E allora dai» che, cantato da Gaber e da Caterina Caselli, va in gara a Sanremo 1967. Nel 1973 un operatore culturale e pubblicitario di nome Gianni Sassi cerca qualcosa di nuovo e dirompente per promuovere le ceramiche Iris, delle piastrelle di lusso che raffigurano fedelmente una zolla di terra appena arata. E trova sponda nel singolare artista siciliano innamorato dello stile di Karlheinz Stockhausen (conosciuto dopo un suo concerto a Torino)e Luciano Berio.

L’avanguardia

Battiato fa musiche e poesia d’avanguardia, sfidando nei concerti un pubblico poco avezzo a dissonanze e altre follie.

Con la stessa etichetta del maestro Pino Massara, la Bla Bla record, incide anche l’album «Fetus» che reca un feto umano in copertina e viene sequestrato. I suoi interessi vanno dalla musica lirica al pop e all’avanguardia.

È un outsider a tutto campo. Che la grande platea scopre soprattutto con gli album «L’era del cinghiale bianco», «La voce del Padrone» e «Up patriots to arms».

Ma la magia con cui lui maneggia i grovigli di fili dei rudimentali sintetizzatori dell’epoca è straordinaria come dimostrano le geometrie elettroniche di «Proprietad prohibila» nell’album «Clic», ancora oggi sigla di TG2 dossier.

Un magico e ipnotico crescendo che incanta ancora oggi. Uno degli album più rivelatori del suo percorso resta «Caffè de la Paix», dove «l’inconscio ci comunica frammenti di verità sepolte».

L‘enigma e la malattia

Sul piano umano e musicale Franco Battiato resta un enigma.

La sua creatività è sorretta da una dura disciplina spirituale.

I suoi percorsi musicali spesso hanno ispirazioni lontane, tortuose, e forme espressive ostiche che alludono a culture e simbologie remote e iniziatiche.

Frequenta assiduamente il filosofo Henri Thomasson, che firma molte canzoni con lo pseudonimo di Tommaso Tramonti.

A volte Battiato riesce ad essere oscuro e lontano (così lo vivemmo con «Gilgamesh» all’Opera di Roma), altre di una chiarezza cristallina (basti pensare a «Povera patria» in «Come un cammello in una grondaia»).

La fede in una immortalità immanente

Battiato impasta e mette in musica, scienza e mito, fede in un’immortalità immanente nel mistero della natura e dello spirito, nel rimpianto perenne di un ordine e di una felicità perduta ma che nel Gran Giorno per alcuni ritornerà.

Tema ben presente in «Lode all’inviolato».

In altri dischi Battiato invita a trascendere il corpo entrando in una sorta di sonno vegliante.

Battiato, che ha anche prodotto un disco di Milva con le sue canzoni e ha scritto successi estivi di Giuni Russo come «Un’estate al mare» è stato attivo su vari campi artistici: la pittura, il cinema con la colonna sonora del film «Una vita scellerata» (uscito nel 1990), incentrato sulla figura di Benvenuto Cellini. Negli ultimi anni aveva collaborato con il filosofo Manlio Sgalambro.

La devozione alla madre

Battiato era molto devoto alla madre. Quando comprò il castello dei Moncada a Milo, fece riconsacrare la cappella che faceva parte del complesso e ogni mattina un prete diceva messa per lei.

Nel restauro del castello Battiato sventrò le cantine creando una sala da ballo (adorava le danze sufi) di oltre 200 metri quadri con il parquet ricavato dal legno di rovere delle botti.

E a chi gli chiedeva «e il vino?» lui rispondeva: lo comprerò al supermercato.

Fonte: https://www.corriere.it/spettacoli/21_maggio_18/franco-battiato-l-eterno-enigma-infinito-un-maestro-senza-confini-4a2fae78-b7a1-11eb-add6-98a2b51489e2.shtml

Storia di Franco Battiato: gli amori, la spiritualità, le canzoni e il disgusto per i politici corrotti

Franco Battiato moriva il 18 maggio 2021. A un anno dalla scomparsa, Rai1 lo ricorda con il documentario “Il coraggio di essere Franco”. Ripercorriamo la sua storia: le canzoni indimenticabili come La Cura, la decisione di non prendere moglie e di non avere figli, la ricerca spirituale continua e il disgusto per la corruzione politica.

Franco Battiato è morto il 18 maggio 2021. A un anno dalla sua scomparsa, Rai1 lo ricorda con il documentario Il coraggio di essere Franco. Alessandro Preziosi, voce narrante, ripercorre la vita e la carriera del Maestro attraverso le testimonianze di amici, colleghi e della nipote Cristina. Un vissuto intenso quello dell’artista siciliano, annoiato dalla banalità della concretezza e proiettato verso quelle che definiva «sfere celesti», a cui si accostava tramite la meditazione e una continua ricerca spirituale. Era vegano «ma non stretto». Non prese mai moglie e non ebbe figli, perché non venisse violata la sua libertà e l’amore per la solitudine. Ha lasciato canzoni, che come molliche lucenti e preziose, ricondurranno sempre al genio di uno degli artisti più apprezzati di tutti i tempi.

L’infanzia e la decisione di lasciare la Sicilia

Franco Battiato è nato il 23 marzo 1945 a Ionia (oggi Giarre e Riposto, comuni che all’epoca vennero unificati), da papà Salvatore Battiato – detto Turi – e da mamma Grazia Patti. Dopo aver frequentato il liceo scientifico, decise di lasciare la sua Sicilia alla volta di Milano. Nella nebbia di quella città rivide un luogo per lui ideale, lo specchio che rifletteva e accoglieva il suo spirito solitario. Un amore che venne spezzato dopo oltre vent’anni dal disgusto che provava per la situazione politica e che lo portò a tornare in Sicilia. In un’intervista rilasciata nel 2010 presso la Casa Italiana Zerilli-Marimò dichiarò:

«Quando sono andato via dalla Sicilia avevo quasi 19 anni e sono andato via, senza neanche girarmi indietro. Euridice sarebbe stata salva (ride, ndr). Arrivai a Milano che era mezzanotte. Una nebbia totale. E ho detto: «Questa è casa mia». Restai a lungo, addirittura non avevo neanche più l’accento siciliano. Però bastò un mese di Sicilia e quando tornai a Milano, i miei amici mi dicevano: «Ma come caz** parli?». All’età di 42 anni, per via di alcuni gruppi politici, per me Milano era diventata una fogna. E allora decisi di ritornare in Sicilia».

La spiritualità e la tecnica di meditazione di Franco Battiato

Sin dalla giovinezza, Franco Battiato è stato contraddistinto da una forte spiritualità. Una ricerca che per l’artista ha avuto inizio quando aveva solo 7 anni. In un tema già si chiedeva: «Io chi sono?». Ogni mattina si svegliava all’alba, ascoltava musica classica per un paio d’ore e poi andava in veranda a meditare, con una tecnica che aveva messo a punto in anni di pratica. Ad AffariItaliani spiegò:

«Inizialmente bisogna imparare a decentrane tutti i propri muscoli. Così a poco a poco sono riuscito a governare il rilassamento del mio corpo: in questo modo non vi sono più blocchi di energie, e queste fluiscono liberamente in me. E solo allora non sei più in balia dei pensieri».

Negli anni ’70, iniziò ad approfondire diverse culture religiose, partendo dalla filosofia indiana, interessandosi poi al misticismo occidentale e infine al Sufismo. Un viaggio iniziato con una motivazione ben precisa: «Mi stava stretta la società in cui vivevo, con quei valori piccoli come il buon posto nella società, l’affermazione sociale, e stop».

Perché non si è mai sposato e non ha avuto figli

Franco Battiato ha sempre parlato di sé come di una persona che amava la solitudine e non poteva tollerare che qualcuno dipendesse da lui o invadesse i suoi spazi. A GQ espresse chiaramente il suo punto di vista sui rapporti amorosi: «Per me è fondamentale che la donna sia autonoma. Non potrei avere un rapporto con una donna che dipende da me. Una che ogni sera mi dice: “Che facciamo stasera?” Madonna santa! Un incubo!». Al Corriere raccontò che quando era giovane e suonava con il suo complesso, era sempre circondato da donne. Ne lasciò una solo perché mentre lui faceva la doccia, mangiò i suoi yogurt:

«Ecco, diciamo che anime gemelle non ne ho avute… Ma amiche degne di questo nome sì, e ogni tanto ce n’è qualcuna che viene a stare qui con me per cinque, dieci giorni. In camere completamente separate, però, per forza!».

Franco Battiato poteva però contare su una famiglia che lo amava profondamente: il fratello Michele, la nipote Cristina a cui era legatissimo e con cui trascorreva anche le vacanze e poi i nipoti, figli di Cristina.

Franco Battiato credeva nella reincarnazione
Franco Battiato ha più volte dichiarato di non temere la morte. L’artista credeva nella reincarnazione, motivo per il quale prestava grande attenzione a tutte le creature, persino alle zanzare. Al Corriere della Sera, nel 2015, ha espresso la sua convinzione su cosa accade dopo la morte:

«Se una persona ha un minimo di sensibilità, come fa a dire che veniamo dalle scimmie? Brutto cretino! dico io: le scimmie sono loro stesse esseri umani messi lì per un motivo. Quando tu ti comporti in modo tremendo, quando ammazzi qualcuno, poi rinasci come insetto, serpente o un altro animale… Ecco perché cammino per strada facendo attenzione a non calpestare neppure le formiche. Non faccio del male nemmeno alle zanzare. Oggi ci sono delle cose interessanti profumate per allontanarle…».

Villa Grazia a Milo, il suo rifugio

Franco Battiato non aveva dubbi circa le cose che gli davano felicità: «Il rapporto equilibrato con il resto del creato, con la natura. Cielo, nuvole, alberi, sono cose che riassestano l’uomo nella sua condizione reale». E tutto ciò poteva ammirarlo nella sua Villa Grazia a Milo. Un vero e proprio rifugio per lui, che gli permetteva di immergersi in una ricca vegetazione e godere della frescura dei pini secolari e delle palme, dei vivaci colori delle rose selvatiche e dei profumi dell’orto, tra pompelmi, mandarini, pomodori e patate:

«Prima di acquistare la dimora da dei nobili siciliani che ci venivano a svernare, mi sono preso tre notti per pensarci, poi ho sentito che potevo farlo. Era la fine degli anni Ottanta. Non ci vivo da solo, non me la sentirei: nella dependance vive una famiglia marocchina molto discreta che mi aiuta. E poi ho la cuoca, che cucina in modo divino».

L’eredità artistica: la denuncia politica di Povera Patria, l’amore universale de La Cura

Franco Battiato ha lasciato le sue canzoni in eredità a tutti coloro che lo hanno amato. Il suo repertorio, che si estende dai primi anni ’70 al 2019, è impossibile da sintetizzare senza dimenticare di menzionare brani e album di fondamentale importanza. Dalla sua genialità sono sbocciati successi senza tempo come La stagione dell’amore, E ti vengo a cercare, Cuccurucucù, Centro di gravità permanente, Voglio vederti danzare, Bandiera bianca e L’era del cinghiale bianco. Ma anche brani di grande impatto emotivo come La cura, di cui Battiato disse: «È una canzone in cui non viene mai pronunciata la parola amore, perché ne racchiude vari tipi, come tra padre e figlio, per esempio» o Povera patria, in cui esprimeva la sua indignazione per gli abusi di potere la corruzione dei politici: «Tra i governanti quanti perfetti e inutili buffoni». In un’occasione spiegò:

«Accendo la televisione e vedo questi politici scortati da guardie del corpo, sembrano più dei mafiosi che politici. Si muovono con un’arroganza disgustosa. Allora mi dico: ma non è meglio cambiare genere? Diventare una nuvola, che poi diventa pioggia e cade su un fiume, che poi va verso il mare. Mi piacerebbe cambiare genere se potessi, perché questi uomini sono fetenti».

Fonte: https://www.fanpage.it/spettacolo/personaggi/storia-di-franco-battiato-gli-amori-la-spiritualita-le-canzoni-e-il-disgusto-per-i-politici-corrotti/

Franco Battiato è stato l’effetto collaterale della musica italiana

Franco Battiato, oltre 70 anni di musica: impossibile non conoscere le sue hit è il titolo che un quotidiano nazionale ha deciso di dare alla notizia della sua morte. Lo rileggo più e più volte, e ancora fatico a capire come la parola hit possa essere accostata a Franco Battiato, neanche stessimo parlando di Fred De Palma. Allora cerco su Google: dicesi hit una canzone di gran successo. E fin qui siamo tutti d’accordo. Battiato è stato un artista di gran successo, oltre l’immaginabile, e ha avuto un impatto gigantesco su generazioni diverse proprio in virtù della sua abilità nel coltivare il pop, la canzone nazional popolare. Ma allora perché la parola “hit” dovrebbe farci così orrore? Presto detto: perché anche la canzone più sputtanata di Battiato era un immenso capolavoro culturale. Battiato non era il principio attivo del mercato discografico, Battiato era la controindicazione. Battiato è stato l’effetto collaterale della musica italiana, e chiunque abbia avuto modo di fare esperienza della sua musica capisce di cosa stiamo parlando.

Il livello di ascolto che impone ogni suo pezzo è diametralmente e concettualmente diverso da qualsiasi altra canzone che si possa definire hit. I suoi testi riflettono i suoi interessi, fra cui l’esoterismo, la teoretica filosofica, la mistica sufi e la meditazione orientale. Ha scritto testi di una profondità immensa con il filosofo Manlio Sgalambro, non certo Cristiano MalgioglioL’era del cinghiale biancoProspettiva NevskijCentro di gravità permanenteBandiera biancaCuccurucucùVoglio vederti danzareE ti vengo a cercarePovera patria, sono solo alcuni dei suoi più grandi successi. Eppure non riesco a definire nessuno di questi pezzi una hit, perché nonostante queste canzoni appartengano indissolubilmente alla cultura nazional popolare italiana, Battiato ha dato solo a pochi il privilegio di farne esperienza in maniera consapevole. Solo chi ha gli strumenti giusti ha potuto godere dell’immensità celata dietro un ritornello particolarmente orecchiabile, ed ha potuto coglierne il significato, le più piccole sfumature strumentali. Perché Battiato è una di quelle cose che accadono nella vita quando sei abbastanza maturo per comprendere, per sentire la vita intorno. Battiato ha insegnato al mondo il profondo rispetto per le parole, per il senso, per la profondità. E soprattutto, Battiato non era solo pop. Nella sua carriera è passato dal rock progressivo all’avanguardia colta, dalla canzone d’autore alla musica etnica, da quella elettronica all’opera lirica.

E oltre i suoi meriti di autore, il maestro era anche un grande interprete. Un sarto della musica. Cuciva i suoi vestiti sulle canzoni più belle della musica italiana e internazionale, e le faceva danzare come ballerine sulle punte. E so che può suonare come una bestemmia, ma Battiato interpretava De André spesso meglio di De André stesso. Oggi è morto (l’articolo è stato scritto a maggio 2021) e l’Italia è orfana di uno dei suoi più grandi artisti. In tv, alla radio, non sento che il suo capolavoro più grande: La cura. Nella mia vita l’ho sentita almeno una ventina di volte suonare impropriamente nei filmini imbarazzanti dei vari diciottesimi a cui sono andato. Stamattina ho avuto la stessa sensazione: quella di un Battiato usato, più che omaggiato. Sacrificato sull’altare del clickbait per il concetto stesso di hit. Sento il dovere morale di restituire al maestro un ritratto più ampio delle sue hit. Sento la necessità di ringraziarlo per averci dato gli strumenti, e averci accolti nel suo orticello. Battiato ha coltivato la canzone d’autore come fosse un giardino zen. E qui, tra le sue rose, celebrava la vita, la consapevolezza, la bellezza. La cura, in effetti, l’ha data lui a noi.

Fonte: https://www.heyjudemagazine.it/2022/03/23/franco-battiato-e-stato-leffetto-collaterale-della-musica-italiana/

Franco Battiato, ecco cosa resta del suo transito terrestre

È già passato un anno da quel 18 maggio, dal giorno in cui il cantacompositore più eclettico, innovativo, intransigente e coraggioso del panorama artistico italiano passava a miglior vita o, come forse avrebbe preferito dire lui, terminava la parabola del suo transito terrestre. Un anno nel quale i contributi alla sua persona e alla sua musica sono andati moltiplicandosi fino a coinvolgere anche commentatori, giornalisti e scrittori che mai prima d’allora si erano occupati dell’universo Battiato. Perciò, proprio perché giornalisticamente parlando di tutto è stato scritto, voglio oggi ricordare il musicista, regista e pittore siciliano non entrando nel merito della sua sterminata produzione artistica, nel cuore della quale tra libri e articoli si è entrati innumerevoli volte, ma, precedentemente sollecitato dalla giornalista del Quotidiano del Sud Elisabetta Mercuri, con un elenco di alcune delle sue qualità, quelle di cui il sottoscritto ha avuto modo, direttamente o indirettamente, di fare esperienza personale.

1) L’altruismo: se Franco Battiato si innamorava di qualcosa, se ne intravedeva la qualità, non badava ai numeri, ai contratti, alle logiche di mercato. Dall’alto della sua grandezza artistica, mediatica e commerciale non ha avuto alcun problema, innumerevoli volte, a dare una mano, anche consistente, a chi credeva meritorio di riceverla. Parlo, come anzidetto, per esperienza personale, perché Battiato non ha avuto alcun problema, nel lontano 2014, a mettersi a fare il “fonico” di un mio album (Klar), dandomi indicazioni sui volumi, sull’intonazione delle voci e sulla struttura dei brani, finanche scrivendo le note di alcuni incisi. Aveva apprezzato la mia musica, tanto per lui bastava, e questo nonostante la stessa fosse totalmente fuori mercato e non rispondesse ad alcuna logica commerciale. Qui, in questa semplicità, in questa autenticità, la sua grandezza.

2) La ferrea volontà: tutta la produzione di Battiato è interamente attraversata dal costante desiderio di evoluzione personale. Diceva sempre che era nato nel segno dell’Ariete ma che pian piano era riuscito ad emanciparsi dai limiti di quel segno zodiacale, invitando al tempo stesso gli altri a farlo con i propri. Questo desiderio di migliorarsi costantemente poi trascendeva la sfera esistenziale e si riversava in ogni sua attività, a partire da quella lavorativa: la sua musica si è continuamente evoluta, Battiato non si è mai lasciato catturare da uno stile o una forma specifici, e così facendo ha profondamente innovato il linguaggio della popular music degli ultimi 40 anni. Infiniti i musicisti, non solo italiani, che nella sua produzione hanno trovato fonte di profonda ispirazione.

3) La trasversalità: la sua musica parla a tutte le generazioni, la ascoltano i ragazzini, la ascoltano gli adulti, la ascoltano gli anziani. È musica evocativa, sia nelle sonorità, sia nei testi: Summer on a solitary beach, con quell’inciso motivico di sole 4 note leggermente variate nelle loro ripetizioni, è quanto di più evocativo, toccante, esistenziale e al tempo stesso vitale e dinamico si possa trovare nel variopinto repertorio della popular music. C’è insomma il ricordo, la lontananza, la nostalgia, il disincanto ma al tempo stesso la gioventù, lo slancio, l’incantesimo della vita. Per questo Battiato arriva a tutti: per ogni diversa età parla a una diversa parte di noi, ogni sua opera si offre a diverse letture possibili.

4) Il coraggio: nessun altro autore di canzoni, di popular music, è riuscito a veicolare contenuti tanto importanti da un punto di vista letterario, filosofico, mistico ed esoterico all’interno di contenitori finanche ballabili: qui la grandezza della sua operazione, di quella che definisco “Operazione Battiato”. Mentre gli altri cantavano, e imperterriti cantano ancora, cuore, amore, dolore, lui raggiungeva e continua a raggiungere le coscienze dei suoi ascoltatori con contenuti rivoluzionari, avanguardistici, perciò spiazzanti e alle volte equivocabili. È spesso stato detto: ci vogliono interi libri per capire il testo anche di un solo brano di Battiato. È vero, ma solo in parte: l’altra parte infatti è musicale, e la sua musica, sebbene mai banale, ha saputo quei testi grandemente veicolare.

5) L’amore per la dignità: “Per un gesto di dignità umana sarei capace di buttare tutta la mia produzione nella spazzatura”, e c’era da credergli, l’avrebbe fatto davvero l’uomo che senza mezzi termini aveva, da assessore alla cultura della regione Sicilia, denunciato la prostituzione affaristica della politica parlamentare italiana. Senza mezzi termini, con intransigenza, stoicamente, Battiato.

Fonte: https://www.ilfattoquotidiano.it/2022/05/18/franco-battiato-ecco-cosa-resta-del-suo-transito-terrestre/6594807/

FRANCO BATTIATO, NEL NOME DELLA MUSICA E DELLO SPIRITO

Si nesci arrinesci – dicono in Sicilia, cioè: se vai fuori, hai successo. A 19 anni, è il 1964, Franco Battiato uscì dalla Sicilia, per avere successo nel mondo. Suo padre, Turi, pure era uscito: era andato a Nuova Yorke, a fare il camionista e lo scaricatore di porto, ma ci era morto. Così, Battiato si prese la sua truscia e partì “verso le nebbie” di Milano: «Milano allora era una città di nebbia, e mi sono trovato benissimo. Mettevo a frutto la mia poca conoscenza della chitarra in un cabaret, il “Club 64”, dove c’erano Paolo Poli, Enzo Jannacci, Lino Toffolo, Renato Pozzetto e Bruno Lauzi. Io aprivo lo spettacolo con due o tre canzoni siciliane». Quelle sapeva.

Poi, è il 1967, si mise a fare canzoni di protesta – e chi non faceva canzoni di protesta, al tempo? Avevano fatto un duo, lui e il suo compaesano Gregorio Alicata, che erano nati nello stesso posto, solo che quando era nato Gregorio si chiamava Riposto che c’era il fascismo e quando era nato Franco si chiamava Ionia che il fascismo era finito – perché in Sicilia si cambia spesso nome alle cose, perché possano sembrare diverse, anche se poi sempre le stesse sono. Gregorio, che era un poco più grandicello e era “nisciuto” già prima di lui, lo aveva incoraggiato a partire. Così, avevano formato “Gli Ambulanti” – e andavano davanti le scuole e nei cabaret. Poi, con Gregorio le cose non erano andate lisce – che i siciliani sono così, oggi sembrano innamorati pazzi e il giorno dopo si odiano – e ognuno per la sua strada. La strada di Battiato si chiamava Giorgio Gaber che lo aveva notato e lo aveva invitato a andarlo a trovare e ne divenne una specie di mentore. E fu proprio Gaber che decise di chiamarlo Franco – perché in giro c’era Francesco Guccini e due “Francesco” magari che la gente si confondeva. E così Francesco Battiato divenne Franco Battiato – «Da un giorno all’altro, pure mia madre prese a chiamarmi Franco» – ma Franco o Francesco, cambiategli nome, sempre lui medesimo era: un genio. Dove c’era talento di natura, ma tanto tanto tanto lavoro, curiosità intellettuale, sperimentazione, rischio.

Certo, a pensare il Battiato spirituale e colto, ritirato e mistico degli ultimi anni, che aveva trasformato la sua Milo sotto l’Etna in una specie di Monte Athos della musica, viene difficile ricordare il Battiato dei primi anni Settanta. E forse è così che succede, che diventi vecchio e diventi davvero quello che sei e tutta la vita ti sei preparato a accogliere questa persona che ancora non conosci, ma che sta dentro di te. Eppure. Una volta raccontò in un’intervista («Esquire»): «Era tutto improvvisato, così come veniva: in maniera selvaggia, brutale. Tenevo il VCS (il sintetizzatore) fisso sui 10.000 hertz e c’era sempre questo suono lancinante – uiiiuuu-uiiiuuu – e poi gli altri mi venivano dietro facendo rumori e cose così. Usavamo anche lastre di metallo e oggetti vari, sempre tutto a volume altissimo, assordante. Anche le luci erano violente, con queste strobo accecanti sempre in movimento che non capivi nemmeno come facevi a muoverti, insomma, era un casino assoluto, totale. Poi tenevamo questa enorme croce sul palco che a un certo punto io prendevo e spaccavo davanti al pubblico – era un po’ una provocazione blasfema un po’ un messaggio del genere ‘liberatevi delle vostre ossessioni’, no? E il pubblico naturalmente impazziva. E quando dico che impazziva intendo che impazziva sul serio: mille, duemila persone in un locale che a un certo punto davano di matto e cominciavano a sfasciare tutto – poltrone, arredamento, pezzi di palco. E altre mille persone fuori che non erano riuscite a entrare e che premevano per farlo, così alla fine il casino si trasferiva anche all’aperto. Era follia pura, una roba allucinante!». Era stato uno dei primi a procurarsi quell’aggeggio per mille sterline, a Londra dove poi andò anche a esibirsi – alla Roundhouse, durante una rassegna di musica post-psichedelica europea – per beccarsi l’appellativo di “obscure sicilian freak”.  Poi, la svolta, Stockhausen – di cui divenne anche amico – e poi il primo disco a raggiungere un milione di copie: L’era del cinghiale bianco. Da lì – la storia la ricordiamo tutti. Lui la raccontava così a «Repubblica»: «Avevo bisogno di un pubblico. Per anni mi ero comportato come un recluso, da solo nel mio studio, a studiare e a comporre. Ho tentato la carta del successo commerciale praticamente per scherzo. E, incredibile a dirsi, mi è andata bene!»

Oggi, padre Antonio Spataro direttore della rivista gesuita «Civiltà Cattolica», un siciliano anche lui, che di Battiato era amico, non parla certo di quella enorme croce sul palco che veniva spaccata ma dice: «Era assolutamente unico nel suo genere, con una forte radice spirituale, più che religiosa, nella sua opera artistica. La sua assoluta e completa apertura alla dimensione della spiritualità è una rarità nel mondo musicale italiano. E il brano La cura, cui sono personalmente legato, è un vero gioiello che rivela la sua profondità spirituale e artistica, intrecciando l’umano e il divino». De La cura, padre Spataro fa una sorta di moderno Cantico dei Cantici – e forse non se ne allontana troppo, considerata com’è una delle più belle canzoni d’amore. Chissà se padre Spataro ricorda che a quel testo collaborò anche il filosofo Manlio Sgalambro, siciliano certo – questa è tutta una storia di siciliani nel mondo – “nichilista”, nietzschiano incallito. Ma sono i misteri della spiritualità, dell’umano e del divino, o come più laicamente si dice, dell’alto e del basso mescolati.

Battiato scriveva cose così (proprio ne La cura): «Vagavo per i campi del Tennessee / Come vi ero arrivato, chissà
 / Non hai fiori bianchi per me?» E spiegava: «Quando si intende adattare un testo alla musica si scopre che non è sempre possibile. Finché non si fa ricorso a quel genere di frasi che hanno solo una funzione sonora. Se si prova allora ad ascoltare, diventa chiaro il senso di quella parola, il perché di quella e non di un’altra». Quella parola, non un’altra: «Un giorno sulla prospettiva Nevski / per caso vi incontrai Igor Stravinsky».

A un certo punto, verso la fine degli anni Ottanta, se ne tornò in Sicilia. Ricorda oggi Pippo Baudo: «Era molto legato alla sua terra e non l’ha mai lasciata. Prima abitava nel centro storico di Catania, nella bellissima via Crociferi. Poi, per avere più tranquillità, si ritirò nella sua villa a Milo, il paese più alto sull’Etna, dove comprò un palmento». E qui compose dei lavori struggenti e bellissimi.

Tempo fa in un’intervista confessò: «Gli esseri umani non muoiono. Ci si trasforma. Sto lavorando per essere degno di questo passaggio».

Sono certo che fosse pronto.

Fonte: https://www.minimaetmoralia.it/wp/altro/franco-battiato-nel-nome-della-musica-e-dello-spirito/

Franco Battiato, il più grande

A chi chiedeva chi fosse il musicista più influente del pop italiano ho quasi sempre risposto senza esitazioni Franco Battiato, che da qualche tempo è anche la mia risposta alla domanda “qual è il tuo cantautore preferito?”. Ora che Battiato è morto, a 76 anni, dopo una lunga fase di riservato ritiro dalle scene seguita a un incidente e – ragionevolmente – a un aggravarsi delle sue condizioni di salute, possiamo serenamente esporci e affermare che sia stato il più grande.

Certo la musica pop non è una gara e questo tipo di affermazioni a effetto – specie in mortem – lascia un po’ il tempo che trova. Eppure ci sono delle ragioni per sostenerlo, ragioni che intrecciano in maniera inscindibile i fili della storia culturale (o almeno, della storia culturale della nostra canzone) e quelli di decenni di ascolti privati, di autoradio notturne, di canzoni cantate a squarciagola nelle docce e nelle discoteche di mezza Italia.

Battiato ha attraversato più di mezzo secolo di musica pop, dal beat inciso sui flexi-disc della Nuova Enigmistica Tascabile alla metà dei sessanta, ancora a nome Francesco Battiato, alle complesse opere liriche dedicati al pantheon sumero, dalle cerebrali sperimentazioni sui primi sintetizzatori alle orchestre d’archi, ai videoclip su TMC2. Rispetto a quella dei colleghi e coetanei, la musica di Battiato è invecchiata benissimo. O meglio, è forse apparsa vintage per qualche minuto negli anni novanta-primi duemila, ma è stata poi incorporata in un canone nostalgico che è oggi il suono del pop di buona parte del pianeta, dai The Giornalisti a Dua Lipa.

Battiato (e i suoi collaboratori: Angelo CarraraFrancesco MessinaGiusto Pio…) hanno creato questo suono per l’Italia. I dischi di Battiato suonavano da dio quando sono usciti, e suonano da dio ancora oggi. Molti classici dell’ultima parte del Novecento sono invecchiati nel sound: riascoltatevi oggi Anime salve, o lo stesso Creuza de mä, e avrete l’impressione di sentire musica del secolo scorso. Con La voce del padrone questo non succede, ma non succede nemmeno con capolavori forse meno celebrati ma altrettanto decisivi per l’arte fonografica nel nostro Paese, come Gommalacca – senza dubbio l’ultimo grande album (cronologicamente parlando) prodotto da Battiato.

Ricordo Gommalacca come il disco della mia adolescenza, che ascoltai dal vivo al mio primo concerto di Franco Battiato, a Torino alla fine degli anni novanta. Mi piaceva da matti all’epoca, da ragazzino un po’ snob verso la musica che ascoltavano i miei compagni di ginnasio, che Battiato fosse còlto ma anche un po’ fricchettone. Che citasse nomi fascinosi, che le sue canzoni sembrassero dei racconti pieni di indizi da decifrare: la storia di Shackleton, gli aborigeni d’Australia, Kundalini… per limitarsi al solo Gommalacca.

Ma allo stesso tempo Battiato era anche un musicista pop, e ai suoi concerti si ballava e si cantava. Nelle discoteche di provincia che avrei frequentato pochi anni dopo, verso il mattino, il DJ nostalgico metteva sempre “Centro di gravità permanente”, che era naturalmente filtrata anche presso un certo pubblico della techno. Nei primi duemila «Il ballo del potere» era uno standard dei Murazzi torinesi.

Questo accostamento alto-basso, còlto-pop, ha sempre accompagnato Battiato e quasi sempre è stato citato come l’elemento caratteristico del suo essere musicista. È così, ma credo che si sia manifestato in lui in maniera anomala e originale. I cantautori italiani – prendiamo la categoria così com’è per praticità, pur accettando anche qui l’anomalia Battiato – si sono raccontati in vari modi: come degli intellettuali, come dei poeti, come la voce degli ultimi o degli sconfitti (assunta però quasi sempre da una prospettiva privilegiata). Oppure, al contrario, come dei semplici artigiani – a sminuire, per strategia o per ritegno, uno statuto pubblico che li voleva invece “forti, invincibili, imbattibili, incorruttibili” (come da canzone di Edoardo Bennato).

Battiato è stato un ascoltato intellettuale pubblico, ma il tipo di messaggio che ha trasmesso ha sempre danzato sottilmente tra il discorso serio e l’ironia, tra l’arroganza mistica di chi sembrava aver capito tutto del mondo e la sensazione che, in fondo in fondo, ci stesse un po’ perculando quando diceva di sentirsi come un cammello in una grondaia, o di vagare per i campi del Tennessee (come vi era arrivato? Chissà).

“Capire Battiato”, come cantavano i Bluvertigo, è sempre stato un problema per chi cercava di farlo – ovvero per noi tutti fan di Battiato a un certo punto della nostra vita. I proverbiali fiumi di inchiostro spesi per tracciare le complesse radici filosofiche dei suoi testi hanno perlopiù tralasciato che quei testi ci giungevano come prodotto pop, addirittura ultra-pop in molti casi. Il Battiato del periodo Sgalambro (quello di dischi come L’ombrello e la macchina da cucire o L’imboscata) era un meccanismo abilmente costruito per farci pensare che quelle canzoni stessero effettivamente offrendoci uno squarcio filosofico di verità sul mondo, anche perché implicavano nel testo un filosofo “vero”, per quanto anche Sgalambro…

…ma in fondo erano “solo” canzoni. Dispositivi pensati per il nostro intrattenimento, per coinvolgerci, per ammaliarci. E ce la facevano alla grande, ad ammaliarci, proprio fingendo di essere dei piccoli trattati sul senso della vita. Chiunque volesse capire Battiato a partire dalla sua esplosione nel mainstream, ovvero dalla trilogia pop “perfetta” L’era del cinghiale bianco – Patriots – La voce del padrone (che è in realtà una tetralogia a cui andrebbe aggiunto l’ingiustamente sottovalutato L’arca di Noè) dovrebbe forse però farsi venire qualche legittimo dubbio.

E si torna a quella usurata opposizione tra “alto” e “basso” che tanto piace a noi teorici della cultura pop. Che in Battiato ci giunge già frullata in forma di pastiche, come quando si permette di inserire un frammento del Tannhaüser per poi passare a prendere in giro “l’impero della musica” e quegli “scemi che si muovono” a cui lui stesso appartiene, o quando intitola un brano “Frammenti” limitandosi, appunto, a mettere dei frammenti di cose che tutti noi conosciamo a memoria.

Battiato che balla nei video quando i cantautori dovevano stare seduti. Battiato che fa le canzoni nostalgiche degli anni cinquanta (i sax da vecchio rock’n’roll che punteggiano la tetralogia, i “Cuccuruccucù Paloma”) mettendoci però il suono new wave più alla moda. (A proposito: solo una deformazione tutta italiana ci fa pensare a Battiato nella categoria dei cantautori, quando per un lungo pezzo della sua storia è stato un musicista new wave).

Quelle canzoni ci bombardano di messaggi, di citazioni a effetto da riportare a penna nella smemoranda (per i millennials) o sui social (per i millennials invecchiati) ma ci stanno anche prendendo in giro. Pochi cantautori (ci sono ricascato…) hanno avuto l’ardire di prendere in giro i propri ascoltatori.

Lucio Dalla – altra grande anomalia – era ugualmente pop, era ugualmente attento di arrivare al grande pubblico, ma lo faceva con lo spirito di chi al pubblico tende una mano, raccontandone le storie (“Anna e Marco”, “Futura”…) e per così dire scendendo al suo livello. Battiato fa pop dal suo piedistallo, dalla sua “pedana” tra “fumi e raggi laser”, e non sembra fare nulla per andare incontro a chi lo adora, costringendolo anzi a sottoporsi a umilianti tentativi di esegesi. Destinati, inevitabilmente, a fallire.

Credo che il piacere dell’ascolto sia tutto lì, in fondo: forse uno può desiderare che il suo guru conosca tutte le risposte e abbia capito il senso della vita, ma il pop funziona in modo diverso. Per questo ho sempre pensato che “Povera patria” sia una bellissima canzone ma una pessima canzone di Battiato. Così volgare nel puntare il dito contro un nemico universale – la politica corrotta – e così priva di livelli multipli, di ironia… O del dubbio dell’ironia, che è diverso dall’ironia ma che è un meccanismo fantastico attraverso cui le canzoni funzionano. Sarà vero quello che dice il cantante? C’è qualcosa da scoprire in questa canzone? O forse possiamo semplicemente ascoltare, ballare, cantare?

Perché rimane e per sempre rimarrà – grazie a dio – il dubbio che il postmoderno Battiato ci stia solo prendendo in giro. Che non ci sia un messaggio da trovare, e che ci sia solo da ascoltare e provare piacere nel farlo.

Fonte: https://www.giornaledellamusica.it/articoli/franco-battiato-il-piu-grande

L’eredità artistica ed etica di Franco Battiato a un anno dalla sua scomparsa

E’già passato un anno dalla morte di Franco Battiato, il 18 maggio 2021: gli italiani hanno ascoltato per l’ultima volta la sua voce durante Sanremo 2020, grazie a Colapesce e Dimartino che, nella serata delle cover, hanno interpretato «Povera Patria», dando spazio alla voce del Maestro che ha sempre svolto un ruolo di affettuoso nume tutelare per le nuove generazioni di artisti siciliani.

E’ stato un anno doverosamente ricco di omaggi che non sono riusciti a colmare il senso di vuoto lasciato da un personaggio unico, uno studioso dagli orizzonti amplissimi che sapeva praticare l’arte della canzone pop ma che, grazie alla sua cultura dai vasti orizzonti, usava linguaggi e riferimenti diversissimi, sia in campo musicale che in altre forme di espressione artistica, come il cinema, la pittura, l’opera. Un’intelligenza raffinata e arguta che manca al Paese, come mancano il suo umorismo e la sua libertà di pensiero. 

Battiato aveva per i luoghi comuni del potere la stessa avversione che aveva nei confronti dell’industria: diceva senza mezzi termini di vergognarsi dei suoi grandi successi commerciali così come si divertiva a sottolineare gli svarioni dei discografici, come quello che promise di cambiare mestiere se «Il vento caldo dell’estate» fosse diventato un successo. «Quando arrivò al primo posto gli telefonai: era sempre seduto sulla sua poltrona» raccontava sibillino.

L’aplomb lo perdeva quando si parlava dello stato della Cultura nel nostro Paese, ma anche della situazione acustica dei teatri. In lui convivevano l’allievo di Stockhausen e l’autore di canzoni pop entrate nella storia del costume, il cultore di filosofie orientali, del Sufismo, della meditazione trascendentale, del pensiero di Gurdjeff e lo spirito del rock, l’amore e la conoscenza profonda della musica antica e classica e lo sperimentatore elettronico che negli anni ’70 si allineava al rock d’avanguardia, il cantautore di protesta, il pittore e il regista cinematografico. 

Era un uomo libero e un intellettuale che ha sempre guardato la società e il mondo da un punto di vista personale e originale, molto spesso in anticipo sui tempi. Così come è stato un precursore della musica elettronica, Battiato è stato un cultore di musica classica e sinfonica che nei suoi racconti sembrava monopolizzare i suoi ascolti nel tempo libero. Però la lista delle sue collaborazioni va da Claudio Baglioni ai CSI, da Enzo Avitabile a Pino Daniele, dai Bluvertigo a Tiziano Ferro, Celentano, Subsonica, Marta sui Tubi, senza contare il decisivo ruolo svolto nelle carriere di Alice e Giuni Russo. 

Non è certo un caso che continui a essere un punto di riferimento: i giovani vedono in lui un modello di originalità e di curiosità, quelli più grandi un difensore dell’intelligenza in un mondo che troppo spesso ne dimentica l’importanza.

Franco Battiato ha lasciato un’eredità straordinaria in termini artistici ed etici: cercare sempre qualcosa che possa portarci al di là della superficie, alla ricerca di un altrove che non sia soltanto una realtà ulteriore ma un modo diverso di affrontare la vita e di definire l’arte e il ruolo dell’artista.

Fonte: https://www.lasicilia.it/cultura/news/l-eredita-artistica-ed-etica-di-franco-battiato-a-un-anno-dalla-sua-scomparsa-1619486/

Franco Battiato, dentro l’ombra della Luce

E il mio maestro mi insegnò com’è difficile trovare l’alba dentro l’imbrunire…Si potrebbe già chiudere qui, tutto quello che c’è da dire su Franco Battiato, sull’apparente volgere alla fine del suo cammino, musicale, artistico, umano.In questa frase c’è la sintesi di tutto il suo mondo e il suo grande lascito.

L’ombra della Luce, il nascere e il morire, gli unici due momenti autenticamente reali, interrotti solo da qualche sprazzo di veglia.

L’artista che ha scritto il disco più pop della storia della musica italiana –La voce del padrone, il primo album italiano a vendere un milione di copie – in realtà ha vissuto tutto il suo percorso di successo lontano dai carri in maschera del pop, su una torre d’avorio, con un distacco ineguagliabile.

