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Farewell, Olivia Newton-John: Why We Honestly Loved Her

Farewell, Olivia Newton-John, the eternally beloved pop queen who died Monday at age 73. No Seventies star had a weirder pop trajectory, going from the world’s favorite Australian country singer to a brazen Eighties black-leather New Wave diva in just a few years. But Olivia could do it all: weepy ballads like “I Honestly Love You,” country twang like “Let Me Be There,” Fifties pastiche in Grease. Disco show tunes with Gene Kelly and ELO in Xanadu. Heavy-breathing rock odes to sex like “Magic” and “Make a Move On Me.” These are all reasons why we loved Olivia Newton-John — we honestly loved her — and that’s why pop connoisseurs are mourning for her today.

Olivia could hop from genre to genre, but she threw herself into every style with the same effervescent hyper-glitz enthusiasm, which is why she never sounded the least bit phony. Before fans invented the terminology of stars having “eras,” Olivia perfected the concept, because she hit every stop on the radio dial, from ingenue to Xanadu.

Every fan’s got a favorite ONJ phase, but for me it’s the Seventies AM-radio soft-rock Olivia, when she kept finding new ways to get her heart broken on hit after hit. No happy songs for this lass. She was the star of the Mellow Era who actually had the gall to use the word “mellow” in a song title — her Number One therapy session, “Have You Never Been Mellow?” I still get that tragic feeling from “Don’t Stop Believin’” and “Sam.” But my favorite Olivia ballad will always be “Please Mr. Please,” a country song about sitting in a Nashville bar by the jukebox, begging random cowboys not to play the tune that reminds her of him. “Don’t play B17 / It was our song, it was his song, but it’s over” — she sounded totally forlorn, vulnerable, but also a bit scary.

No other singer could get away with the over-the-top misery of “I Honestly Love You.” Olivia confesses her doomed crush on somebody she can never have, in her breathy whisper. She humiliates herself line by line, resigned to her heartbreak, refusing to even entertain the idea this notion might not be a total disaster. (She doesn’t even give her crush a chance to think about it.) “If we had both been born, in another place and time / This moment might have ended with a kiss” — the way her voice trembles on that line is always a punch in the aorta.

She grew up in Australia, the granddaughter of the Nobel Prize-winning physicist Max Born. She had an early go at English folk-pop stardom in the Sixties — with her angelic chirp, blonde hair, blue eyes, and blinding white teeth, she was like a G-rated version of Marianne Faithfull. In the 1970 sci-fi flop Toomorrow (yes, it’s spelled that way), she played the singer of a U.K. pop group abducted by aliens, but not even Olivia could save that concept.

Her first big splash came when she swerved into country music, in her long-running partnership with writer-producer John Farrar. She scored her first hit in 1971 covering Bob Dylan, of all people, “If Not For You,” soon followed by “Let Me Be There.” It was controversial when she won a country Grammy, but it was a flat-out scandal when this Aussie interloper won the Country Music Association award for Female Vocalist of the Year. George Jones and Tammy Wynette were so outraged, they organized other Nashville veterans in a CMA boycott and founded the “Association of Country Entertainers.” It didn’t last. (The next year, the top CMA award went to John Denver; when presenter Charlie Rich read the name from the envelope, he pulled out a lighter and burned it right there on the podium. Damn, country singers were mighty feisty about awards back then.)

After so many years as the most wholesome of pop singers, her Grease makeover in 1978 was a turning point. Like Sandy in the movie, Olivia got in touch with her bad-girl energy. The Grease soundtrack album became its own pop-culture phenomenon — it was one of those hit albums that people just refuse to stop buying, right up to the end of the century. “You’re the One That I Want” might have been a ringer — it had nothing to do with the Broadway musical or the Fifties concept. But it blew up into one of the era’s most irresistible hits: Olivia’s growl, John Travolta’s wounded yelps, that massive bassline, and a repeat-the-chorus outro that goes on forever, yet somehow always ends too soon.

Grease ended her Sandra Dee phase — once Olivia discovered the joys of black leather and sultry pouts, there was no turning back. Her next move was Totally Hot, where she sexed up her music and finally broke up with sad songs. She got more popular than ever. “I love commercial music,” John Lennon said in 1980, right before his death. “I like Olivia Newton-John singing ‘Magic,’ and Donna Summer singing whatever the hell it is she’ll be singing. I like the ELO singing ‘All Over the World.’ I can dissect it and criticize it with any critic in the business.’”

“Physical” is rightly her most famous hit — it was outrageous not because it was so explicit, but because it was so funny, with Olivia purring, “There’s nothing more to talk about unless it’s horizontally.” This was an era where it was rare to hear radio hits by 30-something adult women about boning their brains out, so the moms went bananas for this one, along with the kids and everyone else. You can hear a sly grin in her voice, but her vocal gets lustier as the song goes on, until the final choruses when she switches to “Let’s get animal! Animal! Let’s get into animal!

She took the “Physical” grin even further in her unjustly forgotten sequel, “Make a Move On Me” — it’s not as famous, probably because it’s not as filthy, but it’s a song that can aways turn anyone into a Solid Gold dancer. Her Eighties phase came to a fitting climax in 1985 with “Soul Kiss,” one of the era’s most explicit odes to oral sex that isn’t by Prince.

She devoted her later years to philanthropy and family, along with her long, brave public battle with cancer, but she never abandoned music. She recorded albums for Hallmark, plus a touching 1998 remake of “I Honestly Love You” with Babyface. Her best later album is This Christmas, an amazing 2012 set of holiday duets with John Travolta. When Olivia and John do “Baby, It’s Cold Outside,” he’s is the one pleading he has to go home, while Olivia entices him to stay (“Gosh, Liv, I really do have to go,” “Been hoping, John, that you’d drop in”), until he finally shrugs, “Ugh, I’m stayin!” They also sing “Deck the Halls” with James Taylor and “Winter Wonderland” with Tony Bennett.

She inspired a superb tribute 2018 album from indie-rock legend Juliana Hatfield, illustrating how Olivia gave so many shy Gen X girls a voice they could recognize as their own. Juliana Hatfield Sings Olivia Newton-John put her songbook in a new light; Juliana’s “Make A Move On Me” is a real banger. (Olivia loved the album.) In Allison Anders’ 1992 drama Gas Food Lodging, Fairuza Balk is a small-town trailer-park kid who bonds with Donovan Leitch over Olivia’s Greatest Hits, Vol. 2 — he’s obsessed with quoting the line, “We have to believe we are magic,” until she realizes it’s his way of trying to tell her he’s gay.

There’s a touching Olivia shout-out in the 1999 comedy Dick, starring Kirsten Dunst and Michelle Williams as a couple of teen girls who bring down the Nixon administration. Williams breaks into the Oval Office and dictates a message to the President, by singing “I Honestly Love You.” (It turns out to be the 18-minute gap in the Watergate tapes.) Somehow, that moment seems to capture the earnest sincerity that the world alway treasured in Olivia’s voice. Rest in “Magic,” Olivia Newton-John.


A woman for all seasons, Olivia will remain something specific and personal to each of us

In a career spanning six decades, Olivia Newton-John was a woman for all seasons: singer and songwriter, actor, activist, mother and health advocate. Searching her life for a single snapshot to frame, we turn easily to Sandy Olsson, the Australian schoolgirl who romantically upended the all-American Rydell High School in the film, Grease.

To generations of fans, it was the capstone of her career, where everyone who saw her became hopelessly devoted. It reflects the many ways people related to her, and now grieve for her. Olivia was a sister, a best friend, a secret crush and, for one glittering moment in Hollywood history, the new girl at school. As Rydell’s cheer queen Patty Simcox would have said, wasn’t she the most?

But the irony of trying to sum up a life with 110 minutes of American musical celluloid is that Olivia was so much more. In a stellar singing career, she gave voice to a stream of hits, among them, I Honestly Love You, Long Live Love, Xanadu, Physical and, courtesy of Grease, Summer Nights, Hopelessly Devoted To You and You’re the One That I Want.

Those songs formed the soundtrack to our lives. That makes Monday, when Olivia died surrounded by family and friends including husband John Easterling at her horse ranch in the Santa Ynez Valley, outside Santa Barbara, California, a loss that cuts deeply. For many, a day the music died. Olivia was 73.

Olivia was born in 1948 in Cambridge, in the United Kingdom, but when she was six, her family emigrated to Melbourne, and for the rest of her life, she would be seen by the world as one of Australia’s greatest cultural assets. As her music career began to soar, she competed for the UK in the Eurovision Song Contest, finishing fourth behind winners ABBA — 1974 was, as they say, a very good year.

American fame, however, would be more elusive, at least initially. Her first solo album, If Not for You, cracked only 168th place on the US charts. And her second album, Olivia, was not even given a US release. But she lived to fight another day, a textbook case of third time lucky: in 1973, the US release of her single, Let Me Be There, landed in the top 10 and everything changed overnight.

That single won her a Grammy Award for best female country performer and an Academy of Country Music award for most promising female vocalist. And the double win would be the match that lit the fire of an American ascendancy that would endure for decades.

When she arrived at Hollywood’s doorstep, she was in the mix for the role of Sandy in Grease, tasked with gliding into the chaos of Rydell High, re-meeting her summer romance Danny Zuko (John Travolta) and embarking on an all-singing, all-dancing transformation from doe-eyed backyard swing-sitter belting out Hopelessly Devoted To You to a leather-clad vamp for You’re The One That I Want.

But it was not Olivia’s first movie. That was Toomorrow, a 1970 British science fiction musical from James Bond producer Harry Saltzman which landed with a thud. It took two years to make and lasted only a week in cinemas. Asked about it by American interviewer Mike Douglas on the eve of the premiere of Grease, Olivia spoke with typical Australian frankness: “It was pretty bad.”

Even Olivia’s stellar turn in Grease might itself have never come to pass: she was not producer Alan Carr and director Randal Kleiser’s first choice for the role of Sandy. Carrie Fisher (Star Wars) and Susan Dey (The Partridge Family) were. The role was also offered to Marie Osmond, of Donny & Marie fame, who passed because she was uncomfortable with Sandy’s transformation from sweet to sexy in the film’s dénouement.

Like many Hollywood stories, however, the hand of fate intervened. Another legendary Australian, singer Helen Reddy, threw a dinner party in Los Angeles and invited Carr who ended up sitting across the table from Olivia. As Carr tells it, the moment they started speaking, he knew he had found his Sandy.

It was Olivia, Carr would later say, who needed persuading to say yes. She had been burned by her experience on Toomorrow and did not want to jeopardise a successful music career with another roll of the dice on silver screen fame. To persuade her, Carr changed Sandy from an American (as she is in the Broadway show) to an Australian, allowing Olivia to use her native accent.

“She had a brilliant voice, and I didn’t think there could be any more correct person for Sandy in the universe,” Travolta would later tellVanity Fair. “I never let up on it. I insisted that we cast her”.

After Grease’s success – The New York Times′ Vincent Canby described the film as “a larger, funnier, wittier and more imaginative-than-Hollywood movie with a life that is all its own” – Olivia’s American star was properly lit.

Her films were not always commercially successful, though. Xanadu and Two of a Kind, which reunited her with Travolta, were notable failures at the time, but Olivia somehow spun musical gold out of box office straw. The Xanadu soundtrack, a collaboration between Olivia and the Electric Light Orchestra, was a hit. And Two of a Kind gave her three more hits: Twist of Fate, Take a Chance and Livin’ in Desperate Times.

Then there was Physical, which came with a provocative, neon-powered music video that encapsulated the 1980s in just three minutes and 44 seconds. And Koala Blue, a retail empire that began with a single store on Los Angeles’ trendy Melrose Avenue and grew to 60 stores worldwide.

Like many things about the 1980s, however, as the blue eyeshadow faded, so did the business model. In the third act of her life, Olivia divided her time between Australia and California and focused on health and wellness, in part due to her own cancer diagnosis. She still wrote and recorded music, releasing work that was perhaps her most artful and creatively nuanced, even if it could never match the commercial enormity of Grease’s infectious, campy hits.

The measure of her legacy is the outpouring of love and reflection which followed the announcement of her death. “You made all of our lives so much better,” Grease co-star John Travolta said. “Your impact was incredible. I love you so much. We will see you down the road and we will all be together again. Yours, from the moment I saw you and forever. Your Danny, your John”.

Another longtime friend, singer Lorna Luft, who played the Pink Lady Paulette Rebchuck in Grease 2, described Olivia as an angel on Earth. “We shared being part of the Grease family, we also shared our battle [with cancer]. [You] brought awareness, dignity, honesty, knowledge and class to [your] fight and no one fought harder. [Your] phenomenal talent, generosity and friendship was unequalled.”

Grease director Kleiser said he was heartbroken. “She was one of a kind, and so very kind,” he said. “For over four decades of our friendship, she exuded nothing but love to everyone she met. Olivia was exactly the way you imagined her.” And her Grease co-star Stockard Channing spoke of “her sunniness, her warmth and her grace. I don’t know if I’ve known a lovelier human being.”

Actor Viola Davis thanked Olivia for creating “eternal memories”. And Olivia’s friend, pop star Rod Stewart, described her as “the perfect lady, gorgeous, with great poise and with a certain Aussie sophistication”. Australia’s own Kylie Minogue reflected on how, since she was a child, she “loved and looked up to Olivia Newton-John. She was, and always will be, an inspiration to me in so many, many ways”.

My own encounters with her were often unexpected and always delightful. We sat next to each other at British producer Nigel Lythgoe’s wedding in Las Vegas. And we shared a mutual friend in Luft. On one occasion, when the three of us were together, at Sydney’s Mardi Gras, Olivia and Lorna took great delight in introducing themselves to strangers as “Grease 1” and “Grease 2″.

Olivia will always be something specific and personal to each of us. In beloved motion pictures, like Grease and Xanadu, which evoke memories of our shared childhoods. And in still images, where her innocence and gentle demeanour, and her radiant beauty, are frozen in time. Olivia Newton-John and Sandy Olsson, forever, one and the same.


John Travolta And Olivia Newton John – You’re The One That I Want (Grease)

I got chills, they’re multiplying
And I’m losing control
‘Cause the power you’re supplying
It’s electrifying

You better shape up
‘Cause I need a man
And my heart is set on you
You better shape up
You better understand
To my heart I must be true
Nothin’ left, nothin’ left for me to do

You’re the one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh
The one I need (the one I need)
Oh, yes indeed (yes, indeed)

If you’re filled with affection
You’re too shy to convey
Meditate in my direction
Feel your way

I better shape up
‘Cause you need a man
I need a man
Who can keep me satisfied
I better shape up
If I’m gonna prove
You better prove
That my faith is justified
Are you sure?
Yes, I’m sure down deep inside

You’re the one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh
The one I need (the one I need)
Oh, yes indeed (yes, indeed)

You’re the one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh ooh, ooh
The one I need (the one I need)
Oh, yes indeed (yes, indeed) ooh, ooh

You’re the one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh
The one I need (the one I need)
Oh, yes indeed (yes, indeed)

You’re the one that I want (you are the one I want)
Ooh, ooh, ooh, honey
The one that I want

Mare Nostrum

Mar MediterráneoMare nostrum

Los antiguos romanos lo llamaban Mare nostrum (nuestro mar), mientras que el nombre común actual proviene del latín mediterraneus, que significa “entre las tierras”, por lo que mar Mediterráneo significa “mar entre las tierras”. Esta masa de agua ha tenido un papel elemental en el desarrollo de las culturas orientales y occidentales, toda vez que fue navegado por griegos, fenicios, romanos, persas y turcos otomanos, solo por mencionar algunos. Es uno de los mares más destacados por su historia y su riqueza natural.


El mar Mediterráneo es un mar intercontinental, es decir, está situado entre Europa, Asia y África al norte, este y sur, respectivamente; separa y conecta dichos continentes. Baña las costas de Albania, Argelia, Grecia, Bosnia y Herzegovina, Croacia, Chipre, Egipto, Francia, Israel, Italia, Líbano, Libia, Malta, Mónaco, Marruecos, Eslovenia, Montenegro, España, Siria, Túnez, Turquía y  varias islas que pertenecen a estos países, como las Baleares, las Cícladas, Creta, Sicilia, Cerdeña, Córcega, etcétera. En total, baña más de 20 países. Al sur está conectado con el mar Rojo por el Canal de Suez.

Abarca un área, sin incluir al mar Negro, de aproximadamente 2.5 millones de km2 y tiene una longitud máxima de unos 3,860-3,900 kilómetros. Su anchura máxima es de 1,600 kilómetros entre las partes más alejadas, y divide Europa y África por tan solo 14 kilómetros. La profundidad media del mar es de 1,500 metros, si bien cerca del Cabo Matapan alcanza hasta 5,400 metros. Su área se divide en mares más pequeños, según la Organización Hidrográfica Internacional (IHO, por sus siglas en inglés): Adriático, Egeo, Jónico Tirreno, de Liguria, Balear y de Alborán. El estrecho de Gibraltar es un cuerpo de agua también contenido en el mar.

El Mediterráneo se conecta con el océano Atlántico, su fuente de renovación y reposición de agua, únicamente por el estrecho de Gibraltar, por lo que su cuenca es casi completamente cerrada. Sus aguas poseen una salinidad superior a la del Atlántico puesto que registra poco movimiento de mareas. La evaporación es muy alta, especialmente en la parte este, y esto contribuye a aumentar el nivel de salinidad que a 5 metros de profundidad es de aproximadamente 3.8 por ciento.

Este gran cuerpo de agua es un importante modificador de clima en la región ya que disipa el calor. De hecho, existe un tipo de clima con el mismo nombre.


La formación del Mediterráneo es resultado de los movimientos geológicos que han ocurrido a lo largo de millones de años. En la actualidad se localiza donde las placas Africana y Euroasiática se conectan; la fricción entre ambas provocó hace tiempo la aparición de varios volcanes y canteras de mármol. Sin embargo, es posible que se haya originado a partir de otros cuerpos de agua: el mar de Tetis,  o quizá Neotetis.

Anteriormente se creía que la cuenca del mar Mediterráneo era un remanente tectónico directo del mar de Tetis, el cual separaba Gondwana de Laurasia durante el Mesozoico y parte del Cretácico. En el Jurásico y el Cretácico tardío, las placas Africana y Eurosiática se acercaban poco a poco, lo que llevó a lo que hoy son África, Arabia e India hacia la parte superior y a cerrar el océano Tetis. La cuenca del océano Neotetis fue resultado de la convergencia entre las placas Africana y Euroasiática.

Hace unos 6 millones de años, el cuerpo de agua que hoy se llama Mediterráneo estaba formado, pero comenzó a cerrarse en su parte oeste debido al acercamiento de África hacia Europa. Esto provocó que el agua se evaporara durante la crisis de salinidad de Messina, por lo que la cuenca se secó casi completamente hasta que a finales del Mioceno volvió a llenarse con agua del Atlántico por el estrecho de Gibraltar gracias a la inundación Zancliense. Sin embargo, es posible que el ciclo de desecación e inundación se haya repetido durante los últimos 630,000 años.


El mar Mediterráneo exhibe un bello color azul profundo que es hogar de más de 10,000 especies acuáticas. Como sus aguas provienen del Atlántico, la biodiversidad está compuesta casi exclusivamente por especies propias de dicho océano. En el Mediterráneo existen al menos 19 especies de cetáceos, por ejemplo: el delfín de Risso (Grampus griseus), el delfín listado (Stenella coeruleoalba), el delfín nariz de botella (Tursiops truncatus), el zifio de Cuvier (Ziphius cavirostris), el calderón común (Globicephala melas), el cachalote (Physeter macrocephalus), la orca (Orcinus orca) y la falsa orca (Pseudorca crassidens), solo por mencionar algunos.

Otras especies marinas comunes son la foca monje del Mediterráneo (Monachus monachus), la tortuga caguama (Caretta caretta), las merluzas, el atún rojo (Thunnus thynnus), el mejillón mediterráneo (Mytilus galloprovincialis), las sardinas, el pez espada (Xiphias gladius), la tortuga laúd (Dermochelys coriacea) y la lubina (Dicentrarchus labrax).

En este mar se reconoce un amplio rango de ecosistemas y, debido a que es más cálido y más salado que el Atlántico, mantiene varias especies que no se encuentran en otros mares u océanos, como la foca monje del Mediterráneo que es la única especie de pinnípedo en tal zona. Bajo el nivel del mar se encuentran praderas marinas, arrecifes de coral, montañas y fosas. En la cuenca, sobre el nivel del mar, habitan coníferas de las familias Ceratonia, Cupressaceae y Brassicaceae, así como olivos y demás plantas capaces de sobrevivir en el ambiente rocoso.

En total, la biodiversidad del mar Mediterráneo representa un 9.8 por ciento de la biodiversidad marina del mundo. Curiosamente, el mar representa solo un 0.7 por ciento de la superficie marina de la Tierra.


La pesca ha sido una actividad económica históricamente importante para los habitantes de la cuenca mediterránea; el lado negativo es que la sobrepesca es un problema en muchas partes del mar. Según la Agencia Europea de Medio Ambiente (European Environment Agency), más del 65 por ciento de las poblaciones de especies de la región mediterránea están fuera de los límites biológicos de seguridad. Muchas pesquerías locales están desapareciendo debido a la escasez de presas. Aunado a lo anterior, la captura incidental cobra la vida de millones de especies marinas.

Posiblemente, el principal problema del Mediterráneo es la degradación de sus hábitats, ocasionada por las múltiples actividades humanas en las poblaciones cercanas y las compañías que dependen de sus aguas y lo que hay en ellas. Existe una fuerte contaminación en muchas áreas, causada en parte por la escorrentía y el vertido de sustancias químicas de las industrias.


El mar Mediterráneo: cuna de la civilización

La cuenca del Mediterráneo ha sido la cuna de la civilización mundial desde la aparición de los primeros asentamientos en Jericó en el año 9000 a. C. Conocido en inglés y en las lenguas romances como el mar situado «entre tierras», el Mediterráneo ha recibido y recibe numerosos nombres: mar Nuestro, para los romanos, mar Blanco (Akdeniz) para los turcos, Gran Mar (Yam Gadol) para los judíos, mar Medio (Mittelmeer) para los germanos y, de forma más imprecisa, Gran Verde para los antiguos egipcios.1 El mar Nuestro desempeñó un papel fundamental en la comunicación entre los pueblos circundantes y evitó conflictos entre aquellos pueblos de diferentes zonas de la cuenca que tenían, asimismo, intereses diferentes. No existe en el mundo otra cuenca similar. El mapa mundial ilustra el carácter único de la ubicación del mar Mediterráneo en el planeta: es suficientemente grande como para albergarnos a todos pero, al mismo tiempo, debido a su peculiar forma, con sus islas, bahías y estrechos, facilita la comunicación entre la población circundante. En apariencia, se trata de un mar cerrado, pero permite habilitar una serie de rutas principales de transporte entre las zonas oriental y occidental.

 El mar Mediterráneo es símbolo de creatividad, de búsqueda del sentido de la vida y de la sabiduría, así como de amor por el ser humano y la naturaleza. Este mar siempre ha sido un entorno capaz de engendrar a destacables personalidades que han realizado notables aportaciones al desarrollo histórico de la filosofía, el arte, la música, la literatura, la ciencia y la tecnología. La cuenca fue testigo de la expansión de gloriosas civilizaciones, de este a oeste, de norte a sur, desde Mesopotamia hasta Egipto, desde la península de Anatolia y Troya hasta Macedonia, desde las ciudades-estado griegas hasta la civilización fenicia, desde Cartago hasta Roma, desde Bagdad hasta Al-Ándalus, desde Bizancio hasta el Imperio Otomano y desde Alejandría hasta Bolonia, las cuales construyeron unos sólidos cimientos para las civilizaciones mundiales. No podemos imaginar la historia del mundo sin tener en cuenta a las civilizaciones egipcia, helénica, romana y otomana.


 Fundada en el año 300 a. C., la Antigua Biblioteca de Alejandría en Egipto fue una de las mayores y más importantes bibliotecas del Mundo Antiguo. Los primeros avances en el ámbito del desarrollo intelectual surgieron en el Mediterráneo oriental y se centraron principalmente en el campo de la filosofía. La población circundante del mar Mediterráneo había tenido innumerables oportunidades para conocer otras culturas y aprender sobre el mundo y su realidad, comenzando por el Período Helénico, lo que dio lugar al surgimiento de filósofos y científicos que realizaron grandes aportaciones al desarrollo intelectual. Entre ellos podemos citar a Tales de Mileto, Anaximandro, Anaxímenes, Pitágoras, Xenófanes, así como a Diógenes de Apolonia, Hipócrates, Sócrates, Platón y Aristóteles (siglos VI, V y IV a. C.).

 La Edad Media fue la Edad de Oro para la población musulmana en la región y, entre los años 622 y 750 d. C., la expansión del Estado islámico, que tuvo su origen en la península arábiga, se extendió a Oriente Medio, parte de Asia Menor, Persia, el Norte de África y la península ibérica. Durante siglos, Al-Ándalus, en la península ibérica, y Marruecos constituyeron centros culturales alternativos a Bagdad. Desde el siglo VIII al siglo XV, muchos filósofos influyeron notablemente en el desarrollo de la filosofía islámica en la región, entre ellos, Jabir ibn Hayyan, Al Farabi, Al Biruni, Ibn Sina, Al Qushayri, Al Ghazali, Al Baghdaadi, Ibn Rushd, Jalal ad-Din Rumi e Ibn Khaldun.

 Desde la Antigüedad hasta los períodos de la Edad Media y el Renacimiento, la cuenca del Mediterráneo desempeñó un papel fundamental en la filosofía, el arte y la ciencia. Sin embargo, a partir del siglo XVIII, cuando se desarrolló la posibilidad de realizar viajes marítimos a gran distancia y se crearon nuevas rutas comerciales, la región del Mediterráneo comenzó a perder importancia en favor de otras zonas de Europa y América del Norte. De este modo, se produjo un desplazamiento en el desarrollo de la filosofía, la ciencia, la tecnología y el arte modernos, tanto de sur a norte como de este a oeste.


 La lista de las universidades más antiguas del mundo varía en función de lo que entendamos por universidad. Si consideramos la universidad como una institución que concede títulos, todas las universidades más antiguas del mundo quedarán ubicadas en Europa, donde la expedición de certificados era una práctica extendida en la década de 1100. Las siguientes afirmaciones son reflejo de una visión reducida y eurocéntrica de la universidad: “la universidad es una institución europea” o “ninguna otra institución ha logrado extenderse por todo el mundo de la manera en que lo ha hecho la universidad europea tradicional”.2 En realidad, fue en los países de la región del Mediterráneo donde se fundaron las universidades más antiguas del mundo. En general, la lista de las universidades más antiguas no tiene en cuenta las civilizaciones antiguas de Grecia, Roma, China, la India o el mundo árabe, pero las instituciones educativas que estas crearon se ajustaban a la definición tradicional de universidad y, por tanto, deberían incluirse en dicha lista.

 Si elaboramos una lista de universidades basándonos en la definición reducida de las mismas como instituciones que conceden títulos, vemos que la universidad más antigua del mundo es la Universidad de Bolonia, fundada en 1088. De las 44 universidades más antiguas, 25 se fundaron en la cuenca del Mediterráneo, siendo la península itálica la región que abarca el mayor número de ellas, con 13 universidades.3 Ocho de las diez universidades más antiguas del mundo que han desempeñado su labor ininterrumpidamente hasta la actualidad se encuentran en el área mediterránea, lo que es un indicador del gran desarrollo intelectual que existía y aún existe en la región. Aunque las instituciones otomanas no estén incluidas en la lista, la Universidad de Estambul debería figurar en ella, puesto que fue creada en 1453 por el Sultán Mehmed el Conquistador. Otra institución importante, que constituye la primera institución de educación superior del Imperio Otomano, al margen de la educación religiosa, es la Universidad Técnica de Estambul, fundada en 1773.

 Si partimos de una definición más amplia de la universidad como “una institución de educación superior autónoma e independiente” y echamos un vistazo a las diez universidades más antiguas e importantes del mundo,4 obtendremos una lista diferente. Por definición, la universidad se desarrolló en un primer momento como una institución religiosa (madrasah) surgida en el mundo medieval islámico. La primera fue la Universidad de Al-Karaouine, creada en el año 859. El resto de universidades islámicas de la cuenca fueron la Universidad de Al-Azhar, fundada en Egipto en el año 972 y la de Nizamiyya, establecida en Irán en 1065. Otras universidades de la lista son las de Bolonia, París, Oxford, Montpellier, Cambridge, Salamanca y Padua, todas ellas muy influidas por la cuenca del Mediterráneo.

 A partir de 1500, se fundaron numerosas universidades por todo el mundo y surgieron numerosos tipos diferentes de instituciones de educación superior. La educación superior aún se encuentra en una fase de transición, debido a la presión de la globalización, pero resulta evidente que el papel de la universidad como institución sigue ganando importancia y que las expectativas de la sociedad con respecto a la universidad están experimentando una rápida transformación en el cambiante contexto actual. Puede que existan diferentes maneras de definir la universidad, pero lo que es seguro es que la universidad es un producto de la región del Mediterráneo.

 No disponemos de datos fiables relativos al número de universidades que existen en la cuenca del Mediterráneo o al número de universidades mediterráneas capaz de competir a nivel mundial, pero el rico legado histórico de esta región ha creado un excepcional entorno intelectual que ha propiciado, durante siglos, el surgimiento de múltiples filósofos, artistas, músicos y científicos de fama mundial.


 La población, los países, las culturas y las instituciones circundantes del mar Mediterráneo comparten una serie de valores y características comunes que han permitido desarrollar con éxito numerosos proyectos y, seguramente, continuarán haciéndolo. Las universidades mediterráneas, cuya principal ventaja radica en su amplia cultura intelectual y en la cohesión social existente entre su personal y sus estudiantes, pueden desempeñar un papel fundamental en las relaciones entre Oriente y Occidente, así como entre Norte y Sur. Una de las ventajas evidentes es la movilidad de estudiantes y docentes. Las estadísticas del Plan de Acción de la Comunidad Europea para la Movilidad de Estudiantes Universitarios (ERASMUS) muestran que, entre 1987 y 2011, más del 46% de la movilidad de estudiantes y docentes correspondía a países mediterráneos (ANEXO 01SM: Estudiantes salientes del programa Erasmus desde el curso 1987/1988 al 2010/2011). La movilidad ayudará a las universidades mediterráneas a ampliar sus horizontes y convertirse en instituciones de carácter mundial.

 Las redes universitarias constituyen otro factor importante y, para poder comprender el papel que estas pueden desempeñar en dicho proceso, resultará útil repasar brevemente las redes existentes en la región. La Comunidad de Universidades del Mediterráneo (CUM), es una de las redes universitarias más antiguas de la región del Mediterráneo. Su creación data de 1983, cuando tenía su sede en la Universidad de Bari. Dicha red está compuesta por más de 160 universidades de 12 Estados europeos y 9 Estados árabes. La CUM también ha establecido sólidos vínculos con organizaciones de carácter supranacional, como la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), la Unión Europea y el Consejo Europeo. El primer acuerdo de cooperación, firmado con la UNESCO el 7 de octubre de 1992, fue sucedido por otro firmado el 2 de agosto de 1997, que reconocía oficialmente a la CUM como organización no gubernamental. En su página web, podemos encontrar un mensaje muy ilustrativo: “múltiples voces, una sola cuenca”. En una misma región encontramos múltiples voces: la CUM queda lejos de ser la única red de universidades mediterráneas existente —de hecho, hay otras muchas—. Entre ellas están la Red Mediterránea de Escuelas de Ingeniería (RMEI), la Universidad Euromediterránea de Eslovenia, red creada por un grupo de universidades mediterráneas, la red de universidades mediterráneas Unión de Universidades del Mediterráneo, que es una de las Redes Universitarias del Banco Europeo de Inversiones, con sede en Roma y compuesta por 84 universidades miembros, y el Foro Euromediterráneo, integrado por unos 100 miembros.

 Dichas redes tienen misiones similares, pero hasta hace poco no existía una comunicación eficiente entre ellas. Hace unos diez años, la CUM y la RMEI decidieron hacer coincidir las fechas y universidades de celebración de sus reuniones. Se organizaron varias reuniones conjuntas en Rabat, Atenas y Esmirna. Asimismo, decidieron empezar a enviar recíprocamente representantes de una a las reuniones de la otra. Otro avance fue el incremento de la cooperación entre la Red de Universidades del Mar Negro, la CUM y la RMEI. Algunas universidades miembros de estas redes han desempeñado un papel importante a la hora de establecer relaciones entre estas tres organizaciones durante la última década. Lo más significativo es que, aunque es bueno contar con múltiples voces, estas redes (cada una de las cuales tiene entre 100 y 200 miembros) funciona de manera independiente. Ha llegado el momento de reflexionar sobre cómo lograr una colaboración entre todas estas redes y crear una organización coordinada más eficaz y eficiente, capaz de representar a las universidades mediterráneas en cualquier foro. Si las redes de universidades mediterráneas son capaces de organizarse por sí mismas para trabajar de manera conjunta, el impacto de dichas redes será mucho mayor, no solamente en la cuenca del Mediterráneo, sino también en el contexto europeo y mundial.

 A pesar de que históricamente han existido conflictos entre diversos grupos de la región, también han existido siempre aspiraciones y actitudes creativas e intelectuales comunes y, durante siglos, dichos grupos han trabajado juntos y aprendido mutuamente en ámbitos como el comercio, así como las artes y las ciencias. Los cambios globales experimentados en los últimos años, como el aumento de la movilidad y la comunicación internacional, pueden generar oportunidades y la necesidad de establecer una interacción y cooperación interculturales aún mayores entre las redes de universidades y dentro de ellas, con el fin de aumentar el intercambio de experiencias y recursos en la cuenca del Mediterráneo.


10 curiosidades sobre el mar Mediterráneo

El Mar Mediterráneo es una de las principales zonas de turismo del mundo, cada año millones de turistas disfrutan de su clima y visitan sus costas, conocidas pro sus magníficas playas y temperaturas agradables.

Este mar se considera uno de los principales mares del mundo, tanto por su dimensión, como por el papel clave que tuvo en el desarrollo de nombrosas civilizaciones, tanto occidentales como orientales, que pasaron a lo largo de la historia de la humanidad por esta masa de agua, tales como los egipcios, los fenicios, los griegos, los romanos o los persas, entre muchos otros.

En esta entrada profundizamos en este mar y os mostramos 10 curiosidades, con el objetivo de poder aproximaros más a el.

1. Un mar en situación exterma

El mar Mediterráneo está separado del Atlántico por el estrecho de Gibraltar, unos 14 km separan África de la Península Ibérica Pero hace más de 6 millones de años la cuenca del Mediterráneo no se encontraba de esta forma.

El Mar Mediterráneo se puede considerar descendiente del Mar Tetis, el primer mar que apareció hace unos 250 millones de años, antes de la aparicion del Océano Índico.

El periodo más difícil para el Mediterráneo fue hace 6 millones de años, las tierras, que más tarde formaron el estrecho de Gibraltar, se cerraron por el choque de las placas tectónicas, la placa Africana y la placa Euroasiática, y aislaron el Mar Mediterráneo. Este mar se fue evaporando para formar una profunda y seca cuenca, no había suficiente con la llegada de agua de los ríos Mediterráneos, y así fue como la cuenca del Mediterráneo se secó y quedó con una serie de cuencas pequeñas e hipersalinas. Este período se conoce hoy en día como la crisis del Mesiniáno, el cual llegó a su fin hace 5,33 millones de años con la apertura definitiva del estrecho de Gibraltar.

El estrecho se volvió a hundir y el Mar Mediterráneo renació con una cascada masiva del Océano Atlántico, que erosionó todavía más el estrecho de Gibraltar, haciéndolo más profundo y provocando una de las inundaciones más masivas de la historia geológica del planeta. Se cree que el Mediterráneo se volvió a llenar del todo en tan solo dos años.

2. Un mar con muchos nombres

Como este mar ha tenido un papel clave en el desarrollo e historia de diversas civilizaciones, tiene una gran diversidad de nombres. Los antiguos romanos lo denominaban «Mare nostrum», que quiere decir «mar nuestro» en latin.

Para algunos egipcios era «el Gran Verde»; en árabe se le llama «mar intermedio» («al-Baḥr al-Mutawāsiṭ”), y los turcos lo llaman «mar blanco» (“Ak Deniz”). En griego se le llama «Mesogeios Thalassa», que quiere decir «mar entre as tierras»

Finalmente, el nombre de Mar Mediterráneo proviene también del latín «Mar Medi Terraneum» y significa, igual que en griego, «mar en medio de las tierras».

3. Baña 21 países

El Mar Mediterráneo es un mar intercontinental, es decir, está situado entre Europa Asia y África. Sus aguas bañan las costas de 21 países, 69 ríos desenvocan en este mar y cuenta con diversos puertos importantes de gran actividad.

Este gran cuerpo de agua es un importante modificador del clima, ya que retiene el calor. De hecho, existe un tipo de clima que tiene su nombre: el Clima Mediterráneo. Este clima lo podemos encontrar, además de en toda la cuenca mediterránea, entre los 30º y 45º de latitud del Ecuador, partes del extremo de sur África, del oeste de Australia, de Chile, de California y Oregón.

4. Un mar salado

La cuenca del Mediterráneo se considera una cuenca semi cerrada porque su única conexión con el océano es el Estrecho de Gibraltar, que separa Europa de África, donde el punto mas estrecho es de 14,4 quilómetros. Este estrecho también era la única fuente de renovación y reposición de agua de manera natural, junto con las lluvias y los ríos.

El Mar Mediterráneo es un mar con fuerte salinidad, la cual a 5 metros de profundidad es de un 3,8%. Esta alta salinidad es debida a que pierde tres veces más agua por evaporación en comparación con el agua dulce que recibe de los 69 ríos que desembocan en él.

Actualmente hay otra conexión con un mar vecino, el Mar Rojo, mediante el canal de Suez construido por el hombre, y que tiene una enorme importancia para el abastecimiento europeo de petróleo y para el comercio mundial en general, ya que permite la comunicación marítima entre Europa y Asia sin tener que rodear continuamente África. Por otro lado este canal ha jugado un papel muy importante con las especies invasoras, ya que la mayoría de especies introducidas en el Mediterráneo provienen del Mar Rojo.

5. Representa un 1% de la superficie de los océanos

El Mar Mediterráneo es uno de los mas grandes del mundo, con unos 2.500.000Km2 aprox, una longitud máxima de 3.900 Km, un total de 46.000 Km de litoral y una anchura máxima de 1.600 Km en las partes más alejadas. Con todo esto, supone solo un 1% de la superficie oceánica total del planeta.

6. Profundidad máxima de más 5.000 metros

Tiene una profundidad media de 1,5 Km, concretamente 1.430 m, pero la costa mas profunda se encuentra en la Fosa de Matapan, en el mar Jónico y cerca de Grecia, con unos 5.121 m de profundidad. Las grandes planicies oceánicas se encuentran entre los 2.500 y los 3.000 m.

7. Mar formado por otros mares

El Mar Mediterráneo es tan grande que lo podemos dividir en otros mares más pequeños.

En total son 13 mares menores que forman el Mar Mediterráneo: El mar de Alborán, entre España y Marruecos, el mar Menor al sur-este de España, la lagúna de Nador al norte de Marruecos, la mar Balear entre la costa de la península ibérica y Cerdeña, el mar de Ligúria entre Córsega y Ligúria, El mar Tirreno, el mar Adriático, el mar Jónico, el mar Egeo entre Grecia y Turquía, el mar de Creta entre la isla de Creta y las islas Cíclades, el mar de Líbia entre los golfos de Sidra y Gabés, el mar de Silícia entre Turquía y Chipre y el mar Levantino.

8. Un mar muy fértil

Aún ocupando menos del 1% de la superficie oceánica del planeta, el Mar Mediterráneo es uno de los mares con más biodiversidad marina del planeta, posicionándose el cuarto de la lista, debajo de las aguas Australianas, las japonesas y las chinas, con más de 17.000 especies marinas descritas y un amplio rango de ecosistemas.

Posee zonas de elevada concentración de especies con imprtáncia ecológica, como por ejemplo el Estrecho de Gibraltar o el Mar de Alborán.

Se cree que mas de 2.000 millones de aves de 150 especies diferentes realizan cada año sus migraciones a lo largo de este mar.

Como sus aguas provienen también del Atlántico, la biodiversidad está compuesta por muchas de las especies de este océano. Hay catalogadas unas 10.000 especies animales, de las cuales 12 son cetáceos – delfines, ballenas – entre las cuales se incluyen los delfines Mulares (Tursiops truncatus), los Cachalotes (Physeter macrocephalus) y los Rorcuales (Balaenoptera physalus).