È stato sul palco 50 anni e nessuno ha mai visto o sentito il suo sudore. Si è nutrito dell’amore e della venerazione dei suoi fan adoranti – come ogni rock star – senza, però, mai scendere tra di loro, tra di noi…Niente è come sembra, niente è come appare, perché niente è reale.

Battiato è ancora vivo nel corpo ma, come il prode Barbarossa, che non muore ma dorme in una grotta, anche lui è in attesa di risvegliarsi quando arriverà un’epoca e un tempo a cui veramente appartiene e che gli appartiene. Spero che ritorni presto l’era del cinghiale bianco, cantava.

Della “sparizione” dell’artista, del suo “autoesilio”, si è detto già molto, ma anche questa volta senza riuscire ad afferrarlo. Nessuno è riuscito a trovare la chiave per sensazionalizzare il suo “ritiro”, come si fa solitamente con la vita di una star patinata. Nel suo caso si è lasciato perdere, dopo aver tentato invano ricostruzioni pruriginose o morbose. Le stelle nello spazio non sono ancora del tutto decifrabili e non sono ancora facilmente raggiungibili.

C’è chi lo vuole ricordare per il coraggioso concerto del ‘92 a Baghdad/Mesopotamia, durante l’embargo, e c’è chi lo vuole strumentalizzare per qualche frase sparsa su politici ladri o libertini. A turno tutti hanno tentato di portarlo da qualche parte, di tirarlo in mezzo, ma amava ricordare di essere un musicista e di stare sopra, molto sopra, alle stupide galline che si azzuffano per niente.

Definire Battiato un cantautore è riduttivo. Musicista, compositore, polistrumentista, arrangiatore, regista, scrittore, pittore, iniziato, sono solo etichette.

Battiato è stato certamente un rivoluzionario, un anticipatore, un visionario, un intellettuale vero, se questa parola ha ancora senso nel panorama desolante degli strani giorni che viviamo.

Anticipatore di generi, stili, e non solo. Alcune sue canzoni, ormai quarantenni, potrebbero essere state scritte ieri o addirittura oggi: eterne, senza spazio e senza tempo. Nel 1986, ad esempio, scriveva: “vuoto di senso crolla l’Occidente, soffocherà per ingordigia e assurda sete di potere – e dall’Oriente orde di fanatici”.In pochi sono riusciti a vedere e prevedere così lucidamente. E qual è il compito dell’intellettuale se non quello di raccontarci il mondo, prima che il mondo ci appaia? In molti scrivono, pochi hanno e sanno trasmettere una visione. Questi sono fari di luce, gli altri sono scrittori: ne è pieno il mondo.

Si è dibattuto a lungo persino sulle sue canzoni d’amore. Quelle che più facilmente sono arrivate e rimaste nel cuore, non erano semplici canzoni d’amore, non nell’idea che l’amore esista solo tra una persona amata e una che ama. Ogni volta che gli è stata chiesta una spiegazione, non ha mai risposto chiaramente. Memorabile la risposta a Luzzatto Fegiz (noto critico musicale) sul significato di Centro di gravità permanente: rispose che era riferita a una sua amica che cercava un posto dove fare la permanente ai capelli…

Lasciamo libera interpretazione alle cose che non abbiamo realmente voglia di spiegare: restano in noi e arrivano a chi devono arrivare.

Messaggio elitario sicuramente, ma grazie a lui sulla bocca di tutti, su tutte le spiagge, tutte le estati e persino in una famosa serie televisiva spagnola. Questa la grandezza del lascito di Battiato: per pochi, ma alla portata di tutti.

Fra cento anni, la sua opera così ampia – che va dall’elettronica alla musica sacra – verrà ancora studiata, come quella di un grande compositore di musica classica.

L’ombra che ora sembra calata sulla sua persona, è quella luce immensa che ha sempre cercato. Ci è riuscito anche questa volta, come quando decise a tavolino di vendere milioni di copie o vincere il festival di Sanremo (con Per Elisa) o di creare il perfetto tormentone: Un’estate al mare. È riuscito a vivere la vita che andava vissuta, dall’alba al crepuscolo, difendendosi dalle insidie di energie lunari. Battiato non ha scelto un’uscita sensazionale come tanti altri artisti; non si è sparato – questa parvenza di vita ha reso antiquato il suicidio – non è scappato, non si è ritirato in collina. Battiato riposa in attesa del prossimo passaggio – perché degna è la vita di colui che è sveglio e ancor di più di chi diventa saggio.

Fra pochi giorni, il 23 marzo, compirà il suo settantaseiesimo anno di transito terrestre. Nacque Francesco Battiato, da tutti conosciuto, come Franco, nome che gli consigliò Giorgio Gaber dopo la sua prima apparizione televisiva nel 1967 (ndr, per non confondersi con Francesco Guccini): “Da quel giorno in poi tutti mi chiamarono Franco, anche mia madre”.

Echi di mantra nel suono del suo nome…

Fonte: https://culturaidentita.it/franco-battiato-lombra-della-luce/

Un viaggio nella maestria (anche linguistica) di Franco Battiato

E così, Franco Battiato ci ha lasciati. Faccio fatica a crederci, perché le sue canzoni hanno accompagnato la mia vita, come credo quella di molte altre persone. Da ragazzina non lo apprezzavo troppo – i suoi testi mi parevano astrusi e distanti dalla mia esperienza di vita – ma crescendo, e ascoltando meglio non solo la musica, ma anche le parole, ho iniziato ad apprezzare la ricchezza dei riferimenti del cantante. Mi ricordo di lunghi viaggi con una macchina in prestito, nel cui mangianastri era perennemente inserita un’unica musicassetta: “L’era del cinghiale bianco”. Forse fu proprio viaggiando su per quei tornanti di montagna, accompagnata da quella cassetta, che ho fatto amicizia con la sua musica.

Ho sempre avuto la sensazione che Battiato sentisse tutto il mondo, e tutte le ere, come casa sua, e che in tutte si sentisse a proprio agio. Lo mostra, secondo me, la ricchezza di riferimenti geografici: dai campi del Tennessee ad Alexanderplatz, Berlino, dalle sponde del Mar Nero a Pechino, da Tunisi a Parigi. Un sito web, Mappiato, sta raccogliendo tutte le tracce geografiche della discografia battiatesca. Con le sue canzoni, il Maestro ha toccato i cinque continenti, compresa l’Isola Elefante, nell’Antartico, dove oggi si trova il monumento eretto in memoria di Shackleton.

Il viaggio di Battiato è geografico, certo, ma anche umano: sono molti i riferimenti a popoli, persone, personaggi: gesuìti (cioè ‘della compagnia di Gesù’, 1583) euclidèi (cioè razionali, rigorosi), danzatόri bùlgaribalinési (‘abitanti dell’isola di Bali), sciamàni (dall’inglese shaman, che è dal tunguso šamān, a sua volta dal pali [medio indiano] samana, derivato dal sanscrito śramana ‘monaco’, 1838), bόnzi (dal portoghese bonzo, dal giapponese bōzu, ‘monaco buddista’, 1549), Dervisches Tourners ossia dervìsci (dal persiano darviš ‘povero’, 1521, ‘membro della confraternita musulmana sufica dei Dervisci, che si propongono l’unione mistica con Dio mediante l’ascesi e la danza’) rotàntizìngari (dal greco. Atsíganoi, nome di una tribù dell’Asia Minore, 1470, ‘chi appartiene a una popolazione originaria dell’India, diffusasi in Europa fin dal XII secolo’) ribèllistudènti di Damàsco (capitale siriana, arabo Dimašq), squaw (adattamento inglese di una voce indiana delle tribù della famiglia algonchina, 1908, ‘sposa, moglie, nel linguaggio degli Indiani dell’America settentrionale’) pèlle di lùna, un mònaco birmàno (della Birmania, oggi Myanmar; il nome deriva dall’inglese Burman, 1828), geishe (vocabolo giapponese, propriamente ‘danzatrice’, composto di sha ‘persona’ e gei ‘d’arte, artistico’, 1905), prostitùte lìbichepròfughi (dal latino prŏfugu(m), da profŭgere ‘fuggire via’, sec. XIV) afgàni

Questi sono solo alcuni dei personaggi che conosciamo tramite le canzoni del Maestro, che sembrava avere un debole per creare immagini evocative semplicemente accostando un sostantivo a un aggettivo: e così, troviamo anche le sigarétte tùrche, i valzer (dal tedesco Walzer, da walzen ‘spianare, ballare’, 1826, ‘danza a coppie di origine tedesca, in tre tempi a movimento allegro o moderato’) viennési, le campàne tibetàne, le mùsiche balcàniche, le dànze sufi (derivato, attraverso l’inglese, dall’arabo ṣūfī, ‘coperto di lana’, da ṣūf ‘lana’, perché i devoti vestivano un saio di lana di cammello, 1494, ‘dottrina e organizzazione mistiche musulmane che ritengono possibile il contatto diretto con Dio attraverso mezzi estatici e meditazione’), le mètro giapponési, il pulvìscolo (dal latino pulvĭsculu(m), diminutivo di pŭlvis ‘polvere’, 1499) londinése, i ballétti rùssi. Con l’aggiunta di un semplice aggettivo, ecco che dei sostantivi tutto sommato normali, come le sigarette o il pulviscolo, diventano delle micro-polaroid di luoghi lontani e tradizioni esotiche.

I testi sono colmi di riferimenti culturali: dal “senso del possesso che fu prealessandrìno” al “coro delle sirene di Ulisse”) e pop (“with a little help from my friends” titolo di un brano dei Beatles contenuto nell’album “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”; “Le mille bolle blu”, canzone di Mina), con uno sguardo talvolta disincantato, “pratico”, sul presente (le bronchiti coi vapori e il Vicks Vaporubcontrollori di volo). Ma emerge anche un altro interesse di Battiato: quello per la scienza. A parte la ricerca del famoso cèntro di gravità (o baricèntro, ‘Punto di applicazione della risultante delle forze peso agenti su ogni singola parte costituente un corpo. In un solido omogeneo il baricentro coincide con il centro di simmetria’) permanènte e le corrènti gravitazionàli, c’è un brano intitolato direttamente Mòto browniano (dal nome di chi per primo lo studiò, il botanico scozzese Robert Brown (1773-1858), 1868, ‘movimento continuo e disordinato di particelle solide o liquide microscopiche in sospensione in un fluido, dovute all’agitazione termica delle molecole del fluido stesso’); e non basta: nel brano Fenomenologia sono inserite le due formulex1= A*sen (ωt) e x2= A*sen (ωt + γ), che rappresentano in due dimensioni le sinusoidali che compongono la doppia elica del DNA. Ma c’è di più: nel 1972 Battiato composte una canzone, “Pollution”, che di fatto è una piccola lezione di fisica sulla portata: “La portata di un condotto / è il volume liquido / Che passa in una sua sezione / Nell’unità di tempo: / E si ottiene moltiplicando / La sezione perpendicolare / Per la velocità che avrai del liquido. / A regime permanente / La portata è costante / Attraverso una sezione del condotto”. Non molti sarebbero stati in grado di musicare un simile testo!

Battiato non temeva di certo le parole difficili, auliche, specialistiche, rare. Nelle sue canzoni incontriamo cariocinèsi (composto di cario– e –cinesi, 1884), equivalente a mitòsi, ossia ‘l’insieme delle trasformazioni nucleari che, nel corso della moltiplicazione cellulare, consente di mantenere costante il numero dei cromosomi nelle cellule figlie’; fisiognòmica (dal greco physiognōmonía, 1579) ‘disciplina parascientifica che cerca di interpretare i caratteri di un individuo dall’aspetto esterno, specialmente dai tratti del viso’; forièro (dall’antico francese fourrier ‘foraggiatore’ che precedeva le truppe, 1557), ‘che precede e annuncia’; kathakali, un teatro-danza indiano, originario dello stato del Kerala e risalente a circa quattrocento anni fa; kundalini (voce sanscrita, propriamente ‘circolare’, 1985) ‘secondo l’induismo, energia presente in ogni essere umano che si manifesta come forza generativa’; mescalìna (dallo spagnolo mezcal, nome di un tipo di agave e quindi del liquore che se ne estrae: da mexcalli, voce indigena del Messico, 1957) ‘alcaloide estratto da una cactacea messicana e dotato di proprietà allucinogene’; sarcofagìa (che nel vocabolario non si trova, viene dal greco antico e significa ‘essere carnivori’).

Allo stesso modo, il Maestro amava cantare in molte lingue diverse. Talvolta, questa tendenza si manifesta attraverso testi in cui è comune il code-switching, cioè il passaggio, all’interno dello stesso periodo, da una lingua all’altra, in altri casi i testi sono integralmente cantati in altre lingue. Incontriamo degli inserti tedeschi in “Ein Tag aus dem Leben des kleinen Johannes”; il francese nel brano “La canzone dei vecchi amanti”; il portoghese in “Secunda feira”; l’inglese in “No time, no space”; lo spagnolo in “Sentimiento nuevo” e in molte canzoni che Battiato ha ricantato in lingua per la gioia dei suoi fan in Spagna; giapponese in “Le aquile volano a stormi”; “Fogh In Nakhal” è cantata interamente in arabo; “Credo” in latino; “Di passaggio” contiene dei versi in greco antico; “U cuntu” è in siciliano, come pure “Caliti junku”, canzone nella quale Battiato canta: “Un antico detto, cinese o tibetano, forse arabo-siciliano, dice così: Caliti junku ‘ca passa la China, caliti junku, da sira ‘a matina”.

La mia sensazione è che Franco Battiato, nel suo misticismo, nella sua perenne ricerca di un altrove e di un’alterità che però per lui erano casa, auspicasse davvero un ritorno all’“Era del cinghiale bianco”: un’epoca mitica, cantata dai Celti, in cui le persone mettevano – e forse metteranno – la sapienza e la conoscenza al primo posto, un’età dell’oro comune a tutte le culture, di pace e splendore.

Fonte: https://dizionaripiu.zanichelli.it/cultura-e-attualita/glossario/un-viaggio-nella-maestria-anche-linguistica-di-franco-battiato/

L’Europa e le lingue

Perché una ?

Non ci sono mai state molte opportunità di lavoro o studio in un altro paese europeo – ma la mancanza di competenze linguistiche impedisce a molti di approfittare di queste possibilità.

La globalizzazione e le nuove esigenze delle imprese fanno capire che i cittadini hanno sempre più bisogno di conoscere lingue straniere per lavorare efficacemente nei rispettivi paesi. L’inglese da solo non basta più.

In Europa si parlano numerosissime lingue – ci sono oltre 200 lingue europee e molte altre ancora che sono parlate dai cittadini la cui famiglia d’origine proviene da altri continenti. Questa è una risorsa importante per essere riconosciuto, utile e stimato.

L’apprendimento delle lingue porta benefici ai giovani e ai meno giovani – non si è mai troppo vecchi per imparare una lingua e godere delle opportunità che essa offre. Anche se si conosce solo qualche parola della lingua del paese che si visita (per esempio in vacanza), questo vi permette di instaurare nuove amicizie e avere nuovi contatti.

Imparare le lingue degli altri popoli è un modo di aiutarci a comprendere meglio la loro cultura ma anche superare le nostre differenze culturali.

Le competenze linguistiche sono una necessità e un diritto per tutti – questo è uno dei messaggi principali della Giornata europea delle lingue.

Gli obiettivi generali sono quelli di sensibilizzare su:

  • la ricchezza della diversità linguistica dell’Europa, che deve essere preservata e valorizzata;
  • la necessità di diversificare la gamma di persone che imparano le lingue (comprese le lingue meno diffuse), che si traduce in plurilinguismo;
  • la necessità per le persone di sviluppare un certo grado di conoscenza di due lingue o più per essere in grado di svolgere appieno il loro ruolo nella cittadinanza democratica in Europa.

… Il Comitato dei Ministri ha deciso di dichiarare una Giornata europea delle lingue da celebrare il 26 settembre di ogni anno. Il comitato ha raccomandato che la Giornata deve essere organizzata in modo decentrato e flessibile secondo i desideri e le risorse degli Stati membri, che, così facendo consentirebbe loro di definire meglio i propri metodi, e che il Consiglio d’Europa proporrà un tema comune di ogni anno. Il Comitato dei Ministri invita l’Unione europea ad aderire al Consiglio d’Europa in questa iniziativa. C’è’da sperare che la Giornata sarà celebrata con la collaborazione di tutti i partner interessati. Decisione del Comitato dei Ministri del Consiglio d’Europa, Strasburgo (776 meeting – 6 dicembre 2001)

Fonte: http://edl.ecml.at/Home/WhyaEuropeanDayofLanguages/tabid/1763/language/it-IT/Default.aspx

Le famiglie delle lingue

Le lingue sono imparentate come i membri di una famiglia. La maggior parte delle lingue Europee possono essere raggruppate, a causa delle origini comuni, in un unico gruppo: la grande famiglia linguistica Indo – Europea. Le famiglie in Europa che contano più lingue-membro e che sono più parlate sono le lingue germaniche, le lingue romanze e le lingue slave. La famiglia linguistica germanica ha un ramo nordico al quale appartengono il danese, il norvegese, lo svedese, l’islandese e il faroese; un ramo occidentale al quale appartengono il tedesco, l’olandese, il frisone, l’inglese e lo yiddish. La famiglia delle lingue romanze ha come membri il rumeno, l’italiano, il corsico, lo spagnolo, il portoghese, il catalano, l’occitano, il francese, il romancio, il ladino e il sardo. Alla famiglia delle lingue slave appartengono lingue come il russo, l’ucraino, il bielorusso, il polacco, il sorbian, il ceco, lo slovacco, lo sloveno, il serbo, il croato, il macedone e il bulgaro. Tra la famiglia celtica ci sono l’irlandese, il gaelico scozzese, il gallese e il bretone, con il ritorno di movimenti per il Cornish e Manx. Alla famiglia Baltica appartengono il lettone e il lituano. Famiglie separate solo con un membro sono il greco, l’albanese e l’ armeno. Il basco è un caso eccezionale, perché non appartiene alla famiglia Indo – Europea e le sue origini sono sconosciute. Anche altre famiglie linguistiche hanno membri in Europa. A nord incontriamo le lingue uraliche: il finlandese, l’estone, l’ungherese, alcune lingue Lapponi, e altre lingue della parte settentrionale della Federazione Russa non molto conosciute come Ingriano o Kareliano. Nel sud-est incontriamo rappresentanti delle lingue Altaiche, in particolare il turco e l’azero. Le lingue della famiglia caucasica si parlano in una piccola e compatta zona tra il Mar Nero e il Mar Caspio, e comprende circa 40 membri, tra loro il georgiano e Abkhaza. La famiglia afro – asiatica include il maltese, l’ebraico e il berbero. Tutte queste lingue usano un piccolo numero di caratteri alfabetici. La maggior parte delle lingue usa l’alfabeto romano (o latino). Il russo e alcune altre lingue slave usano il cirillico. Il greco, lo yiddish, l’armeno e il georgiano hanno il loro proprio alfabeto. Lingue non – europee che si usano molto nella regione di Europa sono l’arabo, il cinese e l’hindi, ognuna con il suo sistema di scrittura.

Fonte: http://edl.ecml.at/Home/Thecelebrationoflinguisticdiversity/tabid/2972/language/it-IT/Default.aspx

Le lingue dell’Europa

È difficile dire quante lingue si parlano al mondo. Questa affermazione spesso sorprende chiunque non si dedichi alla linguistica, eppure è proprio così. Naturalmente, in Europa succede lo stesso e non c’è da meravigliarsi.

Nel continente europeo ci sono lingue che erano quasi scomparse e che ultimamente hanno ripreso vigore (come il tataro di Crimea, parlato da un popolo che ha subito la deportazione); lingue che arrivano con le persone che le parlano (come il cinese); lingue che, per volontà della società che ne fa un elemento di identificazione e di coesione sociale, nascono da altre già esistenti (come il lussemburghese, che in origine era una variante del tedesco); e lingue che vogliono resuscitare (come il cornico). Purtroppo, ci sono anche lingue che scompaiono (come l’aragonese). Per tutto ciò, è difficile dire quante lingue si parlano in Europa.

Possiamo comunque considerare che il numero di lingue parlate nel continente europeo, dall’oceano Atlantico alla catena degli Urali – esclusa, però, la catena del Caucaso – è di circa settanta, senza contare le varie lingue dei segni delle diverse comunità di sordi né tutte le lingue che usano quotidianamente i nuovi europei venuti da ogni parte del mondo.

La maggior parte di questa settantina di lingue appartiene alla famiglia indoeuropea; questo vuol dire che hanno un’origine comune e che quindi si assomigliano, sebbene a volte tali somiglianze – tra l’italiano e lo svedese, per esempio – possano essere rilevate solo dagli specialisti, perché non sono affatto evidenti a prima vista. In Europa si parlano anche lingue della famiglia uralica (come il finlandese, l’estone, il sami o l’ungherese) e di quella altaica (come il turco e il tataro); e, ancora, una lingua della famiglia afroasiatica – il maltese, imparentato con l’arabo – e una lingua che non appartiene ad alcuna famiglia nota: il basco.

In Europa sono indoeuropee le lingue baltiche (il lettone e il lituano), celtiche (come il gaelico irlandese, il gallese o il bretone), slave (come il russo, il polacco, il sorabo o il macedone), germaniche (come l’inglese, il tedesco, il frisone o l’islandese) e romanze (come l’italiano, lo spagnolo, il catalano, il rumeno o l’occitano), e anche il greco, l’albanese e il rom, la lingua indoiranica parlata da tanti zingari europei.

Nel corso della storia, le lingue europee hanno preso in prestito vocaboli l’una dall’altra (e anche, ovviamente, da lingue di altri continenti), stabilendo una feconda interrelazione. Così, solo a titolo d’esempio, dal turco sono passati ad altre numerose lingue europee vocaboli quali havyiàr (‘caviale’) e yoğurt (‘yogurt’). Il termine sauna, presente in molte lingue, viene dal finlandese.

La principale sfida che oggi devono affrontare le società europee è quella di conservare la diversità linguistica che, senza mai entrare in contraddizione con la notevole unità culturale, hanno sempre sviluppato; insieme alle lingue dell’immigrazione, attualmente di così grande importanza. Ciò significa trovare formule di comunicazione sovranazionale che non favoriscano l’egemonia di alcuna lingua, e al tempo stesso dare vigore a tutte le lingue del continente che, per motivi economici o politici, si trovano in una situazione di debolezza che minaccia la loro stessa sopravvivenza.

Fonte: http://www10.gencat.cat/casa_llengues/AppJava/it/diversitat/diversitat/llengues_europa.jsp

Il multilinguismo nell’UE

L’Unione europea incoraggia il multilinguismo, concetto che si riferisce sia alla capacità del singolo di usare più lingue, sia alla coesistenza di differenti comunità linguistiche in una determinata area geografica. La lingua è l’espressione più diretta della cultura di un popolo; essa è ciò che ci rende cittadini di uno stato e che ci conferisce un senso di identità.  Al tempo stesso, le lingue possono servire da ponte verso altre persone e dare accesso ad altri paesi e culture promuovendo la comprensione reciproca.

Attualmente le lingue ufficiali dell’Unione Europea sono 23 (sebbene esistano più di 60 lingue autoctone e dozzine di lingue non autoctone parlate da comunità di migranti) in rappresentanza dei 27 Stati membri. Ciascuno Stato membro, al momento di entrare nell’UE determina quale o quali lingue desidera siano dichiarate lingue ufficiali dell’Unione. L’Unione europea utilizza, dunque, le lingue scelte dagli stessi governi nazionali, e non un’unica lingua franca o un numero ridotto di lingue scelte arbitrariamente ed incomprensibili alla maggioranza dei cittadini dell’Unione.

Il trattato istitutivo dell’Unione europea stabilisce che ogni cittadino dell’Unione possa scrivere alle istituzioni europee in una delle lingue ufficiali ed averne una risposta nella medesima lingua e che tutti i documenti ufficiali vengono redatti in tutte le lingue ufficiali dell’Unione, al fine di garantirne la comprensibilità.

Il multilinguismo rientra tra i principi fondamentali dell’UE, sin dall’inizio del processo di integrazione, in quanto la coesistenza armoniosa di molte lingue è riconosciuta come valore fondamentale dell’UE dal Trattato di Lisbona che rispetta la ricchezza rappresentata dalla diversità culturale e linguistica e vigila sulla tutela e sullo sviluppo del patrimonio culturale europeo, in coerenza con quanto stabilito dall’art.  22 della Carta dei diritti fondamentali dell’Unione europea.  L’articolo 21 della Carta vieta qualsiasi forma di discriminazione fondata su numerosi motivi, compresa la lingua.

La politica ufficiale di multilinguismo dell’UE voluta , espressamente voluta come strumento di governo, è unica al mondo e persegue tre obiettivi distinti:

  • incoraggiare l’apprendimento delle lingue e promuovere la diversità linguistica nella società;
  • favorire un’economia multilingue efficiente;
  • dare ai cittadini un accesso alla legislazione, alle procedure e alle informazioni dell’Unione europea nella loro lingua.

Per l’Unione europea, l’uso delle lingue dei suoi cittadini è uno dei fattori che contribuiscono a renderla più trasparente, legittima ed efficiente, oltre a dare un valido contributo alla competitività dell’economia europea.

Nel 2002, a Barcellona, i capi di Stato e di governo si sono posti come obiettivo comune l’insegnamento di due lingue straniere, fin dall’infanzia, a tutti i cittadini. L’obiettivo, detto “di Barcellona” (“lingua materna più due”) segna il passaggio da una politica mirante semplicemente a preservare le lingue ad una politica che si propone di svilupparne attivamente le potenzialità.

Fondamentali, per comprendere l’impegno costantemente profuso dalla Commissione europea in questo settore specifico, sono il programma per l’apprendimento permanente ed una serie di iniziative politiche, come la comunicazione «Multilinguismo: una risorsa per l’Europa e un impegno comune«, adottata nel settembre 2008. L’approccio politico perseguito dalla Commissione prevede la partecipazione attiva di tutti i propri servizi e degli Stati membri. Oltre ad organizzare conferenze, seminari e campagne d’informazione, l’esecutivo Ue commissiona studi e controlla l’evoluzione delle politiche e la loro attuazione.

Fin dall’inizio del suo precedente mandato (2005 – 2009), la Commissione presieduta da Josè Manuel Barroso ha riconosciuto l’importanza di questa singolare politica linguistica, nominando un difensore della sua causa al più alto livello: il commissario Leonard Orban, che è stato competente per il multilinguismo a partire dal 1° gennaio 2007.

Attualmente, in seguito alla rinnovata composizione dell’esecutivo dell’Unione (sempre presieduto dal portoghese José Manuel Barroso), in carica per il periodo 2007 – 2013, il multilinguismo costituisce un nuovo portafoglio, accorpato a Cultura e Istruzione, Cultura e Gioventù ed affidato al commissario cipriota Androulla VASSILIOU.

L’impegno assunto dal nuovo commissario sul fronte del multilinguismo è sintetizzato nella seguente dichiarazione:” Nel mio ruolo di commissaria per Istruzione, cultura, multilinguismo e gioventù, darò priorità alle azioni con cui possiamo portare benefici concreti ai cittadini e contribuire a un’Europa migliore. Sapere le lingue è utile sia nella vita sociale che in quella personale, apre la mente e aiuta a capire la diversità culturale, che è parte integrante della ricchezza dell’Europa. Dobbiamo sostenere non solo le 23 lingue ufficiali dell’UE, ma anche le sue 60 lingue regionali e minoritarie. Uno dei miei impegni principali sarà promuovere l’apprendimento delle lingue fin dalla più giovane età: bisogna che ogni cittadino europeo parli almeno due lingue straniere in aggiunta alla propria. La conoscenza delle lingue migliora le prospettive di lavoro, la comunicazione e l’intercomprensione, in Europa e nel mondo.»

Fonte: http://www.europedirectfrosinone.it/index.php?option=com_content&view=article&id=11&Itemid=11

Multilinguismo: la sfida quotidiana per gestire la babele europea

Bulgaro, ceco, danese, estone, finlandese, francese, greco, inglese, irlandese, italiano, lettone, lituano, maltese, olandese, polacco, portoghese, rumeno, slovacco, sloveno, spagnolo, svedese, tedesco, ungherese. Ormai è un lavoraccio anche solo elencarle tutte. Pensate come può essere tradurre, ogni giorno, in ognuna delle 23 lingue ufficiali dell’Unione europea, ogni singolo regolamento e atto normativo. Un lavoro faraonico, destinato a diventare sempre più impegnativo nei prossimi anni, mano a mano che gli attuali 27 aumenteranno di numero: presto l’ingresso della Croazia porterà le lingue ufficiali a 24 e nel giro dei prossimi 15-20 anni si potrebbe arrivare facilmente a 30.

Una babele di non facile gestione che, soprattutto in tempi di austerity, viene sempre più spesso additata come un costo inutile che si potrebbe tagliare, ad esempio adottando come sola lingua ufficiale quell’inglese che sta già spontaneamente diventando una lingua franca parlata e compresa più o meno da tutti. “Impossibile. Dietro a questo discorso di lingue sta un discorso di democrazia” spiega Diego Marani, scrittore e funzionario della direzione generale interpreti alla Commissione europea: “Non si può adottare la lingua di un Paese a scapito di altri 26. Si darebbe un vantaggio smisurato a un popolo, a dispetto degli altri”. In concreto: cosa sarebbero capaci di fare gli italiani se ricevessero le loro direttive in inglese o fossero obbligati a partecipare a gare d’appalto europee esclusivamente in inglese?

Secondo le statistiche di Eurostat e Eurobarometro, aggiunge il finlandese poliglotta (con una decina di lingue all’attivo) Johan Haggman, coordinatore del team della Commissione europea che si occupa di multilinguismo, il 50% della popolazione europea sa l’inglese o ne ha qualche base, ma soltanto il 20% ne ha conoscenze abbastanza approfondite da poter comprendere la legislazione che li riguarda: per questo “la traduzione in tutte le lingue ufficiali è una questione democratica e di trasparenza”.

Senza contare che il costo non è elevato quanto si potrebbe pensare. Tutta la traduzione e l’interpretazione delle istituzioni europee: Commissione, Consiglio, Parlamento, Comitato delle Regioni e Comitato economico e sociale, calcola Haggman, costa 1,1 miliardi all’anno. “Se lo si divide per la popolazione dell’Ue, che è di 500 milioni di persone, diventa 2,2 euro per persona ogni anno: costa come un caffè macchiato, diciamo un cappuccino”. Una spesa che pesa per meno dell’1% del bilancio totale dell’Ue, pochissimo se comparato ad esempio all’agricoltura che ne costituisce il 40%.

Per motivi di tempo e di risorse finanziarie, è stato comunque limitato il numero dei documenti di lavoro tradotti in tutte le lingue. La Commissione europea ha adottato tre lingue procedurali di lavoro: l’inglese, il francese e il tedesco, mentre il Parlamento europeo fa tradurre i suoi documenti a seconda delle necessità dei parlamentari.

Sebbene un Commissario europeo specificamente votato al multilinguismo sia esistito soltanto dal 2007 al 2010, anche oggi la Commissione continua il suo lavoro di sostegno alle politiche che in questo settore vengono messe in campo dagli Stati membri, unici ad avere la sovranità su questo tema.“Il multilinguismo che noi intendiamo alla Commissione è il multilinguismo di un individuo che conosce più lingue” ricorda Diego Marani. “Al Consiglio europeo di Barcellona del 2002 – continua – ai governi scappò detto che si ponevano come obiettivo che i cittadini europei parlassero la loro lingua più due lingue straniere, e questo ci ha dato la possibilità di chiedere un resoconto agli Stati membri su cosa stessero facendo per raggiungere questo obiettivo”.

La teoria che vogliamo diffondere, spiega anche Johan Haggman, è il valore aggiunto a livello personale e professionale della conoscenza delle lingue: “Una persona che parla più lingue ha più possibilità di trovare un lavoro o di essere promosso nell’organizzazione o nell’impresa in cui lavora”. Uno studio fatto in Gran Bretagna, continua il funzionario del multilinguismo, dimostra che le imprese britanniche perdono opportunità di commercio a causa delle carenze linguistiche. Soprattutto le piccole e medie imprese hanno difficoltà a conquistare nuovi mercati perché hanno personale monolingue. “Si può comprare in tutte le lingue ma si può vendere solo nella lingua del consumatore”, conclude Haggman. Per questo “ci serve sapere anche le lingue di altri continenti o di Paesi terzi, come il cinese, l’indù, l’arabo, lo spagnolo per l’America latina o il portoghese per il Brasile, oppure l’Europa non potrà più concorrere con gli altri continenti”.

In un periodo così difficile per l’occupazione, insomma, la conoscenza delle lingue dà un vantaggio competitivo non trascurabile. “La employability è il nostro criterio ora”, chiarisce Diego Marani: “Cerchiamo, quando ci vengono presentati i progetti di finanziamento di dare maggiore attenzione a quelli che sviluppano maggiore possibilità di impiego con conoscenza lingue”. Senza contare che ci sono diverse nuove professioni che emergono in questo campo. “C’è ad esempio una nuova professionalità linguistica specifica che si sta sviluppando che in inglese si chiama Legal interpreting (interpretazione giuridica). In concreto si tratta di fornire assistenza giuridica ad un imputato che non parla la lingua ufficiale del paese in tutto l’iter giudiziario dall’incriminazione al processo”, racconta il funzionario italiano. Ma si tratta solo di uno tra i tanti esempi possibili.

L’invito a studiare le lingue, però, non sempre fa presa, sopratutto in Gran Bretagna, per cui la diffusione dell’inglese sta diventando un’arma a doppio taglio. “I britannici non percepiscono più la competenza linguistica come una necessità, visto che dovunque vanno trovano gente che parla inglese” racconta il funzionario italiano. Una tendenza che sta causando qualche problema alla Commissione, in difficoltà nel reperire interpreti e traduttori anglofoni: “Ora che va in pensione la grossa generazione di interpreti che ha cominciato a lavorare negli anni ’70 – continua Marani – abbiamo difficoltà nel ricambio generazionale: quando ci sono i bandi non riceviamo abbastanza candidature o non troviamo persone abbastanza competenti”.

Fonte: http://www.eunews.it/2013/05/20/multilinguismo-la-sfida-quotidiana-per-gestire-la-babele-europea/7127

Video:

Le Origini della Lingua Italiana

Le origini e i primi documenti dell’italiano

L’italiano, come detto, si evolve direttamente dal latino volgare, da non confondersi col latino classico (tipico di Cicerone per esempio), ed infatti la maggioranza delle parole deriva proprio dalla lingua dei romani. L’area in cui si sono sviluppate le lingue figlie del latino viene chiamata Romània, da non confondersi con lo stato rumeno.

Tutto ciò è importante perché alla base della scoperta delle origini di una lingua, è d’obbligo la comparazione fra i vari sviluppi che il latino volgare ha succeduto. Per cui se in una fase primaria l’italiano più era reso magis sia in Iberia, Gallia, Italia e in Dacia, le trasformazioni porteranno in ordine a mas, plus, più e mai. Uno dei documenti più importanti che ci attesta le neoformazioni dal latino volgare verso una nuova lingua è la cosiddetta Appendix Probi redatta molto probabilmente da un grammatico tardo antico chiamato Valerio Probo: in questa Appendix Probi viene stilata una lista di 227 parole o grafie non corrispondenti alla forma reale e cosiddetta di buona norma e dunque è fondamentale osservare come fra il IV d.C. e il VI secolo d.C. (è attribuita sì a Valerio Probo, ma con scarse certezze) già si effettuassero studi di cambiamenti linguistici importanti. Vedi tabella.

L’errore divenne quindi lentamente nei secoli la norma per tutti i parlanti, e questo, è un pericolo per tutte le lingue vive nel mondo. L’Appendix Probi in ultima analisi è un buon monito a mantenere sempre un uso corretto di una lingua, per non diventare dei parlanti di una lingua standard in via d’estinzione.

La genesi di una nuova lingua è tuttavia cosa lunga e complessa: l’italiano per esempio, va ricondotto a diversi passaggi storici. Nel 489 d.C. entrarono nella penisola gli Ostrogoti guidati da Teodorico ed è in questi anni che ci fu l’introduzione della lingua gotica tramite la traduzione della Bibbia da parte del vescovo Ulfila: ancora oggi nel nostro vocabolario, sono presenti diverse parole di origine gotica come astio, bega, melma, stronzo, strappare, ecc.

L’invasione dei longobardi nel 568 d.C. fu segnata da fatti d’arme e di integrazione difficile e anche da parte di questi ci fu una trasmissione di lemmi molto importanti: panca, scranna, scaffale, federa, gruccia, palla, ecc. sono tutti termini di origine longobarda.

L’insediamento dei franchi ebbe un carattere diverso da quello di goti e Longobardi, in quanto ci fu l’insediamento di una certa élite di nobili al potere militare e civile. In questo caso una delle difficoltà più grandi nel trovare le parole di origine franca è quella di non cadere nell’errore di intravedere nei prestiti più avanti nei secoli della lingua d’oc quelli franchi. Sono probabilmente da considerare franchismi termini come biondo, dardo, guanto, usbergo, ecc.

La via di transizione fra il latino classico/volgare e la nuova lingua romanza era il latino medioevale usato frequentemente nei documenti notarili e ufficiale, ma anche in testi letterari scritti per esempio da Isidoro di Siviglia e dallo stesso Dante. Quando il latino volgare riuscì a permeare nel latino medioevale questa fusione diede vita alla lingua romanza arcaica. Prima di analizzare i primi documenti considerati in italiano volgare è doveroso dire che questi testi furono, molto probabilmente, totalmente il frutto della casualità e dell’improvvisazione testuale. Infatti, chi ha redatto il documento a breve in questione, voleva realmente scrivere in italiano o in latino? Per quanto riguarda la nascita del primo testo francese, che fu il Giuramento di Strasburgo dell’842, non abbiamo dubbi che esso fu scritto intenzionalmente per via della sua ufficialità che non lascia spazio a fraintendimenti.

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Dante perde la paternità: la lingua italiana è nata in Sicilia

Il ritrovamento di alcune poesie della scuola siciliana in una biblioteca lombarda da parte del ricercatore Giuseppe Mascherpa riporta in primo piano il dibattito sulle reali origini della lingua italiana. Il tema è riproposto da Cesare Segre in un articolo sul Corriere della Sera del 13 giugno, che sottolinea come proprio al «cambiamento di prospettiva» nella ricerca sia dovuto l’improvviso rivelarsi, negli ultimi tempi, di manoscritti duecenteschi in luoghi fino ad ora insospettabili. Ne è esempio la scoperta di almeno quattro testi poetici siciliani sul verso di pergamene recanti sentenze di condanna di esponenti di grandi famiglie guelfe per violazioni di norme sui tornei. A quei tempi, si sa, i notai erano spesso poeti, e riempivano in tal modo gli spazi bianchi, al fine di impedire che ci fossero aggiunte illecite a margine degli atti.
Si tratta di frammenti di poesie importanti, ascrivibili tra gli altri ad autori come Giacomo da Lentini, ‘il Notaro’ fondatore della Scuola, e addirittura a Federico II, l’imperatore-poeta che ne fu il geniale promotore. Avvenuta nel cruciale ventennio 1270-1290, la trascrizione induce a ipotizzare l’esistenza di un piccolo canzoniere di liriche della Scuola siciliana, circolante in Lombardia in quegli anni. E va ad aggiungersi al recente ritrovamento di un altro manoscritto mutilo, rinvenuto da Luca Cadioli nella soffitta di una dimora nobiliare milanese, che contiene l’unica fedele traduzione dal francese del Lancelot du lac, il famigerato romanzo sugli amori di Lancillotto e Ginevra, ricordato da Francesca da Rimini nel canto V dell’Inferno.
Adesso come allora, ancora una volta per noi, «Galeotto fu il libro e chi lo scrisse»: questi ritrovamenti suonano come una convalida dell’originale idea che la nostra lingua nasca agli inizi del Duecento dalla rivolta dei poeti siciliani contro il latino ecclesiastico, sviluppata nel 2011 nel saggio L’ombra di Cavalcanti e Dante (L’Asino d’oro edizioni).

Le trascrizioni dei siciliani sono interessanti soprattutto perché lasciano intravvedere l’originale veste linguistica delle liriche, finora perduta tranne che in un singolo caso, e sono antecedenti alla versione toscanizzata attraverso cui le conosciamo. Se ne ricostruisce, è quanto qui ci importa dedurre, il panorama di una cultura letteraria laica, diffusa nel Duecento nella penisola italiana ben al di là di quanto lo schema tradizionale lasci immaginare.
Si intacca in questo modo una consolidata ricostruzione storica che fa dei toscani, all’indomani della caduta degli Svevi e del partito ghibellino a Benevento (1266), i soli eredi della poesia siciliana. E in effetti viene subito in mente che l’Italia settentrionale accolse catari e trovatori in fuga, all’indomani della feroce crociata albigese che disperse la civiltà della vicina Provenza. E che nell’Italia settentrionale persisteva una diffusa tradizione di cantari francesi d’amore e d’avventura che, ripresa felicemente nella Ferrara quattrocentesca dall’Orlando innamorato di Boiardo, fu poi riportata nel Furioso di Ariosto alla norma anche linguistica del fiorentino canonizzato nel 1524 dal cardinale Pietro Bembo.
La reazione della Chiesa contro la magnifica fioritura laica del Duecento fu infatti durissima, se ancora nel febbraio del 1278 nell’Arena di Verona un immane rogo arse gli ultimi 166 catari, e nel 1285 fu assassinato il filosofo parigino Sigieri di Brabante. Scomunicato e condannato a morte, attendeva il perdono papale nella curia di Orvieto, dove si era rifugiato dopo che nel 1277 il vescovo di Parigi Tempier aveva giudicato eretiche le proposizioni dell’averroismo latino che avevano animato, col De amore di Andrea Cappellano, la poesia delle origini fino allo Stilnovismo di Guinizzelli e Cavalcanti. Il delitto certo non passò inosservato negli ambienti Stilnovisti. Così nell’ultimo decennio del Duecento venne la conversione di Dante dall’amore per la donna all’amore per Dio, che procede per tappe successive dalla Vita Nova attraverso il Convivio fino alla Commedia. Venne, nell’anno 1300 in cui si colloca il viaggio oltremondano della Commedia, l’esilio da Firenze firmato da Dante e la precoce morte di Cavalcanti.

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Video:

I Dialetti d’Italia

Dialetto

La lingua del cuore

Di sicuro avete sentito parlare e magari parlate voi stessi un dialetto. Il fatto non è così eccezionale, se si pensa che l’Italia è la nazione europea più ricca di dialetti. Anzi, fino a pochi decenni fa la maggior parte della popolazione italiana sapeva parlare solo il dialetto e non conosceva l’italiano; perfino l’italiano stesso, all’inizio, non era che uno dei tanti dialetti parlati in Italia

Quando sono nati i dialetti e perché si chiamano così?

La storia dei dialetti italiani è, per molti versi, la storia stessa dell’italiano. Infatti, l’italiano deriva dal latino, così come dal latino discendono i dialetti che si parlano in Italia. Inizialmente tutte le lingue derivate dal latino venivano chiamate lingue volgari o semplicemente volgari. La parola volgare vuol dire appunto parlato dal volgo (dal latino vulgus), cioè dal popolo, che ormai non conosceva più il latino. Così il siciliano, il bolognese, il piemontese, il veneziano, il lombardo, che oggi chiamiamo dialetti, all’inizio erano lingue volgari.

Il toscano all’inizio era solo uno dei tanti volgari. L’italiano si chiama così, infatti, solo dal 16° secolo; e con il termine italiano si indica il volgare toscano riconosciuto ormai come lingua di tutta la nazione. Il termine dialetto nasce in questo periodo per distinguere tutti i volgari parlati nelle varie parti del paese dal toscano divenuto nel frattempo l’italiano.

Quanti sono i dialetti in Italia?

Contare i dialetti è veramente difficile, se non impossibile. È difficile da tracciare il confine tra un dialetto e l’altro. Infatti in ciascun paese e in ogni villaggio il dialetto ha spesso caratteristiche che lo differenziano da quello del paese o del villaggio vicino. In genere si fa riferimento a regioni, a province o a grandi città per definire i dialetti. E così parliamo di dialetto calabrese, piemontese o lombardo, milanese, cosentino, e così via. Ma in realtà sono denominazioni molto larghe e imprecise, perché spesso le differenze sono tali che non vi è possibilità di comprensione reciproca perfino all’interno della stessa regione.

Inoltre, i suoni dei dialetti dell’Italia settentrionale, centrale e meridionale possono essere notevolmente diversi tra loro. Parte di questa diversità dipende addirittura dalle lingue che vi erano parlate prima della diffusione del latino. Insomma i conti precisi non si possono fare. Data questa estrema diversità, si può tentare una classificazione dei dialetti? Gli studiosi, pur consapevoli dell’inevitabile imprecisione, hanno proposto una classificazione dei dialetti italiani basandosi più sulle somiglianze che sulle differenze.

Che differenza c’è tra una lingua e un dialetto?

Nemmeno gli studiosi trovano una risposta unica e condivisa sulle differenze tra una lingua e un dialetto. A ogni modo, si può dire che il dialetto potrebbe essere definito come una lingua utilizzata da un gruppo ristretto di persone, in un luogo specifico e che non ha usi ufficiali: si dice che una lingua ha usi ufficiali se è utilizzata nella scuola e nell’amministrazione, per esempio negli uffici pubblici e nei tribunali.

Così, per esempio, se vivete in Puglia e conoscete il dialetto potrete comunicare in dialetto pugliese con altri pugliesi. Ma se parlate con un romano, un veneziano, un marchigiano sarebbe molto difficile comunicare con loro continuando a usare il vostro dialetto. Una differenza evidente consiste dunque nella limitazione territoriale dei dialetti, nel fatto cioè che essi sono limitati a una determinata area geografica, rispetto all’italiano che si parla in tutta la nazione. Altre differenze sono di uso sociale: la scuola, i giornali, la televisione, il cinema, l’amministrazione pubblica usano infatti l’italiano e non il dialetto. Inoltre, chi conosce il dialetto in genere lo adopera molto di più in famiglia e con gli amici, mentre fuori di casa e con gli estranei usa più frequentemente l’italiano.

Continua a leggere: 

http://www.treccani.it/enciclopedia/dialetto_%28Enciclopedia_dei_ragazzi%29/

Dialetto oggi in Italia

Chi parla dialetto, con chi, dove e quando, nell’Italia contemporanea? Per rispondere a questa domanda si può partire con l’esaminare gli esiti del sondaggio nazionale più recente sul tema, condotto dall’ISTAT nel 2006 (liberamente consultabile in rete: http://www.istat.it/ ). Confrontandoli con quelli di inchieste precedenti, si rileva innanzitutto, a fronte di un generale consolidamento dell’uso dell’italiano (nel 2006, dichiara di parlare solo o prevalentemente italiano in famiglia il 45,5% degli intervistati, con amici il 48,9%, con estranei il 72,8%), una diminuzione dell’uso esclusivo del dialetto. Diminuisce cioè la percentuale di coloro che dichiarano di usare solo o prevalentemente il dialetto (nel 2006, in famiglia il 26%, con amici il 13,2%, con estranei il 5,4%). Tale decremento è tuttavia parzialmente compensato dall’incremento percentuale di chi dichiara di usare il dialetto alternato o frammisto all’italiano (nel 2006, in famiglia il 32,5%, con amici il 32,8%, con estranei il 19%). Si nota inoltre un lieve rallentamento nella crescita dell’uso esclusivo dell’italiano.

 Alternato o frammisto all’italiano

 L’uso del dialetto differisce poi in relazione alle principali variabili sociali: età, istruzione, sesso (che risulta però la variabile meno influente). Si dimostrano tipicamente più propensi all’uso del dialetto gli anziani, gli incolti, gli uomini; meno i giovani, i colti e le donne. Si riscontrano altresì differenze evidenti in relazione ai domini d’uso. A parità di altre condizioni, il dialetto è usato soltanto raramente con gli estranei e in situazioni pubbliche, sostanzialmente non ricorre in situazioni molto formali, è adoperato di preferenza in famiglia (specie da parte degli anziani) e con amici. Il dialetto, infine, può ritenersi tendenzialmente più vitale in provincia e meno in ambiente urbano.

Se questo è il quadro generale, occorre però sottolineare l’esistenza di forti diversità da regione a regione. Il Nord-Ovest, insieme all’Italia Centrale (andrebbero però considerate a sé le situazioni peculiari della Toscana e di parte del Lazio, in cui la differenza fra italiano e dialetto è sensibilmente meno spiccata che nelle altre regioni), conosce le percentuali più basse di impiego del dialetto, sia in famiglia sia con amici sia con estranei. Le aree più dialettofone sono invece il Sud, le Isole e il Nord-Est; il Veneto, in particolare, si rivela la regione d’Italia in cui l’uso del dialetto è ancor oggi più diffuso.

A ciò si aggiunga che l’uso alternato o frammisto di italiano e dialetto si dimostra in costante crescita in tutte le varie realtà regionali e, rispetto all’uso esclusivo di uno dei due codici, presenta differenze meno sensibili in relazione sia a variabili sociali sia ai diversi domini d’uso.

 Arricchimento, non impedimento

 Rispetto a venti o trenta anni or sono, è poi profondamente cambiato l’atteggiamento della comunità parlante nei confronti del dialetto. Anche per effetto della diffusione sociale ormai fondamentalmente generalizzata dell’istruzione scolastica e della lingua nazionale, oggi il dialetto non è più sentito come la varietà di lingua dei ceti bassi, simbolo di ignoranza e veicolo di svantaggio o esclusione sociale; gli atteggiamenti nei suoi confronti, almeno in molte regioni, non sono più stigmatizzanti com’era ancora pochi decenni or sono. Sapere e usare un dialetto, oggi, è spesso valutato positivamente; rappresenta una risorsa comunicativa in più nel repertorio individuale, a disposizione accanto all’italiano, di cui servirsi quando occorre e specie in virtù del suo potenziale espressivo. Un arricchimento, insomma, e non più un impedimento.

 Dialetto per scherzare, sul web

Connesso con questo cambiamento generale di atteggiamento è il fatto che il dialetto tenda ora a comparire in domini e ambiti d’uso diversi rispetto al passato: tra gli altri, nelle insegne di esercizi commerciali, nella musica giovanile, e marginalmente nei fumetti, nell’enigmistica, nella pubblicità nazionale, ma soprattutto nella comunicazione mediata dal computer. La presenza del dialetto nel web (escludendo i veri e propri siti dialettali, per lo più opera di élites di cultori del dialetto) si manifesta prevalentemente nell’uso alternato o frammisto all’italiano e soddisfa spesso funzioni ludico-espressive; nondimeno, in certi casi ha funzione primariamente referenziale e in altri principalmente valore simbolico, di espressione di un’identità locale e culturale. La comunicazione mediata dal computer, è bene sottolinearlo, rappresenta un nuovo ambito non soltanto d’uso ma, più specificamente, di scrittura del dialetto (con tutte le implicazioni che ne conseguono: le funzioni ludico-espressive sopra menzionate, ad esempio, e specie per certi dialetti, sono in parte connesse proprio allo scrivere una lingua che non si è abituati né a vedere scritta né tanto meno a scrivere).

 Dai nonni ai giovani

 L’uso scritto del dialetto, che non sia per scopi letterari, si riscontra altrimenti quasi esclusivamente presso attivisti di movimenti per la promozione di dialetti locali, talvolta con rivendicazioni ideologico-politiche antiitaliane. Ancorché sporadica, la presenza del dialetto nella comunicazione spontanea in rete è inoltre di particolare interesse poiché coinvolge prevalentemente le giovani generazioni, quelle meno propense alla dialettofonia e allo stesso tempo quelle che giocano il ruolo più cruciale per il futuro del dialetto, e più in generale per le tendenze in atto nella situazione contemporanea. L’acquisizione del dialetto da parte delle giovani generazioni, va ricordato, è avvenuta nella maggior parte dei casi non a livello di lingua materna ma, sia pure in modo frammentario e incompleto, al di fuori del canale generazionale diretto: una funzione importante hanno esercitato i nonni e più in generale l’ambiente circostante, nel quale il dialetto era (ed è ancora) diffusamente presente.

 Schiscià nel sit

 Il dialetto è soggetto inoltre all’influenza della lingua di prestigio con cui è stato per secoli in contatto. Il processo di italianizzazione, di lunga durata, ha iniziato a intaccare la fonetica e la morfosintassi dei dialetti italiani già nel Seicento, per poi arrivare a toccare più vistosamente il lessico. Nell’ultimo cinquantennio, l’influsso dell’italiano sul dialetto pare non avanzare più nelle strutture del sistema linguistico (specie nella morfosintassi), ma progredire più rapidamente e cospicuamente nel lessico. L’apporto lessicale massiccio è certamente da ricondursi al moltiplicarsi di sfere semantiche (quelle della società, tecnica ed economia moderne) per le quali i dialetti mancavano di risorse lessicali proprie (e l’italiano stesso è spesso debitore dell’inglese; v. ad es. per “sito (internet)” il piemontese e lombardo sit, il genovese scitu,il siciliano situ; o i calchi semantici con valore di “cliccare”: sgnaché, lett.“schiacciare”, in piemontese;schiscià, lett.“premere”, in lombardo; piché, lett.“battere, picchiare”, in genovese; ecc.).

 Aggiuntivo e parallelo

 Il dialetto, in conclusione, non mostra segnali evidenti di imminente estinzione, si mantiene anzi stabilmente, soprattutto in alcune regioni, presso certe classi di parlanti e domini d’uso; resiste all’influsso strutturale dell’italiano; e, benché non più indispensabile per i bisogni comunicativi della contemporaneità, risulta funzionale e vitale come varietà aggiuntiva, parallela alla lingua nazionale. Anche in virtù del mutato atteggiamento sociale nei suoi confronti, il dialetto, specie se alternato o frammisto all’italiano, compare anche in ambiti d’uso per i quali fino a qualche tempo fa ne era difficilmente prevedibile l’impiego. Proprio l’uso alternato con l’italiano nello stesso evento comunicativo rappresenta una delle principali tendenze della situazione sociolinguistica contemporanea e pare configurarsi quale la principale forma di vita futura del dialetto.

Fonte: http://www.treccani.it/magazine/lingua_italiana/speciali/italiano_dialetti/Cerruti.html

Le principali classificazioni

La classificazione di Graziadio Isaia Ascoli

Il primo ad avanzare (1882-1885) una circostanziata proposta di classificazione fu ➔ Graziadio Isaia Ascoli, il quale nella rivista «Archivio glottologico italiano» da lui stesso fondata elaborò una ripartizione in quattro gruppi, di natura tanto tipologica (sincronica) quanto diacronica. Il criterio di base era infatti la maggiore o minore distanza linguistica rispetto al toscano, considerato come il tipo dialettale meno distaccato dalla comune base latina. Abbiamo così:

(a) dialetti appartenenti a sistemi neolatini «non peculiari» all’Italia, perché, in gran parte, allora, fuori dai suoi confini (dialetti provenzali e franco-provenzali, dialetti ladini centrali e ladini orientali o friulani);

(b) dialetti che si distaccano dal sistema italiano vero e proprio, ma non entrano a far parte di alcun «sistema neolatino estraneo all’Italia» (dialetti gallo-italici – distinti in ligure, ‘pedemontano’, cioè piemontese, lombardo ed emiliano – e dialetti sardi);

(c) dialetti che «si scostano, più o meno, dal tipo schiettamente italiano o toscano, ma pur possono formare col toscano uno speciale sistema di dialetti neo-latini» (veneziano, corso, dialetti dell’Umbria, delle Marche e della provincia romana, dialetti di Sicilia e delle «provincie napolitane»);

(d) il toscano e il «linguaggio letterario degli Italiani».

Lo schizzo ascoliano, per precisione e sintesi, conserva ancora oggi gran parte della sua validità, anche se, inevitabilmente, mancano alcune questioni di dettaglio nonché i risultati che, di lì a qualche decennio, sarebbero stati raggiunti con l’analisi delle carte degli atlanti linguistici.

La classificazione di Clemente Merlo

Nel 1924, sul primo numero della sua nuova rivista «L’Italia dialettale», Clemente Merlo propose uno schema classificatorio che, oltre a tener conto delle caratteristiche (soprattutto fonetiche) delle parlate delle varie zone, chiamava in causa il concetto di ➔ sostrato. Secondo Merlo, cioè, il principale fattore alla base dell’odierna ripartizione dialettale era l’influsso esercitato sul latino dalle lingue dell’Italia antica. I gruppi principali definiti dal Merlo sono quindi tre:

(a) dialetti settentrionali (di sostrato celtico), che includono i gallo-italici di Ascoli, più il veneziano;

(b) dialetti toscani (di sostrato etrusco);

(c) dialetti centro-meridionali (di sostrato italico o umbro-sannita).

A parte stanno i dialetti sardi, a sostrato mediterraneo, e quelli della Corsica, che lo stesso sostrato distanzia dai toscani; ai dialetti ladini (che includono i friulani), anch’essi gruppo a sé, Merlo associa il dalmatico dell’isola adriatica di Veglia, che ai tempi di Ascoli non era ancora stato descritto (e che è ormai estinto da oltre un secolo). E sono ancora i sostrati a spiegare le differenze fra il veneziano (a sostrato venetico) e il lombardo, fra il ligure (a sostrato antico ligure) e il piemontese, e fra il siciliano, il calabrese e il pugliese (a sostrato mediterraneo) e il resto del Mezzogiorno.

Questo schema aveva certamente un’impostazione a volte troppo rigida e meccanica e soffriva di alcune ingenuità, ma ha il merito di mettere a fuoco importanti elementi di continuità che nella classificazione ascoliana erano appena accennati. Da esso, inoltre, si ricava che possono essere fondatamente ricollegati al sostrato non solo singoli tratti fonetici, lessicali, ecc., ma anche fatti di altra natura, come i rapporti di tipo geolinguistico (➔ geografia linguistica) e, più precisamente, il fatto che, sotto forma di area dialettale, sussista un antico ‘spazio storico’.

La classificazione di Gerhard Rohlfs

E fu proprio la geolinguistica a offrire il criterio applicato da Gerhard Rohlfs, che, nel 1937, sfruttava appieno la sua lunga esperienza di raccoglitore per l’AIS (➔ atlanti linguistici) e l’analisi approfondita delle sue carte. Sulla base dei dati dell’AIS, Rohlfs individuava i due principali ‘spartiacque’ linguistici della penisola: la linea La Spezia-Rimini e la linea Roma-Ancona (➔ isoglossa; ➔ aree linguistiche; ➔ confine linguistico). Il primo di questi confini, la linea La Spezia-Rimini (che ai margini si spinge anche più a Sud), riunisce i limiti meridionali dei principali tratti linguistici dell’Italia del Nord (e del romanzo occidentale), separandola dalla Toscana; mentre nel secondo, la linea Roma-Ancona, confluiscono i limiti settentrionali dei tratti linguistici più tipici del Centro-Sud, che a sua volta viene così distinto dall’area toscana o toscanizzata (cfr. § 2).

Entrambi i confini non hanno solo valore linguistico, ma coincidono con fattori geografici e storici. La linea La Spezia-Rimini corrisponde alla catena dell’Appennino tosco-emiliano, che, essendo impervia nel suo tratto centrale, fu nella storia la frontiera settentrionale dell’Etruria verso i territori di etnia celtica del Nord Italia e, nella tarda antichità, quella fra l’Italia cosiddetta annonaria (con capitale Milano) e l’Italia suburbicaria (con capitale Roma). La stessa linea, nel medioevo, separava i territori bizantini dell’arcidiocesi di Ravenna da quelli dell’arcidiocesi di Roma. La linea Roma-Ancona, corrispondente per buona parte al corso laziale e umbro del Tevere, fu invece, nell’antichità, la frontiera fra Etruschi (a ovest) e Italici (a est) e, nel medioevo, fra il Patrimonium Petri e i territori longobardi.

La classificazione di G.B. Pellegrini

L’adozione dell’italiano come riferimento, unico possibile criterio di distinzione fra il vasto insieme definito italo-romanzo e gli altri gruppi neolatini, è stato ripresa, nel 1975, da Giovan Battista Pellegrini, come base per la sua proposta di classificazione in cinque sistemi (italiano settentrionale, friulano o ladino-friulano, toscano o centrale, centro-meridionale, sardo), sulla quale oggi converge, pur con qualche differenza, la maggior parte degli studiosi (per approfondimenti e dettagli si rinvia alle voci sulle singole aree linguistiche).

Continua a leggere:

http://www.treccani.it/enciclopedia/dialetti_%28Enciclopedia_dell%27Italiano%29/

Intervista

Lingua o dialetti?

In Italia da molti anni è in corso un acceso dibattito fra i fautori dei dialetti e chi li avversa. Diciamo subito che dal punto di vista linguistico i dialetti italiani e la lingua nazionale sono sullo stesso piano: entrambi hanno avuto la stessa ’nobile’ origine, cioè il latino. Non è vero che i dialetti sono una corruzione dell’italiano. È vero invece che italiano e dialetti hanno un diverso ruolo sociolinguistico: il primo è la lingua della comunicazione all’interno della Repubblica Italiana (e della Repubblica di San Marino e nel Canton Ticino elvetico); i secondi hanno uso più limitato, in qualche caso si limitano all’uso familiare.

Perché il toscano ha avuto più fortuna?

Perché ragioni culturali, storiche, economiche ecc. hanno fatto sì che la formidabile produzione letteraria del Trecento (Dante, Petrarca e Boccaccio) sviluppatasi in Toscana venisse diffusa in gran parte della Penisola. Così autori non toscani quali il napoletano Sannazzaro e l’emiliano Boiardo scrissero in toscano.

Poteva andare diversamente?

Probabilmente sì. Se, ad esempio, la stessa sorte fosse toccata alla Scuola poetica siciliana (sec. XII), noi oggi forse parleremmo una lingua con caratteristiche siciliane. Ma è un gioco della fantasia!

Allora non si è trattato di un’imposizione?

A differenza di ciò che è accaduto in Francia o in Inghilterra l’italiano si è diffuso senza l’appoggio di un apparato statale fino almeno all’unità d’Italia. Del resto i precedenti interventi dei vari stati italiani tendevano a operare scelte politiche nell’ambito amministrativo con scarsissima incidenza sulla popolazione quasi completamente analfabeta (l’80% circa al momento della formazione dello Stato unitario).

Si può dire che il piemontese, il marchigiano, il napoletano ecc. sono lingue?

Sì e no per le ragioni anzidette. Bisogna tuttavia tener presente che chi oggi sostiene tale affermazione lo fa come reazione a un periodo di grande disprezzo per i dialetti a tal punto che aborrisce l’uso dello stesso termine «dialetto». È significativo che anche nell’ambito del linguaggio ufficiale dell’Unione Europea si parli esclusivamente di lingue minoritarie, meno diffuse, regionali ecc.

Qual è l’origine dei dialetti italiani?

Con la conquista romana il latino si è diffuso in mezza Europa e soprattutto nel bacino del Mediterraneo sovrapponendosi alle lingue parlate in precedenza da quelle popolazioni. Dalla commistione di questi elementi e da quelli derivanti dalle successive invasioni barbariche si sono generati i vari dialetti d’Italia. Altre teorie più recenti sostengono che il padre di tutti i dialetti non sarebbe il latino della romanizzazione ma il latino parlato prima di Roma durante un fase di latinizzazione verificatasi nelle regioni in cui i latini e altri popoli italici avrebbero soggiornato prima di fermarsi nelle zone che storicamente conosciamo. Ciò sarebbe confermato dalle grandi aree dialettali attuali che coincidono con frontiere di antiche culture dell’Italia preistorica, come è dimostrabile con dati linguistici e archeologici.

Ma tutti i dialetti italiani hanno come antenato il latino?

No. I dialetti tedeschi di alcuni comuni attorno al Monte Rosa (alemanni) di tredici comuni veronesi e di sette vicentini (cimbri), di alcuni comuni friulani (carinziani), dei sud-tirolesi, dei mocheni (bavaresi) e così i dialetti sloveni del Friuli Venezia Giulia, quelli croati del Molise, quelli grecanici (o grichi) del Salento e dell’estremità meridionale della Calabria e quelli albanesi diffusi in gran parte dell’Italia centro meridionale e in Sicilia hanno padri diversi dal latino.

Quali sono i gruppi in cui si suddividono i dialetti italiani?

Una prima grande suddivisione è quella che, seguendo la linea La Spezia-Rimini separa i dialetti settentrionali da quelli centro meridionali: i primi infatti appartengono alla Romània occidentale, i secondi alla Romània orientale, l’altra grande distinzione che interessa l’Europa latinizzata. Nell’Italia settentrionale procedendo da ovest verso est si hanno i dialetti gallo-romanzi (occitani e francoprovenzali), i dialetti gallo-italici (piemontese, lombardo, ligure, emiliano, romagnolo), veneti, ladini, friulani, toscani, centro-meridionali (umbro, marchigiano, abruzzese, molisano, pugliese, campano, lucano, salentino, calabrese, siciliano) e il sardo.

Fonte: http://www.atlantelinguistico.it/dialetti/Intervista.html

Mappa dei dialetti italiani:

http://www.zingarate.com/destinazioni/news-lowcost/mappa-dialetti-in-italia-ed-europa.html

Spot Rai per l’Unità d’Italia: »Offendono i dialetti»

Video:

«Lo spot che celebra i 150 anni dell’unità d’Italia demonizzando i dialetti è un’offesa alla cultura italiana e alla tradizione linguistica del nostro Paese» dice l’associazione ‘Forche Caudine’, lo storico circolo romano che raccoglie l’emigrazione molisana. Il filmato che ha scatenato la polemica, legato anche alla campagna per il rinnovo del canone di abbonamento, presenta una serie di personaggi contemporanei (da una vigilessa ad un calciatore durante un’intervista) che parlando in dialetto si rendendo incomprensibili agli interlocutori

«I dialetti, per quanto meno usati, rappresentano un punto fermo del nostro patrimonio culturale immateriale. Demonizzarli equivale al ripudio della tradizione e quindi, paradossalmente, alla idea stessa di Italia come frutto dell’unità di identità diverse», dicono dall’associazione.

Poi c’è l’assessore veneto Roberto Ciambetti (Lega Nord) che rilancia  l’obiezione al pagamento: «Penso che la Regione potrebbe intervenire perchè quelle pubblicità non vengano messe in onda – ha spiegato Ciambetti -: insultano i valori del regionalismo, di quel regionalismo in cui credevano gli stessi padri costituenti e che viene riaffermato come tratto ineludibile nel progetto federale, dove ciascun popolo, ciascuna cultura locale, ciascuna identità trovano legittimo ruolo».

Fonte:

http://video.repubblica.it/spettacoli-e-cultura/spot-rai-per-l-unita-d-italia-offendono-i-dialetti/58132/57103

Serie di video:

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Turandot, l’amore vincerà

Giacomo Puccini

La vita

Giacomo Puccini nacque a Lucca il 22 dicembre 1858, ultimo di una dinastia di compositori che da più di un secolo deteneva il monopolio della vita musicale cittadina. Crebbe con sei sorelle e un fratello nella casa di Corte S. Lorenzo. Ricevette i primi insegnamenti musicali dal padre Michele, prima della di lui morte prematura nel 1864. Si iscrisse nel 1868, nella classe di violino, all’Istituto musicale «G. Pacini», una scuola molto rinomata anche fuori Lucca; proseguì poi passando nella classe di composizione, nella quale ebbe come insegnante Carlo Angeloni. Nell’ambiente lucchese nacquero le sue prime composizioni, fra cui la Messa a 4 voci come pezzo per il diploma nel 1880.

Gli anni della formazione milanese e le prime opere

Dal 1880 al 1883 Puccini frequentò il Conservatorio di Milano, dove ebbe come insegnanti Antonio Bazzini e Amilcare Ponchielli. Fermamente deciso a fare soltanto il compositore e non l’insegnante o l’interprete, subito dopo l’esame finale al conservatorio compose la sua prima opera lirica, Le Villi, con cui partecipò, senza successo, al Concorso Sonzogno per opere in un atto. Alcuni amici riuscirono comunque ad organizzare una prima rappresentazione dell’opera nel 1884. Fu così che Giulio Ricordi, il più importante editore musicale italiano, si accorse di Puccini. Non solo inserì Le Villi nel catalogo della sua casa editrice, ma commissionò a Puccini una seconda opera lirica, Edgar. La composizione fu molto lunga e laboriosa, ma la prima assoluta, nel 1889, fu un insuccesso.

L’amore per Elvira e i primi successi

Nel frattempo Puccini si era innamorato di una donna sposata, Elvira Bonturi, che nel 1886 abbandonò il marito per lui. Solamente nel 1904, dopo la morte del primo marito di Elvira, i due poterono legalizzare la loro convivenza e legittimare il figlio Antonio, che aveva già compiuto i 17 anni. Nei primi anni della loro relazione la piccola famiglia visse in difficili condizioni finanziarie in diverse case affittate, talvolta anche ospiti da parenti, separati uno dall’altro. Fu soltanto grazie al sempre maggiore successo della sua terza opera, Manon Lescaut (1893), che Puccini riuscì a creare una solida base economica per sé e la sua famiglia. Nel 1896 con La bohème colse un successo ancora più grande, che si estese presto anche a livello internazionale. Con i lauti guadagni acquistò due edifici a Torre del Lago e Chiatri, a pochi chilometri da Lucca, e li trasformò in due ville di campagna, di cui mantenne la proprietà fino alla morte. Per qualche anno ebbe anche una casa per la villeggiatura a Boscolungo Abetone. A Milano aveva invece un grande appartamento in affitto.

La consacrazione internazionale

Il successo non mancò neppure alle due opere successive, Tosca (1900) e Madama Butterfly (1904), grazie alle quali Puccini divenne il compositore vivente più ricco e famoso. Importanti teatri d’opera all’estero rappresentarono cicli quasi completi delle sue opere alla sua presenza (nel 1905 a Buenos Aires e Londra, nel 1906 a Budapest e Londra, nel 1907 a New York, nel 1908 a Parigi). Nel 1910 per la prima volta una prima assoluta di un’opera di Puccini ebbeluogo all’estero: La fanciulla del West fece il suo debutto a New York, e si trattò di un grandioso evento. Nel 1913 Puccini ricevette da una casa editrice viennese l’incarico, superpagato, di scrivere un’operetta: ne nacque alla fine l’opera successiva, La rondine (1917), con notevoli difficoltà e ritardi a causa della crisi internazionale che, di lì a poco, sarebbe sfociata nella prima guerra mondiale. Puccini trascorse gli anni della guerra, da lui tanto odiata, per lo più in ritiro a Torre del Lago. La prima assoluta dei suoi tre atti unici Il trittico, musicati in quel periodo, ebbe luogo poco dopo la fine della guerra a New York, senza la presenza del compositore. Solo nel 1919 Puccini viaggiò di nuovo verso Londra, e ancora nel 1920 per la prima inglese del Trittico e a Vienna per le prime rappresentazioni in lingua tedesca della Rondine e del Trittico. In entrambe le città quasi tutte le sue opere liriche erano in cartellone nello stesso momento, situazione che si ripeté anche nel 1921 a Montecarlo a conferma della continuità, anzi dell’ampliamento della fama e del successo internazionale di Puccini.

Nonostante questo le sue opere dalla Fanciulla del West in avanti venivano rappresentate sempre più raramente, anche in Italia; evidentemente il linguaggio musicale più complesso e progressista che le caratterizzava era meno apprezzato dal pubblico, che preferiva la ’popolarità’ delle opere precedenti, da Manon Lescaut a Madama Butterfly.

La grande passione per le automobili e le case

In ogni caso i proventi che ricavava dai diritti d’autore bastavano ugualmente a coltivare, anche dopo la guerra, due delle sue passioni predominanti: le automobili (la prima l’aveva comprata già nel 1902 e ne era seguita un’altra dozzina) e, in modo particolare, le case. Nel 1919 comprò la Torre della Tagliata, una casa di origine etrusca nella Maremma proprio vicina al mare. Si liberò presto di quell’edificio solitario e cominciò a far costruire una nuova villa a Viareggio come residenza principale, in sostituzione di quella di Torre del Lago, e vi si trasferì verso la fine del 1921. Prevalentemente in questa casa lavorò alla sua ultima opera lirica, Turandot, di cui aveva cominciato ad occuparsi fino dal 1920. Il lavoro era molto problematico e Puccini più volte pensò di abbandonare l’impresa.

Gli ultimi anni e la malattia

L’opera non era stata ancora completata quando fu diagnosticato un carcinoma laringeo a Puccini, che già da anni lamentava un mal di gola insistente. Per potersi sottoporre alla cura innovativa e sperimentale della radioterapia, Puccini si recò in una clinica specializzata a Bruxelles. Sopravvisse però all’operazione solamente pochi giorni e morì il 29 novembre 1924. L’incompiuta Turandot andò in scena per la prima volta nel 1926 e da allora è una delle opere di Puccini più rappresentate.

Fonte: http://www.puccinimuseum.org/it/conosci-giacomo-puccini/la-vita/

Giacomo Puccini, l’opera al volgere del secolo


Giacomo Puccini, il rinnovatore dell’opera italiana, a 22 di dicembre è nato da 1858 a Lucca, in Italia.

nato Giacomo Antonio Doménico Michele Secondo María Puccini, discendeva da una famiglia di oltre cinque generazioni di musicisti.

Il suo lavoro rappresenta la trasformazione estetica del cambiamento dal XIX al XX secolo.

Puccini ha ricevuto un’educazione musicale e si dice che abbia scoperto Aída, l’opera di Giuseppe Verdi, che lo ha spinto a comporre le sue opere.

In 1880 entrò nel conservatorio di Milano per perfezionare i suoi studi.

Milano permise anche a Giacomo Puccini di entrare in contatto con una vita intellettuale effervescente.

Opera e verismo

In 1883, scrive Giacomo Puccini Le Villi, la sua prima opera, ma era con Manon Lascaut, di 1893, che ha ottenuto il successo che voleva.

Da 1896 a 1904, Puccini compose le tre opere che lo cementarono come uno degli autori di maggior successo del suo tempo: La Bohème, Tosca e Madama Butterfly.

In essi si entra il verismo, la tendenza post-romantica a concentrarsi sui personaggi di tutti i giorni, legata al realismo.

Queste opere sono state realizzate dan collaborazione con i librettisti Luigi Illica e Giuseppe Giacosa.

Allo stesso tempo ha vissuto una vita di piaceri nella sua casa a Torre del Lago.

Dopo un incidente e la morte di Giacosa, Giacomo Puccini entrò in un periodo di crisi.

Gli ultimi anni

Verso la fine della sua vita, Puccini ha creato Il Trittico, tre opere di un singolo atto in tre generi contrastanti.

Nel 1924 lascerebbe incompiuto TurandotCome la sua morte il novembre 29 Interromperebbe il lungo processo di lavoro.

L’opera sarà completata da Arturo Toscanini e Franco Alfano dalle note e dagli spartiti di Puccini.

È noto che Giacomo Puccini, sapendo che la sua malattia era nella fase finale, aveva chiesto a Toscanini: «Non abbandonare il mio Turandot!»

L’eredità di Puccini si distingue nella sua maestria con le orchestre, nel suo desiderio di innovare nelle forme e nell’affinità con temi nuovi.

Il modo in cui crea le atmosfere attraverso i suoni getterebbe le basi per il musica del cinema occasionale.

Pertanto, Giacomo Puccini non era solo un innovatore nella sua forma musicale, ma antecedente alle forme musicali future.

Fonte: https://fahrenheitmagazine.com/arte/arte-musica/giacomo-puccini-la-opera-en-el-cambio-de-siglo

Chi era Giacomo Puccini: storia del compositore italiano

La storia della musica italiana può vantare un gran numero di compositori noti in tutto il mondo. Le opere di Rossini, detto “il Mozart italiano”, sono celebrate ovunque. Così come quelle di Verdi o Bellini, che hanno reso il patrimonio culturale italiano pieno di grandi tesori.

Tra questi indimenticabile Giacomo Puccini, aggiuntosi alla lista degli storici operisti italiani, invidiati ovunque.

Chi era Giacomo Puccini

Giacomo Puccini (Lucca, 22 dicembre 1858 – Bruxelles, 29 novembre 1924) è stato un compositore italiano, considerato uno dei maggiori e più significativi operisti della storia musicale.

Già da bambino dimostra di avere un grande talento musicale mentre i professori lo accusano di pigrizia e poca volontà nello studio accademico. Nonostante ciò riesce comunque ad ottenere una borsa di studio per il Conservatorio di Milano.

L’avvio della carriera musicale

Intorno ai diciotto anni si presenta a un concorso lucchese con la cantata “Juno”, che non vince il premio ma lo stimola ad andare avanti.

Ispirato dall’Aida del grande Giuseppe Verdi si appassiona all’opera italiana e con l’aiuto finanziario dei genitori e la borsa di studio della Regina Margherita si iscrive al famoso Conservatorio di Milano.

Inizia ad arrivare che il successo che lo porta ad essere commissionato per una nuova opera “Edgar” che però non sfonda. Riesce invece con “Manon Lescaut” del 1893 e “Boheme” del 1896 rappresentate e a Torino.

Il grande successo e la nota drammatica

Le opere “Tosca” del 1900 e “Madama Butterfly” del 1904 non vengono accolte con grande entusiasmo dalla critica, ma il pubblico impazzisce e così dopo poche settimane vengono presentate alla prima della Scala.

La fama si solidifica ed è ormai tra i compositori più acclamati del mondo con opere di memorabile melodia e intensità drammatica. Alcuni lo definiscono addirittura l’erede di Verdi, sebbene non sia così innovatore quanto lui. Le sue doti sono infatti principalmente la drammaticità e l’intensa e sensibile vena teatrale che rendono le opere ancora attuali e per certi versi anche anticipatrici.

Fonte: https://www.donnemagazine.it/giacomo-puccini-chi-era/

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Turandot

In Cina, in un mitico «tempo delle favole», viveva una bellissima e solitaria principessa (Turandot), nella quale albergava lo spirito di una sua antenata violentata e uccisa. Da ciò nasceva l’orrore di Turandot per gli uomini.

Il popolo di Pechino e l’Imperatore suo padre (Altoum) le fanno però pressione affinché si sposi.

Ella alla fine accetta di sposare solamente il giovane nobile che sarà in grado di sciogliere i tre enigmi da lei proposti: se fallirà, però, morirà.

L’opera si apre con l’ennesima testa che cade, quella del giovane Principe di Persia.

Tra la folla è presente in quel momento Calaf, principe tartaro spodestato, che non riesce a resistere alla bellezza di Turandot e decide di provare a risolvere gli enigmi.

Fra la folla ritrova il vecchio padre (Timur) e la fedele schiava Liù (da tempo segretamente innamorata di Calaf) che tentano inutilmente di fargli cambiare idea.

Calaf si ritrova faccia a faccia con la «bella di ghiaccio» di cui riesce a risolvere tutti e tre gli enigmi.

Turandot è ovviamente disperata e Calef le propone a sua volta un enigma: se prima dell’alba la Principessa riuscirà a scoprire il suo nome, egli morirà.

Altrimenti diventerà il suo sposo.

Turandot, riesce a rintracciare Timur e Liù, ma entrambi taceranno, anzi, Liù sentendo di non poter  resistere alle torture a cui la stanno sottoponendo, si suicida.

Alla fine sarà lo stesso Calaf a rivelare alla principessa il proprio nome, ma solo dopo essere riuscito a darle un bacio appassionato.

Bacio che sconvolgerà nell’intimo Turandot, la quale andrà con Calaf davanti all’imperatore suo padre ed al popolo, annuncerà trionfante di aver finalmente scoperto il nome dello straniero: Il suo nome è «Amor».

Brani celebri

Atto I
Gira la cote!, (coro del popolo e dei servi del boia)
Perché tarda la luna? Invocazione alla luna (coro)
Là sui monti dell’est (coro di ragazzini che invocano Turandot; melodia tratta dalla canzone folk cinese Mo Li Hua).
Signore, ascolta!, romanza di Liù
Non piangere, Liàº!, romanza di Calaf
Concertato finale

Atto II
Olà Pang! Olà Pong!, terzetto delle maschere
In questa reggia, aria di Turandot
Straniero, ascolta!, scena degli enigmi

Atto III
Nessun dorma, romanza di Calaf
Tanto amore, segreto e inconfessato […] Tu che di gel sei cinta, aria (in due parti) e morte di Liù
Liù, Liù sorgi…Liù bontà, Liù dolcezza, aria di Timur

Trama della Turandot di Giacomo Puccini

Turandot è un’opera in 3 atti e 5 quadri, su libretto di Giuseppe Adami e Renato Simoni.

La partitura pucciniana è rimasta incompiuta a causa della prematura scomparsa dell’autore, stroncato nel novembre del 1924 da un tumore maligno alla gola.

Del finale scritto da Puccini restano solo alcuni abbozzi, sparsi su 23 fogli.

La prima rappresentazione di Turandot ebbe luogo al Teatro alla Scala di Milano, il 25 aprile 1926, sotto la direzione di Arturo Toscanini, il quale, profondamente commosso, arrestò la rappresentazione a metà del terzo atto, due battute dopo il verso «Liù, poesia!», sussurrando al pubblico le parole: «Qui termina la rappresentazione perché a questo punto il Maestro è morto».