Pero también encontramos especies endémicas, es decir, que solo se encuentran en el Mar Mediterráneo, por el hecho de que es más cálido y salado que el Atlántico; como la Posidónia (Posidonia oceanica), una planta que forma los hábitats principales de muchos peces y anémonas, o el viejo marino, una foca que solo vive aquí (Monachus monachus) y es el único pinnípedo de la zona.

9. Nº1 de especies invasoras

Aún con su gran diversidad, aproximadamente un 4% de las especies que habitan este mar son especies invasoras; se han listado un total de 637 especies invasoras, de las cuales más de 200 son moluscos y 106 crustáceos.

Estas más de 600 especies conforman una gran diferencia con la segunda masa de agua con más invasoras de la lista, la zona europea del océano Atlántico, que cuenta con unas 245 especies invasoras. Los científicos creen que la gran mayoría de estas especies provienen del Mar Rojo, las cuales entraron en el Mediterráneo a través del Canal de Suez.

10. Un mar en amenaza

La pesca ha sido y es una actividad económica e históricamente importante para los habitantes de la cuenca del Mediterráneo, pero las nuevas tecnologías y la demanda de alimento han comportado que la sobrepesca sea un problema en muchas partes del mar.

Según la Agencia Europea del Medio Ambiente (European Enviroment Agency), más del 65% de las poblaciones de especies de la región están fuera de los límites biológicos de seguridad; muchas pesqueras locales desaparecen a causa de la escasez de presas. El Mediterráneo es, según el informe  SOFIA 2018 de la FAO, el mar más sobre explotado del mundo juntamente con el mar Negro, y el 62,2% de su estoc de pesca se encuentra en una situación de insostenibilidad.

El cambio climático está aumentando las temperaturas superficiales de las aguas, a un ritmo muy acelerado en concreto en el Mediterráneo, a la vez que aumenta su evaporación y a consecuencia su salinidad, con lo que afecta a todos los organismos que habitan este mar.

Por otro lado, las especies invasoras mencionadas anteriormente también son una amenaza, ya que compiten directamente con las especies autóctonas y provocan cambios y desequilibrios en la red trófica. El cambio climático también favorece la llegada de especies invasoras, naturales de aguas históricamente más calientes que las del Mediterráneo.

También existe una fuerte contaminación en muchas áreas costeras, causada en parte por la escorrentía y el vertido de substancias químicas industriales, el Mediterráneo es considerado el más contaminado por tener las tasas más elevadas de hidrocarburos y contaminantes del mundo.

Para acabar, la gran demanda de turismo también provoca problemas con la masiva edificación de las costas o la gran contaminación que provocan los cruceros entre otros.

Aun así, el principal problema del Mediterráneo es la degradación de sus hábitats, ocasionada por las múltiples actividades humanas en las poblaciones cercanas; la desaparición de las praderías de Posidonia oceánica, declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO, causa graves problemas a los ecosistemas naturales, ya que muchas especies se quedan sin hábitat donde resguardarse de las corrientes, donde reproducirse, o alimentarse y la mayoría no encuentran como adaptarse a estos cambios.


Salva el Mediterráneo

Nuestro mar está sobreexplotado, contaminado por vertidos y sofocado por un tráfico marítimo y turismo excesivos. ¡Protección para el Mediterráneo Ya!

El Mediterráneo, el Mare Nostrum, no sólo es la cuna de antiguas civilizaciones y uno de los lugares más concurridos del planeta, sino también una de las áreas más importantes para la biodiversidad marina en nuestro planeta. 

Aunque representa menos del 1% de la superficie de los océanos del planeta, este mar alberga 1 de cada 10 especies marinas, de las que el 28% son únicas. Entre otras destacan las poblaciones residentes de 8 especies de cetáceos, además de poblaciones de tortuga boba y verde, foca monje y más de 70 especies de tiburones y rayas. 


Pero también se trata de uno de los mares más amenazados y que sufren las mayores presiones por parte del ser humano. Los 200 millones de turistas anuales que visitan la costa mediterránea generan grandes presiones urbanísticas en la costa, contribuyen al incremento de la contaminación y de los vertidos de plásticos al mar e impiden que las tortugas marinas puedan hacer sus nidos en sus áreas habituales.

El Mediterráneo es el mar más contaminado del mundo y está considerado la sexta zona de mayor acumulación de residuos marinos, concentrando el 7% de los microplásticos del planeta. Esto es un grave problema para todo el ecosistema y para especies tan emblemáticas como tortugas o cetáceos que pueden al ingerir grandes trozos de plásticos.


Además, son vícitmas de  las llamadas redes fantasma, restos de redes y aparejos de pesca abandonados en las que se enredan distintas especies, lo que provocan la muerte. Globalmente el 45% de los mamíferos marinos, el 21% de las aves marinas y todas las especies de tortugas marinas se han visto afectadas por estos desechos marinos. La intensa actividad pesquera también produce un grave impacto en muchas especies: el 75% de las pesquerías evaluadas están sobreexplotadas. 


El Mediterráneo concentra el 25% del tráfico marítimo mundial, lo que supone graves daños para los mamíferos marinos (ruido, colisiones, molestias etc.) Un nivel de tráfico que se ha duplicado desde 2002. Este aumento ha disparado el número de pasajeros de cruceros en Mediterráneo de 8,7 a 30 millones en tan solo una década.  El turismo de lujo también está sofocando nuestros mares: más de la mitad de los superyates del mundo surcan las aguas del Mediterráneo cada verano con un incremento de las necesidades de infraestructuras en la costa.

Los resultados de todas estas presiones son realmente dramáticos. Desde ballenas que son golpeadas por barcos, tortugas que ingieren plástico y compiten con los turistas en sus playas de anidación, hasta tiburones amenazados por la sobrepesca. Como consecuencia las poblaciones de mamíferos marinos se han reducido en un 41% en los últimos 50 años. Más de la mitad de las especies de tiburones y rayas que se encuentran en el Mediterráneo están clasificadas como en peligro de extinción. Solo quedan unas 400 focas monje en el Mediterráneo.  


El mar Mediterráneo está sufriendo de manera muy directa el impacto del cambio climático y se calienta un 20% más rápido que la media mundial. Desde zonas más cálidas ya han aparecido al menos 1.000 especies invasoras que desplazan a las autóctonas y destruyen hábitats importantes.


Solo el 1.27% del Mediterráneo está protegido de una forma efectiva,  mientras que los acuerdos internacionales establecen un mínimo de un 10% y los principales científicos del mundo recomiendan que, al menos, el 30% del mar debería estar protegido a través de espacios marinos protegidos y otras medidas de conservación y gestión de los ecosistemas más vulnerables. 


Con nuestro trabajo demostramos que la protección de los mares es una solución posible y necesaria. Además de luchar contra la contaminación por plásticos y promover la pesca sostenible, desde WWF estamos impulsando la creación de una red de áreas protegidas donde las especies pueden encontrar refugio y recuperar sus poblaciones, donde actividades como la pesca sean sostenibles y donde el tráfico marino no cause daños a la fauna marina. Las Reservas Marinas de Tagomago, de las Islas Medas, de Tabarca, de Columbretes, el Parque Nacional de Cabrera, entre otros muchos casos demuestran que es posible.

El Mediterráneo nos está llamando y pidiendo ayuda urgente. Lo estamos asfixiando cada vez más. Tenemos que actuar ya.


La historia tras ‘Mediterráneo‘, la gran canción de Joan Manuel Serrat

Joan Manuel Serrat ha anunciado recientemente que se retira de los escenarios después de más de 50 años. Lo hará a lo grande, con El vicio de cantar 1965-2022, una última gira que le permita despedirse como él quiere y no de la forma precipitada en que la pandemia ha obligado a cancelar miles de conciertos y giras por todo el mundo.

Esta última gira tendrá comienzo en abril de 2022 en el Beacon Theatre de Nueva York, para después recalar en Sudamérica y finalmente regresar a España para la época estival, donde ofrecerá el primer concierto el 8 de junio en Murcia y el último el 23 de diciembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

Pero aunque el próximo año sea la última oportunidad de poder disfrutar del cantautor catalán sobre los escenarios, su legado musical se reparte en 20 discos en castellano, 11 en catalán, ocho en directo y más de una veintena de álbumes recopilatorios; además de otros trabajos discográficos al que se le ha rendido homenaje a su figura.

‘Mediterráneo’, la canción insignia de Serrat

Son muchas las canciones de Serrat que han calado en la historia de la música popular en España y otros países de habla hispana, pero sin duda Mediterráneo es la gran canción de ‘el nen de Poble Sec’ (el niño de Poble Sec).

Este tema, incluido en el álbum con el mismo nombre publicado en 1971, fue elegida por votación popular como la mejor canción de la historia de la música popular en España en 2004 en el programa de televisión Nuestra mejor canción. Además, también fue elegida la mejor canción del pop español por la revista Rolling Stone en 2010 y en 2019 fue elegida como la mejor canción jamás cantada por votación popular en el programa de TVE con el mismo nombre.

Leyendas urbanas acerca de la historia de ‘Mediterráneo’

Existen varias leyendas urbanas que se han popularizado sobre la historia que hay detrás de esta canción. Una de ellas, cuenta que Serrat escribió Mediterráneo a finales de 1970, cuando se encerró en el Monasterio de Montserrat junto a otros intelectuales y artistas en señal de protesta contra del Proceso de Burgos.

Otras historias cuentan que Serrat había pensado llamar a esta canción Amo el mar o Hijo del Mediterráneo.

La historia real de ‘Mediterráneo’

El propio Serrat explicó durante una entrevista con El País dónde compuso Mediterráneo y qué le inspiró para hacerlo: el exilio y la añoranza a su tierra.

“Estaba en México, llevaba semanas en el interior. Soñaba, literalmente con él. Agarré el coche y me fui a un lago, aunque sólo fuera por hacerme a la idea del mar que yo añoraba. Es en esos casos cuando me doy cuenta de que para mí, el mar, y concretamente el Mediterráneo es una identidad: una identidad feliz«.

En muchas ocasiones los artistas terminan aborreciendo la canción que más fama les ha dado, algo que nunca va a pasar en el caso de Joan Manuel: «Jamás, jamás, renegaré de esta o de cualquier otra de mis canciones. Me sentiré eternamente agradecido, son ellas quienes me han hecho lo que soy. Así que siempre la cantaré por obligación, pero lo que es más importante, por gusto«.

«Quizá porque mi niñez sigue jugando en tu playa»

La primera frase de la canción nos sitúa donde empieza toda la historia de Mediterráneo: «Quizá porque mi niñez sigue jugando en tu playa».

De su niñez, Serrat explicó que tiene dos paisajes fundamentales; el mar y el campo. El campo del tiempo que pasó en Viana, Navarra, en casa de una amiga de su madre; y el mar de su ciudad. «El mar es la Barceloneta de mi niñez, con todo lo que representaba el recorrido desde la casa hasta la playa. Primero, trincar algo de comer en casa, bocadillo, toalla y bañador, la indumentaria que nosotros necesitábamos; colarte en el tranvía, colarte en los baños que entonces no eran públicos, para llegar a las instalaciones con piscinas y duchas», reveló en otra entrevista para El País.


Medio siglo de ‘Mediterráneo’, el álbum emblemático de Serrat

Joan Manuel Serrat, soñador de pelo largo, tal como se autorretrataba en su canción Señora, entra en un estudio de Milán para grabar un disco que va a llamarse Mediterráneo. El cantautor no ha entrado aún en la treintena. Lleva más de un lustro de éxitos resonantes, de giras, grabaciones con Edigsa y Zafiro y affaires como el eurovisivo. Ya reza como cantautor bilingüe, capaz de firmar discos magistrales en dos lenguas distintas, tal como sucede en los albores de 1970 con Serrat 4 y con el que se conoce como Disco Blanco, donde se cruzan prodigios como Mi niñez o Fiesta.

Cuando Serrat entra en el estudio milanés para grabar Mediterráneo no parece haber conciencia de perennidad, porque el estudio no permitía grandes alardes que pudieran plantear futuras ediciones especiales del disco con tomas alternativas. Había que grabar lo más rápido posible y dejar el estudio libre para el siguiente grupo o solista que lo requiriera.

Serrat trae diez canciones nuevas, terminadas de alumbrar en la Costa Brava, en su retiro de Calella de Palafrugell, entre las idas y venidas del mar Mediterráneo. Toda la filosofía serratiana va a estar concentrada en ese disco en el que va a ser su particular Blonde on blonde y como tal un disco infinito, inagotable, tan melancólico como hedonista, que cruza a Josep Pla con León Felipe. Mediterráneo terminará siendo el santo y seña, el libro de estilo de más de una generación, esa obra perfecta de la cultura española que hay que escuchar como se contemplan Las meninas de Velázquez o se disfruta El amor brujo de Falla. Absténganse negacionistas o revisionistas que dirán que Mediterráneo no es para tanto o que es disco sobrevalorado, esa etiqueta que cualquier pseudomoderno puede ponerle a Casablanca o a Cien años de soledad según con qué pie se levante por la mañana.

Serrat graba en Milán aquello de “Quizá porque mi niñez sigue jugando en tu playa…”. Y en esa evocación destellante del verso inaugural de la canción Mediterráneo, en el imponente arreglo calderoniano –de Juan Carlos Calderón– parece bullir el espíritu de toda una época. El mar como principio y final, impreso en el destino del marinero cantor que parece un poeta viejo y sabio en el modo de mascar las palabras y los acentos. Hasta en el modo de glosar el amor perdido en Lucía, un amor real, tan fugaz como eterno. “No hay nada más bello / que lo que nunca he tenido / nada más amado / que lo que perdí”. El libro amoroso de Serrat, carnal y verdadero, en una de sus páginas más gloriosas.

Mediterráneo podría razonarse como rutilante disco pop y no, desde luego, como disco de cantautor al uso, guitarra y voz y pare usted de contar. Gian Piero Reverberi, Antoni Ros Marbá y el citado Juan Carlos Calderón con su impronta jazzística forman el terceto de arreglistas de un disco que vibra y brilla en la instrumentación y está lleno de estampas poéticas que se fijan en la memoria del oyente. Canciones descomunales, bellamente nostálgicas como Aquellas pequeñas cosas, canción prodigiosamente minimalista, o Barquito de papel. Otras canciones funcionan a modo de manifiestos libérrimos como la pletórica Vagabundear. Serrat aúna épica y lírica, barroquismo y desnudez. Vencidos incorpora magistralmente a León Felipe en su nómina de poetas cantados. Pueblo blanco es una canción enorme, narración deslumbrante, fantasmagórica, llena de simbología. Mediterráneo es un disco de contrastes, pero a su vez muy conceptual, que puede pasar de la sensualidad de La mujer que yo quiero a Qué va a ser de ti, una canción ubicada entre la Anduriña de Juan y Junior y el She’s leaving home de los Beatles, y a la que David Broza convertiría en himno hebreo.

El Serrat de los setenta se despliega en Mediterráneo en toda su plenitud. Lo influye ya Latinoamérica, el impacto de todo un continente. Nos deja hasta un homenaje en tiempo de vals a su amigo Alberto Puig Palau, un hombre de muchas vidas en una sola, parte de ese fresco palpitante, sugeridor, que es Mediterráneo, donde la genista, la brea, la luna que araña el mar, el extraño arenal, el vuelo de palomas, el cometa de caña y de papel se quedan grabados dentro de nosotros, perseguidores eternos de esta obra maestra.

Un disco del que no supo verse su grandeza en su tiempo, por mucho que le acompañara el impacto popular desde su aparición a finales de 1971. Manuel Vázquez Montalbán, en su ensayo sobre el cantautor, afirmaba que ni temática ni poéticamente añadía algo nuevo al anterior Serrat. Olvidaba que musicalmente sí lo hacía. En la Cataluña de los puristas ortodoxos y lingüísticos, el Serrat en castellano era permanentemente ninguneado tal como abanderaba en los años setenta Jordi García Soler –que luego se desdijo– en ensayos como el titulado La Nova Cancó. Pero Mediterráneo ha podido con todo, disco de cabecera de roqueros, poperos, indies, flamencos, melódicos y cantautores. Desde su icónica portada y las fotos de Colita, que tanto contribuyera, cámara en mano, a la iconografía serratiana.

Cabe imaginar a Serrat en el estudio de Milán. El humo del tabaco, el sorbo de whisky, la complicidad con los músicos, la canción a medio terminar. Cabe pensar en esos músicos italianos que lo acompañaron, nunca acreditados, responsables de la poderosa orquestación. No puede olvidarse el nombre de Plinio Chiesa como ingeniero de sonido. El cantautor catalán venía de anunciar que se retiraba, que tomaba distancia con las apabullantes giras y con la agenda a la que lo sometía su mánager Lasso de la Vega. Y esto incluía un primer distanciamiento con su arreglista favorito Ricard Miralles.

Serrat para el reloj vertiginoso, mira el mar desde un hotelito de Calella y alumbra Mediterráneo, entre rojos atardeceres y noches en vela. De ese retiro terminaron por nacer unas canciones antológicas que siguen perdurando. Cincuenta años más tarde, los diez cortes del disco azul de Serrat, grabado tras su disco blanco, lucen con la vigencia del primer día y con la fuerza de las obras atemporales.


Mediterráneo de Joan Manuel Serrat

Quizá porque mi niñez
Sigue jugando en tu playa
Y escondido tras las cañas
Duerme mi primer amor
Llevo tu luz y tu olor
Por dondequiera que vaya
Y amontonado en tu arena
Guardo amor, juegos y penas

Yo, que en la piel tengo el sabor
Amargo del llanto eterno
Que han vertido en ti cien pueblos
De Algeciras a Estambul
Para que pintes de azul
Sus largas noches de invierno
A fuerza de desventuras
Tu alma es profunda y oscura

A tus atardeceres rojos
Se acostumbraron mis ojos
Como el recodo al camino
Soy cantor, soy embustero
Me gusta el juego y el vino
Tengo alma de marinero…

¿Qué le voy a hacer, si yo
Nací en el mediterráneo?
Nací en el mediterráneo

Y te acercas, y te vas
Después de besar mi aldea
Jugando con la marea
Te vas, pensando en volver
Eres como una mujer
Perfumadita de brea
Que se añora y que se quiere
Que se conoce y se teme

Come away with me

A Conversation With … Norah Jones

I’m always a bit apprehensive when I’m interviewing artists who have achieved huge success in an industry littered with unfulfilled aspirations of millions. 

There’s something different in play. I’m not talking money, I’m talking the vibe that comes from crossing the big music divide and finding yourself in control. Then it becomes about ­’where do I go from here?’ Norah Jones is all about the music, her music, the players, the internal design, the words and shape of songs. This I can get with!

Jones gave an impromptu performance at Toronto’s Jazz Bistro in front of media showcasing her latest endeavor, Day Breaks, due October 2016 (Blue Note/Universal). Six songs rolled from the house system, then Jones took the stage for an interview with scribe Nicholas Jennings before finally slipping behind the grand piano and playing a few of her own. I caught up with Jones early afternoon for this conversation.

 Bill King: When I was considering what to ask you I began reflecting on the late Bruce Lundvall, the former head of Blue Note Records and the gentleman who signed you. It must have been seven or eight years back at the Festival du Jazz de Montreal and Bruce was being honored when we stroll the hallways observing the history of Blue Note through album covers. During our conversation I asked him what was his greatest career regret and he replied, not signing Eva Cassidy. He didn’t make that mistake with you.

Norah Jones: I remember that. Honestly with Bruce, God I miss him. When I first met him I played this three song demo, a couple jazz standards and this one written by Jesse Harris ­ a country kinda pop song ­ it wasn’t jazz really. He listened to the three songs and after it was done he asked if I wanted to be a jazz singer or a pop singer because that one song is different. I’m sitting there in Blue Note records of course and say, a jazz singer! I was just starting to explore different kinds of music and still wasn’t sure ­ I’m twenty­one, just moved to New York to play jazz and kinda disillusioned doing it, then I started playing these singer/songwriter clubs where people were actually listening,.

Bruce gave me $6,000 to make more demos and find a sound. We did that and several of those recordings ended up on my first record; “Don’t Know Why” was one and he called me after a few weeks listening to it because he hadn’t decided to sign me yet and says, “you know Norah that song ‘Lone Star’ on here is a country song but I love it, I don’t care, I’m going to sign you, it doesn’t matter it’s fine, let’s do it.” It’s the moment he decided it wasn’t a straight record but he wanted to continue with this.