Il libretto dell’opera di Puccini si basa sulla traduzione di Andrea Maffei dell’adattamento tedesco di Friedrich Schiller da una commedia di Carlo Gozzi.

L’idea per l’opera venne al compositore in seguito a un incontro con i librettisti Giuseppe Adami e Renato Simoni, avvenuto a Milano nel marzo 1920.

Nell’agosto dello stesso anno il compositore poté ascoltare, grazie al suo amico barone Fassini, un carillon con temi musicali proveniente dalla Cina.

Alcuni di questi temi sono presenti nella stesura definitiva della partitura.

Alla fine della sua vita creativa, Puccini si cimenta con un soggetto fiabesco, come gli era già accaduto musicando la scena finale della sua prima opera, «Le Villi».

Il finale dell’opera costituì, per i musicofili, un grosso problema: il punto più controverso del materiale lasciato da Puccini è costituito dall’episodio del bacio che è il momento clou dell’intera opera. La trasformazione di Turandot da principessa di gelo a donna innamorata.

Puccini non arrivò a scrivere questa scena, lasciando il sospetto che il finale dell’opera poteva essere un’altro.

In un primo momento il finale della Turandot venne affidato al compositore napoletano Franco Alfano e riscritto, in seguito, dal maestro Luciano Berio nel 2001.

Atto I

Quadro primo: Una piazza a Pechino, «al tempo delle favole».

Un Mandarino annuncia alla folla che il principe di Persia, non avendo risolto i tre enigmi proposti da Turandot, sarà decapitato pubblicamente.

Tra la folla, ci sono un vecchio ammalato e una donna, che chiede aiuto.

Accorre un giovane, che riconosce nel vecchio Timur, suo padre, un re tartaro spodestato dai cinesi.

Ai primi chiarori lunari, entra il corteo che accompagna il condannato ed alla sua vista la folla, prima eccitata, si commuove e invoca la grazia per il condannato.

Turandot allora entra, glaciale, ordina il silenzio alla folla e con un gesto dà l’ordine al boia di giustiziare l’uomo.

Calaf, impressionato dalla regale bellezza di Turandot, decide di tentare di risolvere i tre enigmi per conquistare la mano della principessa.

Timur e Liù tentano di fermarlo, ma lui si lancia verso il gong dell’atrio del palazzo imperiale, dove anche i tre ministri del regno, Ping, Pong e Pang, tentano di fargli cambiare idea sottolineando l’insensatezza dell’azione che sta per compiere. Ma Calaf, quasi in una sorta di delirio, si libera di loro e suona tre volte il gong, invocando il nome di Turandot.

Atto II

Quadro secondo: Notte in un padiglione vicino alla reggia.

E’ notte. I tre ministri si lamentano di come, in qualità di sudditi, siano costretti ad assistere alle esecuzioni delle troppe sfortunate vittime di Turandot, mentre preferirebbero vivere tranquillamente nei loro possedimenti in campagna.

Quadro terzo: Vasto cortile del palazzo dominato da una scala di marmo

Sul piazzale della reggia, tutto è pronto per l’infernale prova dei tre enigmi.

L’imperatore Altoum invita il principe ignoto, Calaf, a desistere, ma quest’ultimo insiste.

Il mandarino fa dunque iniziare la prova mentre entra Turandot.

La bella principessa spiega il motivo del suo comportamento: molti anni prima il suo regno era caduto nelle mani dei tartari, in seguito a ciò, una sua antenata era finita nelle mani di uno straniero che l’aveva violata ed uccisa.

In ricordo della sua morte, Turandot aveva giurato che non si sarebbe mai lasciata possedere da un uomo: per questo, aveva inventato il rito degli enigmi, convinta che nessuno li avrebbe mai risolti.

Ma Calaf riesce a risolvere gli enigmi e la principessa, disperata, si getta ai piedi del padre, supplicandolo di non consegnarla allo straniero.

Per l’imperatore la parola data è sacra, la figlia sposerà il giovane.

Turandot si rivolge allora al Principe e lo ammonisce che, in questo modo, egli avrà solo una donna riluttante e piena d’odio.

Calaf, che l’ama, la scioglie allora dal giuramento proponendole a sua volta una sfida: se la principessa prima dell’alba riuscirà ad indovinare il suo nome, egli si sottoporrà alla scure del boia.

Il nuovo patto è accettato, mentre risuona un’ultima volta, solenne, l’inno imperiale.

Atto III

Quadro quarto: é notte nel giardino della reggia.

In lontananza si sentono gli araldi che portano l’ordine della principessa. Quella notte nessuno deve dormire. Il nome del principe ignoto deve essere scoperto ad ogni costo prima dell’alba.

Calaf intanto sogna ad occhi aperti le labbra di Turandot, finalmente libera dall’odio e dall’indifferenza (aria «Nessun Dorma»).

Giungono Ping, Pong e Pang, che offrono a Calaf qualsiasi cosa pur di sapere il suo nome.

Nel frattempo, Liù e Timur vengono portati davanti ai tre ministri.

Appare anche Turandot, che ordina loro di parlare.

Liù, per difendere Timur, afferma di essere la sola a conoscere il nome del principe ignoto, ma dice anche che non svelerà mai questo nome.

Subisce delle torture, ma continua a tacere, riuscendo a stupire Turandot. Le chiede cosa le dia tanta forza per sopportare le torture e Liù risponde che è l’amore a darle questa forza.

Turandot è turbata da questa dichiarazione, ma, tornata ad essere la solita gelida principessa, ordina ai tre ministri di scoprire ad ogni costo il nome del principe ignoto.

Liù, capendo che non riuscirà a tenerlo nascosto ancora, riesce a prendere un pugnale e ad uccidersi, cadendo esanime ai piedi di Calaf.

Il corpo senza vita di Liù viene portato via seguito dalla folla che prega.

Turandot e Calaf restano soli e lui la bacia.

La principessa dapprima lo respinge, ma poi ammette di aver avuto paura di lui, la prima volta che l’aveva visto e pur essendo travolta dalla passione lo supplica di non volerla umiliare.

Calaf le fa il dono della vita e le rivela il nome: Calaf, figlio di Timur.

Quadro quinto: Cortile d’onore della reggia. Un ampio scalone del palazzo imperiale

Il giorno dopo, al palazzo reale, davanti al trono imperiale è riunita una grande folla.

Il cortile d’onore della reggia con l’immensa scala accoglie ancora l’assemblea di funzionari per la suprema prova davanti al sovrano.

Squillano le trombe e Turandot afferma di conoscere finalmente il nome dello straniero, ma, quando tutti attendono che lo sveli per mandare l’audace alla morte, la principessa, fissando Calaf, esclama, ardendo della nuova fiamma: «il suo nome è …Amore».

Calaf ripete quanto appena udito e sale d’impeto la scalinata per raggiungere Turandot.

Un abbraccio li unisce, mentre la folla acclama e prorompe in un canto di gioia.

Tra le grida di giubilo della folla, Turandot abbraccia Calaf abbandonandosi tra le sue braccia.

Fonte: https://www.settemuse.it/musica/opera_turandot.htm

La Turandot di Puccini: l’opera senza fine, la fine dell’opera

All’inizio dell’anno 1919 Giacomo Puccini cominciò a pensare ad una nuova opera da portare in scena; immaginava che quella sarebbe stata la sua ultima opera. Dapprima pensò di fare un adattamento di Oliver Twist, ma poi lasciò perdere questa idea. Nel 1920 lui e i due librettisti veronesi Renato Simoni e Giuseppe Adami si incontrarono a Milano e, mentre stavano pranzando, Simoni gli nominò la Turandot come un possibile soggetto d’opera. Poiché Puccini doveva prendere il treno per Roma, Simoni corse a procurargli subito il testo, in modo che potesse leggerlo durante il viaggio: si trattava della traduzione di Andrea Maffei del testo di Schiller; Simoni glielo lanciò attraverso il finestrino, appena in tempo prima che il treno si mettesse in moto. Puccini trovò il soggetto di suo gradimento, e scrisse  Simoni di cominciare a lavorare al libretto semplificando l’azione e accentuando il tema della passione amorosa di Turandot.

«… Ho letto Turandotte. Mi pare che non convenga staccarsi da questo soggetto. Lavorerei per semplificare il numero degli atti e per renderlo snello, efficace e soprattutto per esaltare la passione amorosa di Turandot… Insomma io ritengo che Turandot sia il pezzo di teatro più normale e umano di tutte le altre produzioni del Gozzi… Un’opera che possiamo rendere moderna, con il lavoro tuo, d’Adami e mio.»

La stesura del libretto andò avanti per quattro anni, tra alti e bassi: Puccini chiedeva ai librettisti sempre nuove modifiche; a volte era abbastanza soddisfatto, altre volte, invece, gli veniva la tentazione di mollare tutto. Sicuramente aveva molte ambizioni riguardo a quella che doveva essere la sua ultima opera; desiderava creare qualcosa di innovativo sotto tutti i punti di vista, qualcosa di mai tentato prima.

Puccini per la Turandot sperimentò notevoli innovazioni musicali: dissonanze, bitonalismi, sonorità aspre; ci sono motivi tratti da canzoni tradizionali cinesi, che servono a dare il colore locale; l’orchestra prevede l’utilizzo di piatti, gong, campane, celesta, xilofoni, timpani, corni, ecc. Nuova è anche l’importanza data alle scene corali. L’impegno richiesto agli interpreti è davvero notevole a livello tecnico e interpretativo: alcune arie sono tra le più difficili da cantare; Puccini si spinse quasi fino al limite del possibile; l’orchestrazione così ricca e imponente richiede molta potenza canora perché le voci non rischino, in certi punti, di rimanere sovrastate dagli strumenti.

Puccini non aveva mai fatto un’opera dall’impianto così grandioso; il soggetto fiabesco non era molto usuale per lui (ad eccezione di Le Villi, la sua prima opera, non l’aveva mai trattato); la sua bravura, più che nell’evocare grandi scenari storici o mitici, consisteva nel ritrarre le piccole cose, i sentimenti di singoli personaggi umili e realistici. Inoltre Puccini, che aveva sempre rappresentato amori tormentati e infelici (ad eccezione della Fanciulla del West, che finisce bene), doveva per la prima volta sviluppare il tema dell’amore come redenzione e felicità.

Oltre a queste novità, c’erano delle difficoltà strutturali non facili da risolvere: l’ostacolo più grande era rappresentato dalla metamorfosi del personaggio di Turandot; come rendere plausibile la trasformazione da principessa di ghiaccio a donna innamorata? Puccini voleva che lo ‘sgelamento‘ fosse il punto più importante dell’opera, e voleva renderlo musicalmente in modo intenso e bellissimo:

«Il duetto per me dev’essere il clou – ma deve avere dentro a sé qualcosa di grande, di audace, di imprevisto e non lasciar le cose al punto del principio… Potrei scrivere un libro su questo argomento».

«Il duetto! Il duetto! tutto il decisivo, il bello, il vivamente teatrale è lì! […] Il travaso d’amore deve giungere come un bolide luminoso in mezzo al clangore del popolo che estatico lo assorbe attraverso i nervi tesi come corde di violoncelli frementi».

Tuttavia non riuscì a concretizzare questo suo obiettivo.

L’opera era ormai quasi terminata, Puccini l’aveva completata e orchestrata fino all’episodio della morte di Liù incluso; gli mancava ormai solo il finale, la scena della trasformazione della principessa e della sua apertura all’amore. Ma a quel punto le sue condizioni di salute peggiorarono e non gli lasciarono il tempo di scrivere un finale convincente. Soffriva di un tumore alla gola; in seguito ad un intervento chirurgico, ebbe un infarto e morì, lasciando solo 23 fogli con appunti un po’ confusi sulle idee che aveva avuto per sviluppare la conclusione.

Per non lasciare l’opera incompiuta, la Ricordi cercò un compositore che completasse il finale; la scelta cadde su Franco Alfano, perché era l’autore della Leggenda di Sakuntala, un’opera di ambientazione esotica e con caratteristiche simili a Turandot. Alfano accettò e, non senza difficoltà, cercò di fare del suo meglio per dare all’opera un degno finale (Alfano I) rispettando il più possibile le intenzioni di Puccini. Toscanini decise però di tagliare alcune parti di questo finale, perché troppo lungo, e Alfano dovette per forza farne una versione abbreviata (Alfano II). Per approfondire, vedi Il tormentato finale di Turandot.

La Turandot andò in scena per la prima volta  alla Scala di Milano, il 25 aprile 1926, un anno e cinque mesi dopo la morte di Puccini. Quella sera Toscanini preferì non eseguire il finale, interrompendosi proprio subito dopo il funerale di Liù; posò la bacchetta, si rivolse al pubblico e disse:

«Qui finisce l’opera, perché a questo punto il maestro è morto».

Questa frase è particolarmente significativa, perché Turandot, l’opera senza fine, segna anche la fine del melodramma romantico e della stessa opera italiana. Il rinnovamento messo in atto da Puccini non avrà seguito. Negli anni successivi ci saranno ancora opere, e compositori d’opera lirica, ma… sarà tutta un’altra storia. La grande stagione dell’opera italiana, l’età dell’oro dell’opera, finisce con la Turandot.

Fonte: https://semprelibera.altervista.org/giacomo-puccini/turandot/la-turandot-di-puccini-l-opera-senza-fine-la-fine-dell-opera/

Turandot, riassunto e trama dell’opera

Di cosa parla Turandot? Ecco un breve riassunto:

A Pechino, al tempo delle favole, vive Turandot, bellissima principessa dal cuore di ghiaccio. Molti principi chiedono la sua mano, ma la principessa sottopone tutti ad una terribile prova: se non risolvono tre enigmi difficilissimi, il boia taglia loro la testa. Il principe Calaf, figlio del re dei Tartari, a Pechino incontra casualmente suo padre Timur, arrivato lì dopo un lungo esilio; con lui c’è anche la fedele schiava Liù. Il principe, per non correre rischi, raccomanda loro di tenere segreta la sua identità. Calaf rimane talmente affascinato da Turandot da voler tentare a sua volta la prova degli enigmi; i dignitari imperiali PingPong e Pang lo sconsigliano vivamente dal compiere un’impresa così rischiosa; anche il padre e Liù lo supplicano di rinunciare, ma il principe non sente ragioni. Il giorno seguente Calaf riesce a risolvere tutti gli enigmi di Turandot. Non vuole tuttavia sposarla contro la sua volontà, perciò le offre una scappatoia: se lei riuscirà a indovinare il suo nome prima dell’alba, potrà condannarlo a morte. Turandot quella notte ordina che nessuna dorma a Pechino: le sue guardie bussano di porta in porta per farsi dire il nome del principe straniero. Alla fine trovano Timur e Liù, e li conducono di fronte a Turandot; Liù canta il suo amore segreto per il principe e poi, per paura di lasciarsi sfuggire il suo nome sotto tortura, si uccide con una spada. Mentre tutti piangono la sua morte, Calaf, rimasto solo con Turandot, la affronta con fermezza, finché con un bacio non riesce finalmente  a sciogliere il suo cuore di ghiaccio. Ormai è l’alba del nuovo giorno quando Calaf le rivela il suo nome, mettendo la sua vita nelle sue mani. Davanti all’imperatore suo padre e alla folla esultante, Turandot dichiara che il nome dello straniero è ‘Amore’, e lo abbraccia.

Trama estesa e dettagliata, atto per atto

Atto I

A Pechino, al tempo delle favole , vive la bellissima principessa Turandot, figlia dell’Imperatore Altoum. Molti principi arrivano da ogni parte del mondo per chiedere la sua mano, ma Turandot ha il cuore di ghiaccio e non intende sposare nessuno. Ognuno dei suoi pretendenti è immancabilmente sottoposto ad una terribile prova: deve risolvere tre indovinelli molto difficili; se non riesce nell’impresa, la principessa ordina che gli sia tagliata la testa. L’ultimo ad aver tentato è stato il principe di Persia, ma anch’egli ha fallito; l’opera si apre con il Mandarino che annuncia la sua imminente esecuzione.

Tra la folla accorsa per assistere al patibolo ci sono anche Timur, anziano re dei Tartari costretto all’esilio, e la sua fedele schiava Liù. Nel tumulto, Timur cade a terra, e a soccorrerlo arriva il principe suo figlio, anch’egli fuggitivo dal paese d’origine; deve viaggiare in incognito per non destare sospetti. Timur abbraccia con commozione il figlio che non vede da tanto tempo, e gli spiega che è stata Liù ad aiutarlo durante l’esilio; il principe chiede a Liù come mai abbia deciso di correre questo rischio, e Liù risponde ‘Perché tu un giorno mi hai sorriso’. Intanto la folla aizza i servi del boia, che stanno affilando le loro lame (Gira la cote!), e invoca l’apparire della luna (Perché tarda la luna?); i ragazzi intonano Là sui monti dell’estQuando la folla vede il principe di Persia avanzare con fermezza verso il patibolo, ne ha pietà e chiede che gli sia data la grazia.

Allora appare la principessa Turandot che, con un gesto inequivocabile, ordina gli sia tagliata la testa. Il principe, non appena la vede, l’ama. A nulla servono le suppliche del padre, ormai ha deciso: anche lui chiederà la mano dell’algida Turandot.  I tre ministri Ping, Pong e Pang le provano tutte per distoglierlo dal suo proposito, ma è tutto inutile. Liù cerca disperatamente un’ultima volta di convincerlo (Signore, ascolta!); il principe è commosso, ma rimane fermo nella sua decisione e le raccomanda di prendersi cura del padre (Non piangere, Liú!).

Atto II

Ping, Pong e Pang si chiedono se il principe straniero riuscirà a rispondere agli indovinelli di Turandot (Olà Pang! Olà Pong!). Sconsolati, contano quanti pretendenti siano morti negli anni passati, e constatano con amarezza che ormai sono i ministri del boia. Poi con nostalgia pensano alle loro case, dove non possono tornare; sperano che non sia troppo lontano il giorno in cui anche Turandot si arrenderà all’amore.

Intanto la reggia si desta e si prepara alla cerimonia degli indovinelli. Il principe si presenta davanti al vecchio imperatore e alla principessa Turandot, pronto a risolvere gli enigmi. Turandot rievoca alcuni fatti accaduti nella reggia molti anni prima (In questa reggia): una sua antenata fu uccisa da un principe straniero; perciò adesso lei, Turandot, si vendica sui principi che vengono a chiedere la sua mano, e afferma con decisione che nessuno la avrà mai. Dopodiché Turandot recita i tre enigmi che il principe dovrà risolvere (Straniero, ascolta!); con sua grande sorpresa e costernazione, egli riesce a risolverli tutti: il primo enigma ha come soluzione ‘la speranza’, il secondo ‘il sangue’, e il terzo ‘Turandot’ stessa.

Turandot supplica il padre di non darla in sposa allo straniero; il principe, da parte sua, non vuole obbligarla ad un’unione che chiaramente la rende infelice, perciò le offre una scappatoia: le propone di risolvere a sua volta un enigma; prima dell’alba dovrà indovinare quale sia il suo nome; se ci riuscirà, allora potrà mandarlo a morte.

Atto III

La principessa Turandot dà ordine che quella notte nessuno deve dormire a Pechino: fa bussare ad ogni porta della città per chiedere a tutti il nome del principe straniero. Il principe aspetta con trepidazione che arrivi l’alba, fiducioso che alla fine il suo amore vincerà (Nessun dorma). Ping, Pong e Pang cercano di convincerlo ad andarsene via, perché hanno paura della vendetta di Turandot se non riusciranno a scoprire il suo nome. Gli offrono donne, ricchezze, gloria: ma il principe li respinge, vuole solo Turandot.

Intanto le guardie hanno catturato Timur e Liù e li portano a cospetto della loro gelida principessa. Liù si sacrifica dichiarando di essere la sola a conoscere il nome del principe. Turandot la fa torturare, ma la piccola schiava non cede; meravigliata, la principessa le chiede dove trovi tutta quella forza; Liù le risponde che le viene dall’amore (Tanto amore, segreto e inconfessato), e che presto anche lei arderà della stessa fiamma (Tu, che di gel sei cinta); poi si trafigge con un pugnale e muore.

La morte di Liù scuote profondamente Timur e tutta la folla; un corteo conduce via il suo piccolo corpo, mentre Turandot e il principe rimangono soli. Il principe la affronta con fermezza (Principessa di morte!) ma anche con tutta la forza del suo amore; Turandot lo respinge, ma non riesce ad evitare il suo bacio. Arriva l’alba, Turandot è vinta, l’amore scioglie finalmente il suo cuore di ghiaccio. Il principe le svela il suo nome: si chiama Calaf; ora, se lo desidera, può ancora mandarlo a morte. Davanti all’imperatore suo padre e a tutto il suo popolo, Turandot dichiara di conoscere il nome dello straniero: “Il suo nome è… Amor!”. La folla acclama festosa, mentre Turandot e il principe si abbracciano.

Fonte: https://semprelibera.altervista.org/giacomo-puccini/turandot/turandot-trama-dell-opera/

Video:

Nessun dorma

Nessun dorma
Nessun dormaTu pure, o Principessa
Nella tua fredda stanza
Guardi le stelle
Che tremano d’amore e di speranzaMa il mio mistero è chiuso in me
Il nome mio nessun saprà
No, no, sulla tua bocca lo dirò
Quando la luce splenderà
Ed il mio bacio scioglierà il silenzio
Che ti fa mia(Il nome suo nessun saprà
E noi dovrem, ahimè, morir, morir)Dilegua, o notte
Tramontate, stelle
Tramontate, stelle
All’alba vincerò
Vincerò
Vincerò

Estate 1995: Ferie d’Agosto di Paolo Virzì

agostoPaolo Virzì

Nato a Livorno nel 1964, ha studiato Lettere e Filosofia all’Università di Pisa; si è diplomato in sceneggiatura al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma nel 1987. Autore di soggetti e sceneggiature per il cinema, fa il suo esordio come regista nel 1994 con «La bella vita», presentato alla Mostra del cinema di Venezia, del quale è pure autore di soggetto e sceneggiatura assieme a Francesco Bruni. Nel 1995 realizza «Ferie d’agosto» – anche in questo caso firmando soggetto e sceneggiatura assieme a Francesco Bruni – che vince il premio David di Donatello quale miglior film del 1996. Nel 1997 realizza «Ovosodo», da un copione scritto con Francesco Bruni e con l’ausilio di uno dei suoi maestri, Furio Scarpelli; presentata alla Mostra del Cinema di Venezia, la pellicola ottiene il Gran Premio Speciale della Giuria ed è tra i titoli italiani di maggior successo della stagione. Nel 1999 dirige il film «Baci e Abbracci», interpretato da Francesco Paolantoni e Edoardo Gabriellini. Nel 2002 firma la regia del film «My name is Tanino», girato tra l’Italia, il Canada e gli Stati Uniti. La pellicola scritta con Francesco Bruni e Francesco Piccolo è interpretata dall’esordiente Corrado Fortuna, con la partecipazione di un cast internazionale.  Nel 2003 esce nelle sale italiane il sesto lungometraggio di Paolo Virzì «Caterina va in città» che unisce due dei temi prediletti dal regista livornese: il mondo visto dagli occhi dei ragazzi; l’omologazione tra destra e sinistra indigene, nel quadro d’una più vasta degenerazione antropologica. Tre anni più tardi, «N (Io e Napoleone)» s’inserisce felicemente nella tradizione della commedia nostrana, grazie pure ad un cast assai valido e benissimo diretto. Nel 2008 torna alla propria miglior forma con «Tutta la vita davanti», raccontando la contemporaneità con un’amarezza sorridente ch’è già stata in passato la cifra dei suoi esiti più convincenti. Due anni dopo Virzì firma la sua opera più completa e riuscita: questo ritratto di donna rievoca quello dell’Adriana Astarelli di “Io la conoscevo bene” – anche in virtù della presenza di Stefania Sandrelli – e il tutto sembra rendere omaggio ad Antonio Pietrangeli, alle sue indimenticabili protagoniste.

Fonte: http://www.italica.rai.it/scheda.php?scheda=virzi

Il 4 marzo del 1964 nasce Paolo Virzì: pluripremiato regista italiano

Paolo Virzì è un registasceneggiatore e produttore cinematografico italiano. Tra i più quotati e innovativi della commedia all’italiana, con i suoi film a metà tra impegno e intrattenimento ha saputo rappresentare il cambiamento della società italiana, tra fine Novecento e inizio del Terzo millennio.

4 marzo 1964: nasce Paolo Virzì, regista italiano

Nato a Livorno il 4 marzo del 1964 da un carabiniere siciliano e da una casalinga livornese, dopo aver trascorso l’infanzia a Torino (abitando prima nel quartiere Santa Rita e poi a Mirafiori Nord, dove frequenta la scuola elementare), cresce nel quartiere popolare livornese delle Sorgenti, coltivando sin da piccolo la passione per la letteratura. Tra i suoi scrittori più amati vi sono Mark Twain e Charles Dickens, padri di quel romanzo di formazione che servirà da modello per le sue future sceneggiature.

Durante l’adolescenza recita, dirige e scrive testi teatrali in un paio di filodrammatiche livornesi. In seguito stringe un sodalizio artistico con l’ex compagno di liceo Francesco Bruni, che diventerà negli anni successivi il suo co-sceneggiatore di fiducia. Frequenta per qualche tempo la facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Pisa e gira alcuni lungometraggi e cortometraggi. Quindi lascia Livorno per Roma, “andando in città”, come vent’anni dopo farà la giovane protagonista di Caterina va in città.

Centro sperimentale di cinematografia

Nella capitale frequenta il corso di sceneggiatura del Centro sperimentale di cinematografia, dove si diploma nel 1987. Tra i suoi insegnanti ci sono Gianni Amelio e Furio Scarpelli. L’incontro con quest’ultimo sarà decisivo: Scarpelli diventa infatti il suo maestro e la sua guida. Con lui collabora alla sceneggiatura di Tempo di uccidere (1989) di Giuliano Montaldo, tratto dal romanzo di Ennio Flaiano.

Tra la fine degli anni Ottanta e i primi anni Novanta, Virzì dà il proprio contributo alle sceneggiature di Turné (1990) di Gabriele SalvatoresCondominio (1991) di Felice Farina e Centro storico (1992) di Roberto Giannarelli. Lavora con lo scrittore napoletano Raffaele La Capria ad un film-tv diretto da Alberto Negrin, adattamento di Una questione privata di Beppe Fenoglio.

Debutto alla regia e primi successi

Virzì debutta alla regia nel 1994 con La bella vita. Originariamente intitolato Dimenticare Piombino, dal nome della città toscana dove la vicenda è ambientata, il film è interpretato da Sabrina FerilliMassimo Ghini e Claudio Bigagli. È la storia di un triangolo sentimentale di ambientazione popolare, sullo sfondo dell’irreversibile crisi d’identità della classe operaia.

Presentato con successo nel 1994 alla Mostra del cinema di Venezia, il film viene premiato con il Ciak d’oro, il Nastro d’argento e il David di Donatello nella categoria “Migliore Regista Esordiente”. Con questo debutto Virzì mette già in mostra il suo talento nel dirigere gli attori, ma soprattutto nel trattare temi seri con un tocco ironico, nel mescolare dramma ed ironia.

Nel successivo Ferie d’agosto (1996), interpretato da un cast di rilievo (Silvio OrlandoLaura MoranteEnnio FantastichiniSabrina FerilliPiero Natoli), l’isola di Ventotene è il teatro del conflitto tra due famiglie italiane in vacanza. In questa commedia Virzì riflette sulla rivoluzione politica italiana dopo l’avvento del sistema maggioritario, la discesa in campo di Silvio Berlusconi e la conseguente trasformazione di un paese chiamato a schierarsi su due fronti politici contrappostiFerie d’agosto vince il David di Donatello come miglior film dell’anno.

Ovosodo e Baci e Abbracci

Il seguente Ovosodo (1997), dal nome dell’imbarcazione (colori bianco e giallo) partecipante alle gare remiere dell’estate livornese e rappresentante il quartiere Centro di Livorno, è interpretato da Edoardo Gabbriellini, uno dei volti nuovi del cinema italiano scoperti dal regista. La storia, nonostante la forte connotazione a livello locale, ha uno straordinario successo e riesce a conquistare critica e pubblico: la giuria del Festival di Venezia, presieduta dalla neo-zelandese Jane Campion, consegna al regista il Leone d’argento – Gran premio della giuria.

Nel 1999 dirige Baci e abbracci, una miscela di favola, commedia sociale e racconto natalizio alla Dickens. Ma il riferimento più evidente è L’ispettore generale di Gogol, che aveva già ispirato Anni ruggenti di Luigi Zampa. È la storia corale di un gruppo di ex operai intenzionati ad aprire un allevamento di struzzi nella Val di Cecina, attraverso cui Virzì ritrae ancora una volta l’Italia di provincia sedotta dalla modernità. Nella parte del leader del gruppo Snaporaz compare il fratello Carlo Virzì, musicista di alcuni suoi film e regista de L’estate del mio primo bacio, scritto e sceneggiato da Paolo.

Anni Duemila

I dissesti finanziari di Vittorio Cecchi Gori, produttore e distributore dei primi film del regista, bloccano le riprese di My name is Tanino (2002). Girato tra SiciliaCanada e Stati Uniti, il film ha una lavorazione difficile: la sceneggiatura, firmata dal registaBruni e lo scrittore Francesco Piccolo, viene più volte riscritta durante le riprese per far fronte alla mancanza di finanziamenti. Il protagonista è di nuovo un esordiente, il siciliano Corrado Fortuna, che interpreta un ragazzo in fuga dalla sua Sicilia per inseguire il sogno americano.

Il successivo Caterina va in città (2003) è dedicato alla Roma amata e odiata, con le sue scoperte entusiasmanti e le sue delusioni cocenti. La piccola e goffa Caterina è interpretata dall’esordiente assoluta Alice Teghil, nel ruolo della sprovveduta provinciale che osserva il mondo con candore e spaesamento. Nel film la piccola protagonista viene catapultata dalla tranquilla Montalto di Castro alla labirintica Roma per volontà del padre, l’esperto Sergio Castellitto nella parte di un frustrato intellettuale di provinciaMargherita Buy vince il David di Donatello e il Nastro d’argento 2004 come miglior attrice non protagonista, mentre Alice Teghil si aggiudica il premio “Guglielmo Biraghi”.

N – Io e Napoleone (2006), adattamento del romanzo di Ernesto Ferrero N, è una tentata sintesi di commedia all’italiana, film storico e cinema in costume. Virzì riflette sul rapporto tra l’intellettuale e il potere, e arricchisce la trama ottocentesca con riferimenti all’attualità: il parallelismo tra la figura di Napoleone e quella di Berlusconi è delle volte esplicito. Il cast è internazionale: oltre al protagonista Elio Germano, da segnalare Monica Bellucci e Daniel Auteuil.

Con il corale Tutta la vita davanti (2008) Virzì realizza uno dei suoi film più amari. In questa commedia grottesca dai toni apocalittici sul mondo del lavoro, la vera protagonista della vicenda ambientata in un call center è la precarietà: lavorativa, sentimentale ed esistenziale. Nel cast compaiono Isabella Ragonese nella parte della protagonista decisa e combattivaSabrina Ferilli in un ruolo per lei insolito, e Micaela Ramazzotti.

Il film ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra i quali: il Nastro d’argento e il Globo d’oro come miglior film, il Ciak d’oro come miglior film e miglior regia, oltre ai premi conferiti alle interpreti Sabrina Ferilli (Ciak d’oroNastro d’argentoGlobo d’oro), Isabella Ragonese (Premio Biraghi come rivelazione dell’anno) e Micaela Ramazzotti (Premio Kinéo come miglior attrice non protagonista).

“Festival di Annecy, Cinema Italien” e Motorino Amaranto

Nell’ottobre del 2008 il “Festival di Annecy, Cinema Italien” consegna a Virzì il Premio Sergio Leone, riconoscimento all’intera sua opera. Nell’agosto dello stesso anno il regista torna con la sua troupe a Livorno per le riprese di L’uomo che aveva picchiato la testa, un film documentario sul cantautore Bobo Rondelli. Il film viene prodotto dalla Motorino Amaranto, casa di produzione fondata nel 2001 dallo stesso Virzì.

Sempre con la Motorino Amaranto gira nel 2009 a Livorno La prima cosa bella. Gli interpreti sono Micaela RamazzottiValerio MastandreaClaudia PandolfiStefania Sandrelli e Marco Messeri. Il film racconta le vicende della famiglia Michelucci dagli anni Settanta ai giorni nostri: protagonista è la bellissima Anna, madre esuberante che finisce per rovinare la vita ai propri figliBruno e ValeriaBruno, dopo aver abbandonato Livorno per fuggire dalla madre, torna nella sua città natale per starle vicino negli ultimi giorni della sua vita.

Anni Duemiladieci

La prima cosa bella esce nelle sale il 15 gennaio 2010. Il film ha ricevuto diciotto candidature al David di Donatello, ottenendo tre riconoscimenti: per la miglior sceneggiatura, firmata dallo stesso Virzì con Francesco Bruni Francesco Piccolo, per la miglior attrice protagonista (Micaela Ramazzotti) e il miglior attore protagonista (Valerio Mastandrea). Nel luglio 2010 a Taormina riceve il Nastro d’argento, premio assegnato dalla stampa cinematografica, come regista del miglior film dell’anno.

A La prima cosa bella vanno anche i nastri per la miglior attrice protagonista (Micaela Ramazzotti Stefania Sandrelli per il ruolo di Anna), per la migliore sceneggiatura (Francesco BruniFrancesco Piccolo e lo stesso Virzì) e per i migliori costumi (Gabriella Pescucci). Il film viene designato come film rappresentante il cinema italiano alla selezione del Premio Oscar 2011 al miglior film in lingua non inglese, non rientrando tuttavia nella cinquina finale.

Sodalizio amoroso con Micaela Ramazzotti

Il 17 gennaio 2009 Paolo Virzì si è sposato con l’attrice Micaela Ramazzotti, dalla quale il 1º marzo 2010 ha avuto il primogenito Jacopo ed il 15 aprile 2013 la secondogenita Anna. Nel Duemiladieci tiene un blog fotografico su “Il Post”. Nel 2010 inoltre partecipa in veste di doppiatore al film della Disney Ralph Spaccatutto, dove presta la voce al personaggio di Aspro Bill.

Nell’ottobre 2012 esce in Italia il suo decimo lungometraggio per il cinema Tutti i santi giorni, liberamente ispirato al romanzo La generazione di Simone Lenzi (anche cantautore nei Virginiana Miller): Guido e Antonia, la coppia protagonista della storia, sono interpretati da Luca Marinelli e dalla cantautrice Thony. Nel 2013 è il direttore della 31ª edizione del Torino Film Festival, contrassegnata da una crescita del 30% degli spettatori.

A gennaio 2014 esce in Italia il suo undicesimo lungometraggio per il cinema, ossia Il capitale umano. Il film, che è un riadattamento di un romanzo statunitense dello scrittore Stephen Amidon, affronta il tema della crisi finanziaria, ma soprattutto di valori, che caratterizza l’Italia contemporanea. Il film riscuote un generale consenso sia di pubblico che di critica, ma dà luogo a polemiche da parte di politici della Lega, per la maniera in cui verrebbe descritta la Brianza, il luogo scelto come ambientazione del film.

A maggio, il lungometraggio riceve diciannove candidature ai David di Donatello 2014 e ottiene sette riconoscimenti, fra cui quello riservato al miglior film. La pellicola vince anche sei Nastri d’argento, quattro Ciak d’oro e il Globo d’oro della stampa estera come miglior film italiano dell’anno. Nel settembre 2014 Il capitale umano viene designato come film rappresentante il cinema italiano alla selezione del Premio Oscar 2015 al miglior film in lingua non inglese, non rientrando tuttavia nella cinquina finale.

“La pazza gioia” e “Tolo Tolo”

Nel 2016 esce La pazza gioia, con Micaela Ramazzotti e Valeria Bruni Tedeschi come protagoniste; la pellicola, presentata in anteprima nella sezione Quinzaine des Réalisateurs del Festival di Cannes 2016, ha conseguito cinque Nastri d’argento e cinque David di Donatello tra cui quello per il miglior film e la miglior regia.

A luglio dello stesso anno Paolo Virzì inizia le riprese di Ella & John – The Leisure Seeker (The Leisure Seeker), interamente girato in America che vede come protagonisti Donald Sutherland e Helen Mirren; è liberamente ispirato all’omonimo romanzo di Michael Zadoorian; autori della sceneggiatura sono Francesca ArchibugiFrancesco PiccoloStephen Amidon e lo stesso Virzì. Il film è stato presentato in concorso alla 74esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e successivamente a Toronto nella sezione Gala del TIFF 2017.

Nel 2019 collabora alla sceneggiatura del nuovo film di Checco Zalone “Tolo Tolo”.

Fonte: https://www.occhionotizie.it/paolo-virzi-vita-film-successi/

Paolo Virzì: 10 cose che non sai sul regista

Il cinema italiano, dal neorealismo in poi, si è evoluto e negli ultimi trent’anni ha dato vita a una nuova generazione di autori, attori e registi di grande talento. Tra questi c’è anche Paolo Virzì, uno dei registi italiani più apprezzati in tutto il mondo.

Scopriamo insieme oggi tutto quello che c’è da sapere su Paolo Virzì e la sua folgorante carriera nel cinema.

Paolo Virzì film

10. Nato a Livorno il 4 marzo del 1964, Paolo Virzì passa tutta la sua infanzia a Torino per poi tornare nella sua città natale durante l’adolescenza. In questi anni si appassiona alla letteratura, sia italiana che straniera, e soprattutto quella inglese. Inizia a leggere i classici della letteratura con particolare attenzione ai romanzi di Charles Dickens e Mark Twain; grazie all’input di questi due grandi maestri, in quegli stessi anni si diletta a scrivere sceneggiature e testi teatrali, cimentandosi a volte anche come attore.

9. Al liceo conosce Francesco Bruni, celebre sceneggiatore e regista italiano, che diventa suo amico e collega, nonché co-sceneggiatore fidato. L’amicizia tra due sopravvive anche dopo il liceo quando Virzì si trasferisce a Pisa per frequentare la facoltà di lettere e filosofia.

8. Alla fine dei suoi studi lascia Livorno per trasferirsi a Roma e cominciare una carriera nel cinema. Qui entra al Centro Sperimentale di Cinematografia dove frequenta il corso di sceneggiatura fino al suo diploma nel 1987. Solo qualche anno più tardi, Paolo Virzì comincia a lavorare attivamente nel mondo del cinema. Nel 1989 viene arruolato da Giuliano Montaldo per lavorare alla alla sceneggiatura del film Tempo di Uccidere. Negli anni novanta, inoltre, Virzì lavora a tantissime sceneggiature per film come Turnè (1990), Condomino (1991) e Centro Storico (1992).

Paolo Virzì Filmografia

7. Soltanto nel 1994, Paolo Virzì finalmente debutta al cinema con il suo primo lungometraggio dal regista, il film La Bella Vita. Il film, sceneggiato da Paolo Virzì e Francesco Bruni, racconta la storia di una coppia di giovani sposi, Mirella (Sabrina Ferilli) e Bruno (Paolo Bigagli), alle prese con le difficoltà della vita quotidiana. Lei è una cassiera del supermercato mentre lui è un operaio metalmeccanico; i problemi cominciano quando Bruno perde il lavoro a causa della crisi economica e cade in una profonda depressione.

L’esordio di Paolo Virzì raccoglie i consensi sia del pubblico che della critica che gli assegna David di Donatello che il Nastro d’argento come miglior regista esordiente. Dopo un inizio così scoppiettante, Virzì continua la sua carriera e negli anni successiva sforna altri piccolo gioielli cinematografi come Ferie D’Agosto (1996), Intolerance [episodio Roma Ovest 143] (1996) e Ovosodo (1997).

Paolo Virzì dirige Ovosodo

6. Uno dei film più amati di Virzì degli anni novanta è senza dubbio Ovosodo, girato nel 1997, e che probabilmente il regista ha realizzato prendendo spunto dalla sua adolescenza livornese.

Il film racconta la storia di Piero (Edoardo Gabbriellini), soprannominato Ovosodo, un ragazzo di un quartiere popolare di Livorno, costretto a crescere in un contesto sociale disagiato. La scuola è la sua oasi felice e il posto dove può trovare sostegno della professoressa Giovanna (Nicoletta Braschi) e nel suo amico Tommaso (Marco Cocci). Grazie a loro, Piero continua a studiare e a sognare un futuro migliore, lontano dalla povertà e dall’ignoranza delle sue origini. Tuttavia, quando Tommaso decide di partire per gli States, Piero si lascia andare e si arrende a una vita già prestabilita, fatta di famiglia e lavoro in fabbrica.