B.K: But they’ve never been straight jazz records.

N.J: Jazz is a tough term.

B.K: Are there times you find it confining to be called a jazz singer as opposed to just a singer/songwriter?

N.J: I really don’t care, people have different thoughts when they say those things and may have a different image in their minds. But for me I started out singing jazz and playing piano, that is definitely where I come from. People call my first record a jazz record . I don’t think it is. It just happened to be on Blue Note and it’s very jazz influenced. I sing like a jazz singer because that’s where I come from.

B.K: Let’s say the first phase of jazz singers, the Sarah Vaughans and Ella Fitzgeralds, they were basically interpreting songs bringing the story out of the lyric. They even called Sinatra a jazz singer but I didn’t hear that much embellishment.

N.J: Really? Sarah Vaughan and Ella, that’s some embellishment.

B.K: I’m referencing the early years when they just delivered the song rather than add many inflections.

N.J: I was most influenced by mid to late Billie Holiday.

B.K: The coming fall release is Day Breaks. Does this have more in common with the early sessions?

N.J: I haven’t played that much piano and this is more of a return to the piano. That has been the most fun thing about this album. It started out in my mind I’m going to record with Wayne Shorter and Brian Blade because we had done a song at the Kennedy Centre for the Blue Note Anniversary concert. It started out, I’m going to make music with them ­ how it will be super rhythmic, I wanted to float over the top and wanted to have good songs. I didn’t want to sing old songs. I didn’t feel the need to do an old standards record. I started writing songs for us and some less that direction and some more that direction. All of the songs were very piano driven, that was the main thread.

B.K: After all the previous hits I heard you sing “Tennessee Waltz,” ­ and that was beautiful.

N.J: I love that and love singing old songs.

B.K: You are so comfortable with that song. You have no issues with country music.

N.J: Part of the reason I stopped playing piano so much was I was writing certain songs on guitar. Some songs sounded good on piano some sounded too “pianoee” if that makes any sense. When I write on piano I kinda gravitate towards county blues, it’s the types of chords and voicings ­ I don’t play pop piano.

B.K: The same when you were young?

N.J: I didn’t play country music when I was young. I grew up in Texas and it’s definitely in the water. It was Willie Nelson and Hank Williams and that was about it. I got into jazz in about the seventh grade and from that point on that’s what I was trying to play.

B.K: I interviewed Diana Krall early in her career ­-1998 – and talked about what it was like to move from playing in a lounge to a main stage where people are watching your every mannerism, evaluating every phrase and note.

N.J: When no one’s listening, then everyone’s listening?

B.K: She also said it gave her the opportunity to develop a repertoire and learn to sing.

N.J: It’s paid practice. When I was in Texas in college and about a year and a half I played in this restaurant  twice on weekends. I’d drive into Dallas and play. It was like a nice date night Italian restaurant, kind of big though but they had a grand piano tucked away in a corner and I’d sing. Most of the time no one was listening, or if they were, no clapping then every once and awhile someone would clap after a song then everyone would look up from their diner and start clapping . That seemed more awkward, I almost didn’t want that to happen, it made me blush. It was the best gig I ever had to learn how to sing and play at the same time.

B.K: What about the first time you arrived on stage and the audience was focused on you?

N.J: When I first made it to New York I was kinda a newbie playing mostly jazz brunches, restaurants that had a piano and still nobody even listened that much. Then I started playing the Living Room with Jesse Harris, originally just singing his songs and once in awhile I’d throw one of mine in. That ended up being the first record from that experience and that band. When I played the Living Room the first time with Jesse I thought, this is so cool. People are listening, they are here to listen.

B.K: The beauty of that was “Don’t Know Why,” a massive hit made for radio.

N.J: That was a weird one to became a hit, I love the song.

B.K: It connected with people big time. What was also interesting, “Sunrise.” Why I’m mentioning is I heard that more than “Don’t Know Why” because I wasn’t tuning in radio. “Sunrise” was such a public piece.

N.J: In which way?

B.K.: At the Paramount Theatre, eventually Scotiabank Theatre, it was the only song you heard everytime the doors opened. It was a big sound and like a welcome greeting. “Sunrise” was played in so many stores around Toronto it was near impossible to escape.

N.J: Really ? That’s so weird. It’s sort of a country song I think. I love it and love that recording too, I thought it was so unique.

B.K: There was also that Toronto connection with guitarist Kevin Breit.

N.J: Yes, he played on my first record too. I loved playing with him and we toured a lot after that first record. Then after the second he said, alright, I’m done.

B.K: Do you still enjoy the touring?

N.J: I do and I’ve learned a lot about how much I can do. It’s hard when you put out an album. When I make an album I’m excited about it ­ I’m excited to play it, I’m willing to do whatever work the label throws at me, I want people to hear it and by the end of the album cycle you get a bit burned out. Since my first and second album when I got very burned out from doing everything, I’ve learned a lot and have a lot of power and control over how much I have to do and I know how to pace it. 

I also know that no matter how good a musician they are and if they aren’t a happy person on the road and fun to be around or miserable, you don’t want them on the road. You want to be surrounded by people who are excited to be there, that makes you excited to be there. If there is something going on and you aren’t feeling it, it’s almost better to cancel it. Not that I would do that, I’ve never cancelled.



Had 2020 played out like any normal year, on April 7, Norah Jones would have been onstage at the Southbank Center in London celebrating the centennial birthday of her father, legendary classical sitar player and composer Ravi Shankar, alongside her half-sister Anoushka Shankar and British musician Nitin Sawhney. Instead, she was, like so many other artists in the early days of the worldwide COVID-19 lockdown, livestreaming from the intimacy of home, sitting at her piano and singing one of his rare Western compositions, “I Am Missing You.”

As reported in Pollstar, the nine-time Grammy- winning singer-songwriter’s performance of this song was her second most viewed online performance, with over 1.6 million views. Her first, a March 19 five-minute run through Guns N’ Roses’ “Patience,” scored over 5.1 million views across various platforms, launching an intimate, delightfully low-tech weekly at-home livestream series that Jones continued throughout the year.

The series, which included a celebration of Willie Nelson’s birthday and an appearance by Sasha Dobson, Jones’ bandmate in the alt-country band Puss n Boots, earned the veteran artist a feature article in The New Yorker and the top spot by an artist on Pollstar’s Q3 chart for 2020. By the end of September, she had posted more than 30 videos (full of originals and covers from a multitude of genres) and had received more than 18 million views.

Now, nearly two decades into her stylistically eclectic, always full of surprises and unexpected collaborations career, the singer is releasing her first-ever live album, ‘Til We Meet Again. Produced by Jones and her front-of-house engineer Jamie Landry, the collection gathers 14 performances from the extensive international touring she did from 2017-2019 at venues in the U.S., France, Italy, Brazil and Argentina. The first single, her self-penned bluesy ballad “It Was You” (which originally appeared on her 2019 studio album Begin Again), was recorded at the 2018 Ohana Festival in Dana Point, California with Pete Remm on organ, Christopher Thomas on bass and Brian Blade on drums. The album closes with Jones’ 7-minute-plus piano-vocal performance of Soundgarden’s “Black Hole Sun,” a tribute to Chris Cornell that was recorded at the Fox Theatre in Detroit just days after Cornell’s death following a performance at the same venue.

Other featured musicians include bassist Jesse Murphy, flutist Jorge Continentino, percussionist Marcelo Costa and guitarist Jesse Harris, who wrote “Don’t Know Why,” the 2002 breakthrough single from her Blue Note Records debut album, Come Away With Me, that earned three Grammys (Record of the Year, Song of the Year and Best Female Pop Performance) and remains the only Jones single to reach the top 40 of the Billboard Hot 100.

Reaching No. 1 on the Billboard 200 album chart and (as of 2016) having sold over 27 million copies worldwide, Come Away With Me sparked a global phenomenon and an ever-evolving nearly two-decade career full of critically acclaimed and commercially successful solo recordings (the most recent of which is 2020’s Pick Me Up Off The Floor) and albums with her collective bands Puss n Boots, The Little Willies (an alt-country outfit named for Nelson) and the tongue-in-cheek alt-rock ensemble El Madmo.

Her 2010 compilation …Featuring Norah Jones included collaborations with Nelson, Outkast, Herbie Hancock and Foo Fighters. Since 2018, she has released a series of collaborative singles with a variety of artists and friends, including Mavis Staples, Jeff Tweedy, Thomas Bartlett, Tarriona “Tank” Ball, Rodrigo Amarante and Brian Blade. Her discography also includes collaborations with Billie Joe Armstrong, Ryan Adams, Keith Richards and Q-Tip from A Tribe Called Quest.

Music Connection: The title of the live album makes it more than a subtle wink to this strange past year with no artists on the road. What do you miss the most about being out there?

Norah Jones: I miss playing with a band and I miss the audience and action, the thrill of live performing in the moment where every time out, you can’t go back and tweak what you’ve done or make it perfect. Believe it or not, I actually miss traveling, going through security and getting on a plane. I even had a dream recently about going on tour. It had nothing to do with music. It was just me going to the airport and feeling excited about getting in a security line and taking a long plane ride. Not being onstage for so long makes me appreciate the little things I hadn’t appreciated in a long time. I miss the tour bus, hanging after a show having drinks, all of it.

MC: What were 2020 and 2021 supposed to look like, tour and release wise?

Jones: Last year we were supposed to put out Pick Me Up Off The Floor in May but it was pushed back to July. We would have done a lot of touring behind it, including a Japan tour. It’s okay, though. I made the best of it with the 40-plus livestreams that I never would have done. Raising two little kids, those were the only chances I could say I had something to do. I hadn’t been super-active on social mediabefore, so it was nice to stay in touch with fans that way.

MC: Creatively, what do you think the upsides are for musicians during this time?

Jones: I think overall we’re going to see a really big moment in music because of the way artists are responding creatively to the pandemic era and not being on the road. There’s a lot of outside-the-box thinking and it will be amazing to see what comes out of it. I got a drum machine for Christmas and I’m trying to do some stuff with it, but I’m not sure what it’s going to evolve into yet.

MC: Did the concept of putting together a live album happen before the pandemic or was it strictly in response to it?

Jones: ‘Til We Meet Again never would have happened without it. I was listening to some live performances last summer for a charity drive that a radio show was doing. I had Jamie Landry, my soundman, send me a December 2019 show I had done in Rio. I thought it was really special and I wanted to pick some songs from it. Listening to the audience made me feel warm all over. The band was great and we had so much fun on that tour, getting in the zone. We captured the essence of what live p

laying should be all about, and the energy really translates to the recording. One of my all-time favorite live albums is Bob Marley’s Live! and I always remembered the spontaneity and energy he brought to his audience. I’ve always strived for that kind of magic and hope fans can hear it on the new album.

MC: What do you like most about the performances you included on ‘Til We Meet Again?

Jones: I have had a lot of different bands over the years, and they all have something really different. This album is focused on our most recent incarnation, stripped down to a piano trio for a lot of it, with many different arrangements and a looseness in the way we re-imagined the songs. It’s nice to have a documentation for people who didn’t get to see these recent shows. I consider it a real touchstone for me. Jamie has been recording my shows since 2012 and the performances he picked for me to consider were excellent.

MC: How did you go about choosing the material and exact performances? What were your criteria?

Jones: The starting point was the Rio shows, and we ended up focusing on that vibe with Brian Blade on drums and Jesse Murphy on upright and electric bass. There were some earlier shows with Christopher Thomas on upright bass, which I also liked. Over these few years, these trios made everything feel looser. We didn’t always perform the same show, but there was a cohesiveness to what we were doing over these few years. For the album, we tried to pick a set list that would be similar to the feel of a single full show, with old and new material. I went back and forth a lot with Jamie and listened to a long list of songs and performances. He put them in a folder for me, with two or three versions of a song, broken down for me in a way I could digest without feeling overwhelmed.

For a long time, I didn’t think I wanted to include “Cold Cold Heart,” but at the last second I heard one of our versions, and it was so great I decided to open the album with it.
    The Chris Cornell song was really special, and I always get chills when I hear it. He had just played the theatre, and I worked on an arrangement of the song the day I performed there, hoping I wouldn’t mess up the tribute. It is an amazing song and I knew I had to include it.

MC: Who were the tech people involved in recording, mixing and mastering? How is what we’re hearing now different from what the audience heard when you performed these songs?

Jones: Jamie recorded the shows from the front-of-house soundboard, then multi-tracked them into Pro Tools. I got to listen to those reference mixes. He did remixes of all the tracks so they are slightly different from what the audience heard. As far as the tech goes, our whole crew was involved in getting the sounds at the shows just right, from setting up the mics on down. After Jamie remixed the tracks, they were mastered by Steve Fallone at Sterling Sound.

MC: Were there any overdubs?

Jones: No. There were a few minor edits, like we made “Black Hole Sun” a little shorter because otherwise we couldn’t fit it on the vinyl version we’re doing.

MC: What did you learn from the experience of creating this album, and how was it different from doing a studio recording?

Jones: I will say that I love playing in studio with musicians who can still capture performances like the ones we did live. I also enjoy having the opportunity to add things piece by piece and layering vocal harmonies. Live is a totally different thing, that feeling of no do-overs. Even when you record live in the studio you get a chance to do it a few times. It’s never one and done. On stage, you know this is it, whatever it is, and if you’re too fast or slow you’ve got to go with it, own it and have to make it work.

MC: What do you love the most about live performing?

Jones: It’s almost more fun when you make a mistake, because we all just loosen up after that. I love the energy of being in the moment. It’s really special. It’s hard to have that anywhere else these days, being in an environment where you’re not filling the time between takes checking your phone. It’s also nice to feel the audience. I’ve never been super chatty onstage, but I actually like when I get heckled––or is that the wrong word. You know, when the crowd gets a little rowdy, because that inspires me to talk more.

MC: What are the keys to creating a great performance?

Jones: It’s that thing you can’t chronicle or put your finger on. As I was going back and forth between two different versions for the album, there were a few times I messed up the lyrics or made mistakes, but the performance still felt good and I couldn’t deny it was the better one. That’s the thing with any art form––everything is about that unknown extra bit of magic dust and you just hope you can capture it.

MC: These gigs you chronicle from 2017-2019…what kind of venues were they? Do you prefer playing smaller venues as opposed to arenas or large outdoor venues?

Jones: They were mostly theatres, including Live au Campo in Perpignan, France, a beautiful, weird open-air amphitheatre space. I love playing those kinds of outdoor venues, but I also love playing bars in New York. Usually when I’m off tour, I play a lot in those places, and have done them over the years with Puss n Boots and other bands. I have always enjoyed performing locally, and it’s been weird to have none of that for so long.    

MC: You put out some interesting projects in 2020. The opening line to your bio for Pick Me Up Off The Floor says you didn’t mean to make another album. What does that mean in light of the fact that it’s a pretty amazing collection?

Jones: I was trying to put out singles and doing little sessions every few months, spending two to four days with somebody. It started with one of the first trio sessions I did with Chris and Brian, which got me inspired to write. It blossomed from there, and I did it with the intention to just do singles. Over time, I realized I had a lot of leftover material that was more cohesive than I expected. We added another session and had a full album to release.

MC: One of the most fascinating aspects of your career has been your ongoing collaborations with different artists in a multitude of genres and guest appearances on their albums. Why are those so essential to you and your evolving artistry?

Jones: It’s the way I came up as a musician, learning that not everybody comes from the same type of musical background. I’ll bet a lot of artists who don’t collaborate like this would get addicted to it. I’m always learning, trying new things, picking new ideas up along the way. It’s not about consciously trying to evolve, but doing it because it’s fun.

   It was fun last year playing alone at my piano for the livestreams, but nothing excites me more than working with a band and playing with great artists. At heart, I’m a New York musician wanting to play with other musicians on various projects like I did before Come Away With Me. When that album became successful, I got a lot of calls to collaborate with heroes of mine I could never have imagined meeting, let alone creating music with.

MC: In a year, you’ll be celebrating 20 years since that debut album. What was the most surprising aspect of its incredible success?

Jones: Just the fact that it was massive was surprising for everyone involved. Blue Note did a great job promoting it. We were all caught up in a crazy whirlwind for a long time. Then coming out of it after a few years, I realized that the only way to enjoy that success was to keep making music I loved. When you start off like that, there’s always the potential to experience the fear of subsequent failure––but I never had that, because I was only searching to better myself and was not afraid to try new things.

MC: What was the hardest part about being an instant superstar?

Jones: The most difficult thing was going from being just a well-intended working musician for whom music was always something very positive to being in a realm where being very successful also made you vulnerable to people saying bad things and tearing you down. That was before social media, but there were plenty of chatrooms and message boards. There is always a tipping point with successful people in our culture where that happens. I had to learn how to not let any of that affect the way I made music. There was so much that was positive, but it was easy to let the negative things about people’s wrong perceptions of me get in my head. I learned that is all a normal thing that comes with success and I learned to turn it off to focus on what made me happy.

MC: You’ve been with the legendary Blue Note label your whole career. That’s remarkable in this day and age. Why do you think that relationship has lasted so long?

Jones: They’ve been my family and so great to me since the beginning. (The late President and CEO of the Blue Note Label Group) Bruce Lundvall was my friend and mentor and he would tell me the stuff the higher-ups (at the EMI Group) would want me to do but never made me feel I had to do anything I didn’t feel was right for me. He gave me money to make demos before deciding to sign me. He said, ‘This isn’t jazz necessarily, but I love it.” Which took a lot of pressure off for me to become some great jazz singer. I can think of 10 to 15 people at the label who were always like family, hanging out, having drinks and dinner. Only (publicist) Cem Kurosman is there from my early days, but all the new people, including (current label president) Don Was, are great. I’m really lucky I fell into that group. They’re a little section of the industry that’s really special.

MC: In line with the title of the album, how do you think 2021 will play out for you?

Jones: I’m just trying to stay creative and give myself little things to look forward to. I’ve been writing a lot of songs lately and my head’s all over the place. It would be fun to play a live show at some point, but for now, I’m just gonna roll with whatever happens. Usually I’m at my best when I try different things without intending to do something new.


Norah Jones Reflects on 20 Years of Come Away with Me: ‘It Was an Intense Time’

Norah Jones is not one to live in the past.

The singer-songwriter known for her soothing serenades tells PEOPLE in this week’s issue that she much prefers to live in the moment — but now, 20 years after the release of her debut album Come Away with Me, she’s finally ready for some reflection.

«It’s nice to revisit with a calm mind,» says Jones, 43, of her whirlwind rise to fame. «I’ve come to a great place, but it was an intense time in my life. Even though it was super positive, it was a lot of bumps. But when you’re 22, things are intense, aren’t they?»

Jones is celebrating the milestone anniversary with a 44-track super deluxe version of Come Away with Me (out April 29) that’s rife with treasures for longtime fans, including 22 previously unreleased tracks, original demos and a never-before-heard version of the record called The Allaire Sessions that was ultimately shelved.

The star has also penned a lengthy series of liner notes that peel back the curtain on her mindset at the time, and describe in detail just how Come Away with Me came to be.

«It’s like an alternate universe of the record,» she says of revisiting the music that kickstarted her career. «I don’t think I got to enjoy the success of the album as much as I could have while it was happening… but it’s really nice to look back and realize that it was kind of a weird, by-chance path [to] the final record that took a lot of turns and twists. Some of it was sort of buried for so long, and it’s really beautiful that we get to let people hear it finally.»

The album, which straddled the line between jazz, pop and country, was a runaway hit upon its release in February 2002, and sold nearly 30 million copies, topped the charts in 20 countries and swept the 2003 Grammy Awards.

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Jones had lived in New York City for less than a year when she was spotted in 2000 singing at a jazz brunch by EMI Publishing executive Shell White, who quickly helped arrange a meeting with Blue Note Records head Bruce Lundvall.

«I went to college for jazz—that was the lane I came from when I moved to New York,» she says. «The truth is, I don’t really think I was worried about genre. But when Bruce, the head of a jazz label, asked what I wanted to be, of course I said jazz singer because I didn’t want to be rejected immediately. I certainly don’t think Come Away with Me is a jazz record, and I don’t necessarily think it’s a pop record. I don’t know what you would classify it as.»