5. Per altri registi sarebbe difficile replicare il successo di un film come Ovosodo ma non per Virzì. Negli anni successivi il regista sforna altri piccoli capolavori per il grande schermo come Baci e Abbracci (1999), My Name is Tanino (2002), Caterina Va in Città (2003), N – Io e Napoleone (2006), Tutta La Vita Davanti (2008), La Prima Cosa Bella (2010) e Tutti i Santi Giorni (2012).

Paolo Virzì dirige Il Capitale Umano

4. Uno dei film più importanti di Virzì e che ha consacrato la sua carriera di regista, è senza dubbio Il Capitale Umano, uscito nell’ormai lontano 2014.

Ispirato all’omonimo romanzo di Stephen Amidon, il film racconta la storia di due famiglie della provincia brianzola i cui destini si incrociano per caso il giorno della vigilia di Natale. Un ciclista viene, infatti, travolto da un SUV su di una strada provinciale e la Polizia comincia le indagini accumulando prove che porteranno i membri delle due famiglie a scagliarsi gli uni contro gli altri. Il film è un triste spaccato della società italiana raccontata dagli occhi di tutti i suoi personaggi che forniscono un punto di vista sempre diverso della vicenda.

Il Capitale Umano di Virzì fa strage di consensi tra pubblico e critica e quello stesso anno porta a casa 6 David di Donatello, 7 Nastri d’Argento4 Ciak d’Oro, un Globo d’Oro e viene scelto per concorrere agli Oscar di 2015 per la categoria Miglior Film Straniero. Nonostante i consensi ottenuti, però, il film di Paolo Virzì non riesce ad arrivare nella rosa finale.

3. Dopo il successo ottenuto con il suo Capitale Umano, il regista livornese torna all’attacco con La Pazza Gioia (2016), Ella e John – The Leisure Seeker (2017) – presentato alla Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia – e Notti Magiche (2018), ultimo film di Paolo Virzì. Tra il 2019 e il 2020, infatti, Virzì mette da parte la sedia del regista e si dedica alla sua attività di sceneggiatore curando lo script dei film Vivere di Francesca Archibugi e Tolo Tolo di Luca Medici.

Paolo Virzì vita privata

2. Virzì è sempre stato un uomo molto riservato anche se negli anni la sua vita sentimentale ha fatto molto discutere sui tabloid. Sappiamo, infatti, che il primo amore di Paolo Virzì è stato Paola Tiziana Cruciani, conosciuta dal regista durante il suo corso di studi al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma. I due sono stati insieme per anni e hanno avuto anche una figlia, Ottavia Virzì, prima di separarsi definitivamente.

Paolo Virzì e Micaela Ramazzotti

1. Tra tanti flirt o presunti tali nella vita di Vìrzi, ce n’è uno che si è ben presto trasformato in una bellissima storia d’amore. Nel 2008 il regista, impegnato sul set di Tutta La Vita Davanti, s’innamora perdutamente di una delle sue protagoniste, Micaela Ramazzotti. Il colpo di fulmine, ricambiato dall’attrice, porta la coppia dritta dritta all’altare. Solo un anno più tardi, nel 2009, Paolo sposa la sua Micaela. Durante il loro matrimonio, Paolo Virzì e Micaela Ramazzotti hanno avuto due figli, Jacopo e Anna Virzì.

Fonte: https://www.cinefilos.it/personaggi/paolo-virzi-film-regista-ovosodo-micaela-ramazzotti-456629

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Paolo Virzì – Ferie d’agosto (1996)

Segue dalla prima La struttura era azzeccata e semplicissima: due famiglie in vacanza a Ventotene, una di sinistra e una di destra, si ritrovano vicine di casa e sono costrette – dopo il ferimento di un extracomunitario, colpito non tanto casualmente da un’arma da fuoco del capofamiglia destrorso – a scontrarsi e incontrarsi. La famiglia di sinistra è apparentemente irregolare e, nel profondo, unita: Silvio Orlando e Laura Morante non sono marito e moglie (la figlia di lei non è figlia di lui), ma proprio durante il film scoprono di essere in dolce attesa, la coppia lesbica che abita con loro è di gran lunga la più solida del film. La famiglia di destra è apparentemente regolare e, nel profondo, divisa: Ennio Fantastichini è marito di Paola Tiziana Cruciani ma ha sempre amato la sorella di lei, Sabrina Ferilli, che invece ha sposato un ex batterista fallito, Piero Natoli. Quest’ultimo è il personaggio più toccante, perché racchiude una delle tante «anime ideologiche» del film: è un uomo che aveva dei sogni, probabilmente era anche lui di sinistra (suvvia, chiunque suonasse in un complessino beat lo era per forza!) ma ha sposato la destra puntando alla pagnotta. L’altro tenerone del film, che viene voglia di strapazzarlo come un orsacchiotto, è Orlando: comunista, rimprovera aspramente gli amici fricchettoni (extraparlamentari?) quando scopre che la casa è piena di spinelli e stanno per arrivare i carabinieri, ma poi prova il pakistano nero e scopre di non essere mai stato meglio in vita sua. Il punto in cui Ferie d’agosto diventa una sorta di premonizione è però la lunga scena in cui le due famiglie, i Molino e i Mazzalupi, si incontrano, più precisamente la battuta in cui Fantastichini, uno che per sua ammissione i partiti li ha votati tutti, rinfaccia ad Orlando di aver gestito l’Italia «in cinquant’anni di malgoverno e di consociativismo». Bisogna dire che Orlando gli risponde bene, con la storia in mano (gli ricorda la Resistenza, e le discriminazioni subite dai comunisti dopo il ‘48: cari compagni, dovremmo farlo anche noi quando ci sentiamo dire idiozie di quel tipo), ma è impressionante il modo in cui Bruni e Virzì hanno introiettato, e forse anticipato, la folle tesi – ormai divenuta uno slogan del tipo «piove, governo ladro» o «non ci sono più le stagioni» – secondo la quale l’Italia è stata per cinquant’anni una dittatura comunista. Bisognerebbe avere la macchina del tempo e tornare alla fine del ‘95, o all’inizio del ‘96, per fare le pulci a Bruni e a Virzì e stabilire cosa hanno intuito e cosa, invece, hanno (lodevolmente) annusato. Ma non è questo il punto. Il punto è che Ferie d’agosto è un rarissimo esempio di neo-commedia all’italiana, capace di rinverdire un genere che ha sempre colto l’aria del tempo e spesso ha saputo farsi profeta. Volete una prova? Visto che Venezia sta per dare il Leone alla carriera a Dino Risi, andate a rivedervi In nome del popolo italiano, scritto da Age & Scarpelli e girato nel ‘71. È un film su Berlusconi e Di Pietro: Gassman è un imprenditore cialtrone e fascista, Tognazzi è il magistrato che vuole incastrarlo. Il finale, con i tifosi che sciamano per le vie dopo una vittoria dell’Italia sull’Inghilterra (nel ‘71 ancora fanta-calcistica), è la più acuta diagnosi sul ruolo sociale che il calcio avrebbe rivestito nei decenni successivi. La commedia all’italiana non va «rivalutata»: va studiata e, se possibile, divulgata, rimessa in circolo, propagata. È una forma di resistenza. Una delle poche rimaste. Per salvare l’ironia e non fare la fine della giovane Mazzalupi che, nel finale di Ferie d’agosto, rincorre il traghetto per urlare al fedifrago Ivan «ti amo, stronzo!». Sì, siamo arrivati a un punto in cui gli stronzi non bisogna amarli più.

Ferie d’Agosto, di Paolo Virzì, con Silvio Orlando, Sabrina Ferilli ed Ennio Fantastichini

A ventiquattro anni di distanza dal suo rilascio in sala, ciò che colpisce di Ferie d’agosto (1996) di Paolo Virzì (Notti magicheLa pazza gioiaElla & John), è la sorprendente attualità tematica, nonché la capacità di parlare – oggi come ieri – di vizi e virtù degli italiani. Una capacità d’analisi mista a note di dolcezza e realismo, tipica del “primo periodo” del cineasta livornese.

Ferie d’agosto è infatti piena espressione dell’evoluzione della poetica di Virzì. Una seconda regia che dopo l’intelligente esordio de La bella vita (1994), affina il suo stile, e realizza un high-concept che cova al suo interno delle tipicità germinali. Uno sguardo critico verso la società che troveranno piena maturazione nel successivo Ovosodo (1997) Leone d’argento al 54° Festival di Venezia.

Laddove infatti, Ovosodo racconta della disillusione dell’individuo in un coming-of-age – dall’adolescenza all’età adulta – arguto come pochi nel cinema nostrano, Ferie d’agosto ragiona più nell’ottica delle occasioni mancate tra i trenta e i quaranta; ruotando il tutto attorno al periodo ferragostano come opportunità con cui staccare la spina e far bilanci della propria vita.

Nel cast del film figurano Silvio OrlandoEnnio FantastichiniLaura MoranteSabrina FerilliPiero NatoliRocco Papaleo; e ancora Gigio AlbertiAntonella PonzianiPaola Tiziana Cruciani e Mario Scarpetta.

Ferie d’agosto: la sinossi del film di Paolo Virzì

A Ventotene, due gruppi di persone trascorrono le vacanze in due case contigue. Un gruppo fa “capo” al giornalista Sandro (Silvio Orlando) e la compagna Cecilia (Laura Morante). L’altro a Ruggero (Ennio Fantastichini), imprenditore romano. A seguito di un incidente che coinvolge l’extracomunitario Tewill (Oumar Ba), tra i due gruppi “familiari” scoppierà una guerra dialettica (e non solo) tra accuse e difese, con Sandro e Ruggero pronti a darsi battaglia sotto le stelle della Notte di San Lorenzo e nella calura ferragostana. Tra nuovi amori, strade impervie e rivelazioni, Ventotene si tingerà delle tante sfumature dell’Italia contemporanea.

Dialoghi brillanti e stereotipi culturali made in italy

Ha un incipit abbastanza atipico Ferie d’agosto. Una processione in piena Rimini a cui si sovrappone un conflitto d’incomunicabilità umana tra i Sandro e Cecilia di Orlando e Morante, ed è interessante soprattutto il modo in cui questo viene raccontato. In piena medias res infatti, Virzì realizza un gioiellino dialogico fatto di battute incisive e sferzanti – dai toni quasi Alleniani – con cui raccontare una crisi familiare.

Come se non bastasse però, la presentazione dei personaggi – compiuta mediante un linguaggio filmico immediato – prosegue nelle dinamiche ciociare tra sorelle e cognati delle coppie dei personaggi di Fantastichini e Natoli. Espediente con cui generare una chiara e netta opposizione tra i due nuclei scenico-familiari, e con cui arricchire il racconto nella componente umana e da un punto di vista di conflitti narrativi. Tra nonne trasportate su moto-ape e zuppe di porro “senza porro”, Virzì dipana una narrazione che vive dello sviluppo graduato dei suoi mini-conflitti –  ora romantici, ora “finanziari”, ora culturali – ognuno dotato di una propria “trasformazione a tre atti”.

Alla base dei mini-conflitti scenici e dell’opposizione tra le caratterizzazioni, c’è però un evidente intento culturale. Il racconto di Ferie d’agosto gioca tutto sulle differenze culturali degli italiani; ora tra varietà televisivi e Shakespeare; ora tra linguaggio forbito e “di borgata”, ed è proprio questa la chiave di volta della narrazione.

Attraverso la più comune delle opposizioni caratteriali, Virzì realizza un microcosmo della società contemporanea tra Milano e Roma, la cui inevitabile incomunicabilità risulta funzionale nell’economia del racconto. Il regista tratta così la crisi dell’ideologia politica degli anni Novanta sino ad alzare la posta in gioco nelle tematiche del conflitto scenico trattando della discriminazione razziale e della crudeltà verso gli animali.

Ferie d’agosto: Sotto il cielo di Ventotene

La risoluzione del conflitto tra le due fazioni – simulacro degli stereotipi culturali italiani – trova il suo compimento nella scena madre dell’incontro “a tavola”. Virzì realizza uno scontro dialettico tra la dimensione intellettuale e quella populista per cui “la politica è una zozzonata“. Tra atteggiamenti sofistici e chi butta l’immondizia per strada, a emergere è un virgolettato che sembra quasi uscire dall’arena culturale del 2020, e che Virzì affida alla “coscienza” di Ferie d’agosto, il Sandro di Orlando:

Tale sequenza permette di dare il via alla risoluzione dei sopracitati mini-conflitti all’interno dei nuclei scenico-familiari. Sotto il cielo di Ventotene e nella Notte di San Lorenzo, intellettuali e populisti sono tutti uguali: nel guardare al cielo, le stelle cadenti di Virzì diventano il grande livellatore degli agenti scenici. Chi nel desiderare una vita diversa, normale; chi vorrebbe maggior rispetto; e chi vorrebbe morire e non aver bisogno d’amore; in chi vorrebbe poter parlare francese e inglese; chi tornare indietro ai 18 anni e avere tutta la vita davanti; e chi vincere al Totocalcio. Nonostante le aspirazioni però, ognuno dei personaggi di Virzì si muove sulla base delle proprie nature: chi da perdente; chi da vigliacco; chi con arroganza e chi ipocritamente.

Tra le opere più incisive del cinema di Virzì

Tra bilanci esistenziali, nuovi arrivi, rapporti martoriati che procedono per inerzia, occasioni mancate e una nota melodrammatica (un po’) fuori fuoco, Ferie d’agosto chiude il proprio racconto in un’autentica catarsi scenica allargando sempre più la forbice delle differenze culturali.

Come dicevamo in apertura, Virzì realizza un racconto che oltre ad anticipare tematicamente quel Ovosodo – autentico capolavoro del suo opus – è anche testimonianza di una crisi di valori che ha trovato il pieno compimento nel secondo decennio degli anni Duemila; accostando così, la sua seconda regia, a quei racconti ferragostani malinconici, di cui Il sorpasso (1962) risulta piena espressione.

Ciò non fa che dare maggior valore al lavoro di un cineasta che seppur non maturato a dovere nella grammatica filmica, agli albori ha saputo raccontare come pochi altri dell’italianità e degli italiani. Ferie d’agosto invecchia bene, come il buon vino, ma per ragioni che forse sarebbe stato bene non avere.

Fonte: https://www.cineavatar.it/recensioni/ferie-dagosto-litalia-degli-anni-novanta-secondo-paolo-virzi/

FERIE D’AGOSTO di Paolo Virzì

Seconda regia di Paolo Virzì dopo La bella vita, Ferie d’agosto infila nel racconto vacanziero le scaramucce corali familiari, integrandole all’era del berlusconismo: così se i Mazzalupi rappresentano la borghesia “bottegaia”, qualunquista e vicina alla destra, Sandro Molino e i suoi amici e parenti sono la sinistra che è già radical chic senza rendersene conto. Paradossalmente quello che all’epoca poteva apparire come un difetto, vale a dire il bozzettismo volutamente semplicista, oggi assume una sfumatura assai più interessante, e una stratificazione all’epoca impensabile. Virzì si dimostra anche ottimo direttore d’interpreti, gestendo con mano sicura un cast ricco che va da Silvio Orlando a Laura Morante, da Sabrina Ferilli a Ennio Fantastichini, passando poi per Piero Natoli, Rocco Papaleo, Paola Tiziana Cruciani, Raffaella Lebboroni, Antonella Ponziani e Gigio Alberti.

Cos’è la destra cos’è la sinistra

È agosto, e nell’isola di Ventotene due gruppi di persone trascorrono le ferie in due case attigue. Uno dei due gruppi familiari fa capo a un giornalista, Sandro Molino, che è lì con la compagna Cecilia e la figlia di lei, di otto anni: sono tutte persone appartenenti al ceto intellettuale, e dichiaratamente di sinistra. L’altro gruppo è composto dalla famiglia Mazzalupi, che gestiscono molti negozi a Roma e, al contrario, non professano nessuna “fede” politica, pur ammettendo di aver votato Forza Italia. Il già delicato e fragile equilibrio si spezza quando un giovane venditore ambulante extracomunitario viene ferito da un proiettile. Chi è stato? [sinossi]

Dopo La bella vita, con cui aveva già attirato attenzioni e buoni riscontri critici, fu Ferie d’agosto a consacrare il nome di Paolo Virzì tra i giovani registi italiani in grado di affrontare il confuso decennio che avrebbe portato alla fine del secolo, e del millennio. Ma prima di approcciarsi, a distanza di quasi venticinque anni, alla lettura critica del film viene naturale pensare a coloro che non ci sono più: Evelina Gori, Ennio Fantastichini, Mario Scarpetta, Piero Natoli, Oumar Ba. Viene naturale pensare a loro per due motivi, vale a dire per la natura intrinseca dell’opera, il suo essere racconto corale e familiare, e perché Ferie d’agosto, nella sua semplice struttura narrativa prossima in alcuni passaggi alla pochade, diventa automaticamente riflessione sul tempo, sia esso cinematografico che “reale”. Così se i pochi giorni raccontati devono servire ad aprire una finestra su vite intere, e sul loro sviluppo affettivo ed emotivo, il film vuole anche essere un’istantanea su un Paese diviso a metà, entrato da poco in quella che viene definita Seconda Repubblica e già stanco, già sfibrato, già in qualche misura sconfitto. Un’istantanea che forse paradossalmente trova molta più ragion d’essere a venticinque anni di distanza, e quando perfino la Seconda Repubblica è divenuta un lontano ricordo. Lo schema di Ferie d’agosto è quello tipico della commedia corale, e si basa sul concetto di specularità tra i personaggi. Così da un lato c’è la tribù di sinistra capitanata idealmente dal poeta e giornalista Sandro Molino (“scrive anche su L’Unità”, come accenna in una lettera che probabilmente non verrà mai spedita Antonella Ponziani, che interpreta un’ex tossicodipendente con cui un decennio prima Molino ha avuto una breve ma intensa relazione), una tribù che è completamente aperta rispetto alla prassi della vita borghese: la loro villa non ha neanche l’elettricità, la sera cantano in circolo Nostra patria il mondo intero di Pietro Gori, fra di loro ci sono mediatori culturali, interpreti, attori, si fuma l’hascisc, c’è una coppia lesbica, ci sono genitori single, e via discorrendo. Davanti a loro, idealmente e fisicamente visto che hanno affittato la villetta attigua (dove però l’elettricità c’è), ci sono Ruggero Mazzalupi, sua moglie, i loro due figli, la sorella della donna con il marito e il loro bambino: nei loro discorsi già filtra l’antipolitica, sono qualunquisti, amano la caccia, le armi, la televisione berlusconiana – la ragazzina guarda Non è la Rai e arriva addirittura a telefonare per partecipare la quiz, la cui risposta le viene però fornita da un ragazzino del “clan Molino”, di cui ovviamente si innamora. Il conflitto è inevitabile, e non può che deflagrare in maniera definitiva per via del più immortale dei casus belli “politici” italiani, vale a dire la visione dello straniero. È un ambulante senegalese, che in patria era laureato in ingegneria, il pomo della discordia: per gioco, si fa per dire, Mazzalupi e il cognato lo feriscono con una pistolettata, e in suo soccorso arriva Molino, che si costituisce parte civile per denunciare l’atto criminale.

Questo schema bipartito, questo faccia a faccia continuo e incessante tra Molino e Mazzalupi, tra la sinistra che si deve riprendere ancora dallo scioglimento del Partito Comunista e la destra forza italiota che ha approfittato dello sbandamento generale dato da Tangentopoli per dominare da subito la scena politica nazionale, è inevitabilmente l’immagine di maggior impatto di Ferie d’agosto, eppure in una certa misura questo livello appare quasi epidermico, come se servisse a creare non tanto le schermaglie – che ruotano attorno a mere questioni retoriche, come dimostra in maniera lampante la discussione a cena che rappresenta forse la scena più citata del film – ma il terreno ideale per approfondire la psicologia e in particolar modo le emozioni dei suoi personaggi. Virzì, coadiuvato in fase di scrittura dal fedele sodale Francesco Bruni, architetta una commedia corale che sfrutta l’ambientazione estiva e la dimensione vacanziera per cercare di fotografare una realtà già prossima alla disgregazione. Lo fa credendo con grande sincerità ai suoi personaggi, provando per loro un affetto che non viene meno dell’aspetto critico (è evidente che Virzì parteggi per Molino & co., ma allo stesso tempo rifugge da qualsiasi semplificazione eccessiva di Mazzalupi e della sua famiglia, che risulta anzi a conti fatti la realtà più interessante da indagare) ma allo stesso tempo si percepisce con grande forza: la macchina da presa accompagna questa miriade di personaggi, li accarezza, cerca di lenire il loro dolore. Perché al di là della patina più goliardica – l’attore in crisi di ruoli che dopo una caduta dal palco della festa cittadina si ritrova praticamente “assunto” dal padre di una ragazza che è l’unica, pare, a riconoscere il talento dell’uomo – Ferie d’agosto è il racconto di una lunga serie di fallimenti. Fallimenti sentimentali, come quelli di Mazzalupi che ritiene di aver sposato la sorella “sbagliata”, e di sua cognata Marisa (Sabrina Ferilli, già protagonista ne La bella vita: tornerà a lavorare con Virzì nel 2008 per Tutta la vita davanti), che non prova alcuna stima per il proprio marito, e vorrebbe tornare ai suoi diciotto anni, con – per l’appunto – tutta la vita davanti. La sequenza in cui tutti i personaggi esprimono i desideri di fronte alla luna piena può apparire fin troppo esibita, ma permette di raccontare una generazione – o forse un paio – insoddisfatte, fallite, prossime alla catastrofe di un Paese che perderà completamente la trebisonda.

Quasi si muovesse in linea con la sociologia di Pierre Bourdieu, Virzì lavora per categorie, sociali ed economiche, suddividendo destra e sinistra in quadri di facile lettura, semplici, immediati per qualsiasi spettatore. Ma così facendo dimostra anche di cogliere con grande acutezza la deriva che entrambi i gruppi stanno prendendo: la sinistra di Molino, per quanto ancora orgogliosamente comunista (lo resterà per poco, e oggi si limiterebbe a dirsi “liberale”), è già elitaria, sfotte con crudeltà l’ignoranza dei vicini, non prova mai a integrarsi, vuole restare chiusa nel suo piccolo mondo antico staccandosi sempre di più dal popolo. D’altra parte la destra prende sempre più piede, perché sembra affrontare (con la rozzezza intellettuale che le è propria) alcuni dilemmi sociali con cui bisognerebbe prima o poi fare i conti. Non c’è molto da salvare umanamente né da una parte né dall’altra, se non la capacità di riscoprirsi fragili, e desiderosi d’affetto, di calore umano. L’esperienza umana va avanti in una società sempre più de-umanizzata, e delle due posizioni arroccate solo una ha veramente una base ideologica alla quale mai rinuncerà. E purtroppo sono i Mazzalupi. Nel frattempo, dopo i parapiglia e le baruffe per via della denuncia per tentato omicidio, l’unico a rimetterci davvero è proprio la vittima, l’ingegnere senegalese che riceve il foglio di via ed è costretto ad abbandonare l’isola col primo traghetto del mattino. Nessuno si muove per evitare questo, al massimo ci si limita a declamare Montale mentre si fa il bagno. “Riviere, bastano pochi stocchi d’erbaspada penduli da un ciglione sul delirio del mare; o due camelie pallide nei giardini deserti, e un eucalipto biondo che si tuffi tra sfrusci e pazzi voli nella luce; ed ecco che in un attimo invisibili fili a me si asserpano, farfalla in una ragna di fremiti d’olivi, di sguardi di girasoli”. Il Paolo Virzì degli esordi ha saputo forse meglio di ogni altro regista della sua generazione cogliere le distonie e l’inutile frastuono di una contemporaneità sperduta, alla ricerca disperata del proprio senso. Sarà così anche in Ovosodo e Baci e abbracci, due delle opere principali dell’intera filmografia del regista livornese. Ma questa è un’altra storia.

Fonte: https://quinlan.it/2020/06/15/ferie-dagosto/

Paolo Virzì: «La politica, gli amici e un’altra Italia: Ferie d’agosto venticinque anni dopo»

MILANO –«Aspetta, aspetta un attimo. Devo chiudere il file e aprirne un altro. Sono un ossessivo e quando faccio una cosa sono ossessionato solo da quella». Paolo Virzì è al montaggio del suo nuovo film, Siccità, e si distrae in maniera piuttosto faticosa. Riusciamo a convincerlo a prendersi dieci minuti via Zoom solo con un preciso motivo: celebrare i venticinque anni di Ferie d’agosto«Come dici? Un buon motivo? Ma sì, questo poi lo stabilite voi. Spero lo sia. Io ne ho un buon ricordo, sicuramente». E allora facciamo un passo indietro: è il 5 aprile del 1996 quando Ferie d’agosto, seconda pellicola diretta da Virzì dopo La bella vita, arriva in sala. Mel Gibson ha appena vinto l’Oscar per Braveheart e poche settimane dopo Romano Prodi vincerà le elezioni con l’Ulivo. Un altro mondo, insomma.

Solo due anni prima Virzì era stata una delle rivelazioni della scena con La bella vita: Sabrina Ferilli, Massimo Ghini, un grandissimo Claudio Bigagli e la vittoria di David di Donatello, Nastro d’argento e Globo d’oro: «E proprio da lì arrivavo, da quell’opera prima triste, dolente e dolorosa sulla crisi sentimentale di una coppia operaia di Piombino. Il film ebbe una certa risonanza e quindi, poco tempo dopo, mi chiamò quella che era la major del momento: “Cecchi Gori Group”, che al tempo produceva anche film d’autore, ma soprattutto commedie spensierate e natalizie. Quindi mi posi il problema su quale potesse essere un mio progetto adatto per loro. Pensai che potevo infinocchiarli allestendo una commedia balneare che al primo colpo d’occhio potesse assomigliare ad una commedia dei Vanzina per nasconderci dentro qualcos’altro».

Quello fu il primo passo di Ferie d’agosto…
«Sì. Io e Francesco Bruni scrivemmo la sceneggiatura nel 1994 e poi girammo nella tarda estate del 1995. Per capire il film oggi bisogna però ricordare che venne scritto proprio nell’anno in cui ci fu una grande novità sulla scena politica italiana: la discesa in campo del tycoon Silvio Berlusconi, che di fatto spaccò l’Italia in due. Io e Francesco provammo a mettere in burla questa cosa, inserendo anche dei momenti di autocanzonatura rispetto ad amici che già vedevano il nostro Paese destinato a una specie di declino disperato. Insomma, saremmo finiti soggiogati dal regime televisivo che avrebbe spazzato via anche la grande cultura e l’umanesimo sociale della sinistra. In pratica era l’Italia del karaoke e di Colpo Grosso contro l’Italia dell’Unità e dell’impegno».

Ma la genesi di tutto da dove nasce?
«Nell’estate del 1994 andai in vacanza a Ginostra, nelle Eolie, posto bellissimo e scomodissimo, non c’era nemmeno la corrente elettrica. In un posto così scomodo e bellissimo la maggioranza dei turisti erano milanesi colti, un ceto medio riflessivo che sedeva sugli scogli lavici e aguzzi roventi sfogliando libri con bellissime copertine Adelphi (ride, nda). Un giorno però, arrivò da un’altra isola, probabilmente da Panarea, un motoscafo con dei bagnanti che ballavano su una canzonetta del periodo. Ricordo che io – come altri che erano con me, tra cui alcuni che sarebbero finiti nel film come Silvio Orlando, Gigio Alberti e Silvio Vannucci – provai un fastidio quasi fisico rispetto a questi personaggi che arrivavano e invadevano la nostra quieta baia quieta dove leggevamo le pagine di Joseph Brodsky (ride, nda)».

Quale fu l’apporto di Francesco Bruni, che sarebbe poi diventato regista?
«Francesco fu importante soprattutto nell’aiutarmi a prendere in giro quelli come me. Quando eravamo insieme al Liceo io ero il militante severo che presiedeva le assemblee d’Istituto, mentre lui era quello più leggero che preferiva la barca a vela e fidanzarsi con le belle ragazze. La cosa bella della collaborazione è che il tuo sguardo si allarga e assorbe anche quello degli altri».

Rivedere oggi Ferie d’agosto significa anche ritrovare due attori come Ennio Fantastichini e Piero Natoli, poi scomparsi troppo presto…
«E quanto erano divertenti: Ennio era un interprete drammatico che non aveva mai fatto commedia prima ed era celebre per il ruolo di cattivo in Porte aperte di Amelio, per cui aveva vinto anche un EFA. Piero invece si considerava un autore, era della generazione di Nanni Moretti e Peter Del Monte ed era stupito che il suo modo di parlare e stare in scena ci facesse sbellicare delle risate. Durante le riprese avevo capito che bastava dargli alcune parole con la S e diventata divertentissimo. E poi bastava metterlo in calzoni corti con canottierina da vacanza e l’effetto era garantito. Lui e Ennio furono una coppia irresistibile, ma devo dire che tutto il cast fu azzeccato».

Una delle scene più celebri è quella in cui proprio Fantastichini dice ai villeggianti di sinistra che non ci stanno più capendo nulla…
«Silvio Orlando e la sua comitiva erano il ritratto di un pezzo di umanità progressista, tollerante, aperta verso il mondo, ma che non era capace di digerire il vicino di casa, che sbagliava i congiuntivi e esibiva il cellulare. Il tema era colti contro spettatori televisivi, quindi il riflesso dello schema della dialettica politica di quegli anni, rispetto al passato dove la sinistra significava operai e braccianti e la cui tradizionale modalità di aggregazione erano le salsicce abbrustolite alla festa dell’Unità. Cos’era successo? Ripensandoci non era una vicenda solo italiana: due anni prima era uscito in Francia un film meraviglioso che si chiamava La crisi! di Colin Serrau e che raccontava in altro modo la crisi delle élite culturali e politiche in una stagione populista che, in parte, ancora stiamo attraversando».

L’ultima volta che hai visto Ferie d’agosto?
«Mai. Non l’ho più rivisto. No, non li guardo più i miei film. Anche nelle proiezioni pubbliche assisto ai titoli di testa e poi scappo via con la scusa di fumare una sigaretta. Torno solo ai titoli di coda. Perché? Ma perché mi fanno soffrire, li cambierei e li rifarei daccapo. Ricordo che Orson Welles diceva che se assisteva a un suo film finiva in cabina con la pressa e la taglierina per rimontarlo interamente. Riguardando i propri film si vedono solo i difetti…».

Quanto è cambiato Paolo Virzì in questi venticinque anni?
«Ripensando a quegli anni in realtà devo dire che non avevo capito nulla. Devo fare pubblica ammenda. Se dovessi verificare i pensieri di quel periodo adesso probabilmente non sarei d’accordo su quasi nulla di quello che pensavo nel 1996. Penso alla rivoluzione di Mani Pulite, penso all’assalto della magistratura ai partiti politici. Non è stato un bel momento e posso dire di non averne nostalgia, anche se ho un sentimento molto critico verso il presente».

Ma quindi il ricordo di Ferie d’agosto com’è? Positivo o negativo? 
«Ho un ricordo molto bello del periodo di lavorazione. Abitai a Ventotene per un sacco di tempo, da agosto a novembre del 1995, in una casetta di pescatori modesta ma stupenda. Eravamo solo noi, il cast e la troupe, una comunità vivace e affiatata, tra amori, litigi e risate. Fu forse il set più divertente tra tutti quelli che mi sono capitati. Solitamente non mi diverto mai. Mai. Durante le riprese soffro fisicamente, perché il mestiere del regista è un mestiere ossessivo, in cui ti ritrovi a notte fonda a pensare a come girare una scena. Io solitamente vivo il set talmente male che alla fine mi ammalo. Dal set di Ferie d’agosto tornai invece sano e perfino abbronzato. Ripensandoci ora, avrei dovuto girare tutti i miei film in condizioni del genere…».

Fonte: https://hotcorn.com/it/film/news/paolo-virzi-ferie-agosto-anniversario-ginostra-siccita-film/

Virzì all’arena del Piccolo America: «Ferie d’agosto così attuale, fra destra e sinistra la sconta un immigrato»

“Il film fu fatto con uno spirito abbastanza scanzonato, lo concepimmo nell’estate del ‘94 dopo che a marzo il Popolo delle Libertà aveva vinto inaspettatamente le elezioni, con sorpresa di tutti quelli che sfottevano Berlusconi. Lo spirito era quello di raccontare una commedia sull’Italia vista dal buco della serratura della vacanza, scherzavamo dicendo ‘stiamo facendo un film tra Cechov e Vanzina’, satira ma anche malinconia e languore. Ma non pensavamo di essere così lungimiranti”.

Paolo Virzì ricorda la genesi di Ferie d’agosto e si stupisce di quanti siano gli spunti d’attualità in quel film, pensato ventiquattro anni fa e uscito nelle sale nel 1996. La commedia con Silvio Orlando, Ennio Fantastichini, Sabrina Ferilli, Laura Morante è stata scelta dai ragazzi del Piccolo America per ri-inaugurare l’arena di piazza San Cosimato a Trasteve, un ritorno con il quale si conclude un contenzioso con il Campidoglio e che per i ragazzi ha il sapore della vittoria e della conquista. Il film è la cronaca dell’incontro e dello scontro fra due “fazioni” nell’estate ventotenese: un gruppo di amici di sinistra, niente tv né corrente elettrica, zuppe di porri, grandi letture e schitarrate, e una famiglia di destra, sbruffoni e arroganti, un capofamiglia violento e razzista che per smania d’esibizionismo finirà per sparare a un giovane ambulante senegalese. «E’ lui a far da capro espiatorio di quel conflitto sinistra-destra», osserva Virzì, «mi sembra che sia speculare alla situazione attuale».

Torna il cinema nel cuore di Trastevere, la risposta del pubblico è calda – e pure inconsapevole: una signora si avvicina a Virzì, che sotto al palco parla con alcuni cronisti, e a gran voce gli chiede “Scusi, dov’è che posso sape’ il programma? Ma che dura tutta l’estate?”. Tanti giovani, in prima fila il vice di Zingaretti, Massimiliano Smeriglio, il direttore generale per il cinema del Mibact, Nicola Borrelli, il vicesindaco Luca Bergamo, protagonista della trattativa che ha sbloccato il ritorno dei ragazzi in piazza a Trastevere.

Bergamo sceglie proprio questa serata per annunciare di aver presentato in Consiglio comunale una proposta di modifica della delibera 48 affinché venga eliminato il tetto di 4 giorni per la concessione della piazze a iniziative sportive o culturali, in modo che queste possano arginare la gentrificazione dei rioni storici della città. Non c’è la sindaca Virginia Raggi, ripetutamente invitata già nelle passate edizioni dell’arena, “non è riuscita a venire oggi a causa di impegni istituzionali”, annuncia il presidente dell’associazione Piccolo America, Valerio Carocci, “ma ha detto che farà il possibile e dovrebbe esserci il 10 luglio, quando verrà Gigi Proietti a presentare ‘Febbre da cavallo’”.

Virzì presenta il film, “volevamo prendere in giro i ‘nostri’ – spiega – quelli che si dicono pronti ad accogliere chi viene da lontani paesi tropicali e poi gli fa orrore il vicino di casa perché sbaglia il congiuntivo. Ricordo che Orlando se la prese molto per questa mia simpatia nei confronti degli ‘altri’, mi diceva ‘è la prima volta che vedo un film di destra fatto da un regista di sinistra’”.

Accanto a Virzì c’è Francesco Bruni – sostenitore storico dei ragazzi del Cinema America – che con Virzì scrisse la sceneggiatura di Ferie d’agosto, s’affacciano Raffaella Lebboroni e Silvio Vannucci che furono tra gli interpreti. “Oggi più che mai, purtroppo, c’è bisogno di qualcuno che faccia cultura – osserva Bruni – e dico purtroppo perché siamo in una fase della vita di questo paese in cui la cultura conta sempre meno, abbiamo un sottosegretario alla Cultura che con un certo vanto ha detto che non legge libri da tre anni, che non va al cinema né a teatro. Che ci sia un gruppo di ragazzi di vent’anni che si appassionano al cinema mi pare una bellissima risposta alla classe politica ignorante che abbiamo”.

Il ritorno a San Cosimato, per i ragazzi che proprio in quella piazza hanno fatto nascere la loro esperienza (lì venivano fatte le prime assemblee prima dell’occupazione del Cinema America), “è una vittoria, una conquista – commenta Carocci – ma San Cosimato per noi è anche un porto, e quindi siamo felici di riaprire in qualche modo un porto della città, questa sera, e di restituirlo a tutti coloro che lo vorranno attraversare, vivere, senza necessariamente abitarci”. Ed è proprio con il cartello “Apriamo i porti”, mostrato a tutto schermo e accolto da un’ovazione della piazza, che parte la visione del film. Prossimi appuntamenti da segnare in agenda, conclude Carocci, “il 10 Gigi Proietti a San Cosimato per presentare Febbre da cavallo, il 7 Luca Zingaretti sarà al Porto di Ostia per un omaggio a Michael Cimino con la presentazione di Il cacciatore in versione originale restaurata’, e che Pif giovedì 5 sarà al Parco della Cervelletta per presentare La mafia uccide solo d’estate”.

Fonte: https://roma.repubblica.it/cronaca/2018/07/03/news/arena_piccolo_america_san_cosimato_trastevere-200686769/

Video:

L’estate e il gelato

Storia e origini del gelato: chi lo ha inventato?

STORIA DEL GELATO: DOVE È STATO INVENTATO?

Il gelato artigianale è senza dubbio il dolce italiano più famoso al mondo e intorno alla sua nascita e storia si sono tramandate nel tempo numerosi racconti, al limite fra fantasia e leggenda. Rintracciare l’origine del gelato non è infatti semplice, in quanto le testimonianze storiche e i riferimenti alle antiche usanze di conservare il latte e gli alimenti congelandoli sono molteplici. Diverse sono inoltre le controversie nate nel corso dei secoli per accaparrarsi il fregio di inventore del gelato. Il viaggio nel tempo alla scoperta della vera storia del gelato artigianale è quindi ricco di avventure e di sorprese avvincenti: lasciatevi guidare da Cioccolatitaliani e scoprite insieme a noi tutto quello che c’è da sapere sulla nascita del gelato e sulla sua invenzione!

GELATO: LE ORIGINI FRA STORIA E LEGGENDA

Le prime leggende sull’origine del gelato narrano della presenza di un suo antenato già nella Bibbia, dove Isacco era solito porgere al padre Abramo una bevanda ghiacciata con latte di capra e neve per aiutarlo a combattere il caldo. La storia del gelato prosegue raccontando l’antica usanza romana, introdotta nei banchetti da Nerone, di gustare macedonie e dolci di frutta con miele e neve durante la stagione calda. I primi documenti storici in cui viene menzionato il gelato risalgono invece alle vicende della città di Atene nel 500 a.C., dove i greci amavano realizzare delle bevande rinfrescanti con miele, limone e succo di melograno mescolati a neve o ghiaccio.

STORIA DEL GELATO IN CINA: IL LATTE CONGELATO

L’abitudine di congelare e refrigerare la frutta, il latte e altri alimenti caseari al fine di conservarli sembra avere origini antiche e risale a usanze e cultura delle regioni asiatiche: è proprio in Cina che già intorno al 2000 a.C. veniva preparato un composto a base di latte e riso cotto con spezie, il quale era poi riposto nella neve per solidificarsi. Successivamente, durante il Medioevo, si iniziarono a produrre anche dei dolci freddi a base di latte e succhi di frutta ghiacciati, che vennero poi importati in Europa da Marco Polo intorno al Trecento.

IL GELATO IN ITALIA È NATO IN SICILIA

Le prime apparizioni nella storia di bevande o dolci ghiacciati simili al gelato in Italia avvennero in Sicilia e furono il frutto della dominazione araba avvenuta nella nostra penisola nel IX secolo. Queste popolazioni erano solite, infatti, gustare delle bevande fredde chiamate sherbet, che si caratterizzavano per l’utilizzo di succhi di frutta distillati al gusto di limone, arancia, melograno, ciliegia, tamarindi e ciliegie. Gli arabi di Sicilia utilizzavano la neve dell’Etna e delle montagne della zona per congelare queste bevande in dei recipienti, che poi venivano addolcite con della canna da zucchero importata dalla Persia. Fu così nelle terre della Sicilia che nacque il primo antenato del gelato artigianale italiano.

MA CHI HA INVENTATO IL GELATO CHE TUTTI CONOSCIAMO?

Stando alle ricostruzioni storiche dell’Istituto del Gelato Italiano, l’invenzione del gelato artigianale è fortemente legata al nostro territorio e alla cucina italiana e per assistere alla sua nascita bisogna aspettare l’età Rinascimentale e il Cinquecento.

Il gelato è stato inventato in Italia dall’architetto Bernardo Buontalenti, alla corte di Caterina de’ Medici a Firenze.

Questi, nel 1565, fu il primo a rivendicare l’invenzione del dolce italiano più amato al mondo, dal momento che nella ricetta dei suoi golosi sorbetti gelati era solito utilizzare la maggior parte degli ingredienti del gelato utilizzati tutt’ora:

  • latte
  • panna
  • albume d’uovo
  • neve
  • sale
  • zucchero
  • limone

Un secondo importante momento nella storia del gelato avvenne successivamente nel 1686, quando il cuoco siciliano Francesco Procopio dei Coltelli diede vita alla prima miscela perfetta per produrre e confezionare il gelato. Forte di questa sua scoperta e di un curioso macchinario per la lavorazione dei sorbetti ghiacciati regalatogli dal nonno, l’intraprendente gelataio si trasferì a Parigi alla corte del re Sole, dove ebbe modo di aprire lo storico Cafè Procope e di far conoscere il gelato moderno in tutta la Francia e in Europa.

IL GELATO NEL 1800: LA PRIMA GELATIERA

Proseguendo nel nostro viaggio alla scoperta della storia del gelato artigianale, una svolta nella sua produzione avvenne negli Stati Uniti, dove una donna di nome Nancy Johnson inventò e brevettò, nel settembre 1843, la prima gelatiera a manovella: si trattava di un mastello riempito di sale e ghiaccio, meccanizzato con un cilindro metallico per l’impasto che veniva poi girato con una manovella. Dopo un paio di anni, William Le Young approfittò delle difficoltà economiche della Johnson e acquisì i diritti del suo brevetto per soli 200$: fu proprio quest’ultimo a dare il là ad un rivoluzionario modo di produrre il gelato, preoccupandosi di applicare al mastello un motore e ottenendo così un raffreddamento più uniforme del composto. Queste introduzioni tecnologiche furono poi di spunto per la nascita della prima sorbettiera a spatolazione automatica avvenuta all’inizio del Novecento.

LA NASCITA DEL CONO GELATO NEL 1900

L’invenzione del cono gelato è avvenuta, invece, all’alba del XX secolo e numerose sono le controversie riguardo chi sia stato il primo a servire il gelato in un cono.

IL GELATO NEL 1800: LA PRIMA GELATIERA

Proseguendo nel nostro viaggio alla scoperta della storia del gelato artigianale, una svolta nella sua produzione avvenne negli Stati Uniti, dove una donna di nome Nancy Johnson inventò e brevettò, nel settembre 1843, la prima gelatiera a manovella: si trattava di un mastello riempito di sale e ghiaccio, meccanizzato con un cilindro metallico per l’impasto che veniva poi girato con una manovella. Dopo un paio di anni, William Le Young approfittò delle difficoltà economiche della Johnson e acquisì i diritti del suo brevetto per soli 200$: fu proprio quest’ultimo a dare il là ad un rivoluzionario modo di produrre il gelato, preoccupandosi di applicare al mastello un motore e ottenendo così un raffreddamento più uniforme del composto. Queste introduzioni tecnologiche furono poi di spunto per la nascita della prima sorbettiera a spatolazione automatica avvenuta all’inizio del Novecento.

LA NASCITA DEL CONO GELATO NEL 1900

L’invenzione del cono gelato è avvenuta, invece, all’alba del XX secolo e numerose sono le controversie riguardo chi sia stato il primo a servire il gelato in un cono.

Il 13 dicembre 1903 questi si recò a Washington per ricevere il brevetto statunitense di un apparecchio di stampa per coppe da gelato commestibili da lui realizzato. La nascita di questo antenato del cono del gelato fu legata alla forte necessità di servire il gelato in dei bicchieri che non fossero di carta o vetro: questi ultimi, infatti, tendevano a rompersi facilmente e spesso non venivano restituiti, comportando per Marchioni delle perdite di denaro facilmente evitabili.

STORIA DEL CONO GELATO: LA PRIMA CIALDA CROCCANTE

Una seconda e successiva ipotesi riguardo la nascita del cono da gelato racconta del pasticciere siriano Ernst Hamwi, che secondo alcune ricostruzioni del New York Times fu il primo a servire il gelato in una pasta croccante, la zalabia, cotta in una pressa per wafer. L’occasione gli fu offerta durante la Fiera Mondiale di St. Louis nel 1904, in Missouri, quando per aiutare un gelataio dello stand accanto che aveva terminato i piatti da gelato, iniziò ad arrotolare a forma di cono alcune delle sue cialde croccanti e a riporvi il suo gelato.

La storia di Cioccolatitaliani racconta di un’azienda e di una famiglia italiana che dal 2009 si dedica con dolcezza e passione all’arte di mixare il migliore cioccolato del mondo a gelateria, pasticceria e caffetteria. Scopri la nostra selezione di gelati e vieni a gustarli nello store più vicino a te!

Fonte: https://www.cioccolatitaliani.it/it/blog/storia-e-origini-del-gelato-chi-lo-ha-inventato.html

Chi ha inventato il gelato?

Il gelato è, in gran parte, debitore del genio culinario italico: nel 1686 Francesco Procopio dei Coltelli aprì a Parigi la prima gelateria; nel 1903 il gelataio Italo Marchioni ideò le prime cialde a cono; e tra il 1939 e il 1948, le aziende Pepino e Motta lanciarono rispettivamente il «Pinguino» e il «Mottarello», capostipiti dei gelati confezionati. Ma per risalire alle origini bisogna tornare indietro nel tempo di molti secoli.

I gelati come li conosciamo oggi, realizzati con latte, panna, uova e zucchero, refrigerati e lavorati fino a ottenere una consistenza cremosa, sono diversi dai loro «progenitori». Questi consistevano infatti in bevande o alimenti (principalmente frutta), addolciti talvolta con il miele, mescolati a neve o ghiaccio e conservati in apposite «neviere». Di queste preparazioni si ha traccia in numerose civiltà antiche, dalla Mesopotamia alla Cina fino ad arrivare all’antico Egitto e a Roma.

IN SICILIA. Poi, nel corso del Medioevo, a fare ampio uso di alimenti ghiacciati furono gli arabi, a cui si deve tra l’altro la parola sorbetto, derivata da sharbat, termine che indicava una sostanza fredda e sciropposa a base di zucchero di canna, petali di fiori e frutti. Le usanze arabe si diffusero quindi in Sicilia, e da qui i primordiali sorbetti sbarcarono nel resto della Penisola trovando estimatori soprattutto in epoca rinascimentale.

Tra i grandi amanti di questi composti semidensi ghiacciati spicca la buongustaia Caterina de’ Medici (1519-1589), regina consorte di Francia (sposa del sovrano Enrico II) che lasciando Firenze per giungere Oltralpe si portò appresso i propri addetti alla cucina tra cui, si narra, un tal Ruggeri esperto appunto nella preparazione di sorbetti (o meglio di «ghiaccio all’acqua inzuccherata e profumata»).

LATTE, PANNA E UOVA. Dal Seicento, la pratica di consumare gli antenati del gelato si diffuse in svariate corti europee, e ben presto agli ingredienti base si aggiunsero latte, panna e uova. Su chi abbia affinato la ricetta non vi è certezza, ma in molti indicano quale «padre» del gelato moderno Francesco Procopio dei Coltelli (1651-1727). Siciliano doc, partì per cercare fortuna a Parigi, dove nel 1686 aprì i battenti del Café Procope, locale frequentato da illustri personaggi in cui si potevano assaporare granite, sorbetti e gelati realizzati grazie a una serie di macchinari messi a punto dallo stesso Procopio.

IL PRIMO CONO. Ormai sempre più internazionale, il gelato continuò a conservare un’anima italiana, tanto che fu un altro nostro ingegnoso compatriota, emigrato negli Stati Uniti, a ideare il primo cono fatto di cialda, pratico per il passeggio. Si trattava di Italo Marchioni, gelataio veneto che ebbe la geniale intuizione nel 1896, progettando poi le macchine industriali per produrre coni in serie e brevettando il tutto nel 1903. Sempre dagli Usa arrivò l’idea di inserire il prodotto tra due wafer, come un sandwich.

Dopodiché, grazie alle evoluzioni nei sistemi di congelamento – a cui si deve tra l’altro la nascita dei celebri ice cream trucks (furgoncini-chiosco) popolarissimi nel mondo anglosassone -, la produzione di gelati divenne sempre più capillare, coinvolgendo un numero crescente di consumatori attratti anche da costi più bassi rispetto al passato, quando il gelato era considerato una specie di «lusso».

IL PINGUINO E IL MOTTARELLO. Il boom dell’ice cream si legò inoltre alla commercializzazione dei confezionati da passeggio, iniziata negli anni Quaranta in Italia con il lancio dei gelati su stecco Pinguino e Mottarello – antenati del Cremino – e corroborata nel decennio seguente dall’avvento del Cornetto e di altri gelati a cono, nonché di una serie di coppette tra cui l’intramontabile Coppa del nonno.

La crescente diffusione dei freezer domestici portò poi al successo, in tutto il mondo, del gelato in secchielli «formato famiglia». E oggi i gelati sono ormai un consumo di massa: ogni anno in Italia ne mangiamo in media 8 kg a testa. Un successo alimentato dalla riscoperta di antiche varianti artigianali e di preparazioni che strizzano sempre più l’occhio alla salute (grazie a ricette light e a cialde senza glutine). Il tutto, accompagnato dalla continua sperimentazione di sapori alternativi a quelli tradizionali: dal parmigiano al pomodoro, passando per rosmarino, birra e fagioli.

Fonte: https://www.focus.it/cultura/storia/invenzioni-italiane-il-gelato

STORIA DEL GELATO

A STORIA DEL GELATO – Rintracciare le origini del gelato nell’antichità è complesso: i riferimenti alla refrigerazione di frutta, latte e miele si incontrano sia negli antichi testi sia nelle cronache delle scoperte archeologiche più note. Nella Bibbia si legge che Isacco offre ad Abramo latte di capra misto a neve: uno dei primi mangia e bevi della nostra storia. Negli scavi archeologici dell’antica Troia sono state portate alla luce fosse destinate a conservare il ghiaccio e la neve, accumulati in strati ricoperti con foglie e paglia. Una tradizione storica racconta che re Salomone era un grande consumatore di bevande ghiacciate e che Alessandro Magno, durante le sue campagne in India, pretendesse un continuo rifornimento di neve da consumare mescolata a miele e frutta durante le marce e le battaglie.

Alcuni studiosi fanno risalire l’origine del gelato a circa 3.000 anni prima di Cristo presso le popolazioni dell’estremo Oriente, in particolare cinesi: mediante le invasioni mongoliche, il gelato sarebbe, in seguito, approdato in Grecia e in Turchia, espandendosi agli altri paesi del bacino del Mediterraneo.

Gli antichi faraoni egizi, tra le portate più ambite dei loro sontuosi banchetti, annoveravano primitive forme di granite. Cleopatra offrì con successo a Cesare ed Antonio frutta mescolata a ghiaccio. Il generale Quinto Fabio Massimo inventò una ricetta tipo sorbetto; Quinto Massimo Gorgo afferma che il primo ad introdurre ufficialmente nei banchetti l’uso del gelato fu l’imperatore Nerone, il quale nell’anno 62 d.C. offrì ai suoi invitati una bevanda consistente in frutta tritata, miele e neve.

Durante il Medioevo, in Oriente, venne realizzata la decisiva scoperta del sistema per congelare i succhi di frutta ponendoli in recipienti circondati di ghiaccio tritato. La parola sorbetto sembra tragga origine proprio dall’arabo scherbet = dolce neve oppure dall’etimo, sempre arabo, sharber = sorbire, da cui passando attraverso la lingua turca, sarebbe stato coniato il termine chorbet.

I Crociati, di ritorno dalla Terra Santa, portarono sulle mense dei ricchi d’Europa raffinatissime ricette di sorbetti a base di agrumi, gelsi e gelsomini. Marco Polo, verso la fine del XIII secolo, al termine del suo famoso viaggio in Asia, riportava dalla Cina nuove idee per il congelamento artificiale, grazie ad una miscela di acqua e salnitro. Nel corso del Medioevo i sorbetti spariscono dalle mense insieme ad altri cibi raffinati, accusati di simboleggiare il peccato.

Alla fine del ‘300 risorge l’arte del vivere e del mangiar bene insieme al consumo dei sorbetti. Il vero e proprio trionfo del dolce freddo sulle tavole dei potenti avviene nel Cinquecento, con l’afflusso dai nuovi continenti di frutta, piante nuove, aromi e spezie, tè, caffè, cacao.

Presso la corte medicea di Firenze, i sorbetti hanno un posto d’onore all’interno delle feste e dei banchetti. Originariamente somiglianti alla gremolata, furono in seguito sostituiti da un vero e proprio gelato montato, ottenuto roteando il liquido da congelare in primitive sorbettiere immerse in mastelli di legno pieni di ghiaccio frantumato e sale. La miscela così ottenuta veniva poi immessa in stampi di metallo, mantenuti molto tempo sotto il ghiaccio, a forma di piramidi, di frutti giganteschi, di agnelli, di colombe, che, sformati al momento del pranzo su capaci vassoi, facevano da coronamento ai sontuosi convivi dell’epoca. Il primo ad introdurre a corte questa novità, fu un certo Ruggeri, un fiorentino venditore di polli: partecipando ad un concorso indetto dai signori di Firenze, con il suo sorbetto vinse e divenne famoso in tutta la regione. Caterina de’ Medici, quattordicenne, sposando Enrico d’Orleans, volle il Ruggeri con sé a Parigi: in tal modo si trasferì in Francia la ricchezza culturale del Rinascimento italiano.

Bernardo Buontalenti e Francesco Procopio de’Coltelli personaggi di primo piano della storia del gelato

A Firenze frattanto si affermava Bernardo Buontalenti, artista insigne, uomo dall’ingegno multiforme, animatore incomparabile dei festini del granduca Cosimo I. Avendo ricevuto l’incarico di organizzare i festeggiamenti per accogliere una delegazione spagnola, Buontalenti allestisce rappresentazioni teatrali nei giardini e sull’Arno, un grande spettacolo nella fortezza da Basso, fuochi artificiali e prepara una crema aromatizzata con bergamotto, limoni ed arance, refrigerata con una miscela di sua invenzione.

Il siciliano Francesco Procopio de’ Coltelli, un secolo dopo, con una rudimentale sorbettiera costruita e lasciatagli in eredità dal nonno, affrontò l’avventura di un lungo viaggio sulle strade della nostra penisola con l’intento di conquistare Parigi. Nell’anno 1660 aprì il suo primo caffè-gelateria nella capitale transalpina. Luigi XIV, il Re Sole, lodò pubblicamente i suoi prodotti contribuendo ad aumentare il suo successo. In seguito ampliò il suo locale e si trasferì alla rue de l’Ancienne Comédie Française, aprendo un ritrovo al quale diede il proprio nome, chiamandolo Café Procope,  diventato poi uno dei più celebri caffè letterari d’Europa. Un altro gelatiere italiano che incontrò il successo a Parigi fu il Tortoni, il quale fondò il celebre Café Napolitainse, locale rinomatissimo nel quale Gioacchino Rossini si recava per ristorarsi.

All’inizio del 1700 il dolce freddo è pienamente affermato in tutte le corti e capitali d’Europa mentre contemporaneamente, nei caffè più prestigiosi di Venezia, Torino, Napoli e Palermo, trionfano menu speciali a base di gelato.Anche negli Stati Uniti la storia del gelato ha registrato delle tappe fondamentali. Il gelato riscuote un’indicibile fortuna: merito del genovese Giovanni Bosio, che, nel 1770, apre a New York la prima gelateria.

Risulta che  la prima sorbettiera a manovella sia stata creazione di una donna, l’americana Nancy Johnson, nel 1846. D’altronde il lavoro eseguito con la spatola nelle vecchie sorbettiere era molto faticoso. Non stupisce dunque che una donna abbia pensato a mettere una manovella sopra il contenitore della sorbettiera per girare il composto al fine di evitare che si formassero cristalli di ghiaccio.

Dopo la metà del 1800  i nostri gelatieri, soprattutto veneti, invadono le capitali della Mitteleuropa, consolidando la vendita ambulante di gelato soprattutto in Austria ed in Germania.

Il ‘900 è anche il secolo in cui si inventa il cono. Anche se l’invenzione del cono è una tappa fondamentale della storia del gelato e viene attribuita a diversi personaggi, una cosa è certa: fu un bellunese, Italo Marchioni, nato nel 1868 a Peaio di Vodo, nel Cadore, emigrato negli Stati Uniti, a brevettarla. Il gelato fino ad allora veniva consumato in recipienti di vetro o ceramica che venivano lavati alla buona nelle strade. Marchioni già nel 1896 ebbe l’idea di fabbricare un cono di cialda, che gli risparmiava lavoro ed era anche commestibile. L’invenzione gli sembrò così originale che decise di ottenere il riconoscimento ufficiale. Il suo disegno si realizzò il 13 dicembre 1903 quando il gelatiere presentò all’Ufficio brevetti di New York il progetto di «uno stampo per fabbricare coppe e cialde per gelati» che venne registrato con il numero 746971.

Nel Nel 1906, nei caffè di Milano appaiono le parigine o nuvole, una porzione di gelato compressa tra due ostie di pasta wafer rotonde, quadrate o rettangolari, inventate da Giovanni Torre di Bussana, che, di ritorno da Parigi, inizia il commercio ambulante di gelati.

Il bolognese Otello Cattabriga, nel 1927, costruì la prima gelatiera automatica e, rendendo il lavoro meno faticoso, permise anche al gentil sesso l’ingresso nei laboratori di produzione.

Tra gli anni ‘50 e 60 la vera produzione di gelato artigianale rischia di scomparire, con il successo clamoroso dell’ice-cream, il gelato industriale, ampiamente reclamizzato e distribuito. Fortunatamente, grazie, in particolare, all’ attività di un Comitato di gelatieri di Milano, il gelato artigianale ebbe una vera e propria rinascita: oggi le gelaterie artigianali in Italia sono migliaia, un primato che tutto il mondo ci riconosce.

Questi sono solo alcuni dei principali cenni storici colti qua e là in diversi testi, ricerche e pubblicazioni web, anche estere. Ma la storia del gelato non finisce qui. Dopo le  prime “innovazioni” che all’inizio del 1900 hanno dato il via alla moderna gelateria, molti cambiamenti e miglioramenti – che possiamo riscontrare nelle attuali gelaterie – si sono susseguiti e continuano ancora per migliorare il prodotto e le fasi produttive e di commercializzazione.

Fonte: https://gelatonews.it/storia-del-gelato/

Il gelato moderno, una storia tutta italiana

Ricostruire chi inventò il gelato è una perdita di tempo: infatti sin dall’antichità più remota i tentativi di rinfrescarsi e dissetarsi con la neve o il ghiaccio, magari aggiungendo un sapore diverso (come il succo di frutti locali o il miele), furono pratiche comuni e intuitive in ogni continente.

Le fonti sono comunque concordi nell’identificare gli italiani come gli inventori del gelato moderno. Stando a quanto riporta Quinto Fabio Gorgo, nel 62 d.C. Nerone introdusse a Roma i primi dessert elaborati a base di frutta, miele e neve. Tuttavia per passare dalle nivatae potiones di epoca imperiale a una forma più evoluta bisognerà attendere il XVI secolo. A contendersene la paternità sono un tal Ruggeri, pollivendolo fiorentino, e il suo concittadino Bernardo Buontalenti, di professione architetto. Verosimilmente le cose andarono in questo modo: Ruggeri si aggiudicò la vittoria di un concorso indetto dalla corte medicea per l’invenzione del piatto più originale. Il suo «ghiaccio con acqua inzuccherata e profumata» ebbe un tale successo che nel 1533 Caterina de’ Medici lo portò con sé a Parigi, in occasione delle nozze con il duca d’Orléans, il futuro Enrico II. Questo narra la vox populi, ma la documentazione ufficiale scarseggia. L’architetto Bernardo Buontalenti invece sottopose a Cosimo il Vecchio una nuova ricetta: quella di una crema fredda a base di latte, tuorlo d’uovo, miele e vino aromatizzato con bergamotto, limone e arancio. L’invenzione venne offerta a un ospite di tutto riguardo, Carlo V di Spagna, e il successo fu travolgente.

La conservazione del ghiaccio

All’epoca il grande problema tecnico era la produzione del ghiaccio. In tutta la penisola italiana ci si ingegnava per conservare questo elemento preziosissimo, considerato dalle classi agiate un ingrediente di lusso ma che, al tempo stesso, era un prodotto indispensabile per la conservazione degli alimenti e per le attività ospedaliere. In Sardegna, ad esempio, ancora oggi si può percorrere il “Camminu de is niangios”: dal cinquecento all’ottocento operai stagionali portavano la neve ghiacciata conservata nelle domus de su nie, le case della neve, dai monti del Gennargentu fino alla pianura per poi rivenderla in blocchi. In Sicilia, invece, la neve veniva conservata in cavità naturali dette “neviere” durante l’inverno; solo dopo veniva portata in città su carri e coibentata con strati di cenere e felci. Il gentiluomo scozzese Patrick Brydone raccontava nel 1767: «Non c’è festa organizzata dalla nobiltà in cui la neve non rivesta un ruolo importante: la mancanza di neve, dicono loro stessi, sarebbe più grave della mancanza di grano o di vino».

Più articolata era la situazione a Torino, il cui sottosuolo era percorso da gallerie sotterranee costruite per la difesa della città. Una mappa risalente al 1753 riporta che nella zona di porta Palazzo si trovava un’area adibita a ghiacciaia dove venivano conservati i blocchi portati in estate dalle Alpi e successivamente utilizzati dagli ambulanti del mercato. Sul Carso triestino, invece, erano famose le jazere di Draga Sant’Elia, sviluppatesi a partire dal XVIII secolo. Si trattava di profondi pozzi in muratura, scavati in prossimità degli stagni, dai quali si intagliavano blocchi di ghiaccio di circa 80×20 cm, che poi venivano estratti con un particolare tipo d’ascia e uncini di ferro. Quindi i blocchi venivano depositati nelle jazere alternando strati di foglie secche. Un chilo di ghiaccio poteva arrivare ad avere lo stesso valore di un chilo di carne e i maggiori acquirenti erano la più grande birreria della città, la Dreher, e gli ospedali. Carri carichi di ghiaccio partivano prima dell’alba dall’altipiano in direzione di Trieste, ma prima ancora di arrivare a destinazione avevano già venduto tutto il carico ai macellai che attendevano la carovana lungo la strada.

La produzione del ghiaccio artificiale invece fu una questione alchemica. Sin dal Medioevo veniva realizzato aggiungendo nitrato di potassio al ghiaccio naturale. L’altro additivo era l’anidride solforosa, che portava la temperatura a -30°C. Nel 1626 un tale Santoro riuscì a ottenere lo stesso risultato aggiungendo alla neve del sale da cucina in proporzione di 1:3. Nel 1597 Galileo inventò il termometro, che consentì di perfezionare i dosaggi. Le prime macchine del gelo, chiamate sorbettiere, erano cilindri di terracotta rivestiti nei quali venivano messi ghiaccio e ingredienti chimici. Via via che il prodotto si cristallizzava, il gelataio lo raccoglieva con la spatola. Successivamente venne introdotta una manovella per facilitare la produzione di un gelato più fine.

Gelato e migrazioni

La storia del gelato è anche una storia di emigrazione, a partire dal già citato Ruggeri e fino ad arrivare a Procopio de’ Coltelli, pescatore siciliano il quale, dopo aver perfezionato una macchinetta per la produzione del ghiaccio inventata da suo nonno Francesco, decise di fare il grande salto trasferendosi a Parigi. Lì nel 1686 aprì il caffè Le Procope, destinato a diventare il locale più in voga della capitale francese. Al Le Procope si potevano apprezzare le acque gelate (le nostre granite) e i gelati di frutta diventati poi classici, come il gelato al succo di limone o di arancio. Ma era possibile provare anche gusti più particolari, come i fiori d’anice, di cannella o la crema frangipane gelata. Il successo fu tale che Luigi XIV conferì al locale una concessione esclusiva per la produzione di questi dessert.

Una migrazione dovuta invece alla povertà fu quella rappresentata dagli abitanti del Cadore e della Val di Zoldo, in Veneto. Alla fine dell’ottocento, con il crollo della Serenissima Repubblica di Venezia, questi si erano trovati a fronteggiare una grave crisi economica e demografica, che li aveva portati a emigrare a nord percorrendo dalla primavera alla fine dell’estate i territori dell’impero asburgico e vendendo gelati come ambulanti sui propri carrettini. A loro va il merito di aver reso popolare un prodotto fino a quel momento destinato alle élite.

La moda nel settecento

Fino al XVIII secolo il gelato fu curiosità e vanto dell’aristocrazia. Complici la diffusione dello zucchero e le nuove bevande coloniali (tè, caffè e cacao), conobbe da quel momento la sua epoca d’oro, tanto da venir citato persino nell’Encyclopédie di Diderot e d’Alembert: «Nome moderno che si dà ai liquidi di gusto gradevole e preparati con abilità e congelati in forma di teneri ghiaccioli; si possono congelare rapidamente tutti i liquidi ottenuti da succhi vegetali, servendosi di ghiaccio e di sale, oppure in mancanza di sale, con nitro e soda».

In tutta Europa fiorirono allora le sale da caffè, dove si potevano gustare le nuove bevande e i gelati, e dove si riunivano intellettuali illuministi e galanti modaioli che fecero la fortuna di questo genere di locali. L’avventuriero veneziano Giacomo Casanova racconta nelle sue memorie che i gusti più diffusi erano cacao, caffè e limone. Quest’ultimo veniva proposto anche nella versione “gelo al limone”: si toglieva la polpa e la si sostituiva col sorbetto. Inoltre i gelati erano talmente apprezzati che venivano serviti dai venditori ambulanti anche a teatro, durante l’intermezzo fra un atto e l’altro. Nello stesso periodo cominciarono a comparire le prime pubblicazioni dedicate all’argomento: nel 1775 il medico napoletano Filippo Baldini pubblicò il trattato De’ sorbetti nel quale sosteneva la tesi della salubrità dei cibi gelati contro le precedenti generazioni di medici che, invece, li sconsigliavano.

Ma già alla fine del XVII secolo il marchigiano Antonio Latini, capocuoco del viceré spagnolo di Napoli, aveva pubblicato Lo scalco alla moderna, overo l’arte di ben disporre i conviti, che comprendeva un capitolo dedicato ai sorbetti e alle acque ghiacciate. Fra le ricette, accanto ai classici come gli agrumi o i pinoli, ve n’erano anche alcune davvero insolite, come il gusto alla melanzana o alla zucca. Nel 1891 il gastronomo Pellegrino Artusi (considerato il padre della cucina italiana) pubblicò un libro diventato successivamente un best-seller, ovvero La scienza in cucina e l’arte di mangiar bene: la prima raccolta di ricette regionali dopo l’unificazione d’Italia. Fra i dessert proposti trovano spazio anche le novità come il gelato di torrone o di marroni, lo spumone di tè o il pezzo in gelo, una sorta di torta gelato.

Il gelato da passeggio invece nacque con l’invenzione del cono. Diverse sono le ipotesi circa la paternità di questo supporto. Le più note sono legate ai nomi di Italo Marchioni, italiano emigrato negli USA che nel 1903 brevettò un macchinario per la produzione dei coni, e di Giovanni Torre, ligure di Bussana che qui impiantò il primo forno atto alla produzione di cialde, poi presentato all’Esposizione di Torino del 1919. Ma gli italiani non sono gli unici a rivendicare la scoperta del cono: Ernest A. Hamwi, emigrato siriano a New York e venditore di frittelle di cialda tradizionali cotte in una pressa per wafer e note come zalabia, ebbe l’intuizione di farcirle col gelato del suo vicino di chiosco durante la fiera di Saint Louis, nel Missouri. Era il 1904. Cominciava così l’era del cono da passeggio.

La ricerca della novità è tuttora una costante: anche oggi infatti i mastri gelatai continuano a sperimentare gusti singolari, dal gorgonzola fino al carbone vegetale.

Fonte: https://www.storicang.it/a/il-gelato-moderno-storia-tutta-italiana_14715

Gelato di ieri e di oggi

Chi non conosce il gelato artigianale?
Se parliamo di cono, gusti, paletta, coppetta, non esistono fraintendimenti, tutti comprendono il significato di queste parole senza equivoci.
Ma vi siete mai chiesti se il gelato è nato esattamente così come lo conosciamo? Quando e dove e per quali ragioni è stato inventato?

Mangia e bevi, nella Bibbia
Per scoprire l’origine del gelato dobbiamo risalire nella notte dei tempi e come ogni invenzione che si rispetti, c’è confusione di personaggi, epoche e luoghi. Alcuni riportano che là dove la neve non esisteva, l’uomo si industriò a “fabbricare» il ghiaccio, riscaldando l’ acqua e successivamente collocandola in sotterranei freddissimi, dove il vapore acqueo gelava sulla roccia. Gli egizi si dice offrissero ai loro ospiti calici
d’ argento divisi a metà, una piena di neve e l’ altra di succhi di frutta. Ma anche nell’Antico testamento troviamo una affermazione di Abramo, che ci fa pensare che esistesse già una idea di gelato poiché si rivolge al figlio Isacco dicendo “Mangia e bevi: il sole è ardente e così puoi rinfrescarti”, facendo riferimento ad una bevanda composta da latte di capra misto a neve.

I primi carretti gelato sfrecciano nella Roma antica
Uno dei primi documenti storici in cui si parla di “gelato” arriva da un poeta greco vissuto ad Atene intorno al 500 a.c., che racconta quanto ai greci piacesse preparare bevande rinfrescanti con limone, miele, succo di melagrana, e naturalmente neve o ghiaccio.
Persino Alessandro Magno, durante le sue conquiste in India, pretendeva continui approvvigionamenti di neve da assaporare con il miele e per questo faceva costruire apposite buche scavate nel terreno (denominate Neviere). I primi a proporre una sorta di gelato somigliante all’attuale furono i Romani: lo testimonia la ricetta di Plinio il Vecchio che indica come mescolare ghiaccio tritato con miele e succhi di frutta e parla di un attivo commercio di neve dal Terminillo, dal Vesuvio e dall’Etna. Lungo le strade principali erano molto diffusi i Thermopolia, l’equivalente dei nostri carrettini dei gelati.

Alì Babà e i 40… sorbetti
Con la caduta dell’Impero si è perso quasi tutto il patrimonio delle raffinatezze alimentari, ma l’uso dei gelati si è mantenuto e perfezionato nel mondo arabo per tornare in Europa
attraverso la Sicilia, lungamente dominata dai popoli mediorientali. Il lemma “sorbetto” deriva dalla voce araba scherbet (dolce neve) o, secondo altri, da sharber (sorbire).

Nel Medioevo
Anche i Crociati contribuirono alla diffusione del gelato e ne divulgarono l’uso presso le corti del Nord Europa dove la neve certamente non mancava. Però erano preparazioni
semplici, vista la mancanza di frutta e di aromi tipici del profondo Mediterraneo. Ecco perché la Sicilia eccelle nell’arte dei gelati: frutta e neve dell’Etna sono state le fonti inesauribili per perfezionare e inventare nuovi gusti. I gelatai siciliani esportarono il “sorbetto” prima a Napoli, poi a Firenze, Milano e Venezia, quindi in Francia, Germania e Inghilterra. In Spagna il gelato si è diffuso in epoca più recente per merito dei portoghesi che lo scoprirono nelle Indie durante il periodo del loro florido commercio in quelle terre.

Ruggeri, Buontalenti e Procopio i papà del gelato moderno
La storia del gelato non è fatta solo di leggenda, esistono comunque dati certi: a Firenze ha avuto due padri, Ruggeri e Buontalenti.

Il primo, un pollivendolo e un cuoco a tempo perso si presentò ad una gara tra i migliori cuochi della Toscana indetta dalla Corte dei Medici, con tema “il piatto più singolare che si fosse mai visto”. Ruggeri decise di prendere parte al concorso preparando un “dolcetto gelato” con ricette ormai quasi dimenticate: il suo “sorbetto” finì con il conquistare tutti i giudici e così lui e la sua ricetta diventarono subito molto famosi in tutta la regione, e richiesti ovunque.
Buontalenti, architetto, scultore e chimico, nel 1565 fu incaricato di organizzare una sontuosa festa per gli ospiti spagnoli del Duca di Toscana. Fra i tanti manicaretti, offrì anche il gelato (la famosa crema fiorentina) che ebbe un enorme successo, tanto che gli spagnoli divulgarono la notizia in Europa.

Il commercio deve, invece, le sue origini a Francesco Procopio dei Coltelli: originario di Acitrezza (Catania), utilizzò un’invenzione del nonno e, dopo diverse prove, decise di partire alla volta di Parigi. Con l’uso dello zucchero al posto del miele e del sale mischiato a ghiaccio per un più lungo mantenimento, arrivò in Francia dove venne accolto come un inventore geniale. Nel 1686 aprì Le Procope e, dato l’enorme successo replicò in una sede più grande, oggi in rue de l’Ancienne Comédie, di fronte alla Comédie Française. Qui si servivano “acque gelate” (le granite) e gelati di frutta e ben presto diventò il più famoso cafè francese,frequentato da illustri personaggi come Voltaire, Napoleone, Gorge Sand, Balzac e Victor Hugo.

Il gelato da passeggio
Anche l’invenzione del cono gelato è rivendicata da più parti. Alcuni sostengono nacque nel 1904 durante la Fiera Mondiale di St Louis: un gelataio, avendo terminato i contenitori in cui proponeva i suoi gelati ai clienti, provò ad utilizzare dei wafer venduti da un banchetto lì vicino. Fu un successo enorme!
Altri (tra cui il Washington Post ) dichiarano che il cono è nato nel 1903 ad opera dell’immigrato Italo Marchiony, il quale ispirandosi all’antica arte italiana delle cialde, brevettò a New York il cono, dando così inizio al “gelato da passeggio”.

Da allora il gelato si è diffuso in tutto il mondo, con una miriade di gusti che spaziano dalla frutta fresca a quella secca, dalle creme allo yogurt, dal cioccolato al caffè per arrivare ai recentissimi gelati “salati” che offrono stimolanti sapori di formaggio o di erbe aromatiche, tali da incuriosire e accontentare il più possibile la clientela.

Fonte: https://www.ilgelatoartigianale.info/il-gelato/approfondimenti/gelato_di_ieri_e_di_oggi.kl

Storia del gelato: alla scoperta del dolce più buono del mondo

Cono, coppetta o in brioche “alla siciliana”? I modi di gustare il dolce simbolo dell’estate sono tantissimi. C’è chi lo ama solo in estate, chi non può farne a meno tutto l’anno. Ma molti si chiedono quali siano le sue origini. Esse sono antichissime e molteplici. Ecco le più affascinanti tappe della storia del gelato.

La bufala sul primo «Mangia e bevi» della storia dell’umanità

Molti non sanno che il fascino di questo gustoso e rinfrescante preparato è stato tale da generare anche una legenda metropolitana. Infatti, sul web circola molto una notizia sulla prima testimonianza dell’antenato del gelato. Essa arriverebbe nientemeno che dall’Antico Testamento. A scrivere per primo la storia del gelato sarebbe stato proprio Isacco, inventando il primo mangia e bevi.

Secondo molte voci del web, la Bibbia riporterebbe un passo in cui Isacco offrí ad Abramo latte di capra misto a neve. Ma questa citazione è in realtà una bufala. Infatti basta aprire il Sacro Libro per rendersi conto che tale passo non esiste.

Il primo vero antenato del gelato

Bufale e legende a parte, secondo alcuni storici, il gelato avrebbe origini neoclassiche. Ad affermarlo è la scrittrice Luciana Polliotti, considerata da molti una storica del gelato. L’autrice sarebbe venuta a conoscenza di un aneddoto riguardante Alessandro Magno. La Polliotti, nel suo libro Gelati Gelati, afferma che il grande militare e re di Macedonia era ghiotto di un preparato ricavato dalla mistura di neve miele e frutta. La nascita del gelato sarebbe quindi collocabile intorno alla seconda metà del 300 a. C.?

Le Nivatae Potiones Romane

Sembra proprio di sì. Infatti la rinfrescante passione di Alessandro Magno arrivò fino a Roma, dove ebbero origine le più conosciute Nivatae Potiones. Esse sarebbero state inventate da Quinto Fabio Massimo, il grande generale romano che riuscì a contrastare l’avanzata di Annibale durante la Seconda Guerra Punica.

Ma cosa sono le Nivatae Potiones? Si trattava di tipici dessert freddi a base di ghiaccio tritato, miele e frutta. Questi preparati, descritti anche da Seneca, venivano realizzati con la neve raccolta in inverno e depositata in delle cave. Questa, nel periodo estivo, veniva impiegata per miscelarla a vari ingredienti e andava servita non solo durante i pranzi, ma anche lungo le strade, dando origine forse ad una prima idea di street food. Le Nivatae Potiones furono i proptoipi di granite e sorbetti, che divennero famosi grazie anche al contributo dei nivaroli siciliani.

Il contributo dei nivaroli Siciliani fece conoscere il gelato alla Corte De’ Medici. Cosa aveva di speciale la neve dell’Etna? 

La storia del gelato vuole che il suo antenato arrivó anche in Sicilia nel periodo della dominazione araba. Ma solo nel Medioevo si scoprì che la modalità di preparazione siciliana aveva qualcosa di speciale. Il segreto stava nella conservazione della neve dell’Etna ad opera dei nivaroli, veri e propri professionisti che raccoglievano la neve dai monti Iblei, Nebrodi e Peloritani, conservandola nelle “neviere“. Esse erano anfratti naturali rifiniti con mattoncini o pietra, qui andava riposta la neve e ricoperta con la pietra lavica, per poi essere rivenduta nei mesi più caldi sotto forma di blocchi. Alcune neviere sono ancora visibili in alcune zone etnee.

Moltissimo tempo dopo, nel Rinascimento, periodo storico noto per la sua massima espressione artistica, ma anche per i suoi sfarzosi banchetti, le deliziose granite primitive diventarono talmente famose fino ad approdare alla Corte De’ Medici. L’invenzione fu di Bernardo Buontalenti, che studiò un nuovo metodo per conservare il ghiaccio in costruzioni seminterrate, in quella che ancora oggi è via delle Ghiacciaie. I primi gelati fiorentini erano realizzati facendo roteare un liquido da congelare (a base di frutta, miele o zucchero) in primitive gelatiere immerse in mastelli di legno pieni di ghiaccio frantumato e sale. La miscela veniva poi versata in stampi di metallo di svariate forme e mantenuti per molto tempo sotto il ghiaccio. Ma la vera e propria svolta nella storia del gelato avvenne solamente un centinaio di anni dopo.

L’evoluzione del gelato e la nascita della ricetta odierna

Caterina De’ Medici adorava queste freschissime preparazioni, tanto che cominciarono a fare il giro del mondo fino a giungere nelle bellissima Francia. Qui, intorno al 1660, la ricetta primitiva vide una profonda evoluzione grazie a Francesco Procopio, detto “De’ Coltelli”. Il cuoco di origini siciliane, trapiantato a Parigi, ereditò dal nonno un antico macchinario per la realizzazione del gelato. Egli fu il primo a sperimentare una nuova ricetta che prevedeva l’aggiunta del latte abbinato a succhi di frutta, ma anche cioccolatocaffè o pistacchi. Il nuovo gusto fece impazzire i parigini, tanto che Procopio aprí la prima gelateria della storia: il Caffè Procope, che esiste tutt’oggi.

La ricetta base del gelato di Procopio è stata una delle poche a essere rimasta invariata per millenni (nonostante il progresso e l’ausilio dei macchinari industriali) fino a giungere ai giorni nostri. Il dolce più amato del mondo oggi esiste in migliaia di varianti. Ma è al famoso cuoco italiano che si deve questa invenzione geniale, intramontabile, ma al contempo semplicissima.

Fonte: https://www.ultimavoce.it/storia-del-gelato-alla-scoperta-del-dolce-piu-buono-del-mondo/

Video:

«Come si prepara il gelato artigianale» | Le fasi di lavorazione

Lavorazione a freddo degli ingredienti per gelato artigianale

Semplice miscelazione degli ingredienti, breve riposo e successivo raffreddamento della miscela ottenuta, detta “mantecazione”. Questo metodo rapido, generalmente utilizzato per i gelati di frutta, i sorbetti e le granite può essere impiegato però anche per i gelati al latte e richiede una pulizia attenta in ogni fase della lavorazione per evitare di trasmettere carica batterica durante la manipolazione degli ingredienti.