Regardless of labels, the album was a massive success—and while Jones says that that success ranged from «slightly stressful and anxiety-inducting» to «crazy fun,» she never let it put pressure on her future endeavors.

«Trying to stay on top can be exhausting, and I never wanted that for myself,» she says. «I think if you focus on making music from your heart, hopefully you can get through whatever obstacles come around.»

Adds Jones: «I sort of just told myself, ‘You know what? This is bananas. You’re never going to match it, so just play the music you want to play. Don’t try to recreate your first album because that’s going to backfire.'»

She’s taken her own advice to heart over the last 20 years, and has released six studio albums, as well as a Christmas album, in the past two decades. She’s also flexed her creative muscles with collaborations with everyone from Foo Fighters and Willie Nelson to Danger Mouse.

Jones — who will tour this spring —has also rediscovered her love for her craft through the ears of the two young children she shares with her musician husband Pete Remm, 42.

«It’s just so fun for us to see stuff through their eyes. We listen to pop radio together, which is hilarious, because my husband and I have never been… we never listened to that as adults necessarily,» she says. So far they love [my music] so that makes me happy. I just love music, and I’m excited to be able to still play.»


«Come Away With Me» at 20: Norah Jones reflects on «hopeful, romantic» record but won’t call it jazz

The title of Norah Jones’ debut record, «Come Away With Me,» offers truth in advertising. Its collection of songs serves as an invitation to enchantment, blending elements of jazz, country, and singer/songwriter pop to charm the listener into a world of romance, joy, and the melancholic subtleties of deep feeling.

Released on the storied Blue Note Records label in 2002, it went from selling 10,000 copies in its first week to moving over 27 million and counting. It also won eight Grammy awards, including in the categories of Album of the Year, Record of the Year, and Song of the Year. The record possesses beautiful intimacy and maturity throughout its 14 songs, and the massive hits that propelled its commercial success represent it well: «Don’t Know Why,» written by former bandmate and songwriting partner, Jesse Harris, a cover of «Turn Me On,» which was originally released by Mark Dinning in 1961 and later performed by Nina Simone, and the Norah Jones-penned title track. 

In the two decades that have followed, Jones has steadily built an oeuvre of remarkable consistency. Whether at her jazziest on «Day Breaks,» released in 2016, or experimenting with alternative pop on 2012’s «Little Broken Hearts,» Jones’ music is tasteful, elegant, and emotive, broadcasting the reality of Wynton Marsalis’ assertion that often the best music is «soft, but intense.

Jones has collaborated with Marsalis, in addition to many other musicians, including Willie Nelson, Wayne Shorter, Jeff Tweedy, Mavis Staples, Billie Joe Armstrong, and the members of her side project bands, Puss n Boots and The Little Willies. 

To celebrate the opening salvo of a brilliant career, Blue Note has released a «super deluxe edition» of «Come Away With Me.» The box set includes a remastered edition of the 2002 album, but also two discs of previously unreleased demos, outtakes, and finished songs that did not make the final cut. Most interesting and enjoyable is an alternative version of «Come Away With Me» that Jones recorded using different arrangements. Unlike the typical superstar box set, which seems superfluous, the updated and expanded «Come Away With Me» provides an essential experience for anyone interested in Jones’ artistry. 

It also contains lengthy liner notes in which the singer/songwriter explains the album’s genesis. After studying jazz piano in the late 1990s at the University of North Texas, near her hometown, she moved to New York. Armed with demos that she recorded in her high school band room, which are included on the box set, she began playing clubs and restaurants. 

On her 21st birthday, Jones played a jazz brunch with a trio at The Garage. Duly impressed by her performance, a representative from EMI publishing arranged for her to meet the late Bruce Lundvall, then president of Blue Note. Less than two years later, «Come Away With Me» hit the airwaves. 

Norah Jones and I discussed the rest of the story of «Come Away With Me,» as well as her reflections on the record over the phone.

You have such a marvelous body of work, but today we’ll spend most of our time talking about «Come Away With Me,» which was your musical introduction to most of the world. How did you develop the style that we hear on that record, combining elements of jazz, country, and singer/songwriter pop?

That’s most of it, but there is also blues and soul – all the great American musical artforms. It came from growing up in a house, listening to Ray Charles, Aretha Franklin, Dolly Parton, and Willie Nelson. Then, later in high school with Bill Evans and Miles Davis, and I got deep into jazz, and that became my focus for awhile. When I moved New York, I was still deep into jazz, but was beginning to open up to other styles. I started going to the Living Room in New York City, and seeing all these songwriters. I had written a couple of songs in high school, but they embarrassed me so badly that I never wrote after that, but when I started going to singer/songwriter clubs, like the Living Room, I was inspired to start writing songs again. Also, in New York, I started missing country music. I was longing for my Texas roots. I think that’s where that came from – either missing my roots, and finding a way to bring country back into the mix, or realizing that it had been there all along. 

One of the most enjoyable aspects of this box set is to hear all of the different versions of the songs on «Come Away With Me,» and the different possibilities for the record that existed. What was your criteria for choosing the material that made it on the record – both the songs you wrote and the covers?

It was sort of an evolution. I had a meeting with Bruce. I had jazz demos, and I had songs I had written with my friend, Jesse Harris, and Bruce wanted to hear more. So, we went into the studio. I had done jazz for so long, but this band with a different sound that Jesse and me had started playing with at the Living Room, was kind of cool. So, we decided to make more recordings with that band, and that informed the recording of «Come Away With Me.» One of the demos we made was «Don’t Know Why,» we never beat the demo version. So, that’s the version that made it on the record. Once I got the record deal, I wanted to stretch out and try new things. I loved Cassandra Wilson’s record, «New Moon Daughter,» and I loved the producer Craig Street’s work. So, I asked if I could meet with him. I went into the studio with Craig and all these incredible musicians – Brian Blade on drums, Kevin Breit on guitar, Bill Frisell on guitar – and we recorded 21 songs over five days. We thought we made the record, but the label sort of rejected it. It wasn’t what they fell in love with. The demos were much more straightforward. So, I went back into the studio with producer, Arif Mardin, and he helped me put the record together from those two sessions, and we also recorded nine more songs in the same vein as the demos with same band.

Earlier you mentioned Bill Evans, and you just mentioned Cassandra Wilson. When you listen to it now, who are some of the influences that you can hear yourself assimilating into your own style?

I was always a fan of Ray Charles‘ piano playing, Aretha Franklin‘s piano playing, Bobbie Nelson, who just passed – her piano playing. Those and Bill Evans are my top four piano players who I have always tried to imitate in some way. The influence comes from, simply, listening to all their records. I wasn’t highly aware that I was doing it. It was just what I liked hearing and playing. As far as singers go, I’ve had so many influences and favorites, but I don’t think I sound like any of them on that record. More than anything I wanted to sound like myself, and I think I pulled it off on that record, even at such a young age. 

As I listened to the record over and over again recently, it stuck me how there is a quality similar to the Ernest Hemingway novel, «The Sun Also Rises.» There is a really melancholic quality to the record, but the lyrics are so romantic, and there is often a sense of joy. That makes for a moving moving emotional contrast. Was that something you were conscious of at the time, or is it something you think about now?

I definitely was thinking that exact same thing yesterday. I’ve been playing these songs to prepare for the live show we’ve put together, and I realized that I used to think that «Come Away With Me» was such a mellow record, but it is actually a sweet little record. Is it melancholy? Yes, but it also has so many hopeful notes to it. I don’t even know how to do that sometimes now (laughs), because I am usually drawn to the sad lyric – maybe it is my age now, maybe it is from just living life. But «Come Away With Me» definitely has a looking-forward, hopeful, romantic quality to it, which was age-appropriate at the time. I definitely didn’t think that at the time, though. I thought it was mellow. You know, I had grown up singing old soul songs. I used to sing «Lush Life» in high school. I didn’t even know what the song was about then, but I was always drawn to the slow songs, the ballads, the sad songs.

I’m sure that’s one reason why, in addition to how it sounds, because it is such a beautiful record, that it was so successful. 

Yes, it isn’t so dark. It is mellow, but it has a light and hopeful message. I think the combination contributed to the success. That’s true.

Speaking of the record’s success, how did you react at the time? It was staggering – millions of records sold, multiple Grammy awards.

It was pretty weird, but I just dealt with it. You just do your thing, and keep doing it. We were doing it – playing gig after gig, doing interview after interview. I thought there was no way the record could get any bigger after the first jump in sales, but then the Grammys happened, and it was just insane. 

Were there any commercial pressures in the immediate aftermath? You’ve had such authenticity and consistency in your body of work. Even when you experiment and collaborate, there aren’t any frivolous fads. But was there pressure to go in that direction?

Well, the record was already made. So, that ship was sailed. We just did what we did, and it was straight from the heart and honest. I do remember that the record company wanted a remix of «Don’t Know Why» that they could sell to pop radio. At the time, I was horrified by the idea. It went against everything that the song was to me. Now, I’d actually be more open to it, and embrace the opportunity for creative collaboration, but I said no at the time. So, we didn’t do it, but we got on pop radio anyway, and to this day, I don’t know how. It was baffling to me. Other than that, I was lucky to be on Blue Note. The whole team became my family, and everyone watched out for me. Bruce was my friend and a mentor. No one expected me not to be myself. Plus, I was pretty stubborn those days, and I was pretty hot under the collar if anyone tried to tell me to do something that didn’t make sense. I get that from my mom.

Do you ever feel like, even if jazz is just one element of your work, that, because of your success in pop that you are an ambassador for this traditional form of music?

I’ve never taken that on. I love that artform, but I’m the first to say that my first record is not a jazz record. There was some confusion there with people. It certainly leans that way, but I have too much respect for the artform of jazz to say that it was a jazz record. If I was in college and someone tried to say that something like «Come Away With Me» was a jazz record, I would have been like, «No, it’s not!» I try not to think about genre too much.

What approach did you take with «Feels Like Home,» your second record? Did the «Come Away with Me» experience change your approach to songwriting or performing?

Well, I was pretty new to songwriting at that point. There are only three songs that I wrote on «Come Away With Me.» So, during the entire period, I was really excited about writing and inspired, and so was my band. We had been on the road for a year at that point, and we had a lot of songs we had written. So, I recorded a song from everyone in my band. Lee Alexander, the bassist, and I had written several songs together. We were listening to a lot of bluegrass and country at the time. So, the record leans a little more toward the country side. But, I was excited just to be playing music, which meant that that «follow up» pressure didn’t get into the studio. We just did what we did.

That reminds me of what you said just a moment ago in reference to your vocals on «Come Away With Me»: You are just trying to sound like yourself. There are probably many people who consider that easier said than done. How do you manage that?

In high school, I was obsessed with Sarah Vaughan, specifically her live recording, «My Funny Valentine.» I was so into imitating her. I also did a pretty good Billie Holiday impression. I was even cast in the role of Billie Holiday for a high school musical. It was a Black History program that they did every year at my school. I loved mimicking other singers. I would put on Aretha Franklin records, and pretend to be one of her background singers. That was how I learned to sing. I don’t know, though. After high school, I just started to sing without worrying about the rest. Part of it was probably because I felt like a natural singer since I was young. I never felt like I had to struggle to sing, whereas with piano I had to work hard to learn. With singing, I did feel like it was a natural thing. This isn’t to say that I don’t ever sound like other people, or that I’ve never tried on different voices that don’t quite fit. I do feel, though, that I shed that by time I got to New York.

Looking back 20 years later, what do you feel that the Norah Jones of 2002 was right about, and if you could tell the Norah Jones of 2002 anything now, as an artist, what would it be?

As an artist, I don’t think there are wrongs. You are on your path. The record represents where I was at that time exactly. It is an exact record of where you are when you are making it. That’s what it means. It is a recorded moment, literally. So, «Come Away With Me» is a snapshot of my musicality of my time. I guess I would tell myself at that time to enjoy everything a little more. It is OK to stop and smell the roses. I had a lot of fun, because I was surrounded by my best friends. They were all in my band. We had a lot of fun, but I was very uptight at the time. It was a stressful time for my family. It was a weird time for me personally, and success made it weirder. But, I would tell younger self to stress less, and try to enjoy what you’re doing.


20 Years Later, Norah Jones Looks Back at ‘Come Away with Me’

The singer celebrates the 20th anniversary of her landmark album, Come Away with Me, with a U.S. tour

Norah Jones knows that the mere mention of “Don’t Know Why” is probably enough to get the tune stuck in your head. That soothing hot water bottle of a song was the centerpiece of her spectacularly pleasant debut album, Come Away with Me. Released in 2002, when Jones was just 22, Come Away with Me brought home eight Grammy Awards, including Album of the Year, Song of the Year for “Don’t Know Why,” and Best New Artist for Jones. Since then, it has sold nearly 30 million copies worldwide and anchored countless Sunday morning playlists. “It will always be my biggest success,” says the fiercely private Jones, 43, speaking via Zoom from the Brooklyn home she shares with her husband and two children. “It might be the only thing that some people know about me, and that’s fine.”

Come Away with Me turned 20 this year, an anniversary that occasioned the release of a “super deluxe” three-disc box set featuring never-before-heard demos and alternate versions of popular tracks, as well as a 25-date U.S. summer tour. Jones grew nostalgic sorting through old photos of the band, which included an ex-boyfriend, as well as her frequent collaborator Jesse Harris, who penned a portion of the album. “I only wrote two songs on my first album, because I was so embarrassed by a couple of songs I wrote in high school that I just shut down and stopped,” explains Jones, who grew up in Texas before moving to New York City. “When I listen to Come Away, I hear something that is so far from what I think of as the kind of music I make now. Each album has had steadily more of my songs.”

Not counting side projects, Jones has released 10 albums, a few of which share the jazz-pop DNA of her debut, with others evincing her diverse taste. Take 2012’s Little Broken Hearts, on which Jones brought her sultriness to the eldritch arrangements of artist/producer Danger Mouse (Gnarls Barkley, U2): to hear her gently whisper “I’m going to smile when I take your life” on the murder ballad “Miriam” is to witness another side of the singer/multi-instrumentalist entirely. “I’ve had amazing opportunities,” she says. “I feel lucky. I feel heard.”

How does it feel to be talking about Come Away with Me 20 years later? Have your thoughts about the record changed over time?

I don’t really pore over the past often, so it was bittersweet. That’s the thing about time: It makes you want to go back, and you know you can’t. But at this point in my life, it feels really nice to revisit it. I was in a much different place around the 10th anniversary. I was putting out the album I did with Danger Mouse and I wasn’t quite ready to embrace looking back. I can appreciate the record in a different way now. I feel like [Come Away with Me] had a more hopeful circle around it than I ever realized before. Even though it was a very mellow album, mood-wise, and it had a lot of ballads and it had some melancholy moments, the songs and the lyrics are hopeful. Maybe because I was so young, starting my adult life out, and excited for love.

“Don’t Know Why” remains one of your best-known and most beloved songs. When you recorded it, did you know instantly that it was a hit?

No, I didn’t think in terms of hits back then. I didn’t think anything I did was going to be a hit. That’s not the kind of music we heard on the radio. It was basically the first thing we recorded—a snapshot of what we were trying to do, but we weren’t even sure yet what we were doing. It was me moving away from singing old jazz standards, playing piano, and singing Jesse’s songs. We knew it was a great take. We knew it had something special. It was like catching fish. We caught it and then we looked at it and decided, yes, this is what we want. Any session after that was chasing that energy, that vibe. There was no trying to beat it.

Obviously you couldn’t have known how successful this record would be. What were you doing for money at the time?

I started waiting tables when I moved to New York City in the summer of 1999. When I got this record deal, it wasn’t a lot of money. I was still waiting tables. I didn’t hate it, but it wasn’t great. I will say, I preferred it to playing music I didn’t want to play. For instance, I got called to do a bunch of weddings. I remember being asked to sing a lot of songs that I might’ve liked, but it wasn’t what I was trying to do with my life.

Like what, the “Chicken Dance” and “Shout” and that sort of thing?

Yeah, and there’s nothing wrong with that! But it didn’t make sense for me.

Presumably, the success of Come Away with Me came to define you in a lot of ways. But you’ve worked with so many great collaborators, including Foo Fighters, OutKast, and Jeff Tweedy. Do you feel you’ve gotten equal amounts of attention and respect for these projects, or do you get the sense that people still equate you with this first record?

Both. I don’t have a weird defensiveness over the other stuff I’ve done, because I feel like enough people have heard it and responded to it. But, yeah, I know Come Away with Me is always going to be my definitive thing. Good thing I liked it at the time. I’m proud of it. It’s a testament to following what you want to do and not compromising. What if you become successful with something you hate? That would suck. I really learned how to let go of other people’s definitions of me early on. I had to, to be able to thrive in this new environment. You can’t please everybody.

So you don’t mind that more people don’t know about El Madmo, your indie-rock side project?

Aww, no one ever asks me about El Madmo. I loved it. That was at sort of the peak of the second album [2004’s Feels Like Home]. I was a little depressed; I felt a little lost. So, yeah, I didn’t even put my name on the album, because we didn’t want it to be a Norah Jones thing. I don’t think we would have been able to do that with a bunch of weird expectations. That’s what I’ve been striving for with most things. That’s why I try not to let in other opinions. It shouldn’t matter.

What has been the biggest change you’ve seen in the industry over the last two decades?

Streaming and social media. Everything’s completely different now. I feel glad I got to sell records when you could still sell records. And I didn’t have to worry about my Instagram account. I probably would have had a nervous breakdown.

Was it ever strange to be in your early 20s but not to be in the same spaces as your peers—like, say, at the MTV Video Music Awards or in the tabloids?

I was in the world I was in. I didn’t covet that stuff necessarily. I got nominated for an MTV2 award that year [2002], and I went, and it was so fun because I grew up watching them. I didn’t grow up in a basement with just a record player. I grew up with MTV. But, yeah, I don’t think I would survive in a tabloid life. I certainly didn’t have any regrets there.

Maybe you didn’t grow up in a basement with just a record player, but was there an album that was particularly inspirational to your own pursuit of music?

I loved Aretha Franklin. When I got into jazz, I was really into Bill Evans and Billie Holiday and Sarah Vaughan, but I also listened to alternative radio. I got obsessed with Nevermind, and I used to air drum to “Smells Like Teen Spirit.” I loved the Violent Femmes. But when I was listening to that music I never thought, like, Oh, I’m going to do this. And then in high school I started playing jazz and playing gigs, and people seemed to like the way I sang. It seemed very natural. That was my calling. I didn’t have another interest. I had no backup plan. It wasn’t even a plan. I was just doing it all of a sudden.

You starred with Jude Law, Rachel Weisz, and Natalie Portman in the 2007 Wong Kar-wai film My Blueberry Nights. What was that like?

That was a crazy experience. That’s one of those things I wish I could time-travel back to. I was so stressed and freaked out the whole time and trying to stay skinny. I guess you could say I was slightly out of my element. I’m not an actor. But it was life-changing. It was so amazing to watch Wong Kar-wai work, and getting to hang out with movie stars. We had a ball. I still have very good friends from the crew from that movie.

Have you been tempted to do 0ther public-facing projects, like The Voice or a podcast or something?

I don’t think I’ve ever been asked to be a coach on The Voice. I just hate being on camera, you know? I think the biggest annoying thing for me is being asked to talk on camera. Because that’s not my job, necessarily. I feel out of my own skin when I have to do that.

You’re happily married with two children, but you’ve also done two breakup records. Do you think the saying holds true that the best art comes out of pain or heartbreak, or do you feel just as creative when you’re happy?

I definitely think being in pain doesn’t hurt the art. The way I create and write songs has changed a lot over the years. I felt very consistently creative for the last five years, and I think it’s because of the way I think of ideas. They don’t always come from a deep feeling. It comes from a little melody, and you can’t get it out of your head. But I’ve also had periods where I’m not in a lot of pain but the whole world is, and it’s really easy to look outside yourself and feel that. At this point, it’s hard to write a song that’s hopeful.

You’re about to go on tour for the first time since the pandemic. How do you feel about it?

I’m excited. I think it will be a combination of being weird and also like nothing ever happened. Not in a dismissive way; sometimes when you fall back into life it feels like, Oh, yeah, this is normal. You pick up where you left off. It’s going to be special to feel that energy again.