Lavorazione a caldo degli ingredienti per gelato artigianale

Si ha quando si attua la pastorizzazione di tutti gli ingredienti. La lavorazione a caldo della miscela base è consigliata quando si producono grandi quantità di gelato artigianale. Questa base verrà adoperata in piccole frazioni, dilazionata nel tempo (entro 72 ore), aggiungendo poi in una seconda manipolazione la pasta aromatica, prima della mantecazione.

La pastorizzazione del gelato artigianale

Per abbattere la carica batterica, la miscela da gelato artigianale è sottoposta a pastorizzazione. Pastorizzare un liquido vuol dire riscaldarlo a una temperatura compresa fra +65°C e +85°C, farlo sostare a quella temperatura per tempi proporzionati alla temperatura stessa (più alta è la temperatura, più breve è la sosta) e quindi raffreddarlo velocemente fino alla temperatura media di conservazione 4°C/5°C, all’interno del pastorizzatore. L’intero processo di pastorizzazione deve durare meno di due ore. Ma è importantissimo che la fase di raffreddamento si compia in meno di un’ora. Parallelamente a questa fase, si svolge la fase di omogeneizzazione, che serve a rendere uniforme la miscela. Durante il ciclo di pastorizzazione infatti le sostanze grasse presenti nel composto, notoriamente meno idrosolubili, vengono spezzettate ed amalgamate nella miscela in modo da renderla omogenea.

La maturazione del gelato artigianale

Questa fase serve a far sì che i diversi ingredienti che compongono la miscela si amalgamino perfettamente, assorbendo così la parte liquida aggiunta (acqua e/o latte). La maturazione deve durare da 4 a 6 ore. La temperatura di maturazione sta attorno ai 4°C, cioè quella di un normale frigorifero a temperatura positiva.

La mantecazione del gelato artigianale

Il processo di gelatura è senza dubbio l’operazione più importante nella produzione del gelato artigianale, poiché da essa dipendono per buona parte la qualità e la resa del prodotto. 
Il processo di gelatura si può suddividere in due operazioni ben diverse:

• congelamento, nel quale la miscela da gelare è congelata sotto agitazione e in presenza d’aria;
• indurimento, nel quale il gelato artigianale subisce un ulteriore congelamento, senza agitazione e interventi di elementi esterni.

La composizione degli ingredienti di una miscela influisce sul corpo del gelato artigianale, mentre il congelamento influisce sulla struttura.

Fonte: https://www.fabbri1905.com/speciali/per-i-professionisti/come-si-prepara-il-gelato-artigianale–le-fasi-di-lavorazione.kl

Video:

Ricetta (e consigli) per un gelato fatto in casa perfetto!

Come fare il gelato in casa?

Gli ingredienti, abbiamo detto, sono pochi e davvero semplici: zucchero bianco semolato, latte intero e panna (se lo desiderate potete aggiungere anche estratto di vaniglia o vanillina).

  1. Con le fruste elettriche o la planetaria montate la panna con lo zucchero.
  2. Aggiungete a filo anche il latte ben freddo (che potete aromatizzare a piacere).
  3. Ponete in freezer in una vaschetta e procedete con la mantecatura.

A questo punto, ecco come procedere se avete la gelatiera, se non ce l’avete oppure con il Bimby.

Gelato senza gelatiera

Se non avete questo elttrodomestico, tiratelo fuori dal congelatore ogni 30 minuti e rimescolatelo per un totale di 6 volte.

Gelato con la gelatiera

Mettetelo al suo interno per circa 30 minuti o finché non sarà abbastanza cremoso.

Gelato con il Bimby

Un frullatore, fate congelare del tutto per almeno 6 ore, poi frullatelo.

Ricette di gelato

La ricetta del gelato al fiordilatte è la base, alla quale faremo delle aggiunte: per la variante alla crema, ad esempio, uniremo dei tuorli d’uovo, mentre per quella al cioccolato, aggiungeremo ovviamente il cioccolato…

Gelato alla crema

Per la variante alla crema, oltre agli ingredienti già citati, dovrete aggiungere anche due tuorli. La preparazione si complica leggermente – ma nemmeno troppo: vediamo insieme!

  1. Montate i tuorli con lo zucchero in modo da ottenere un composto spumoso.
  2. Aggiungete la panna e il latte e mescolate (sempre con le fruste elettriche). Mettete il composto sul fornello a fuoco basso per circa quindici minuti e mescolate in continuazione: non deve bollire, ma solo pastorizzare.
  3. Lasciate raffreddare, poi ponete in freezer. Dopo 30 minuti tiratelo fuori e rimescolatelo (per 6 volte).

Gelato al cioccolato

Per la variante al cioccolato, oltre a tuorli, panna, latte e zucchero, dovrete aggiungere anche 150 g di cioccolato fuso. Potete scegliere quello fondente al latte o bianco (in tal caso, visto che è molto dolce, potrebbe essere necessario dimezzare lo zucchero).

Gelato alla frutta

Per la variante alla frutta, invece, oltre a tuorli, panna, latte e zucchero, dovrete includere 200 g di frutta fresca di stagione.

  1. Mettete tutti gli ingredienti sul fuoco per 15 minuti.
  2. Frullate con un minipimer e passate con un colino a maglie strette prima di procedere con la mantecatura.

Gelato furbo (con frutta o latte congelato): pronto in 10 minuti!

Avete solo 10 minuti di tempo? Niente paura: con un piccolo accorgimento potrete preparare il gelato ogni volta che volete. Dovrete semplicemente tenere sempre della frutta congelata in freezer. Procuratevi quindi:

  • 200 g di frutta fresca a scelta congelata
  • 100 g di zucchero bianco semolato
  • 250 ml di latte intero
  • 150 ml di panna
  1. Ponete il tutto nel robot da cucina e azionate ad intermittenza fino al ottenere un composto cremoso ed omogeneo.
  2. Aprite un paio di volte il frullatore per rimestare il gelato in modo da ottenere una crema omogenea.

Secondo lo stesso procedimento, potete anche mettere a congelare i 250 g di latte in modo da ottenere il gusto di gelato desiderato.

Trucchi e consigli di Primo Chef

– Per renderlo più morbido e denso potete aggiungere amido di riso, maizena o fecola di patate; aggiustate le dosi di volta in volta se il risultato non vi soddisfa, ma non esagerate altrimenti il sapore sarà “farinoso”. In alternativa, in commercio trovate anche dei preparati addensanti per gelato.

– Per evitare che si formino granelli, grumi o cristalli di ghiaccio vi consigliamo di essere costanti nella mantecatura: ogni mezz’ora togliete il gelato freezer e mescolate il composto dall’esterno verso l’interno, per un totale di almeno sei volte.

Conservazione

E se, una volta fatto, non lo consumate subito? Ovviamente andrà messo in freezer – dove si conserverà per una settimana se fate pastorizzare le uova (ponetele in una ciotola a bagnomaria e montate con lo zucchero fino al raggiungimento dei 60-65°C).

Nel congelatore diventerà molto duro quindi, almeno un’ora prima di gustarlo, lasciatelo scongelare in frigorifero: eviterete un brusco shock termico! In alternativa, dividete.

Fonte: https://primochef.it/gelato-fatto-in-casa/ricette/#Gelato-fatto-in-casa?refresh_ce

Come fare il gelato in casa senza gelatiera e in poco tempo

Chi lo dice che non si può preparare il gelato senza gelatiera? Per gustare un buon gelato non occorre andare ad acquistarlo in gelateria, ma possiamo farlo comodamente a casa. La cosa più interessante è che per prepararlo bastano pochi e semplici ingredienti, tutti naturali, senza la necessità di aggiungere conservanti o additivi artificiali.

Gli ingredienti base per preparare un buon gelato senza gelatiera sono facili da reperire, se non addirittura già presenti nella nostra cucina. Tra essi abbiamo: latte, panna, zucchero, yogurt e frutta. I modi per realizzarlo variano a seconda del gusto che si sceglie di fare, ma in generale sono tutti molto semplici.

Qui di seguito proponiamo una serie di ricette molto facili per preparare il gelato senza gelatiera. Prima di tutto sveliamo come fare il gelato alla frutta, un gelato istantaneo che può essere gustato immediatamente senza il bisogno di riporlo in freezer a solidificare. A seguire le ricette per fare il gelato al fior di latte e poi quello alla stracciatella.

Gelato alla frutta. Per preparare questo gelato si ha bisogno di frutta surgelata tagliata a pezzetti; si può scegliere la frutta che si preferisce, come fragole, ananas o frutti di bosco. Si mette all’interno di un frullatore 250 gr di frutta surgelata, 250 ml di yogurt bianco freddo, due cucchiai di miele e si frulla fino ad ottenere un composto cremoso. Il gelato può essere consumato subito o conservato in freezer.

Gelato fior di latte. Per fare questo gelato senza gelatiera occorrono: 400 ml di latte condensato freddo; 500 ml di panna fresca; 2 cucchiai di rum. Si monta a neve ben ferma la panna evitando di farla stracciare; in una ciotola si lavora insieme il latte condensato freddo e il rum. Fatto ciò si aggiunge la panna montata e si amalgamano i due composti. Si versa il gelato in una vaschetta di plastica e si mette a rassodare in freezer per alcune ore.

Il gelato alla panna è senza dubbio il gusto preferito dai più piccoli. Il segreto di questo gelato sta nell’aggiungere agli ingredienti del liquore, necessario per evitare che il gelato si cristallizzi mantenendo la cremosità. Il gelato alla panna è molto versatile, infatti basta aggiungere scaglie di cioccolato per trasformarlo in una squisita stracciatella.

Fonte: https://www.supereva.it/come-fare-il-gelato-in-casa-senza-gelatiera-e-in-poco-tempo-7953

Gelato fatto in casa: come prepararlo cremoso e leggero in 6 mosse (senza gelatiera)

Gelatiera? No, grazie

Il 24 marzo è la nona edizione del «Gelato Day». Ed è il momento giusto per vedere come è cambiato l’approccio degli italiani verso questo amatissimo prodotto artigianale. Durante la pandemia — rileva l’Osservatorio «Gelato-Delivery», realizzato da Deliveroo, in collaborazione con Sistema Gelato — gli ordini sono cresciuti sulla piattaforma del 215 per cento (maggio 2019 vs maggio 2020). I gusti più ordinati sono stati i grandi classici: pistacchio, stracciatella e nocciola. Scelti prevalentemente per la merenda o per il dopocena, soprattutto nel fine settimana. Il 2020, con le sue complessità, inoltre, non è stato solo un anno di chiusure, ma anche di grande creatività e intraprendenza nel mondo del gelato. Il “chimico-gelatiere” Stefano Guizzetti di «Ciacco Lab» a Parma e a Milano ha realizzato il primo gelato barricatoIginio Massaridopo 30 anni ha riportato il gelato nelle sue pasticcerie a Brescia, Milano e Torino. Paolo Brunelli ha debuttato con la sua terza pasticceria-gelateria a Marzocca, una frazione di Senigallia. Poi, ha aperto a Milano «Nosh»: una gelateria-boutique che utilizza solo ingredienti biologici, di origine controllata e a km 0. Sempre nel capoluogo lombardo ha aperto «Crema», promosso da Giorgio Bulgari, che offre: «oltre 50 stili di gelati e sorbetti, una varietà straordinaria di cioccolati e creme». Un mondo in movimento che sarà raccontato in un’edizione tutta digitale di «Sigep EXP», la versione virtuale del Salone Internazionale di Gelateria, Pasticceria, Panificazione Artigianali e Caffè di Italian Exhibition Group: quest’anno, fra le novità, ci sono l’inaugurazione di nuovo canale YouTube dedicato al Gelato Day e un video contest che metterà alla prova maestria e creatività degli artigiani del gelato e permetterà agli appassionati di scoprire quante dosi di abilità e tradizione e quante di fantasia ed estro sono alla base di un perfetto gelato artigianale. Noi di Cook, per celebrare questo giorno speciale, vi proponiamo, invece, una ricetta sana, facile e veloce per preparare un buon gelato in casa anche se non siete muniti di gelatiera. Certo, è indubbio, servendosi dell’apposito apparecchio il gelato sarà più cremoso e mantecato, ma per chi sa accontentarsi esistono vari sistemi per aggirare l’ostacolo. Vi spieghiamo come fare per ottenere, con poco sforzo e con soli tre ingredienti, un gelato allo yogurt senza l’uso della gelatiera, grazie ad un buon frullatore o un buon robot da cucina.
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Ingredienti

Prendete 250 g di yogurt alla frutta, va bene anche magro, frullatelo con 200 g di frutta ben lavata. Scegliete quella che più vi aggrada, purché di stagione. Se biologica potete anche evitare di sbucciarla. Aggiungete 50 g di zucchero.

Contenitori

Versate il frullato in formine per il ghiaccio e mettetele nel freezer. Ci vorrà qualche ora per farle congelare. Potrete tenerne una scorta da parte da tirar fuori all’occorrenza.

Il frullatore

A questo punto non vi resterà che mettere i cubetti ghiacciati nel frullatore o nel robot e azionare. Dopo qualche secondo otterrete delle briciole.

La crema

Mescolatele con un cucchiaio fino a ottenere una crema e servite.

Le varianti

Questo metodo per fare il gelato in casa, poco ortodosso a dire il vero, si presta a molteplici varianti. Se vi piace un gelato più grasso e consistente potete utilizzare il mascarpone al posto dello yogurt, oppure panna miscelata a yogurt. Per i gusti non avete di che sbizzarrirvi.

Fonte: https://www.corriere.it/cook/news/cards/gelato-fatto-casa-come-prepararlo-6-mosse-senza-l-uso-gelatiera/gelatiera-no-grazie_principale.shtml

Il gelato artigianale fatto in casa (tipologie e nozioni base)

gelati sono il dolce fresco preferito in estate da grandi e bambini, il dessert e la merenda perfetta per combattere il caldo. Per fare il gelato in casa serve solo un Bimby o una gelatiera, possibilmente di buona qualità per evitare che rimangano troppi cristalli di ghiaccio, se ne trovano anche a prezzi modici. Si può fare il gelato anche senza gelatiera, anche se è proprio questa che garantisce una risultato ottimale.

Nella ricette per un gelato da professionisti c’è zucchero invertito, saccarosio, destrosio e stabilizzanti (semi di carrube, gomma di guar, lecitina di soia..) questo perchè le gelaterie ed i ristoranti necessitano di una caratteristica strutturale del prodotto finito prima che venga mangiato, per questo usano questo genere di prodotti.
Per esempio  in un ristorante il gelato viene preparato in cucina, viene portato dal cameriere, il cliente non è al tavolo ed arriva dopo 5 minuti ed il gelato è sciolto completamente. In questo caso gli stabilizzanti aiutano a mantenere la struttura del prodotto e gli altri ingredienti lo rendono perfettamente cremoso per mantenersi anche se non viene mangiato immediatamente.

In casa però, i tempi di consumo sono molto più brevi, per questo vi darò la ricetta per fare il gelato completamente al naturale (con gli ingredienti base: panna, latte, zucchero, tuorli ecc.) e la dose di semi di carrube da aggiungere nel caso vi serva un pizzico in più di struttura.

Il bilanciamento degli ingredienti nel gelato è fondamentale per avere una buona struttura, i grassi devono essere equilibrati con gli zuccheri sia nella ricetta base che nelle varianti per ogni gusto se il prodotto finito è di buona qualità.

Come si fa a capire se il gelato che mangiamo o facciamo è ben bilanciato?

Se il gelato è “sabbioso” ci sono troppi latticini.
Se il gelato è troppo liquido e senza corpo ci sono troppi zuccheri.
Se il gelato è troppo granuloso e ghiacciato ci sono pochi zuccheri.
Se mangiando il gelato vi rimane una patina sulla lingua è troppo grasso.

Per fare i gelati esistono 3 ricette base:

  1. BASE BIANCA: per i gelati gusto menta, yogurt, amarena, fior di latte, caffè, vaniglia, mascarpone, stracciatella..
  2. BASE GIALLAper i gelati gusto cioccolato, biscotti, pistacchio, nocciola, bacio, nutella..
  3. BASE FRUTTAper tutti i gelati di frutta fresca ( albicoccapesca, fragole, banane, cocco, limone, kiwi, melone, cocomero, ananas, mela verde..) solitamente si fanno con uno sciroppo di acqua e zucchero, se non contengono latticini sono sorbetti, mentre con l’aggiunta di panna diventa gelato perchè rimane più cremoso. 

BILANCIAMENTO INGREDIENTI

In base alla tipologia ed il gusto di gelato che dovete fare preparate gli ingredienti valutando l’apporto di grassi e zuccheri, poi si miscelano gli ingredienti.

PASTORIZZAZIONE

Dovrete portare gli ingredienti a temperature più alte per ridurre la carica batterica contenuta, perciò potete scegliere se portare il composto alla temperatura di 65°C x 30 minuti (pastorizzazione bassa) oppure a 85°C per 2 minuti (pastorizzazione alta).

RIPOSO

Dovete far riposare il composto per 6 ore circa (o anche di più) ad una temperatura di 4-5 °C (in frigo).

MANTECATURA

In questa fase il composto deve stare a temperature basse e deve incorporare aria, cosa che farà la vostra gelatiera una volta azionata. Incorporando aria si solidificherà il composto rimanendo cremoso. Se non avete una gelatiera potete tenere il composto in congelatore ed andare a mischiarlo bene molto spesso per alcune ore.

CONSERVAZIONE

Purtroppo il gelato artigianale e naturale non rimane sempre cremoso, quando si mette in freezer e si conserva nel tempo tende ad indurire. Quando lo servite quindi, toglietelo dal congelo poco prima e con uno spallinatore servitelo.

Fonte: https://lapenisoladelgusto.it/ricetta/gelato-artigianale/?currentPage=28&recordId=35193-149

Come preparare il gelato fatto in casa?

Gli ingredienti giusti per un buon gelato fatto in casa

La prima cosa, fondamentale, sono gli ingredienti. Lattepannazucchero, poi quello che più preferite. Se scegliete frutta di stagione potrete limitare al minimo la quantità di dolcificante da aggiungere e potrete provare anche la ricetta del gelato vegano fatto in casa. Per la crema serviranno le uova, che qualcuno, per la verità, unisce comunque a ciascuna delle proprie ricette per favorire l’emulsione. A seconda dei gusti è facile trovare la ricetta più adatta: i più golosi potranno sciogliere del cioccolato, mentre gli amanti della frutta potranno sperimentare abbinamenti e gusti particolari che difficilmente si trovano in commercio. Molti preferiscono partire da frutti precedentemente congelati, ma non è un requisito richiesto da tutte le ricette: in ogni caso la frutta andrà frullata e passata attraverso un colino se ci sono dei piccoli semi. Uno dei trucchi del procedimento di preparazione del gelato in casa sta nel non scaldare troppo il latte in cui scioglierete lo zucchero, spegnendo il fuoco prima che raggiunga il bollore.

Lo strumento giusto

Assieme ad ingredienti di prima qualità, tuttavia, occorre lo strumento giusto per preparare un buon gelato fatto in casa. Sempre più spesso in commercio si trovano gelatiere autorefrigeranti, che non hanno bisogno di essere messe in freezer alcune ore prima dell’utilizzo e tagliano di conseguenza i tempi di preparazione. A disposizione, soprattutto per la produzione di piccole quantità, si trovano anche gelatiere a manovella.

E se manca la gelatiera?

Avete voglia di provare a preparare il gelato con le vostre mani ma non siete sicuri che lo farete così spesso che valga la pena di acquistare il macchinario pensato per automatizzare il procedimento? Non c’è bisogno di rinunciare. Preparare il gelato senza gelatiera potrebbe addirittura essere un modo per stupire i vostri ospiti portando in tavola un dessert del tutto originale. Basterà seguire alcuni piccoli accorgimenti per assicurarsi un risultato morbido e cremoso. Per quanto riguarda gli ingredienti, la ricetta è molto simile a quella che si segue impiegando la gelatiera. La panna si unisce una volta montata. Al momento di amalgamare latte, albume e zucchero al resto degli ingredienti, la bacinella va messa in un contenitore più grande pieno di ghiaccio per velocizzare il raffreddamento. Quando si sceglie di fare a meno dell’elettrodomestico, però, non bisogna dimenticare di considerare bene il tempo a disposizione: pur non essendo difficile fare il gelato senza gelatiera, occorre attendere alcune ore prima che sia pronto.

Un’arte che richiede pazienza

È un’arte che richiede pazienza, del resto, quella del gelato. Per ottenere la consistenza perfetta senza l’apparecchio studiato apposta per lavorare il composto di base, il gelato va lasciato riposare nel congelatore per un’ora circa in un contenitore basso a ampio, coperto con una pellicola trasparente direttamente a contatto con il contenuto. Una volta trascorso questo tempo bisognerà togliere il contenitore dal freezer e mescolare delicatamente con una forchetta o una paletta. L’operazione andrà ripetuta a intervalli regolari fino a che non si raggiunge il risultato desiderato. Taluni accorciano l’attesa tra una lavorazione e l’altra aumentando la frequenza delle operazioni di mescolamento, ma resta sostanzialmente di qualche ora il tempo necessario per ottenere un ottimo gelato fatto in casa.

Fonte: https://www.paginegialle.it/magazine/food/gelato-fatto-in-casa-14036

Come fare il gelato in casa buono come quello in gelateria

Preparare gli ingredienti in anticipo
Dopo aver spiegato come fare il gelato senza gelatiera, ecco come farlo a regola d’arte con la gelatiera. Innanzitutto è importante organizzarsi decidendo con anticipo che tipo di gelato volete fare e preparare tutto quel che vi serve: pesare gli ingredienti, lavare e tagliare la frutta, ridurre in scaglie il cioccolato per la stracciatella, sbriciolare i biscotti per il gelato ai cookies, tritare la frutta secca, preparare eventuali granelle e via dicendo.

La miscelazione deve essere omogenea
Una volta che gli ingredienti sono pronti, procedete a miscelarli considerando che la miscelazione può essere fatta a caldo o a freddo. Generalmente quella a caldo si fa per i gelati che prevedono le uova fra gli ingredienti. La cosa fondamentale di questa fase è che il composto risulti quanto più omogeneo possibile. Il suggerimento è quello di utilizzare un mixer ad immersione che vi aiuterà a ottenere un risultato perfetto.

Nella gelatiera il composto deve essere freddo
Il composto ottenuto dalla miscelazione deve essere versato nella gelatiera freddo, per cui se avete fatto la miscelazione a caldo, premuratevi di mettere il composto in frigorifero a raffreddare completamente. Accertatevi che la miscela sia in contenitore coperto in modo da non contaminarla con aromi e odori dei cibi presenti nel frigorifero.

Rispettare i tempi della mantecazione
Accendete la gelatiera quando è vuota e solo dopo aggiungete il composto. Questa fase si chiama mantecazione e la sua durata generalmente è di circa 30/40 minuti, a meno che non si tratti di granite e sorbetti che richiedono meno tempo. Per capire se il gelato è pronto guardate il composto: deve essere cremoso, denso e di volume maggiore rispetto a quando l’avete messo nella gelatiera. Nel dubbio meglio lasciarlo qualche minuto in più che in meno.

Preparare ricette semplici
Se siete alle prime armi, non complicatevi la vita. Preparate gelati che prevedono pochi ingredienti di facile reperimento. In un secondo momento, quando avrete preso la mano, potrete poi lanciarvi in gelati più elaborati. Ecco 2 ricette facili e di sicuro successo:

Gelato al fiordilatte
Ingredienti: 150 gr. di zucchero; 250 gr. di latte; 150 gr. di panna; 4 albumi d’uovo. Montate a neve gli albumi, aggiungete lo zucchero e sbattete fino ad avere una meringa fredda. Aggiungete il latte e la panna e mescolate fino ad avere un composto denso e omogeneo. Versate il tutto nel cestello della gelatiera e lasciate che lavori per almeno 30/40 minuti.

Gelato di fragole
Ingredienti: 300 g di fragole; 200 g di zucchero; 50 ml di panna liquida; succo di 1/2 limone; 250 ml di acqua. Mettete zucchero e acqua in una casseruola e fate bollire per cinque minuti; ritirate dal fornello e lasciate raffreddare. Aggiungete le fragole lavate, tagliate e frullate. Incorporate la panna e il succo di limone, mescolate bene il tutto, versate nella gelatiera e lasciate mantecare finché il gelato si solidificherà.

Fonte: https://dilei.it/cucina/come-fare-il-gelato-in-casa-buono-come-quello-in-gelateria/491173/

Prepariamo il gelato in casa senza gelatiera

Ingredienti

  • 0,5 l latte intero
  • uova
  • 6 cucchiai zucchero
  • 1 baccello di vaniglia
  • 2 cucchiai sale
  • q.b. cubetti di ghiaccio
  • 150 gr polpa di frutta fresca

Cosa comprare per

Prepariamo il gelato in casa senza gelatiera

La ricetta del gelato fatto in casa senza gelatiera è una vera magia, dedicata in particolare a chi non ha gelatiera elettrica ma tanta voglia di un buon gelato fatto in casa. Se ci pensi, è davvero incredibile come da una preparazione così semplice che richiede pochissimi ingredienti base viene fuori un dessert golosissimo e fresco che non ha nulla da invidiare al più buono gelato artigianale!

Il gelato non è un semplice dessert al cucchiaio da gustare solo in una calda sera d’estate, ma molto di più! Per alcuni è una vera e propria pietanza in sostituzione di un pasto frugale e tantissime sono le ricette dolci (e anche salate!) da preparare con il gelato come ingrediente! Se non ci credi leggi queste rubriche di DMnow:

O scopri come preparare il tiramisù classico con un goloso gelato…è ancora più goloso della ricetta tradizionale!

Il procedimento per preparare il gelato senza gelatiera si riassume in due semplici passaggi fondamentali: bisogna prima preparare una crema cotta a base di uova e latte intero (o panna fresca) e poi farla raffreddare nel freezer con qualche piccolo accorgimento. Non serve attrezzatura specifica: andiamo a vedere la preparazione nel dettaglio.

Preparazione del gelato senza gelatiera

1. Versa 0,5 l di latte intero in un pentolino con un baccello di vaniglia  inciso nel senso della lunghezza in modo da scoprire i semini interni,  molto profumati. Portalo a ebollizione dolcemente e poi toglilo dal  fuoco. Intanto sguscia 4 uova e separa i tuorli dagli albumi, mettendo i tuorli in una  grossa ciotola.

2. Per preparare la crema di base, aggiungi ai tuorli 6 cucchiai di zucchero e monta il tutto con una frusta elettrica (o manuale se sei eserto) fino a quando diventano chiari, gonfi e spumosi. (Per far montare i tuorli più in fretta, ricordati di togliere le uova dal frigo almeno un’ora prima: devono essere a temperatura ambiente).

3. Diluisci il composto di uova con il latte caldo filtrato, poi versalo in una casseruola con fondo pesante e cuocilo a calore bassissimo, mescolando senza interruzione, fino a quando comincia ad addensarsi a crema e a velare la frusta. A questo punto togli la casseruola dal fuoco e continua a mescolare finché dalla superficie della crema non si alzerà più vapore.

4. Per raffreddare velocemente la crema, metti la casseruola in un’altra più grande piena di cubetti di ghiaccio cosparsi con 2 cucchiai di sale che ritarda lo scioglimento del ghiaccio. Se vuoi preparare un gelato alla frutta, è questo in momento giusto per unire alla crema 100-150 gr di polpa di frutta ridotta in purè.
Il segreto per rendere cremoso il gelato sta proprio nel mantecarlo nel modo corretto, facendo in modo che la crema incorpori con il mescolamento più aria possibile.

5. Versa la crema in uno stampo di acciaio tenuto in freezer, livellala con il dorso di un cucchiaio e metti lo stampo di nuovo in freezer. (Usa una vaschetta di metallo: la crema si raffredda più in fretta).

6. Dopo 20 minuti circa, quando la crema tende a rassodare lungo i bordi, toglila dal freezer e mescolala con un cucchiaio, dall’esterno verso l’interno. Ripeti questa operazione 5-6 volte, finché il gelato sarà ben mantecato. Se non lo consumi tutto, tieni il gelato in freezer coprendo lo stampo con carta argentata. Prima di servire il tuo gelato, però, mettilo in frigo per circa 30 minuti in modo che si ammorbidisca il giusto per essere modellato, con un cucchiaio bagnato nell’ acqua o con l’apposito attrezzo, in graziose palline disposte in una coppetta.

Consigli

Non usare latte uova se non sei sicura che siano freschissimi, per  maggiore sicurezza e per non compromettere il gusto del gelato. Se possibile, evita di utilizzare il latte a lunga conservazione, che sa troppo di “cotto”, piuttosto usa panna fresca per dare sofficità, latte condensato per conferire cremosità e un pochino di liquore (Rum per una versione neutra, limoncello, vov o altro a scelta) avvolte non guasta ed evita con facilità la cristallizzazione del gelato!

Conserva gli albumi che non hai usato nella ricetta, ci sono diversi modi per usarli nella preparazione di deliziose pietanze sia dolci che salate e non solo per fare meringhe! Scopri qui come usare gli albumi avanzati!

Nel caso tu abbia deciso che fare il gelato senza gelatiera non è proprio nelle tue corde e per questo hai acquistato una splendida gelatiera: ecco qui per te, tante ricette per preparare il gelato fatto con la gelatiera!

Fonte: https://ricette.donnamoderna.com/idee-in-cucina/come-fare-il-gelato-senza-gelatiera

Video:

Il gelano nella musica

Mina – Se mi compri un gelato (1964)

Se mi compri un gelato

Se mi compri un gelato
Che sia proprio gelato
Con le labbra gelate così
Amore amore ti bacerò

Se mi compri un gelato
Che sia proprio gelato
Con le labbra gelate così
Amore amore mi bacerai

Se tu sei con me
Son tutta panna per te
Amore perché tu sei limone per me
Lo vedi il mio cuore è già lampone per te
Amore, amore

Se mi compri un gelato
Che sia proprio gelato
Con le labbra gelate così
Amore amore ti bacerò

Se mi compri un gelato
Che sia proprio gelato
Con le labbra gelate così
Amore amore mi bacerai

Se mi compri un gelato
Che sia proprio gelato
Con le labbra gelate così
Amore amore ti bacerò

Se mi compri un gelato
Che sia proprio gelato
Con le labbra gelate così
Amore amore mi bacerai

Se mi compri un gelato
Ti bacerò
Se mi compri un gelato
Ti bacerò.

Paolo Conte – Gelato al limon (1978)

Un gelato al limon

Un gelato al limon
Gelato al limon
Gelato al limon
Spofondati in fondo a una città
Un gelato al limon
è vero limon.

Ti piace?
Mentre un’altra estate passerà
Libertà e perline colorate
Ecco quello che io ti darò
E la sensualità delle vite disperate
Ecco il dono che io ti farò
Donna che stai entrando nella mia vita
Con una valigia di perplessità
Ah, non avere paura che sia già finita
Ancora tante cose quest’uomo ti darà.

E un gelato al limon
Gelato al limon
Gelato al limon
Sprofondati in fondo a una città
Un gelato al limon
Gelato al limon
Gelato al limon
Mentre un’altra estate se ne va…

Ti offro una doccia ai bagni diurni
Che son degli abissi di tiepidità
Dove come oceani notturni
Rimbombano le voci della tua città
E ti offro la luna del pomeriggio
Per il sogno arabo che ami tu
E una stretta forte della mia mano
Per te donna che non mi scappi più…
E un gelato al limon
Gelato al limon, gelato al limon

E ti offro l’intelligenza degli elettricisti
Cosi almeno un po’ di luce avrà
La nostra stanza negli alberghi tristi
Dove la notte calda ci scioglierà.

Come un gelato al limon,
Gelato al limon, gelato al limon

Come un gelato al limon,
Gelato al limon, gelato al limon

Come un gelato al limon,
Gelato al limon, gelato al limon

Come un gelato al limon,
Gelato al limon, gelato al limon

Pupo – Gelato Al Cioccolato (1980)

Gelato al cioccolato

Ma dove vuoi andare, ti amo!
Ti annoi, va bene, balliamo
Sei bella, ti lasci guardare
Con te non c’è niente da fare

Nascosta dai lunghi capelli
Tu balli, ma i gesti son quelli
Bambina, ti voglio, ti sento
Ti muovi, mi sfuggi, mi arrendo

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Un bacio al cioccolato io te l’ho rubato
Tu, gelato al cioccolatoRimani così
Che dolce sei tu
Non chiedo di più

Profumo di fiori di tiglio
Fa caldo, ma qui si sta meglio
La sabbia è piu’ bianca stasera
Ma dimmi che sei proprio vera!

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Un bacio al cioccolato io te l’ho rubato
Tu, gelato al cioccolato

Rimani così
Che dolce sei tu
Non chiedo di più

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Un bacio al cioccolato io te l’ho rubato
Tu, gelato al cioccolato

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Un bacio al cioccolato io te l’ho rubato
Tu, gelato al cioccolato

E così sento che avete voglia di cantare, eh?
Avete voglia di cantare con me?
Dai tutti insieme, dai!

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato

Gelato al cioccolato dolce e un po’ salato
Tu, gelato al cioccolato
Un bacio al cioccolato io te l’ho rubato
Tu, gelato al cioccolato

Pino Daniele – Come un gelato all’equatore (1999)

Il gelato nel cinema

1962: Il sorpasso, di Dino Risi

sorpassoDino Risi

Dino Risi nasce a Milano il 23 dicembre del 1916. Inizia la sua gavetta cinematografica come assistente di Mario Soldati per «Piccolo mondo antico» nel 1940 e poi come aiuto di Lattuada in «Giacomo l’idealista» nel 1942. In quegli anni collabora anche alle sceneggiature dei film «Anna» di Lattuada (1952), «Totò e i re di Roma» (1951) di Steno e Monicelli e «Gli eroi della domenica» di Camerini (1952). Dopo una serie di cortometraggi (il più famoso è «Buio in sala») si trasferisce a Roma nel 1952 e realizza il suo primo lungometraggio di finzione: «Vacanze col gangster». Nel 1953 realizza «Paradiso per tre ore», episodio del film «L’amore in città» (gli altri episodi sono firmati da Antonioni, Fellini e Lattuada), cimentandosi per la prima volta in un genere di cui diventerà specialista per tutto il decennio successivo. La commedia di costume venata di  sottile amarezza comincia a delinearsi nel 1955 con «Il segno di Venere». Dello stesso anno è anche la realizzazione di «Pane, amore e…», terzo capitolo della saga iniziata da Comencini, nel quale recita una meravigliosa Loren e che ottiene un grandissimo successo. Il 1956 è l’anno della svolta decisiva di Risi: con la realizzazione di un film da lui scritto e diretto apre la strada ad un nuovo genere capace di trasformare il neorealismo in commedia all’italiana. Il suo «Poveri ma belli» racconta le vicende di un gruppo di giovani romani piccolo borghesi alle prese con le prime storie d’amore. Per questo film Risi scopre dei giovani attori sconosciuti come Renato Salvatori, Maurizio Arena e Marisa Allasio. La formula fu replicata nei due seguiti «Belle ma povere» (1957) e «Poveri milionari» (1959). Il passaggio dal film «leggero» alla satira avviene con «Il vedovo» (1959), storia dei tentativi di un piccolo industriale (Alberto Sordi) che per fare fronte ai debiti tenta di uccidere la moglie per intascarne l’eredità. Il sodalizio con Sordi trova la sua migliore espressione con il film «Una vita difficile» (1961). Negli anni seguenti sotto la sua regia nasce la coppia GassmanTognazzi impegnati in una serie di film mirati via via a smascherare i luoghi comuni del popolo italiano («I mostri«, «In nome del popolo italiano»). La collaborazione con Gassman è stata sicuramente la più duratura nella carriera di Risi, con ben quindici film in comune. Da «Il mattatore» del 1960, a «Il sorpasso» (1963), da «Il successo» sempre dello stesso anno, a «Il tigre» (1967), da «Il profeta» (1968) fino a «Profumo di donna» (1974), film che ottiene due nomination all’Oscar. Gli ultimi film girati con Gassman sono «I nuovi mostri» (1977), «Caro papà» (1979) e «Tolgo il disturbo» (1990). Negli anni Sessanta Risi si specializza nei film a episodi , dirigendo i più grandi attori italiani (Manfredi, Vitti) e raccontando sempre piccole storie della vita italiana. Nel 1970 realizza «La moglie del prete» interpretato da Sophia Loren e Marcello Mastroianni e nel 1973 «Sesso matto» con Giancarlo Giannini e Laura Antonelli. Il cinema ed il fascismo sono i temi centrali di «Telefoni bianchi»(1975). L’anno successivo realizza un thriller psicologico «Anima persa», tratto da un romanzo di Gianni Arpino e nel 1977 «La stanza del vescovo» da un libro di Piero Chiara. Del 1978 è il film «Primo amore» con Ugo Tognazzi, storia di un amore irraggiungibile.  Nel 1993 il Festival di Cannes gli dedica una retrospettiva delle sue quindici opere più significative. Nel 2000 dirige per la televisione «Bellissime», una fiction ispirata al concorso di Miss Italia, interamente girata a Salsomaggiore e nel 2002 gli è stato assegnato il Leone d’oro alla carriera alla 59° Mostra del Cinema di Venezia. Il 2 giugno del 2004, in occasione delle celebrazioni della Festa della Repubblica, il regista riceve dal Presidente Carlo Azeglio Ciampi l’onorificenza di Cavaliere di Gran Croce. Scompare a Roma il 7 giugno 2008.

Fonte: http://www.italica.rai.it/scheda.php?scheda=risi

DINO RISI: REGISTA, SCENEGGIATORE MA SOPRATTUTTO «MAESTRO DI VITA»

Con la sua morte scompare una delle ultime coscienze critiche del cinema italiano del dopoguerra.br> Con la morte di Dino Risi, avvenuta il 7 giugno 2008, sparisce un pezzo di storia del cinema italiano. Risi non è stato solo un regista o uno sceneggiatore: egli ha anche funto, attraverso i suoi film, da coscienza critica dell’Italia.
Per Risi il cinema era «maestro di vita» e quindi doveva mettere a nudo i vizi e le virtù della società.
Così accade nel suo capolavoro riconosciuto «Il sorpasso» (1962) dove due strepitosi attori come Vittorio Gassman e Jean-Luis Trintignant, danno vita a due personaggi che rappresentano egregiamente l’Italia borghese, ipocrita e bigotta di quel periodo: Bruno Cortona e Roberto Mariani. Il primo (interpretato da Gassman) è un quarantenne amante della bella vita, delle belle auto e delle donne, mentre il secondo (Trintignant) è uno studente di legge, timido e insicuro, ma anche attratto dallo stile di vita alto-borghese, lui che invece appartiene alla media borghesia lavoratrice.
Proprio sul contrasto tra i due personaggi, Risi traccia uno splendido ritratto dell’Italia e dei suoi canoni, rovesciando totalmente gli stereotipi della commedia italiana soprattutto per quel che riguarda due canoni fondamentali: la caratura dei personaggi e l’happy end.
Nella commedia all’italiana, fino ad allora, i personaggi dei film erano macchiette e figure caricaturali e non possedevano una personalità precisa. Al contrario, Cortona e Mariani, sono, come abbiamo già detto, personaggi «vivi» con i loro dubbi, i loro tratti psicologiche le loro paure.
Per quel che riguarda il secondo punto, l’happy end, è chiaro che se da un punto di vista stilistico esso possa rappresentare una rivoluzione del genere,non così può apparire a chi segua attentamente lo svolgimento del film: il finale de «Il sorpasso» non è altro che la conclusione logica e naturale di un film vissuto costantemente sul filo della velocità e del rischio.
«Il sorpasso» è dunque il film che serve meglio di ogni altro a spiegare la personalità di Risi, milanese doc, che dopo aver conseguito la laurea in medicina, contro il parere dei genitori, decise di intraprendere la carriera cinematografica, a discapito di una carriera nel mondo della psichiatria.
Inizia come assistente di Mario Soldati nel 1940, con il film «Piccolo mondo antico». Il suo primo lavoro è un cortometraggio, «Barboni»(1948), che parla della disoccupazione a Milano, mentre è del 1951 il primo lungometraggio, «Vacanze col gangster» .
Da lì in poi è un susseguirsi di successi: «Pane, amore e…»(1955, sequel di altri due film, che raccontano tutti le comiche gesta e le avventura amorose del maresciallo Carotenuto, alias Vittorio De Sica), «I mostri»(1963), «Operazione San Gennaro»(1966), solo per citarne alcuni. Lavora con tutti i più grandi attori del cinema dell’epoca: Alberto Sordi, Vittorio De Sica, Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Totò,Ugo Tognazzi, ma anche attrici come Sofia Loren, Silvana Mangano e Franca Valeri.
Risi ha rappresentato per cinquant’anni l’evoluzione dell’Italia, con quel suo piglio critico, ma allo stesso tempo ironico e divertente. C’è da dire che proprio perché il cinema di Risi era basato su un certo stile, su certi attori e personaggi, la sua «morte cinematografica» è da datare molto prima della sua morte biologica. Con la scomparsa via, via degli attori che avevano reso celebri le sue pellicole (Tognazzi, Gassman, Sordi soprattutto), e l’avvento della «commedia caciarona» di registi come i fratelli Vanzini, Risi si intristisce sempre più.
Così si spiega il tentativo, miseramente fallito, di rinverdire i fasti di un suo vecchio film («Poveri ma belli», 1956), con un remake («Giovani e belli», 1996), che nulla aveva della carica espressiva che aveva accompagnato fino ad allora i suoi lungometraggi.
Nulla a che vedere con il vero Risi, quello di capolavori come «Il mattatore», che consacrò definitivamente Gassman, al punto che il titolo, veniva spesso usato per definire l’attore, come un soprannome.
Sono tanti, troppi i film che ci ha lasciato in eredità, ma Risi, come detto non è stato solo un grande regista, ma anche un fine psicologo, un latin lover (gli furono attribuiti flirt con Anita Ekberg e Alida Valli, tra le altre) un uomo senza peli sulla lingua, e, nell’ultima parte della sua vita, un vecchio, con un solo desiderio: quello di morire.
Risi era una persona fiera, sempre con la battuta pronta, conscio dei suoi meriti, ma soprattutto dei meriti di chi aveva lavorato con lui, o dei maestri a cui si era ispirato.
Ci sono due frasi che spiegano bene Dino Risi.
La prima fu pronunciata quando uno dopo l’altro morirono Ingmar Bergman e Michelangelo Antonioni: » Meno male», disse Dino, «che non sono morto oggi, altrimenti andavo con due righe i cronaca.»
La seconda è un giudizio su Moretti, acclamato da molti critici, ma che a Risi non garbava molto, perché «si piace troppo. Quando vedo i suoi film mi viene da dire: spostati e lasciami vedere il film».
Il Maestro, perché Risi nel suo genere è stato un Maestro con la «m maiuscola», era tagliente, malinconico e critico. Mal si integrava con un’epoca che non sentiva più sua.
Nell’ultimo periodo della sua vita arrivò persino a desiderare l’eutanasia.
Questa però è una parte malinconica che non ci piace ricordare.
Noi vogliamo solo dirgli: «Addio Maestro, ci mancherai».

Fonte: https://www.lopinionista.it/notizia.php?id=95

Marco Risi: «Mio padre e Fellini, dialoghi irripetibili»

Fano ha chiuso il suo omaggio a Federico Fellini, sei giorni di iniziative e proiezioni dedicate al grande regista italiano. E proprio in chiusura il regista Marco Risi, figlio del grande Dino, è intervenuto alla rassegna fanese per parlare del libro autobiografico Forte respiro rapido, la mia vita con Dino Risi ed in particolare del rapporto tra Federico Fellini e suo papà Dino.

Marco Risi, cosa le ha raccontato suo padre a proposito di Federico Fellini?

«Qualcosa mi ha raccontato; qualcosa ho ascoltato personalmente e a qualcosa ho persino assistito».

Allora ci racconti.

«Una volta, era il 1985, ero con mio padre e poco prima di una proiezione al cinema Rivoli andammo in via Veneto e lì incontrammo Fellini. Erano passati 25 anni dalla Dolce vita ma Federico aveva sempre l’abitudine di andare a curiosare; si fingeva fintamente distratto ma in realtà come da sua abitudine, osservava tutto. Mio padre e lui si riconobbero e cominciarono a parlare intensamente di tutto. Di donne, e in particolare di Anita Ekberg che entrambi amarono. Io praticamente non esistevo, ero diventato un fantasma».

E cosa si dissero?

«Fellini raccontò di un suo malessere nel corso di una intervista all’Hotel Plaza con un giornalista francese. Disse di essere stato soccorso da un medico che si trovava lì il quale ipotizzò si fosse trattato di un lieve ictus. Ma la cosa non era vera; era una balla colossale, confermatami qualche tempo dopo anche da Gianfranco Angelucci che di Fellini sapeva tutto. A lui piaceva raccontare di quanto fosse malandato e di come anche i suoi colleghi si ponessero di fronte a quello che lui chiamava il grande traguardo della vita».

Come andò a finire?

«Il giorno dopo si telefonarono e parlarono a lungo. Mio padre della morte e del traguardo della vita e Fellini invece ancora di donne».

E’ morta Franca Valeri che con suo padre aveva girato due film storici Il segno di Venere e Il Vedovo.

«Mio padre stimava moltissimo Franca non solo come attrice ma anche come autrice. Erano entrambi lombardi, si conoscevano da tempo e credo che il soggetto de Il segno di Venere, film di granissimo successo, fosse addirittura opera di Franca. Lei andava oltre la satira, l’ironia e conosceva benissimo i suoi limiti. Non aveva l’ossessione di vedersi bruttina. Tutt’altro. E’ stata una pietra miliare del teatro e del cinema italiano. Purtroppo con lei si chiude davvero un’epoca».

Fonte: https://www.ilrestodelcarlino.it/fano/cronaca/marco-risi-mio-padre-e-fellini-dialoghi-irripetibili-1.5404990

Video:

Dino Risi amarcord – 1998, Gianni Minà intervista il maestro della commedia all’italiana

Stracult 20 anni – Speciale Dino Risi Forever

Dino Risi – Il Sorpasso (1962)

Il film si basa sulla contrapposizione dialettica di due generazioni e di due personaggi agli antipodi, la cui psicologia è definita da Risi con straordinaria precisione e profondità analitica. Il Sorpasso, pur rientrando nel filone della commedia all’italiana, si allontana da essa superandola e presentando dei tratti di rottura rispetto al genere. La commedia all’italiana, sebbene in molti momenti abbia dimostrato di sapere descrivere con sguardo critico e feroce la società italiana e la piccola borghesia ipocrita e perbenista che nasce e trionfa in quegli anni, privilegiava il tratteggio di ”macchiette” e la rappresentazione spesso bozzettistica e caricaturale di tipi a discapito della complessità psicologica.

Risi, in questo film, abbraccia la logica autoriale come mai più farà nella sua carriera, soffermandosi sulle sfumature dei tratti dei protagonisti, che risultano personaggi completamente definiti e a tutto tondo.

I due rappresentano atteggiamenti antitetici di fronte alla vita, ma Risi fuga il rischio di ogni luogo comune facendo incarnare la corsa verso il progresso dall’adulto, l’immaturo e cialtrone Bruno, interpretato magnificamente da Vittorio Gassman. Bruno, furbo, ignorante, fanfarone, accompagna l’ingenuo Roberto (interpretato da Trintignant) in un percorso iniziatico erotico e sociale che lo porterà ad allontanarsi dalle purezze adolescenziali e da una visione ingenua della vita e dei rapporti umani.

La dialettica centrale del film, però, non è solo quella adolescente-adulto e Bene-Male, ma principalmente il film ci mostra il “sorpasso” dei valori tradizionali da parte della modernità. Trintignant è infatti espressione di una borghesia urbana, fautore delle virtù di onestà, sacrificio, rispetto dell’autorità e della famiglia, che si lascia affascinare e travolgere dai miti dello sviluppo, del benessere, dei consumi e, al tempo stesso, della furbizia e spregiudicatezza. L’analisi sociologica di Risi sa farsi ancora più precisa ed efficace di quella psicologica: la colonna sonora utilizza le canzoni più in voga del momento, una scelta piuttosto originale per l’epoca; la Roma raffigurata non è quella felliniana delle zone centrali, ma quella sorta con il boom: la Balduina, il Quartiere Olimpico, da cui si intravedono in lontananza le baracche pasoliniane dei sotto-proletari.

Lo sguardo di Dino Risi non è mai accondiscendente né indulgente nei riguardi del mondo che rappresenta, sebbene riesca ad evitare il facile moralismo anche nell’impietosità della tragedia finale. La sua visione dell’Italia è spietata e pessimista, perciò non si limita a fotografare – anche con un certo taglio documentaristico – la realtà: la sua è anche e soprattutto denuncia, senza rinunciare tuttavia alla leggerezza nei toni del racconto e godibilità.

Ma, come detto in apertura, il più grande valore del film gli viene conferito dalla Storia: è infatti inquietante, oggi, constatare quanto la sua simbologia sia stata tanto anticipatrice.  La strada è la rappresentazione del percorso di una nazione che scopriva allora il benessere che il consumo le offriva; e non a caso la via che percorrono Roberto e Bruno è l’Aurelia, che collega Roma con le riviere, a simboleggiare la strada verso l’evasione, la vacanza, il disimpegno.

La vittoria del mito del benessere, dell’amoralità, della furbizia, dell’ansia di consumare l’esistenza, dell’ignoranza incarnati da Bruno, oltre che dell’automobile come forza motrice economica e sociale di una nazione: tutto ciò ha visto il nostro Paese accogliendo il progresso che ha sedotto e travolto il mondo tradizionale, cancellando di fatto una cultura’senza sostituirla con un’altra, a meno che si consideri cultura il consumismo imperante. Questo “sviluppo”, del resto, ha reso possibile il trionfo del fascismo moderno: non il clerico-fascismo che l’Italia ha vissuto nel Ventennio, ma quel Potere che veramente è riuscito ad omologare, sottomettere, privare della propria identità e coscienza il popolo italiano. Esemplare sopra ogni altra è la scena che mostra dei contadini ancheggiare al ritmo di twist: il fascino del consumo e di un falso progresso ha raggiunto ciò che il regime fascista non era riuscito ad ottenere. Questa corsa e questo sorpasso, come ha presagito Risi, si è rivelata auto distruttiva, trasformando gli italiani, per usare le parole di Pasolini, “in brutti e stupidi automi adoratori di feticci”.

Fonte: http://www.storiadeifilm.it/commedia/commedia/dino_risi-il_sorpasso%28cecchi_gori_home_video-1962%29.html

“Il sorpasso” – La commedia del boom economico

Il sorpasso ebbe delle grandi accoglienze, ma poi divenne un film fondamentale addirittura. Non soltanto nella commedia, ma nel cinema italiano. È stato riconosciuto come capostipite, anche dagli americani, di un certo tipo di cinema che loro chiamano oggi road cinema […] insomma, sembra che i francesi ieri, e gli americani oggi, abbiano fatto la scoperta della commedia italiana. Io ho sentito dire commedia italiana e non all’italiana, perché mi sembra più giusto, anche più civile e più intelligente chiamarla così e non all’italiana, come non diremmo mai una commedia all’americana o alla francese. (Dino Risi, «La grande radio», 1º gennaio 1966).

Il 23 dicembre 1916 nasceva a Milano Dino Risi. Dopo una laurea in medicina, scelse il cinema dirigendo titoli come Pane, amore e… (1955), Poveri ma belli (1956) e Belle ma povere (1957), ma anche La marcia su Roma (1962), I mostri (1963), L’ombrellone (1965), Profumo di donna (1974), Telefoni bianchi (1976) e tanti altri.

Ma il suo capolavoro Il sorpasso (1962), nell’immaginario collettivo, sembra essere più di tutte una pellicola davvero senza tempo. A distanza di quasi sessant’anni continua a raccontare qualcosa di nuovo, a documentare il passato e far comprendere meglio il presente dell’Italia, ma soprattutto degli italiani.

Al di sotto della superficie comica, i film di Risi degli anni Sessanta evidenziano con arguzia il desiderio di criticare la neonata società dei consumi, quella del miracolo economico, in cui l’acquisto di beni di prima necessità lascia spazio a quelli materiali. Ma le riflessioni toccano tematiche più ampie e i personaggi, sotto la direzione del regista milanese, diventano maschere ciniche e reali che rappresentano in modo sociologico il periodo. Risi fotografa lucidamente gli impulsi vacui di quelle generazioni uscite dalla guerra che volevano costruirsi un futuro confortevole. Le automobili, i vestiti, le sigarette, i vinili, i viaggi e le vacanze sono alcuni dei tanti elementi presi in considerazione; il microcosmo de Il sorpasso è l’esempio lampante che incarna questa analisi antropologica, stilistica e narrativa scritta dallo stesso Risi con Ettore Scola e Ruggero Maccari.

Senza soffermarsi sulla trama, cercando lo stesso di percorrere il lungometraggio nelle sue diverse tappe – mai come in questo caso, il termine tappe è adeguato –, si può notare come la prima scena esemplifichi quello che è stato anticipato: la camera da presa, posta direttamente sull’automobile, inquadra in primo piano un uomo di spalle – del quale possiamo intravedere il volto nello specchietto retrovisore – che si guarda intorno mentre è alla guida, un sottofondo musicale jazz a scandire il ritmo delle immagini. La strada deserta, l’architettura dei palazzi, la Lancia Aurelia, la velocità spericolata, il fischiare delle ruote, il rombo del motore e la musica incalzante; poche inquadrature iniziali che catapultano lo spettatore immediatamente all’interno della narrazione e, allusivamente, alla guida dell’automobile. 

Roma, il giorno di Ferragosto. L’uomo che intravediamo di spalle è Bruno Cortona (Vittorio Gassman) che, alla ricerca di un telefono pubblico, si imbatte casualmente in Roberto Mariani (Jean-Louis Trintignant). Bruno, chiedendo di chiamare una certa Marcella, entrerà nell’appartamento dello studente e riuscirà a convincerlo a smettere di studiare per prendersi almeno un aperitivo con lui. I contrasti tra i due protagonisti sono subito evidenti: se Roberto mentre studia ascolta un vinile di musica classica, Bruno, prima di entrare in casa, canticchia Pinne fucile ed occhiali (1962) e, in bagno, Guarda come dondolo (1962), entrambe di Edoardo Vianello. Uno appare in camicia e l’altro con una polo aperta sporca di grasso del motore: «me so’ fermato dieci minuti pe cambià le candele», uno parla senza influenze dialettali e l’altro le sottolinea; poi: la differenza di “stazza”, l’insicurezza di uno e la spavalderia dell’altro, uno fuma e l’altro no, e così via. Tante piccole suggestioni che delineano già dal primo incontro due figure chiaramente distinte: Bruno incarna l’epoca dei consumi mentre Roberto non sembra esserne influenzato.

Inizia il viaggio verso “l’aperitivo” che si trasformerà in un pranzo a Civitavecchia. La Lancia Aurelia con il suo inconfondibile clacson sfreccia per le vie e le piazze di Roma quasi deserte, restituendo con le inquadrature la bellezza contemporanea della città, mentre Bruno fornisce i suoi consigli sulle multe: «mai fermarsi, se non te la contestano a voce la contravvenzione non è valida» e Roberto parla con se stesso – con la voce fuori campo che lo spettatore sentirà più volte – pensando cose che non riesce però a dire: «che scusa gli posso trovare, ma perché dovrei andare a colazione con lui, chi lo conosce? Non c’è nessun motivo», e infatti il viaggio prosegue a tutta velocità: «sono nelle mani di un pazzo».

Durante questo tratto insorgono nuovi e diversi riferimenti alla società dei consumi e all’attitudine di Bruno: la targhetta sul cruscotto con la foto di Brigitte Bardot e la scritta “Sii prudente a casa ti aspetto io”, l’incipit della poesia La sposa infedele di Gabriel García Lorca sentita nel disco di Arnoldo Foà, la richiesta a Roberto di mettere nel giradischi dell’auto il vinile di Modugno e il riferimento a Michelangelo Antonioni: «L’hai vista L’eclisse? Io ci ho dormito, una bella pennichella. Bel regista Antonioni, cià una Flaminia Zagato, una volta sulla fettuccia di Terracina m’ha fatto allungà il collo».

Dopo aver escluso due trattorie dove mangiare, aver inseguito una coppia di «tedeschine», essersi fermati per assistere a un incidente, dove per evitare la multa di un vigile Bruno imita la cadenza bolognese – il dialetto è uno degli elementi caratteristici della commedia all’italiana e delle pellicole di Risi –, arriva la sosta per il rifornimento e quindi l’autogrill. Questo è in parte lo spazio simbolo dell’epoca; luogo di ritrovo, di commistioni di culture, di turisti e soprattutto di consumi: la canzone Quando quando quando di Tony Renis in sottofondo, il distributore di sigarette o il cynar liscio. In questo ambiente Roberto inizia ad avere i primi dubbi riguardo il suo futuro e infatti rimane bloccato – in bagno – proprio in quel mondo, una sorta di costrizione, di gabbia, da cui Bruno lo libererà.

Inoltre, la suggestione sull’autogrill e sul consumo verrà amplificata anche nell’episodio Una giornata decisiva del film I complessi (1965), diretto da Dino Risi con Nino Manfredi.   

Dopo il pranzo a Civitavecchia i protagonisti si rimetteranno in viaggio, questa volta per andare a trovare gli zii di Roberto verso Grosseto, dove affiorano i ricordi dell’infanzia. Qui Bruno diventerà per Roberto una sorta di lente per mettere a fuoco la realtà sia del passato che del presente, polverizzando le sue certezze. In questa scena viene messo in evidenza, ironicamente, l’arrivo della figura urbana nella società contadina: «Eh non mi dirai che non lo sapevi è così evidente, scusa perché secondo te lo chiamano Occhiofino?», «Hai visto, il cugino Alfredo non è mica figlio di zio Michele, è figlio del fattore», «Guarda ’n po’, la festa campagnola, il twist alla burina». In questa sequenza, Roberto palesa con una frase detta a sé stesso, voce over, la morale e l’orizzonte della pellicola: «Alfredino, se sarò bravo, arriverò dove è arrivato lui, alla Fiat 1005…».

Il tempo passa e il viaggio continua, questa volta verso Castiglioncello, con una gara contro una Fiat 600 e la sosta al Cormorano Night Club, dove Bruno incontra un commendatore di Varese con cui ha avuto degli affari e Roberto decide di tornare a Roma in treno. Ma, dopo il rifiuto di una ragazza, tornerà suoi passi e cercherà di aiutare Bruno in una rissa scoppiata nel locale. I due finiscono la serata bevendo alcuni amari e successivamente partono per andare a casa della (ex) moglie di Bruno, Gianna (Luciana Angiolillo), in Versilia.

Proprio in tale cornice la narrazione verte sul passato di Bruno, il matrimonio in giovane età e l’incontro con l’ormai cresciuta figlia Lilly (Catherine Spaak) e il suo compagno maturo Danilo Morelli (Claudio Gora), ricco imprenditore. Dopo le discussioni familiari, Bruno flirta con Gianna ma viene respinto – come successo in precedenza con tutte le donne che aveva cercato di corteggiare – e decide quindi di uscire di casa con Roberto per andare in spiaggia dove prima di addormentarsi sulle sdraiette finalmente si lascia andare anche ai sentimenti: «Sai una cosa, avessi avuto un fratello l’avrei voluto come te», «l’amore per la donna è mobile come la luna, l’affetto per il fratello è fermo come le stelle» e ancora, «No che cretino, sei in gamba! Sono io che so’ balordo». 

La mattina seguente, in spiaggia, Bruno si sveglia nell’affollato marasma balneare con il sottofondo musicale di Pinne fucile ed occhiali. Come per le sequenze precedenti, all’autogrill e al Cormorano Night Club, Bruno sembra essere nel suo habitat naturale. A differenza di Roberto, che in autogrill rimane chiuso in bagno, al Cormorano si sente a disagio e si siede da solo in un tavolo. Tornando alla spiaggia, nella scena successiva, ancora in camicia e pantaloni – rimarrà così per tutta la sequenza – attorniato da ragazzi e ragazze in costume, Roberto cammina su alcuni scogli e scruta ciò che lo circonda, mentre Bruno indossa un costume e si esibisce in una verticale in spiaggia con il pubblico a tifare per lui.  

Ma non solo lo sci acquatico, i tuffi in barca o la partita a ping pong, ancora una volta, Bruno, indossa le vesti di quella generazione, emblema dell’epoca che, in una dialogo con Bibì, sembra quasi giustificarsi: «ho avuto una vita difficile, prima la guerra, poi il matrimonio, mi hanno rubato gli anni migliori. Nel ՚56 ho avuto un’annataccia, è dura sa’ a 36 anni andare in giro in filobus».

Merita un approfondimento stilistico la scena in cui Roberto vaga tra le persone che ballano sulle note di Don’t Play That Song cantata da Peppino di Capri. Le inquadrature sono formate da primi piani e particolari delle persone che ballano, stacco e primo piano su Roberto che cammina in mezzo a loro come una presenza fuori dal contesto, stacco e carrellata nuovamente sulla folla fino ad arrivare a Roberto, che da una cabina telefonica prova a chiamare la vicina di casa di cui si era invaghito, Valeria, decidendo così di andare a trovala a Viareggio. Una passerella emblematica tra il vecchio e il nuovo Roberto.

I protagonisti si rimettono in viaggio, ma quella che doveva essere la svolta per Roberto diventa invece la fine della corsa. L’ennesimo sorpasso questa volta non ha lo stesso risultato, dopo alcuni gesti scaramantici: le corna e il tocco del cornetto porta fortuna, o il saluto a un bambino, la Lancia Aurelia precipita fuori strada e si infrange sulla scogliera. Bruno riesce a salvarsi e Roberto no. Ma è tutto quello che precede la caduta a essere interessante. Roberto sembra essere entrato nella parte, elettrizzato chiede a Bruno di andare più veloce, non vuole fare programmi a lungo termine, è felice: «Bruno, ho passato con te i due giorni più belli della mia vita». Proprio nel momento in cui Roberto è riuscito ad adeguarsi, tutto finisce. Dino Risi, cinicamente e nel suo stile, conclude con una metafora sulla società dei consumi, effimera e appagante, ma alla fine corrosiva.   

Da Il sorpasso, sono partite altre suggestioni cinematografiche del regista: la tematica vacanziera, così viva e ricca di contraddizioni e di elementi sociologici da imprimere nell’immaginario cinematografico, approfondita tre anni dopo in una pellicola con Enrico Maria Salerno, L’ombrellone (1965); oppure l’importanza dell’automobile come status symbol nell’episodio Vernissage nel film I mostri (1963) con Ugo Tognazzi o ancora il rapporto tra padre e figlio in Il giovedì (1964) con Walter Chiari.

Purtroppo non bastano queste poche righe per descrivere l’universo di Dino Risi. Consideratelo un omaggio personale al miglior regista che la commedia all’italiana abbia mai avuto o, come avrebbe preferito dire, commedia italiana.  

Fonte: https://culturificio.org/il-sorpasso-1962-di-dino-risi/

Video:

Il racconto del film di Antonio Monda

Tony Renis – Quando Quando Quando (1962)

Dimmi quando tu verrai
Dimmi quando, quando, quando
L’anno, il giorno e l’ora in cui
Forse tu mi bacerai
Ogni istante attenderò
Fino a quando, quando, quando
D’improvviso ti vedrò
Sorridente accanto a meSe vuoi dirmi di sì
Devi dirlo perché
Non ha senso per me
La mia vita senza teDimmi quando tu verrai
Dimmi quando, quando, quando
E baciandomi dirai
«Non ci lasceremo mai»Se vuoi dirmi di sì
Devi dirlo perché
Non ha senso per me
La mia vita senza teDimmi quando tu verrai
Dimmi quando, quando, quando
E baciandomi dirai
«Non ci lasceremo mai»
«Non ci lasceremo mai»
«Non ci lasceremo mai»

1985: L’Effrontée, de Claude Miller

l'effrontéeClaude Miller

Diplomé de l’IDHEC (ex-Fémis), et après avoir effectué son service militaire au sein du service cinématographique des armées, Claude Miller débute dans le cinéma dans les années 60 comment assistant-réalisateur de Marcel Carné (Trois chambres à Manhattan) Jacques Demy (Les demoiselles de Rochefort), Michel Deville… il est aussi directeur de producteur sur certains films de Truffaut.

Après des court-métrages, il se lance dans le long avec La meilleure façon de marcher (1976) avec Patrick Dewaere et Patrick Bouchitey. Suivra une filmographie dense et ecclectique, qui l’imposera comme un réalisateur tout terrain, capable de passer du polar en huis-clos à la Garde à vue (Lino Ventura, Michel Serrault, Romy Schneider, Guy Marchand, et 4 César en 1982) à la chronique adolescente (L’effrontée, avec Charlotte Gainsbourg), du drame psychologique «académique» (La classe de neige) à la comédie intimiste expérimentale (La chambre des magiciennes)…

Après le portrait de femme Betty Fisher et autres histoires, avec Sandrine Kiberlain, Nicole Garcia et Mathilde Seigner, une mise en abyme du cinéma et drame sentimental avec La petite Lili (Ludivien Sagnier, Nicole Garcia, Robinson Stevenin), il revient en 2007 avec Un secret, pour lequel il dirige Cécile de France, Patrick Bruel, Ludivine Sagnier, Mathieu Amalric, Julie Depardieu.En 2009, il coréalise avec son fils Nathan Miller le film Je suis heureux que ma mère soit vivante.

Deux ans après, il signe Voyez comme ils dansent avec Marina Hands. Alors qu’il tourne son dernier film, Thérèse D., adaptation du roman de François Mauriac (intitulé Thérèse Desqueyroux, paru en 1927) avec Audrey Tautou, Gilles Lellouche et Francis Perrin, il meurt le 4 avril 2012. Il avait 70 ans.

Source: http://www.cinefil.com/star/claude-miller/biographie

Claude Miller, l’homme qui se cachait dans ses films

Avec Miller, c’est tout un pan du cinéma français qui disparaît. Ce sont des films très différents, La meilleure façon de marcherL’effrontéeGarde à vueMortelle RandonnéeLa classe de neigeUn secret, qui nous reviennent en mémoire. Très différents ? Pas si sûr. Il y avait chez lui un ton dur, une crudité, une cruauté, une violence psychologique passionnante qui vont manquer. Dans son livre d’entretiens avec Claire Vassé, Serrer sa chance, où ce grand pudique s’était livré comme rarement un cinéaste français a osé le faire, il avait donné des clés de son univers : «Je suis un pur voyeur. J’aime cette face cachée des gens, qui n’est pas noble. Je crois que l’être profond réside dans cet escalier de service de la personnalité, pour reprendre une expression de Gombrowicz.»

«Ne dis jamais que tu es juif»

Le cinéma ne fut pour lui qu’un jeu d’ombres et de lumières où il s’agissait de faire tomber les masques. Masques du désir, de l’obsession, du fétichisme, de la culpabilité, de l’envie, de la passion folle, de la transgression. En cela, il était le digne héritier de François Truffaut, dont il avait été longtemps le compagnon de route, exerçant sur ses films la fonction de directeur de production, avant de reprendre après sa mort un de ses scénarios fétiches, La petite voleuse.

Miller, né en 1942, avait été un petit garçon juif chétif, qui détestait l’eau, les exercices physiques et à qui un père laïque et communiste avait expliqué : «Ne dis jamais que tu es juif. Miller n’est pas forcément un nom juif.» On comprend pourquoi Un secret, film arrivé tard dans sa vie, fut si important pour lui, qui signait là, avec l’adaptation du livre de Grimbert, un autoportrait par la bande. Le secret. Le silence. Autant de thèmes très profondément enfouis chez un homme qui avouait dans ses mémoires avoir perdu, enfant, une petite soeur de deux mois, Annie. Un prénom qui fut plus tard – ô mystères de la psychanalyse – celui de sa femme.

Transgression

Qui était vraiment Claude Miller ? On en aperçoit des éclats un peu partout dans ses films. Il se retrouvait dans le Patrick Bouchitey emprunté de La meilleure façon de marcher, humilié et martyrisé par un Patrick Dewaere déchaîné. Il fut aussi le Michel Serrault de Mortelle Randonnée, qui croit voir dans une tueuse (Adjani) le fantôme de sa fille kidnappée. Il fut également dans la petite Charlotte de L’effrontée, celle qui «n’était membre de rien, mais qui voulait faire partie de l’orchestre». Car le cinéma ne fut longtemps pour lui qu’une incarnation de la plus belle chose au monde, désirée comme une pâtisserie derrière la vitrine. Il fut aussi dans la Romane Bohringer de L’accompagnatrice, qui s’efface derrière la grande pianiste dont elle tourne les pages. Il fut enfin, et à la fois, Robinson Stévenin et Bernard Giraudeau dans La petite Lili, adaptation de La mouette transposée au milieu du cinéma, où il se confrontait en secret avec ses démons de jeune et de vieux cinéaste.

Il est mort alors qu’il venait de terminer le tournage de Thérèse Desqueyroux, avec Audrey Tautou. Un des romans les plus noirs et les plus troublants de Mauriac, où une femme qui vient tenter d’empoisonner son mari est décrite comme une victime. La transgression toujours chez ce grand lecteur de Georges Bataille. «S’il y a beaucoup de noirceur et d’anxiété dans mes films, c’est sans doute parce que ma mère était une femme qui avait peur quand j’étais dans son ventre, en 1942», expliquait-il, sans dire s’il se contentait lui-même de cette explication. La formule est banale. Derrière un abord retenu, il y avait chez Claude Miller une grande gentillesse et une grande générosité. Une intelligence, aussi, pénétrante. Une exigence, enfin, très précieuse. Oui, Claude Miller va beaucoup manquer au cinéma français.

Source: https://www.lepoint.fr/culture/claude-miller-la-fin-d-une-epoque-05-04-2012-1448693_3.php

Claude Miller rejoint son maître Truffaut

Sous le signe de Truffaut

Né le 20 février 1942 à Paris, Claude Miller a grandi à Montreuil dans une famille juive laïque. Diplômé de l’Idhec, la grande école française de cinéma, il débute comme assistant réalisateur dès 1965, sur Au hasard Balthazar de Robert Bresson, Les Demoiselles de Rochefort de Jacques Demy et Week-end de Jean-Luc Godard. Mais c’est de François Truffaut, dont il devient le directeur de production sur sept films de 1968 à 1975, qu’il sera véritablement l’héritier. C’est aussi à cette époque qu’il rencontre son épouse et fréquente collaboratrice, Anne Weill (Annie Miller).

En 1976, son premier long métrage, La Meilleure façon de marcher , un drame avec Patrick Dewaere situé dans une colonie de vacances, remporte un beau succès d’estime. Mais l’échec commercial de Dites-lui que je l’aime , avec Gérard Depardieu et Miou-Miou, le freine dans son élan. Il mange son pain noir en renvoyant l’ascenceur à son co-scénariste et partenaire Luc Béraud (La Tortue sur le dos, Plein sud) avant de connaître ses premiers succès en surfant sur la vague d’adaptations de polars américains: Garde à vue (1981), affrontement entre Lino Ventura et Michel Serrault arbitré par Romy Schneider, et Mortelle randonnée (1983), avec Isabelle Adjani en tueuse traquée par le détective privé Michel Serrault.

En 1985, L’Effrontée marque un tournant et révèle la toute jeune Charlotte Gainsbourg. En trois films, Miller offre au cinéma quelques-uns de ses plus beaux portraits d’adolescentes. Suivent en effet La Petite voleuse, toujours avec Gainsbourg, sur un scénario de feu Truffaut, et L ’Accompagnatrice avec Romane Bohringer, d’après un roman de Nina Berberova.

 

Gravité et spontanéité

Jamais très gaie, son inspiration devient plus sombre encore à partir d’un Sourire au titre trompeur (sur le déclin sexuel de l’homme) et de La Classe de neige , d’après l’inquiétant roman d’Emmanuel Carrère. Malgré un Prix du jury à Cannes en 1988, ce dernier film sera le seul qui sera boudé par la distribution suisse…

Après avoir milité en faveur de l’exception culturelle française en tant que président de l’ARP (Association des réalisateurs et producteurs), Miller se passionne pour les caméras digitales au tournant des années 2000 et réalise La Chambre des magiciennes et Betty Fisher et autres histoires avec cette nouvelle technologie. Suivent encore des réussites telles que La Petite Lili, librement inspiré de La Mouette de Tchekhov; Un Secret, d’après un roman de Pierre Grimbert qui lui permet d’affronter son héritage juif; et Je suis heureux que ma mère soit vivante, drame de l’adoption qu’il cosigne avec son fils Nathan. Mais l’an dernier, le franco-canadien Voyez comme ils dansent compte comme un rare échec.

Cinéaste plutôt classique, dès lors guetté par l’académique «qualité française», Claude Miller expliquait avoir «toujours peur d’imiter non plus la vie mais le cinéma» et être soucieux de «traquer la spontanéité». C’était là la principale force de son cinéma, par ailleurs toujours à l’affût de sentiments intimes, complexes et ambivalents. Un cinéma adulte, comme on n’en trouve plus guère sur nos écrans.

Source: https://www.letemps.ch/culture/claude-miller-rejoint-maitre-truffaut

Claude Miller, ses films qui ont marqué le cinéma

En 1976, Claude Miller réalise son premier long-métrage intitulé La Meilleure Façon de marcher. Dans une colonie de vacances des années 1960, Patrick Dewaere et Patrick Bouchitey incarnent deux moniteurs pris au piège dans une relation ambiguë Ce film offre également à Michel Blanc un de ses premiers rôles au cinéma. La Meilleure Façon de marcher compte six nominations aux Césars en 1977 dont celles du meilleur film et du meilleur réalisateur.

Dès lors, Claude Miller enchaîne les succès et tourne Dites-lui que je l’aime en 1977. Gérard Depardieu interprète avec passion un amoureux obsessionnel dévoré par un relation sans espoir.

Garde à vue, en 1981, est une des plus grandes réussites du cinéaste. Ce film lui rapportera pas moins de quatre césars, dont ceux de meilleur scénario et de meilleur acteur pour Michel Serrault. Claude Miller réunit un casting de rêve – Michel Serrault, Lino Ventura, Guy MarchandRomy Schneider – autour d’une sombre histoire de viol et de meurtres en série touchant des fillettes.

Pour Mortelle randonnée, Claude Miller refait équipe avec Guy Marchand et Michel Serrault, à qui il donne le rôle principal de Beauvoir, surnommé l’#338;il. Isabelle Adjani incarne une jeune femme instable d’une vingtaine d’années qui assassine et dévalise les hommes fortunés.

Charlotte Gainsbourg se voit offrir son premier grand rôle dans L’Effrontée. Elle interprète une jeune fille de 13 ans vivant ses premiers amours mais aussi ses premières désillusions. Claude Miller adapte L’Effrontée en 1985 d’après un roman de Carson McCullers (The Member of the Wedding). Ce film vaudra à Charlotte Gainsbourgle césar du meilleur espoir féminin.

En 1988, le cinéaste refait équipe avec Charlotte Gainsbourg dans La Petite Voleuse. L’actrice incarne Janine, une jeune fille qui vole tout ce qui lui tombe sous la main, de préférence les cigarettes américaines, et va jusqu’à nouer une relation avec un homme marié. Le scénario est signé François Truffaut.

Durant les années 1990, Claude Miller connaît une période de creux. Il tourne cependant quelques films notables comme L’Accompagnatrice, en 1992, avec Richard et Romane Bohringer. Puis, le cinéaste renoue avec le succès au début des années 2000 avec La Petite Lili(2003). Le film est une adaptation de La Mouette, de Tchekhov, et offre à Julie Depardieu les césars de meilleur espoir féminin et meilleur second rôle.

Je suis heureux que ma mère soit vivante, sorti en 2009, marque une étape importante dans la vie personnelle de Claude Miller. C’est le premier film qu’il coréalise avec son fils, Nathan. Ce dernier avait également été l’assistant de son père sur Marching Brand et a joué quelques seconds rôles dans les films de son père. La première apparition de Nathan au cinéma remonte à 1976 dans La Meilleure Façon de marcher, dans lequel il jouait un petit garçon à lunettes de la colonie.

Voyez comme ils dansent en 2011 connaît un franc succès. C’est le dernier film du réalisateur sorti de son vivant.

Thérèse D, dont la sortie est prévue cet automne, est la dernière réalisation de Claude Miller avant sa mort le 5 avril 2012. Le film est une adaptation du roman de François Mauriac intitulé Thérèse DesqueyrouxGilles Lellouche et Audrey Tautou incarnent les époux Desqueyroux, qui mènent une vie paisible en province jusqu’à ce que Thérèse Desqueyroux soit accusée de l’assassinat de son mari.

Source: https://www.lefigaro.fr/cinema/2012/04/05/03002-20120405ARTFIG00686-claude-miller-ses-films-qui-ont-marque-le-cinema.php

Vidéo:

Claude Miller – L’Effrontée (1985)

Realisateur Claude Miller. Avec Charlotte Gainsbourg, Bernadette Lafont, Jean-Claude Brialy, Julien Glenn, Clothilde Baudon, Jean-Philippe Écoffey, Raoul Billerey, Simon de La Brosse, Richard Guerry, Louisa Shafa, Cédric Liddell, Daniel Chevalier, Phileppe Baronnet, Chantal Banlier, Armand Barbault.

Pour prolonger l’été, j’ai eu envie de regarder L’effrontée hier soir. Le film de Claude Miller a très bien vieilli: les dialogues  restent drôles et touchants, les interprétations justes et la musique… délicieusement entêtante (Sarà perché ti amo de Ricci & Poveri).

Surtout, il y a Charlotte. Ecorchée vive, boudeuse, timide, «fantasque» comme le lui reprochent ses profs. Une môme de 13 ans qui crève l’écran avec sa mèche dans les yeux, son filet de voix et ses gestes gauches.

Evidemment, difficile de la regarder sans la comparer avec la femme qu’elle est devenue. Comme le disait Valentine, en charge de la rubrique VIP sur le site de L’Express Styles, Charlotte Gainsbourg fait partie de ces acteurs intouchables que la plupart des gens respectent. Je suis sûre que certains d’entre vous vont quand même me dire qu’ils ne l’aiment pas, mais qu’importe, moi je fais partie des gens qui l’admirent, et dans ce film, il faut bien avouer qu’elle s’avère particulièrement prometteuse.

L’effrontée filme l’ennui propre à l’âge ingrat. Charlotte Castang  (Charlotte Gainsbourg, donc) ne supporte plus sa vie. Les adultes et les gens de son âge l’agacent, son corps l’embarasse, un rien l’énerve. La seule personne qu’elle tolère, c’est sa petite voisine Lulu. Arrive Clara Bauman, pianiste prodige du même âge qu’elle, en tournée dans la région. Charlotte tombe immédiatement sous son charme.

Quiconque a vu L’effrontée se souvient de Charlotte en jean et marinière. Elle ne porte pratiquement que ça d’un bout à l’autre du film, grande sauterelle se contentant d’alterner 501 et minijupe. On n’est pas dans Gossip Girl: l’oeil n’est pas distrait par d’intempestifs changements de tenue, et c’est tant mieux! La chef costumière Jacqueline Bouchard préfère jongler avec quelques pièces essentielles, ne se doutant peut-être pas que c’est ce qui donnera au film un charme atemporel.

Source: http://blogs.lexpress.fr/styles/cafe-mode/2009/08/27/les_films_bien_sapes_leffronte/

Vidéo:

Richi e poveri – Sarà perché ti amo (1981)

Sarà perché ti amo

Che confusione
Sarà perché ti amo
È un’emozione
Che cresce piano piano
Stringimi forte
E stammi più vicino
Se ci sto bene
Sarà perché ti amoIo canto al ritmo
Del dolce tuo respiro
È primavera
Sarà perché ti amo
Cade una stella
Ma dimmi dove siamo
Che te ne frega
Sarà perché ti amoE vola vola si sa
Sempre più in alto si va
E vola vola con me
Il mondo è matto perché
E se l’amore non c’è
Basta una sola canzone
Per far confusione
Fuori e dentro di te
E vola vola si va
Sempre più in alto si va
E vola vola con me
Il mondo è matto perché
E se l’amore non c’è
Basta una sola canzone
Per far confusione
Fuori e dentro di teMa dopo tutto
Cosa c’è di strano
È una canzone
Sarà perché ti amo
Se cade il mondo
Allora ci spostiamo
Se cade il mondo
Sarà perché ti amoStringimi forte
E stammi più vicino
È così bello
Che non mi sembra vero
Se il mondo è matto
Che cosa c’è di strano
Matto per matto
Almeno noi ci amiamoE vola vola si sa
Sempre più in alto si va
E vola vola con me
Il mondo è matto perché
E se l’amore non c’è
Basta una sola canzone
Per far confusione
Fuori e dentro di te
E vola vola si va
Sarà perché ti amo
E vola vola con me
E stammi più vicino
E se l’amore non c’è
Ma dimmi dove siamo
Che confusione
Sarà perché ti amo