Come Away With Me by Norah Jones

Come away with me in the night
Come away with me
And I will write you a song

Come away with me on a bus
Come away where they can’t tempt us with their lies

And I want to walk with you
On a cloudy day
In fields where the yellow grass grows knee-high
So won’t you try to come

Come away with me and we’ll kiss
On a mountaintop
Come away with me
And I’ll never stop loving you

And I want to wake up with the rain
Falling on a tin roof
While I’m safe there in your arms
So all I ask is for you
To come away with me in the night
Come away with me

No Love Dying

Gregory Porter

Known for his warm baritone vocals, Gregory Porter rose to acclaim in the 2010s with his earthy, cross-pollinated brand of jazz, soul, and gospel. A gifted singer of standards as well as more contemporary soul material, Porter has earned favorable comparisons to his idols Nat King Cole, Donny Hathaway, and Stevie Wonder. He announced his arrival by picking up a Grammy nomination for his 2010 debut, Water. After signing to Blue Note, he gained even wider notice for his third album, 2013’s Liquid Spirit, which hit number two on the jazz charts, and won the Grammy for Best Jazz Vocal Album. Although his original songs are his main focus, Porter often returns to his roots, such as on his 2017 tribute album Nat King Cole & Me.

Born in Los Angeles in 1971, Porter grew up in Bakersfield, California, where his mother was a minister. It was through his mother’s record collection that he fell under the spell of Cole, learning early on how to imitate him. Along with singing, he was also a gifted athlete, and left high school with a football scholarship to San Diego State University. However, after an injury to his shoulder derailed his sports career, he moved to Brooklyn where he worked days as a chef while performing in local jazz clubs. It was during this period that he met saxophonist, composer, and pianist Kamau Kenyatta.

Kenyatta quickly became Porter’s mentor, introducing him to flutist Hubert Laws. Laws then featured Porter on a track on his 1998 album, Hubert Laws Remembers the Unforgettable Nat King Cole. Laws’ sister, Eloise Laws, also heard Porter during the sessions and cast him as one of the leads in the musical It Ain’t Nothing But the Blues, which eventually enjoyed a run on Broadway. In 2010, Porter released his debut album, Water, on Motéma Music. Well-received, it picked up a Grammy nod for Best Jazz Vocal Album. Be Good followed two years later and further showcased Porter’s growing confidence.

In September of 2013, Porter issued his third album and Blue Note debut, Liquid Spirit. Produced by Brian Bacchus, the album was a huge success, landing at number two on the Billboard Top Jazz Albums chart, and scooping up the 2014 Grammy Award for Best Jazz Vocal Album. It also became the one of the most streamed jazz albums of all time, with over 20 million streams. His second effort for Blue Note, Take Me to the Alley, was released in early 2016, and featured Porter’s own version of “Holding On,” a track he co-wrote and previously recorded with electronic act Disclosure. Also in 2016, Porter delivered the concert album Live in Berlin.

The following year he released an album that paid tribute to the artist who had been most influential on his own music. Nat King Cole & Me featured Porter’s versions of some of Cole’s most treasured classics, including “Smile” and “Mona Lisa.” The concert album One Night Only: Live at the Royal Albert Hall arrived in 2018.


Jazz legend Gregory Porter on the art of the protest song Fighting to be heard

“Songs about romantic love are important but there’s also the love song for mankind,” Gregory Porter explains. “I’m not trying to beat anybody over the head with my thoughts. The protest in my music is subtle because I want people to take the song in and consider the ideas. But I hope songs about social change will come to the fore and get more of a spotlight.”

You might not expect such fighting words from a Grammy award-winner and million-album-selling artist, but Gregory Porter’s career has been one long battle to be heard. Born in Bakersfield, California he honed his craft over decades with little-to-no recognition in dark basement jazz clubs before recording his debut, the platinum Liquid Spirit at the ripe old age of 38.

He’s since performed at Glastonbury, guest-vocalled on Disclosure’s massive hit ‘Holding On’ and burst way beyond the small soul jazz scene which birthed him. Despite the widespread acclaim, there’s a burning social critique bubbling under the surface on many of his most powerful tracks, which is present too on his new second album Take Me to the Alley.

“If we’re true to ourselves as artists, we write about conditions that are around us. If things aren’t right, that’s something we have to talk about,” Porter says. One track that stood out on Liquid Spirit, ‘1960 What’ came from a really personal place, Porter explains. “My mother had just passed and I was reconnecting with her story growing up in the South,” he recalls. “I was listening to lots of Nina Simone, lots of soul music, deep blues and thinking about the LA riots, which had happened a few years before, and this recurring story of injustice. Similar things have happened at different points in our history. Whether it’s Martin Luther King, Rodney King or the shooting of any young person, it’s that feeling of injustice that sparks emotion – when people feel their rights aren’t being respected.”

The refrain in the chorus, ‘1960, what? 1960, who?’ refers to the numerous Civil Rights Leaders, such as Martin Luther King Jr. and Medgar Evers, and other figures whose tragic deaths lit the touch-paper for the many incidents of social unrest during the turbulent ‘60s. “I don’t say ‘1970, what?’ or ‘1980, what?’ but the timelessness of the song is implied, for when it happens in the next ten years,” Porter explains. “I hope it doesn’t, but it probably will. It’s a recurring story if we don’t learn from history.”

First aired in Harlem jazz clubs long before Porter’s record deal and the major mobilisation following the deaths of Michael Brown in Ferguson and Eric Garner in New York and the growth of the Black Lives Matter Movement, the song feels all the more poignant with each episode of injustice and reaction that hits the headlines.

Porter’s latest album Take Me To The Alley once again demonstrates his awesome voice, which always has a huge impact across the emotional spectrum, from agony to ecstasy. But when Porter chooses to speak out on society, like on the softly-spoken title track, he takes his lead from the greats of soul and jazz history. He looks back to Marvin Gaye, Nina Simone or John Coltrane, who stood at movements for change in their day.

“When you think about the best protest music, whether it’s Marvin Gaye’s ‘What’s Going On?’ or Bob Marley, it’s beautiful music which carries a deeper meaning to the people you’re singing about,” Porter says. “It’s not always overt: there are great protest songs where it actually took us a while to know they were protest songs. But a good protest song expresses the feeling of a situation to those people being subjected to certain conditions. Great hip hop, as an example, carries interesting self reflection and, almost like CNN or the BBC, reports and broadcasts what’s really happening on the streets, with the aspiration that hope will be coming their way.”


Gregory Porter – «Music was a vent for the pain and frustration I had about losing the biggest, most important, person in my life.»

A POWERFUL baritone with a winning smile, there is no stopping Gregory Porter.

A fateful shoulder injury turned Porter from a sports star to a singing sensation as a Grammy-award winning jazz musician.

The Californian first discovered his voice in church where his mother Ruth was a minister, growing up with seven siblings and with a father who he rarely saw. 

Always framed by his trademark peaked cap with ear flaps, the 44-year-old Porter is swinging his way round the country ahead of the release of his new record Take Me To The Alley.

The Guide: You have risen to prominence slightly later in life than many artists, how do you feel this has affected your music?

Gregory Porter: For me it has been helpful. My talent does not rely on the smoothness around my eyes or my youthful sound. I think for me, musically, it took me some time to season. I have been able to go through some life experiences which probably inform my performances and my recording. I am where I am supposed to be at the right time. Would I liked to have been here when I was 25? Sure, but I am here now and I am happy.

Do you ever reflect on what could have been with regard to your sports career?

I have to say I do not think about what could of been because I think everything happens for a reason. Though it did take me a long time to get to the place where I am now, and who knows where I will be in the future. Everything does happen for a reason, the shoulder injury lead me to this place and gave me a deeper understanding of humility, which is something that features in my music. I do not reflect much on the injury, but I do think about American football. Though I love to watch, I realise I will not force my son to play because it really is a dangerous game. I will let him decide what sports he wants to play. If he wants to be a great tennis or golf player I will not frown at that and I will appreciate that.

How much did your musical talent develop while you were rehabbing the injury?

It was more when I was rehabbing from the passing of my mother. The long period of mourning I was in was eased by music, by her encouraging me on her deathbed. It was a much deeper emotional experience in losing my mother which created an avenue or a vent for the pain and frustration I had about losing the biggest, most important, person in my life. It was an emotional watershed moment and really in a way helped me think inward in terms of my songwriting and realise the personal is universal sometimes and I was not the only one going through pain, or the only one going through joy, so to express those human emotions in music came from this deep experience.

How much did winning the Grammy for Liquid Spirit mean to you?

It was a very important moment in my career and it felt wonderful being honoured by my peers. In a way it was encouragement for the way I write and perform the songs, and in using the influences from my childhood and infusing that with my approach for jazz.

How much did your large family upbringing, with seven siblings, influence you?

It was very important. Finding a way to be different and to stick out in a way to be recognised by your mother, so I was known to do things my mother liked – singing, cooking and foot massages. These were things she enjoyed and encouraged. I had so many brothers and sisters competing for attention, not love, she loved us all, but attention. But also just bouncing ideas, thoughts and experiences off your brothers and sisters is available. 

How important was your relationship with your mother to you personally and your music?

In a way much of my lyrics are a synthesis of her thoughts or maybe sometimes her sermon. Some of the things she said go through me as poetry. As I go through my music and listen to the songs, I hear a lot of her, I cannot get away from it. I think the point I decided to embrace that, as opposed to running away from it, was when my success started. Even with my voice, when I started to embrace the fact and idea my voice was nurtured in church and I started to sing like I had for years in spiritual pursuit it helped my own personal music.

You father was absent, how did that affect you?

The understanding of the loss and absence of something you desired is very important in music. You do it with lost love, this is central to songwriting and my songwriting. The understanding of something you did not have has been very important to me, so I am thankful to him for the genetics of my voice and after sometime I could positively look at it as giving me a story and a message to sing about.

Who are some of the artists who have left the biggest impact on you?

Both known and unknown artists have affected me, from little known blues artists to the great stars like Nat King Cole, Bill Weathers, Donny Hathaway, Marvin Gaye, and female singers like Carmen McCray and Abbey Lincoln. Storytellers. But in particular male singers who have had some experience in their childhood singing in church in this emotive style.

What sort of things are you exploring on Take Me To The Alley?

Mutual respect, the ups and downs of love, I have a protest song with Fan the Flames, and even the title track has some politics in there as well.

Jazz is often considered quite a niche genre, why do you think that is?

It is because of the vast umbrella that it sits up under. A person can listen to the most extreme expression of jazz and think that is the entirety of the music. Sometimes it takes great understanding and study, and even study of personality, to understand some of the music that is under the umbrella of jazz. But there is music which is accessible as well. Herbie Hancock has proven instrumental in being on both ends of that spectrum with the experimental forward-thinking music and harmonies that expand the mind as well as being on the funky, danceable music, all being under the jazz label. To say you think you know exactly what jazz is upon one listen is an impossibility, it takes years and thought to full understand it. 

What is the story behind your famous hat?

It is just my thing. It is mine.


Gregory Porter: The only reason I am here today is because of what my mother told me as she was dying

«So, are you going to have one?” High noon at a sun-dappled circular corner table at The Standard hotel in London and Gregory Porter has just ordered his preferred tipple, an Old Fashioned. If you know anything about who Gregory Porter is (a Grammy-winning jazz singer) and what he does (sell hundreds of thousands of albums on a scale not seen since Michael Bublé slid across a stage in a brushed velvet tux), the order is about as apt as Patrick Bateman calling for a Bloody Mary – or Taylor Swift for an American Dream.

Before Porter single-handedly reignited contemporary jazz with his dapper duds, a hat to remember and a voice that sounds like a cartoon lion gargling honey and dosed on CBD gummies, jazz was something fiftysomething geography dons listened to over a glass of vinegarised sherry. Not so now, as jazz has got its groove back, with Porter’s music (and his whole cosmic, cuddly vibe) adored by Spanish millennials and South Korean boomers alike. Despite having numerous dates from his European tour postponed due to the coronavirus outbreak, we caught up with Porter to talk about how he flipped the jazz scene, soul-searching and all things ski-ba-bop-ba-dop-bop… You dig?

How’s the fame game treating you?
You know, very well, actually. I’m OK with [fame]. It’s just, you know, people trying to get close to me in some kind of way. I get the laughs, the tears. Women, mothers, lovers – these people come up to me and tell me very intimate things: “Oh, my father was dying and we had your record on” or “Your voice is what I heard when I was having my baby…” I’m like, “Oh, well, I’m glad I was in the room!” You know? They just want a little piece of that moment again and I’m happy to oblige.

You like a cocktail, I see. Have you ever tried to stop drinking?
[Laughs.] Not so much, no. I like a good gin and tonic actually, that’s my go-to. I like all the small-batch stuff, the various aromatics you can blend and mix. I like my drinks fully loaded, if you know what I mean? I dig a cold beer too. Sometimes when it’s hot you can’t beat a bit of effervescence. But all those nonalcoholic drinks? Maybe sometime. Who knows? There seems to be a lot of ways to replace the bottle. The question is, why would I try to replace it?

So as well as a new album out, All Rise, you have a podcast, The Hang? I heard the episode with Jeff Goldblum, who is also a jazz fan…
Yeah. Jeff and I met in Los Angeles airport a few years ago now. He ran right up to me, being all “Jeff”, and he was like, “I’m a big fan! I want to play with you!” He has those moments when he can seem a little possessed, right? He tells me my voice has compassion and vulnerability… I’m just thinking, “I’m talking to the damn ‘Fly’, man,” you know what I mean? I am continually shocked at where my music gets to and where it is heard. It’s a gift for me and still blows my mind.

Where did you grow up?
A place called Bakersfield, California; it’s no jazz mecca. It’s got a music vibe, sure, but not so much a live-performance vibe. The biggest names that came from there are some of the old country artists and Korn, the metal band. I went to high school with those guys. I beat them in a talent show in our junior year. They came out and killed their song; it was cool. But afterwards, as the curtain was closing, one of them jumped out and gave the judges the middle finger, so they got disqualified. They were always real rock’n’roll, real raggedy.

You usually gig 200 days a year. What do you do on rare days off in a foreign city?
Vintage shopping is a big thing for me. I love my brand-new Paul Smith suits, for sure, but it was my mother who turned me on to vintage, or what we called thrift stores back then. All my classmates, none of the kids could understand how we were dressed so smartly, because it was all tailored but secondhand, you know? We’d go into school wearing these high-waisted trousers with square-cut pockets on the side. We had those shoes – we’d call them “pilgrim” shoes – but they were the monk straps. Beautiful objects. Thing is, my mother was all about helping people. She was a nurse and a minister. I have a song called “Take Me To The Alley” and it’s about feeding and helping those people down and out on the street, how my mother would help them. She wouldn’t let us get attached to any of those clothes she bought us; she’d see a little boy who came from some Southern town with nothing to his name, go home and give all our fine clothes to him.

That’s quite a lesson to learn.
Yeah. I mean, I am not going to pretend we enjoyed that lesson at the time, but it’s stayed with me and now, of course, I am so glad she imparted that message of charity to us. Boy, my brother rebelled against it; I was more of a mama’s boy. I have a son now and I try to do the same. I get in his face and I make sure he gets bored of me. It’s funny, a critic said of my music the other day that I was too positive, that my music was too full of hope, too uplifting… They said, “Don’t you have any Leonard Cohen darkness in you? Some Bob Dylan hatred?” I actually consider myself and my music a push-back on some of the negative energy of racism, bigotry and so on out there. But have I experienced darkness? Damn right. I’ve experienced a motherfucker pissing in a beer bottle and throwing it out of a car window at my mother’s house. I’ve seen all the darkness I need to see. I just chose to channel that into something brighter for the listeners.

Was Bakersfield a tough neighbourhood to grow up in as a young black man?
They used to do all kinds of things to our house. We actually lived in a good neighbourhood, Christmas Tree Lane, one of the smartest streets in Bakersfield. My mother had bought us a house. We were one of only two black families in the area – we still know the other family, in fact. I mean, this is California, not Mississippi, but there was still racism there. People cutting down trees, burning crosses – it happened. But then I guess some of those old folks died, along with their views. Most of them anyway, although then along came Donald Trump…

We’ve had our own issues of racism here in the UK, not least concerning the treatment in the media of Meghan Markle.
There could be 101 reasons why Prince Harry and Meghan wanted to leave the UK, not least after the treatment of his mother by the press. Maybe he just wants to protect his wife and child, you know? But, no, they all have to jump on her and insist she is the reason. I am just not sure we needed the full ticktock on it; the cameras following them to Grandma’s house – excuse me, Her Majesty The Queen’s house – a 24/7 news report on cars driving back and forth. My feeling is they had talked it all through, it was arranged and then they were being stalled. So, guess what, they took it to Twitter! But, well, I don’t think we’ll ever really know and, to be honest, it’s their business, right?

This is the Heroes issue. Who were your musical heroes growing up?
My mother’s house was always filled with music. We had one of those big wooden consoles – would probably cost a fortune now, but most households had one. The turntable was one end, the eight-track was the other. My mother’s thing was gospel music – that really was the sound that resonated throughout the house. Also, she had her classic albums – Miles Davis and Ella Fitzgerald. The only reason I am here today is because of my mother and what she told me as she was dying. I had never really believed a singing career was possible before, but as she was in hospital, almost her last words to me were to encourage me to be a professional singer. That was the spark that lit the belief.

When did you realise that you were better than average?
Well, that’s a tough one, but I remember when someone I really respected first gave me the nod, you know? There was this real cool cat, a drummer, I used to play with. He was like a Ginger Baker type: sharp clothes, shirts just perfect, hat to one side, always got a few chains around his neck. He’s a crazy cat, drumming away, taking hits of extracurricular substances in between hitting the snare, without even missing a beat. There was this song we used to play together and I remember he turned to me and was like, “You’re going to outgrow these small clubs. You about to blow up!” When I first started, another sign was all the tourists that flocked into the tiny clubs we were doing in New York City. It gave me a feeling there was a global appetite for jazz, the like of which I hadn’t noticed before. Japanese, Russian, French, they kept asking me, “Hey, when you coming over to see us?”

What was your experience of those first tours outside America?
Look, I don’t want this to sound like the beginning of a romantic drama or anything, but that first time we toured? That very first night? I met my wife, Victoria. I thought, “Wow, jazz. If I can get girls like this…” She loved jazz, which helped. We got out there and found an audience. There are people in all parts of the world, in drink-sodden, smoke-filled clubs making jazz music, man. I never forget going to Russia for the first time and playing an old bomb shelter. There was this young 19-year-old trumpeter… If you look hard enough, the scene is right there, right under your nose.

Where did that voice of yours come from?
You know, that’s a good question and one I hadn’t really asked myself until recently. My father was never around; he was close to us in LA, but never there as such, you know what I mean? The thing I always thought he gave me, the thing he never had, was that gene that said, “Let me go look after my children.” You know what he said to me once when I reached out to him? “I will forget more than you could ever learn.” I could slam my fist on the table when I think about that. It’s hard even now talking about it. It’s been a thing I’ve had to wrestle with my whole life, his absence. Yet someone asked me recently, “Where did you get your singing voice?” And I always thought it was my mother – she was a singer. But at her funeral, people came up to me and told me something I never knew: “Boy, could your daddy tear the house down.” He was a fine singer and they say I got my voice from him. So in the end I guess he did give me something significant. And I’m gonna take it and wrap his memory up in that.


Jazz singer Gregory Porter is an ex-lineman with a blues-infused soul

“I came to writing my own music not because of some love story or from some broken heart,” said jazz singer Gregory Porter. “It was my father. I had a pain in my chest about him not showing enough interest in my life as a child.”

orter — 6-feet-5 and 255 pounds — earned a San Diego State athletic scholarship in football as a lineman. But shortly after his January 1990 enrollment, he suffered a career-ending rotator cuff injury. After moving from Bakersfield, California, to the Bedford-Stuyvesant area of Brooklyn, New York, to work as a chef at his brother’s restaurant, he began to moonlight as a crooner in the clubs, cafes and restaurants of Brooklyn and Harlem, New York. “So when I started to exorcise this pain in my heart … it came out as melody and lyric about him, and our relationship.” Four albums and two Grammys later, his velvety voice remains a funky fusion of jazz, blues, soul and gospel.

From those tiny club stages, Porter began a journey to become a male African-American jazz singer — whom BBC calls a “worryingly rare breed.” Porter signed with the Motema label and released Water in 2010. Porter’s baritone voice and mindful songwriting have placed him in the highest of ranks. He was awarded his first Grammy for 2012’s Liquid Spirit, and earned his latest Grammy for his 2016 Take Me To The Alley in the best jazz vocal album category. His voice has the rasp of Sam Cooke, but also the liquid butter sound of his favorite artist Nat “King” Cole. This is mixed with the soulful lyrics that greet you with a dose of realism and the careful arrangements of Donny Hathaway.

Porter, along with his seven siblings, was raised by his minister mother, Ruth, while his father, Rufus, a Memphis, Tennessee, native, was not there for them. Raising her children in the church and instilling in them those Christian and gospel roots, Porter’s mother remains an inspirational source in his life. She died of cancer when Porter was just 21.

“I remember standing in my apartment in San Diego, boo-hooing,” he said in 2016. “But it turned out great. I think my mother saw the positive side of my injury before I did … [she] said, ‘Now you have more flexibility to explore music, focus on your studies, and see what happens’ … I think I ended up in the right place.”

How old were when you began singing?

I was 5. There were eight kids — we were basically a choir. So there was a lot of music in the house. It always just felt like the right thing, my thing. Also, you find a way to stick out with eight kids and it was just my thing.

How did you develop your sound?

That gospel migration that came from the South. My mother was from Shreveport, Louisiana, and my father from Memphis, Tennessee. Some of those roots came to central California that I was exposed to in church. Very old roots. I was singing with a lot of older singers, 80-year-old singers, when I was a little kid. So I was probably getting something from … music from the turn of the century or the ’20s, stylistically. So, yeah. I picked up a lot from them. When it came time to do my jazz, the one thing that set me apart was I had this country, gospel, blues background. At the moment I started to utilize that in my singing was when success started to happen. It was a different sound. A more grounded, rooted sound that I was bringing into my jazz.

How did you get into in the storytelling aspect of your songwriting?

I wanted to make music that struck me the way listening to Nat Cole’s music or Sammy Davis Jr.’s music struck me. The story is most important. I realized that when writing from a personal experience, writing about grounded soulful things, I was most effective at communicating in song. I started dealing with my relationships, I started dealing with what I feel about love, and the country and … things I feel about … race, mutual respect and justice. All these things come out in my writing.

I started dealing with what I feel about love and the country and … things I feel about … race, mutual respect and justice. All these things come out in my writing.

How does your music relate to your spirituality?

I’m not trying to beat anybody over the head with spirituality … I’m trying to stretch out and touch … everybody … But my spirituality, it can’t help but find its way into the music. That’s the way that it is.

Where is your favorite place to write your music?

Planes, trains. In cars. When I’m in motion. Something about moving past people, buildings and environments, it sparks some desire for me to write. It causes me to consider where I’ve been, and in a way, where I’m going.

Do you write on your laptop, iPad — or old-school pen and paper?

All of those. I’ve even had somebody turn their camera on and just tape me for 15 seconds, and then have them send it to my email. I don’t want to miss … you know what I mean? “Our Love,” I wrote while walking around the Tower of London. “Be Good,” I wrote on my bike on my way home from getting dinner. That’s the way I write — I don’t write. I don’t sit down at a table and say, ‘OKnow it’s time to write a song.’ I can’t do it like that. However I capture it is how it happens. It has to get captured.

What’s been the hardest part of your journey?

It’s all a blessing … to be able to have this career. The difficulty is in the consequence of love. I begin to hate time and distance because it keeps me away from my loved ones, my family, my favorite coffee shop, my son, my dear friends. If you commit to doing 300 days on the road, then somebody’s going to suffer in terms of your friendships. I think the disconnection that I may have with my closest friends is the toughest thing. It’s like constant small heartaches — engaging people and then releasing them.

Where were you when you learned of your most recent Grammy nomination?

For some reason, they come out late at night on the East Coast. I always just remember being woken up in New York. Somebody jumping on my head and saying, ‘You got nominated!’ But this time, I was just cooking in the kitchen. I wasn’t aware of when the nominations were being announced and my wife is pretty good, she’s like, ‘Yeah, hey, you.’ She came into the kitchen and told me. I was like, ‘All right. That’s great. I’ll take that.’

Something about moving past people, buildings, and environments, it sparks some desire for me to write.

You recently did a collaboration with Kem on “Holding On.” How was that experience for you?

Great. I was a fan, and he’s an artist with a unique musical character, and so, it was a really good fit. He has a strong point of view, and when he co-produced “Holding On,” it was me, but it was with the essence of Kem. It’s still doing very well.

What’s been the most simple part of your journey?

The simplest, or the most beautifulest, is really just engaging different cultures all over the world. Whether it’s Australia, Mexico, Indonesia … when I get there, people know my name, shake my hand, and welcome me. It’s based on not some status, or some shiny suit I’m wearing. It’s based on some words I said that opened their heart. So, that’s really cool, and that makes me feel probably most proud of the music. I go so many places around the world, and it’s like there’s somebody there that knows me for some positive reason. They scream out of a car, ‘Gregory, I love you!’ That’s not negative. That feels good. I ain’t lie about that.


Gregory Porter is just a regular dude who paints fences — and wins Grammys

Grammy-winning jazz singer Gregory Porter had a to-do list before hitting the road: Paint the fence and chop down some trees.

«The way I stay grounded is by cleaning out my gutters and reorganizing the garage, changing diapers,» he said last week from Bakersfield, Calif., a day before his tour started. «I’m just a regular dude.»

There were other issues to deal with, including his organist missing the first two nights of the tour because of COVID symptoms. The singer takes COVID precautions seriously, especially after one of his brothers died of the coronavirus in 2020.

«If science and cities tell us we have to shutter again, I’m OK with that,» he said. «I’m all for keeping people safe.»

When Porter comes to St. Paul’s Fitzgerald Theater on Sunday, he will be cognizant of the racial reckoning in the Twin Cities with the deaths of George Floyd, Daunte Wright, Winston Smith and Amir Locke at the hands of police.

«I’m conscious of current and past trauma in areas I’ve been to,» he explained. «This is entertainment but it’s much more than just entertainment; there’s a deeper thing that happens.»

Porter recalled a 2015 concert in Israel where he was confronted by a boycott over alleged Israeli human rights violations, which he wasn’t aware of when he signed the contract.

«There was so much pressure and political energy that I had to speak with my mother in the sky before I approached the stage,» said Porter, who began singing at a Bakersfield church where his late mother was a minister. «So I talked about brotherhood, and sang songs about offending the least one and looking out for your brother as a point of political differences.»

Porter, 49, is touring behind «Still Rising — The Collection,» last fall’s retrospective of 34 songs that connects the dots in a stellar career that has seen him collaborate with everyone from opera diva Renee Fleming and pop experimentalist Moby to the late crooner Nat King Cole and early rocker Buddy Holly (via technology). Many of those duets are on the double album.

«The record is a good example of respecting music by not respecting genre,» said Porter, who has won a pair of Grammys for jazz vocal albums.

«I approach things like a jazz singer. I feel like a jazz singer in my body and in my voice, but sometimes because it’s jazz, the gospel, the blues, the soul, that comes out as well. Music associated with Black American music. They are cousins; one has been built off another, one has influenced another. I don’t feel a necessity to separate them.»

«All Rise,» his 2020 album, is easily the most gospel-infused of his 12-year recording career. The singer said that direction was organic, reaching back to the first music he sang as a child.

The video for the single «Revival,» from «All Rise,» alludes to Freddie Gray, who died in the custody of Baltimore police in 2015, but Porter feels the song has a broader sweep.

«It does apply to the cloud and darkness that can be put upon you by racism and the many difficulties we have in our society [but] it’s more than that. It’s also the internal self-doubt. It pertains to all people.»

Jazz as protest music

Porter has more obvious protest songs in his repertoire, including «1960 What?» and «Mister Holland,» about how he was treated rudely by the father of a white girl he hoped to date in high school.

Grammy-winning jazz singer Gregory Porter had a to-do list before hitting the road: Paint the fence and chop down some trees.

«The way I stay grounded is by cleaning out my gutters and reorganizing the garage, changing diapers,» he said last week from Bakersfield, Calif., a day before his tour started. «I’m just a regular dude.»

There were other issues to deal with, including his organist missing the first two nights of the tour because of COVID symptoms. The singer takes COVID precautions seriously, especially after one of his brothers died of the coronavirus in 2020.

«If science and cities tell us we have to shutter again, I’m OK with that,» he said. «I’m all for keeping people safe.»

When Porter comes to St. Paul’s Fitzgerald Theater on Sunday, he will be cognizant of the racial reckoning in the Twin Cities with the deaths of George Floyd, Daunte Wright, Winston Smith and Amir Locke at the hands of police.

«I’m conscious of current and past trauma in areas I’ve been to,» he explained. «This is entertainment but it’s much more than just entertainment; there’s a deeper thing that happens.»

Porter recalled a 2015 concert in Israel where he was confronted by a boycott over alleged Israeli human rights violations, which he wasn’t aware of when he signed the contract.

«There was so much pressure and political energy that I had to speak with my mother in the sky before I approached the stage,» said Porter, who began singing at a Bakersfield church where his late mother was a minister. «So I talked about brotherhood, and sang songs about offending the least one and looking out for your brother as a point of political differences.»

Porter, 49, is touring behind «Still Rising — The Collection,» last fall’s retrospective of 34 songs that connects the dots in a stellar career that has seen him collaborate with everyone from opera diva Renee Fleming and pop experimentalist Moby to the late crooner Nat King Cole and early rocker Buddy Holly (via technology). Many of those duets are on the double album.

«The record is a good example of respecting music by not respecting genre,» said Porter, who has won a pair of Grammys for jazz vocal albums.

«I approach things like a jazz singer. I feel like a jazz singer in my body and in my voice, but sometimes because it’s jazz, the gospel, the blues, the soul, that comes out as well. Music associated with Black American music. They are cousins; one has been built off another, one has influenced another. I don’t feel a necessity to separate them.»

«All Rise,» his 2020 album, is easily the most gospel-infused of his 12-year recording career. The singer said that direction was organic, reaching back to the first music he sang as a child.

The video for the single «Revival,» from «All Rise,» alludes to Freddie Gray, who died in the custody of Baltimore police in 2015, but Porter feels the song has a broader sweep.

«It does apply to the cloud and darkness that can be put upon you by racism and the many difficulties we have in our society [but] it’s more than that. It’s also the internal self-doubt. It pertains to all people.»

Jazz as protest music

Porter has more obvious protest songs in his repertoire, including «1960 What?» and «Mister Holland,» about how he was treated rudely by the father of a white girl he hoped to date in high school.

«Yes, protest music is an essential part of the jazz expression,» he said. «To give a full picture of singing a song about optimism, you have to talk about where you’re coming from. There’s a reason you’re crossing the River Jordan, because on this side you’re catching hell.»

Overt racism was part of Porter’s childhood in Bakersfield. There were only two Black families in his neighborhood. A 30-foot cross was burned in their yard. One of his brothers was shot while walking home from work. Bottles filled with urine were tossed through their windows.

One of seven kids whose father abandoned them when Gregory was a toddler, Porter still managed to find his way. He won a talent contest in high school by singing a gospel tune after a well-received band rocked out and then flipped off the audience. Those musicians went on to eventual fame as the metal band Korn. (Lead singer Jonathan Davis recently friended Porter on Facebook.)

Porter headed to San Diego State University on a football scholarship. Knowing that the lineman could sing, teammates Marshall Faulk and Darnay Scott (both future NFLers) asked him to perform a song at practice one day.

«All day long in the locker room, these guys were listening to hip-hop, R&B and soul music, and on the football field I sang [the jazz standard] ‘Moody’s Mood for Love.’ They had this perplexed look on their faces.»

A shoulder injury halted his football career, so Porter focused on getting a degree in urban planning. Meanwhile, his dad, whom he barely knew, died when Porter was 20, and his mother passed the next year of cancer.

«My mother was on her deathbed. I was telling her I was going to finish my degree and wear brown shoes and have two kids and everything’s going to be normal,» he recalled.

She advised him otherwise.

«With her last breath, she was encouraging me to pursue music. It gave me kind of license to pursue it even if it wasn’t bringing me immediate success.»

As for his dad, «he gave me no time, no counseling, no money, nothing. But I learned at my father’s funeral that he was a great singer. He gave me something. My voice. I’ll take that.»

Porter has a scrumptious baritone that evokes Lou Rawls, with hints of Nat King Cole, Joe Williams, Donny Hathaway and Bill Withers.

That versatility has led to invitations to sing on records with world-class cellist Yo-Yo Ma and electronic dance duo Disclosure, among others.

While his ingredients may vary from song to song, there is one constant for Porter: his Kangol Summer Spitfire hat.

He has 30 or 40 at home, but saves the black ones for the stage. «Some are for working in the yard,» he noted.

Like he said, a regular dude.


No Love Dying by Gregory Porter

There will be no love that’s dying here
The bird that flew in through my window
Simply lost his way
He broke his wing I helped him heal
And then he flew away

Well the death of love is everywhere
But I wont let it be
There will be no love dying here for me
There will be no love that’s dying here

The mirror that fell from the wall was raggedy that’s all
It rests upon a rusty nail
Before it made it’s fall
Well the bones of love are every where but I wont let it be
There will be no love dying here for me

There will be no that’s dying here
Four flowers is my aging faces, not a sign within
I payed for three a sweet old lady gave me four instead
Theres some doubt thats out about this love but I wont let it be
There will be no love thats dying here for me

There will be no love that’s dying here
The bird that flew in through my window
Simply lost his way

He broke his wings I helped him heal and then he flew away
Well the death of love is everywhere
But I wont let it be
There will be no love dying here for me
No-o-o-o oh

There will be no love that’s dying for me
There will be no love thats dying for you and me
Oh there will be no love dying here
No-o not for me

There will be no love that’s dying here
There will be no love thats dying here
No, no, no, no, no no no
There will be no lo-o-o-ve dying for me

Bürger der Welt

Die Geschichte Berlins

775 Jahre Berlin – das ist die Geschichte der Stadt voller Höhen und Tiefen. Abgesehen von gravierenden Rückschlägen wie der Zeit des Nationalsozialismus entwickelte sich Berlin seit seiner Gründung kontinuierlich zu der Stadt der Vielfalt, die heute weltweit respektiert und geschätzt wird.

Von der Gründung Berlins (1183) bis zu Königin Luise († 1810)

Mittelalterliche Handelsstadt

Auch wenn Landesarchäologen 2008 am Petriplatz vermutlich aus dem Jahr 1183 stammende Eichenbalken gefunden haben – offiziell fand die Stadtgründung Berlins 1237 statt. Als Vereinigung der beiden Kaufmannssiedlungen Cölln und Berlin entstand im heutigen Bezirk Mitte bis 1400 eine Doppelstadt mit 8.500 Einwohnern, 1.100 Häusern und drei Rathäusern. Das erste davon befand sich am Platz der Nordwestecke des aktuellen Berliner Rathauses. Bis zum Anfang des 15. Jahrhunderts unterstand Berlin wie Brandenburg den Askaniern (1157-1320), den Wittelsbachern (1323-1373) und den Luxemburgern (1373-1415).

Berlin der Hohenzollern

Ab 1415 herrschten mehr als 500 Jahre die Hohenzollern über Berlin. Von Friedrich I., Kurfürst und Markgraf von Brandenburg, bis zu Wilhelm II. (1888 bis 1918) regierten sie durchgängig – ab 1701 als Könige in Preußen und 1871 mit dem Titel des Deutschen Kaisers. Friedrich II. legte auf der Cöllner Spreeinsel den Grundstein für das spätere Berliner Stadtschloss, das unter Kurfürst Johann Cicero zur ständigen Residenz der Hohenzollern in Brandenburg wurde. Berlins wachsende politische und wirtschaftliche Bedeutung wurde unterstützt durch das Bekenntnis der Brandenburger Kurfürsten zur Reformation (1539) sowie die Ansiedlung der jüdischen und hugenottischen Gemeinde unter dem Großen Kurfürsten Friedrich Wilhelm (1685: Toleranzedikt von Potsdam). Mit diesen konfessionellen und strukturpolitischen Maßnahmen legten sie den Grundstein für Berlins Entwicklung zur Stadt der kulturellen Vielfalt.

Königliche Hauptstadt

Friedrich I.

Das heutige Schloss Charlottenburg geht zurück auf Kurfürst Friedrich III., der es 1695 für seine Frau Sophie Charlotte bei Lietzenburg errichten ließ. Als König Friedrich I. in Preußen vereinigte er 1709 die Städte Berlin, Cölln, Friedrichswerder, Dorotheenstadt und Friedrichsstadt zur Haupt- und Residenzstadt Berlin. Für die nun 55.000 Einwohner entstand auf seine Order hin ein Pesthaus außerhalb der Stadtmauern, das sein Nachfolger Friedrich Wilhelm I. 1727 zu einem Lazarett mit medizinischer Übungsschule umfunktionierte und es Charité nannte.

Friedrich der Große

Im Berliner Stadtschloss geboren, regierte der Alte Fritz im Sinne eines aufgeklärten Absolutismus. Er brachte Preußen neben drei Kriegen und auch den Aufstieg zur europäischen Großmacht. 1763 gründete er die Königliche Porzellan-Manufaktur Berlin und ließ bis 1769 das Neue Palais in Potsdam erbauen. Im Zuge der Regentschaft Friedrich II. entstand in Berlin eine repräsentative Architektur, die bis heute Unter den Linden erhalten geblieben ist. Hier bilden Zeughaus (1706/endgültige Fertigstellung 1730), Kronprinzenpalais (1633/Umbau 1732), Prinzessinnenpalais (1737, heute Opernpalais), Staatsoper (1742), Prinz-Heinrich-Palais (1756, seit 1810 Humboldt-Universität zu Berlin), St. Hedwigs-Kathedrale (1773) und Alte Bibliothek (1780) ein barockes Gebäudeensemble.


Im Anschluss an den Siebenjährigen Krieg entstanden in Preußen die ersten künstlerischen und literarischen Salons nach französischem Vorbild. Bei Damen der Gesellschaft wie Karoline Friederike von Berg fanden sich Literaten wie Herder, Wieland, Goethe oder Jean Paul, aber auch hohe Staatsbedienstete wie der Freiherr vom Stein, zum intellektuellen Austausch zusammen. In den jüdischen Salons von Henriette Herz oder Rahel Levins waren auch Frauen eingeladen – Henriette Mendelsohn, Sophie Mereau-Brentano und Bettina von Arnim trafen hier auf Wissenschaftler wie Alexander und Wilhelm von Humboldt oder Angehörige des Hochadels wie Prinz Louis Ferdinand von Preußen. So konnten vermögende jüdische Familien über den Weg der Geselligkeit ihren Ausschluss vom gesellschaftlichen Leben umgehen und sich zunehmend emanzipieren.

Königin Luise

Luise von Mecklenburg-Strelitz erlangte bereits zu Lebzeiten Kultstatus. Als Königin Luise nahm sie die Menschen durch ihre Schönheit und ihr unkonventionelles Wesen für sich ein. Über ihre Hofdame Frau von Berg, die einen berühmten literarischen Salon in Berlin Tiergarten unterhielt, erhielt sie direkten Zugang zu zeitgenössischer Literatur von u. a. Goethe, Herder, Jean Paul. In Tilsit stellte sich Königin Luise nach der Niederlage Preußens gegen Napoleon, erhobenen Hauptes dem Sieger entgegen und erbat von dem Franzosen maßvolle Friedensbedingungen. Die Grabstätte der 1810 mit nur vierunddreißig Jahren verstorbenen, zehnfachen Mutter im Schlosspark Charlottenburg ist bis heute die „Wallfahrtstätte“ der zahlreichen Luise-Fans geblieben.

Deutsche Revolutionszeit (1830er-1870er) und Deutsches Kaiserreich (1871-1918)

Industrielle Revolution

Die zahlreichen Produktionsfeuer sowie die großen Rauchmengen aus den Schornsteinen der sich dort ansiedelnden Eisengießereien und Maschinenbaufabriken brachten Teilen der Oranienburger Vorstadt im 19. Jahrhundert den Namen „Feuerland“ ein. August Borsig baute hier die erste eigenständig in Deutschland entwickelte Lokomotive und in der Schlegelstraße startete Emil Rathenau, Gründer der AEG, mit Edisons Glühbirnen den Siegeszug des elektrischen Lichts in Berlin. Heute weltweit bekannte Unternehmen wie Siemens (1847), Schering (1864) und Schwartzkopff (1852) entstanden und zogen immer mehr Arbeitskräfte vom Land in die Stadt. Berlins Einwohnerzahl inkl. angrenzender Siedlungsgebiete wuchs auf 400.000 Menschen.

Bürgerlich-demokratische Revolution

Mit der Industriellen Revolution verbunden war der Niedergang des Handwerks und das Entstehen eines Industrieproletariats in Berlin. Arbeitsbedingungen, Arbeitslosigkeit, Armut, Missernten und steigende Lebensmittelpreise führten zu wiederholten Aufständen. Schneider- (1830), Feuerwerks- (1835) und Kartoffelrevolution (1847) wurden staatlicherseits rigide bekämpft und mündeten in die Deutsche Revolution von 1848/49. Angesichts der deutschlandweiten bürgerlich-demokratischen und nationalen Einheits- und Unabhängigkeitserhebungen sowie des Berliner Barrikadenaufstands machte König Friedrich Wilhelm IV. im März 1848 zunächst politische Zugeständnisse. Um sie nach dem Zeughaussturm (Juni 1848) im Zuge der Konterrevolution wieder aufzuheben und mit der Auflösung der preußischen Nationalversammlung die alten Machtverhältnisse wieder herzustellen. 1869 zog der Berliner Magistrat in sein neues „Rotes Rathaus“. Zum 150. Jahrestag der Märzrevolution wurden 1998 Gedenktafeln angebracht, die an die Barrikadenkämpfe und deren Opfer (u. a. Ecke Oberwallstraße/Werderstraße, Tauben-/Friedrichstraße, Deutsche Kirche am Gendarmenmarkt) erinnern.

Kaiserliche Reichshauptstadt

Nach Eingemeindung der Vorstädte Wedding, Gesundbrunnen und Moabit sowie Anteilen der Feldmarken Charlottenburg, Schöneberg, Tempelhof und Rixdorf lebten zu Beginn der Deutschen Kaiserreichs 1871 fast 1 Million Menschen in Berlin und seinen Vororten. Es entstanden für Berlin typische „Mietskasernen“ wie die Viktoriastadt sowie die repräsentative Gründerzeit-Villenkolonie in Lichterfeld-West. Nach dem gewonnenen Deutsch-Französischen Krieg 1870/71 legt Reichskanzler Otto von Bismarck anfänglich einen liberalen Kurs gegenüber linken Gruppierungen wie der Sozialistischen Arbeiterpartei August Bebels und Wilhelm Liebknechts an. Um sie ab 1878 mit dem „Gesetz gegen die gemeingefährlichen Bestrebungen der Sozialdemokratie“ zu bekämpfen. 1890 ging die SADP als stärkste Partei aus den ersten Reichstagswahlen unter Kaiser Wilhelm III. hervor und Bismarck wurde aus dem Amt entlassen. 1906 nutzte der Schuster Wilhelm Voigt die Uniformhörigkeit im Preußischen Staat aus – er lenkte als Hauptmann verkleidet echte Soldaten in das Köpenicker Rathaus, wo er die Stadtkasse und Aufenthaltspapiere für sich raubte. 1907 öffnet am Wittenbergplatz das KaDeWe (Kaufhaus des Westens) mit gehobenem Sortiment und Luxuswaren sein Geschäft.

Groß-Berlin 1920

1911 wurden mit dem „Zweckverbandsgesetz für Groß-Berlin“ die kreisfreien Städte Berlin, Charlottenburg, Deutsch-Wilmersdorf, Lichtenberg, Neukölln, Schöneberg und Spandau sowie die Landkreise Niederbarnim und Teltow zusammengeschlossen. Der Zweckverband mit rund 3500 Quadratkilometern Fläche und 4,2 Millionen Einwohnern führte nicht zu dem erhofften sozialen Ausgleich zwischen den einzelnen Gemeinden. Erst in der Weimarer Republik konnte Berlin durch das so genannte Groß-Berlin-Gesetz von 1920 zu einem eigenständigen Regierungsbezirk mit provinzähnlichen Funktionen und zur flächenmäßig zweitgrößten Stadt der Welt werden – durch die Eingemeindung von Berlin-Lichtenberg, Berlin-Schöneberg, Berlin-Wilmersdorf, Charlottenburg, Neukölln und Spandau sowie der Stadtgemeinde Cöpenick, 59 Landgemeinden und 27 Gutsbezirke aus den Kreisen Niederbarnim, Osthavelland und Teltow.

Die 1920er Jahre

Erster Weltkrieg und Revolution

Der sich auf Grund von Bündnisverpflichtungen flächenbrandartig ausbreitende Erste Weltkrieg brachte weltweit 17 Millionen Menschen den Tod – die Kriegsschulden dafür konnte Deutschland erst 2010 endgültig begleichen. Da sich der Waffengang unerwartet in die Länge zog, musste Deutschland sein bisher liberales Wirtschaftssystem komplett auf Kriegsplanwirtschaft umstellen. In Berlin kam es durch die damit verbundene sinkende Produktivität der Landwirtschaft ab 1915 zu stärker werdenden Versorgungsengpässen bei Grundnahrungsmitteln. Kriegsmüdigkeit, das Auseinderbrechen der bestehenden Familien- und Gesellschaftsstrukturen, Armut und Hunger ließen den Unwillen der Bevölkerung anwachsen.

Unter dem Motto „Frieden und Brot“ beteiligten sich im Frühjahr 1918 in Berlin über 400.000 Menschen an Demonstrationen des Spartakusbundes gegen Krieg. Ihr Protest fand seinen Höhepunkt in der Revolution von 1918, bei der Philipp Scheidemann (SPD) am 9. November vom Balkon des Reichstags die Republik ausrief.

In der Weimarer Republik: Spartakusaufstand

Der Krieg war verloren, der Kaiser hatte abgedankt und die junge Republik suchte nach Stabilität. Mit ihrem Streben nach einer sozialistischen Räterepublik konnten sich die von Rosa Luxemburg, Karl Liebknecht und Wilhelm Pieck neu gegründete Kommunistische Partei Deutschlands (KPD) nicht durchsetzen. Der von ihnen in Teilen der Berliner Innenstadt sowie dem Zeitungsviertel initiierte Spartakusaufstand vom 5.-12. Januar 1919 wurde von regierungstreuen Freikorps-Einheiten blutig niedergeschlagen.

Die SPD ging aus den Wahlen zur Nationalversammlung am 19. Januar als stärkste Fraktion hervor. Friedrich Ebert wurde zum Reichspräsidenten gewählt und Luxemburg sowie Liebknecht von Freikorpssoldaten der Garde-Kavallerie-Schützen-Division im Tiergarten ermordet.


Am 13. März 1920 lehnten sich rechtsextreme Verschwörer um den ostpreußischen Generallandschaftsdirektor Wolfgang Kapp gegen laut Versailler Vertrag vorzunehmende Reduzierung des deutschen Heers auf. Reichswehrgeneral von Walther von Lüttwitz besetzte mit der ihm unterstehenden Marinebrigade Ehrhardt das Berliner Regierungsviertel und ernannte Kapp zum Reichskanzler.

Die Regierung floh aus Berlin und rief zusammen mit der SPD zum Generalstreik auf. Die Ministerialbürokratie verweigerte sich Kapps Anweisungen und der Streik erreichte den Zusammenbruch der öffentlichen Dienstleistungen – der Staatsstreich scheiterte.

(Kultur-) Metropole Berlin

Dank des „Groß-Berlin-Gesetzes“ vom 1. Oktober 1920 wird Berlin zur größten Industriestadt Europas. Die in der Weimarer Verfassung fixierten Grundrechte und persönlichen Freiheiten ermöglichen den Aufstieg der Spreestadt zu der Kulturmetropole der 20er Jahre. Kunst und Kultur erlebten einen bisher unbekannten Aufschwung. Die wichtigsten Künstler der Zeit trafen sich im Romanischen Café am Kurfürstendamm (Bertolt Brecht, Otto Dix, Max Liebermann, Erich Kästner, Joachim Ringelnatz, Billy Wilder u. v. a.) und Josephine Baker brachte den Charleston nach Deutschland – mit ihrem Auftritt 1926 im Nelson-Theater am Kurfürstendamm. 1928 erlebt die „Dreigroschenoper“ im Theater am Schiffbauerdamm ihre Uraufführung und wird ein Welterfolg. Neben dem Boom des Berliner Nachtlebens mit Unterhaltungsshows und Varieté entwickelte sich die Stadt auch bei Tage.

1921 erhielt Berlin mit der AVUS (Automobil-Verkehrs- und Übungsstrecke) die weltweit erste Autobahn, 1923 ging der Flughafen Tempelhof in Betrieb und 1926 zur dritten Funkausstellung der Funkturm für den Publikumsverkehr geöffnet. Die erste „Grüne Woche“ zog in ihrem ersten Jahr 1926 schon 50.000 Besucher an.


Die auf Grund der innenpolitischen Wirren zunächst in Weimar tagende Nationalversammlung musste unter dem Druck der Entente-Mächte am 23. Juni 1919 den Versailler Vertrag unterzeichnen und die Zuweisung der alleinigen deutschen Schuld für den Beginn des Ersten Weltkriegs annehmen. Die daraus resultierenden Reparationszahlungen von 132 Milliarden Mark belasteten das Deutsche Reich schwer und lieferten der extremen Rechten eine willkommene Begründung zur Bekämpfung der Republik. Die 1929 auch Berlin erreichende Weltwirtschaftskrise führt zu 664 Konkursen und 450.000 Arbeitslosen. Bis 1932 halbierte sich die industrielle Produktion der Stadt und die Arbeitslosigkeit stieg auf 30,8 Prozent. Die betroffenen 600.000 Berliner konnten nur auf die Unterstützung der Arbeiterwohlfahrt (AWO) hoffen, sofern sie nicht in die seit 1927 bestehende Arbeitslosenversicherung eingezahlt hatten.

Aufstieg der NSDAP

Dolchstoßlegende, Kriegsschuldfrage, Weltwirtschaftskrise, Armut, Hunger und Perspektivlosigkeit machten die Menschen empfänglich für die Propaganda der NSDAP (Nationalsozialistische Deutsche Arbeiterpartei), die seit 1920 an der Eliminierung der Republik arbeitete. Nachdem Hitlers Redeverbot auch in Preußen aufgehoben wurde, sprach er 1928 erstmals öffentlich im Berliner Sportpalast.

Die sich zum Ende der 20er Jahre häufenden Saal- und Straßenschlachten zwischen der nationalsozialistischen Sturmabteilung (SA) und dem kommunistischen Roten Frontkämpferbund (RFB) gipfelten im Berliner „Blutmai“ von 1929 mit 30 Toten, 200 Verletzten und 1.200 Inhaftierungen. Die Wahlen zur Stadtverordnetenversammlung am 17. November 1929 brachten der NSDAP 5,8 Prozent der Stimmen und damit 13 Mandate im Stadtparlament ein. 1932 gewann die NSDAP die Reichstagswahlen sowohl im Juli (37,4 Prozent) als auch im November (33,1 Prozent/Berlin: 25,9 Prozent) – woraufhin Hitler die von ihm beanspruchte Reichskanzlerschaft am 30. Januar 1933 vom Reichspräsidenten Hindenburg übertragen bekam.

Nationalsozialistische Reichsregierung (1933-1945) und II. Weltkrieg (1939-1945)


Der „Tag der Machtübernahme“ am 30. Januar 1933 feierten die Nationalsozialisten mit Fackelzügen durch das Brandenburger Tor. Schon kurz darauf begann sie mit der Verfolgung ihrer politischen Gegner und der Errichtung der ersten Konzentrationslager. Etwa 3.000 Gefangene, vorwiegend politisch linke Vertreter der Weimarer Republik, Intellektuelle und Künstler, wurden im KZ Oranienburg bis zu dessen Auflösung 1934 inhaftiert, verhört, gefoltert und zu Arbeitsdiensten gezwungen. Die nach dem Reichstagsbrand von Hindenburg unterzeichnete Notverordnung hob die verfassungsmäßigen Grundrechte der persönlichen Freiheit, der Meinungs-, Vereins- und Versammlungsfreiheit auf. Hermann Göring (NSDAP) sorgte als Leiter des „Reichskommissariats für das preußische Innenministerium“ für die faktische Entmachtung des Berliner Oberbürgermeisters Heinrich Sahm, indem er ihm am 15. März 1933 einen „Staatskommissar für die Hauptstadt Berlin“ zur Seite stellte. Die Verabschiedung des „Ermächtigungsgesetzes“ am 23. März 1933 durch den Reichstag ebnete endgültig den Weg für die Diktatur der Nationalsozialisten. Am 1. April tagte die Stadtverordnetenversammlung ohne die 44 Vertreter der Kommunisten – ihre Mandate waren per Verfügung gestrichen worden. Am selben Tag begannen erstmalig von der NSDAP organisierte Boykotte jüdischer Geschäfte, Cafés, Anwaltskanzleien und Arztpraxen. Das Hauptgebäude der Berliner Universität, die Staatsbibliothek, Institute und Kliniken wurden von SA-Abteilungen besetzt.

Bücherverbrennung und Gleichschaltung

Am 10. Mai verbrannten ein „Kampfausschuß wider den undeutschen Geist“ und Studenten aus Leihbüchereien entfernte Bücher auf dem Platz vor der Alten Bibliothek (heutiger Bebelplatz). 1934 wurde die Berliner Verwaltung gleichgeschaltet“, d. h. sämtliche gewählten Gremien entsprechend des „Gesetzes über die Verfassung der Hauptstadt Berlin“ (15. Juli) aufgelöst und die Reichs- und Landeshauptstadt nun „selbständig nach dem Führerprinzip verwaltet“. Der Todestag des Reichspräsidenten Paul von Hindenburg am 02. August 1934 machte Adolf Hitler per unmittelbar erlassenem Gesetz als „Führer und Reichskanzler“ zum „Obersten Befehlshaber“ über die Wehrmacht.

Olympische Spiele 1936

Während der Olympischen Sommerspiele vom 1. bis 16. August 1936 wurden alle Anzeichen von Antisemitismus in Berlin vermieden. Die deutsche Bevölkerung war aufgerufen worden, sich gegenüber ausländischen Gästen zuvorkommend und höflich zu verhalten. Theodor Lewald durfte als „Halbjude“ Präsident des Organisationskomitees werden und die fechtende „Halbjüdin“ Helene Mayer sowie der kommunistische Ringer durften an den Spielen teilnehmen. Unbemerkt von der Weltöffentlichkeit errichteten die Nationalsozialisten in Berlin-Marzahn ein Zwangslager für Roma und Sinti sowie das Konzentrationslager Sachsenhausen in Oranienburg.

700-Jahr-Feiern Berlin

Den 700. Stadtgeburtstag Berlins nutzten die Machthaber, um „die Geschichte der Stadt in die nationalsozialistische Weltsicht zu pressen“*. Joseph Goebbels, Berliner Gauleiter und Propagandaminister, eröffnete eine Freigeländeschau zur Geschichte Berlins am Funkturm, die Bevölkerung wurde in ihren Bezirken mit Volks- und Sportfesten unterhalten (u. v. a. „Stralauer Fischzug“, historisches Reiterfest in Zehlendorf). Das Festspiel „Berlin in sieben Jahrhunderten deutscher Geschichte“ im Olympiastadion und ein Feuerwerk auf dem Königsplatz bildeten den Abschluss der Feierlichkeiten.


Der von den Nationalsozialisten immer offener gepflegte Antisemitismus mündete in die Reichspogromnacht vom 09. November 1938. Das Attentat eines polnischen Juden Herschel Grynszpan auf einen deutschen Botschaftsmitarbeiter in Paris als Anlass für die Zerstörung von jüdischen Warenhäusern und Geschäften, Wohnungen und Synagogen in Berlin sowie ganz Deutschland (im annektierten Österreich ab dem 10. November). SA und SS brannten elf der vierzehn Berliner Synagogen komplett nieder und beschädigten die drei anderen schwer. Über 1.000 verhaftete Juden deportierten sie in das Konzentrationslager Sachsenhausen (Oranienburg).

Zweiter Weltkrieg

Im Gegensatz zum I. erreichte der II. Weltkrieg Berlin mit voller Wucht. Bis zur Kapitulation des III. Reiches am 8./9. Mai 1945 warfen die Alliierten 450.000 Tonnen Bomben über Berlin ab, wodurch ca. 20.000 Berliner starben und über 1,5 Millionen obdachlos wurden. Als Antwort auf deutsche Niederlagen an allen Fronten rief Reichpropagandaminister Goebbels am 18. Februar 1943 die Deutschen im Berliner Sportpalast zum „Totalen Krieg“ auf. Im April 1945 bestritten stark dezimierte deutsche Kampfverbände sowie der aus Jugendlichen und alten Männern gebildete „Volkssturm“ in der einmonatigen „Schlacht um Berlin“ (April 1945) einen aussichtslosen Häuserkampf gegen die Rote Armee und die Kapitulation. Am Ende des Krieges war die Hälfte der innerstädtischen Gebäude zerstört worden und die Bevölkerung von 4,3 auf 2,8 Millionen Menschen zurückgegangen.


Die am 20. Januar 1942 in einer SS-Villa am Berliner Wannsee zusammengekommene Konferenz hochrangiger Nationalsozialisten sollte eine „Endlösung der Judenfrage“ organisieren und koordinieren. Die Vertreter von Reichsbehörden und Parteidienststellen stimmten untereinander den zeitlichen und logistischen Ablauf für die Deportation der europäischen Juden in die besetzten Gebiete Osteuropas ab. An ihre dortige gezielte Vernichtung erinnert heute das „Haus der Wannsee-Konferenz“ als Gedenkstätte für den Holocaust.


Ein als Operation „Walküre“ geplanter Putsch der Wehmacht scheitert durch das am 20. Juli 1944 misslungene Sprengstoffattentat auf Hitler. Oberst Graf von Stauffenberg und seine engsten Mitverschwörer wurden im Bendlerblock (heutige Gedenkstätte Deutscher Widerstand in der Stauffenbergstraße) noch am gleichen Abend erschossen. Die anschließende Welle von Verhaftungen, Schauprozessen und Exekutionen kostete ca. zweihundert am Staatsstreich beteiligte Personen das Leben. Die Hinrichtung der vom Volksgerichtshof zum Tode Verurteilten fand im Strafgefängnis Plötzensee, der heutigen Gedenkstätte Plötzensee (Teil der Gedenkstätte Deutscher Widerstand), statt.


In der „Schlacht um Berlin“ nahmen sowjetische und polnische Truppen ab dem 21. April 1945 das von ihnen belagerte Berlin ein. Hitler beging am 30. April im Führerbunker. Goebbels folgte ihm einen Tag später an gleicher Stelle in den Tod, nachdem er als Reichskanzler vergeblich versucht hatte, Stalin zu einem Waffenstillstand zu bewegen. Am 1. Mai 1945 hatten die Belagerer den Kampf in Berlin gewonnen. Eine Woche später unterzeichnete Wilhelm Keitel als Chef des Oberkommandos der Wehrmacht im sowjetischen Hauptquartier in Berlin-Karlshorst die Kapitulation aller deutschen Streitkräfte.

Viermächte-Status und Wiederaufbau Berlins (1945-1950er)

Vier Sektoren Stadt

Die Alliierten teilten Berlin auf der Konferenz von Jalta in vier Sektoren ein – Frankreich kontrollierte den nordwestlichen, England den westlichen und die USA den süd-westlichen Teil der Stadt. Der gesamte Ostteil Berlins verblieb unter der Aufsicht der Sowjetunion. Der von der sowjetischen Stadtkommandantur eingesetzte Magistrat mit dem Oberbürgermeister Arthur Werner musste nach der ersten Wahl zur „Stadtverordnetenversammlung von Groß-Berlin“ einer SPD-Regierung unter Otto Ostrowski (SPD) weichen. Die zunehmenden Spannungen zwischen den Siegermächten führten zum weltweit wirkenden „Kalten Krieg“, der sich in Berlin auf der Mikroebene abbildete.

Blockade und Luftbrücke

Der Versuch der Sowjets, die West-Sektoren Berlins mit der Blockade des Schienen- und Straßenverkehrs an die wirtschaftliche Versorgung durch Ost-Berlin und das sowjetisch kontrollierte Umland zu binden, scheiterte an der „Luftbrücke“. Um die eigenen Soldaten und die Berliner zu unterstützen, flogen die Vereinigten Staaten von Amerika und England vom Juni 1948 bis zum Mai 1949 rund 2,34 Millionen Tonnen an Kohle, Nahrungsmitteln und Baustoffen über die Flughäfen Tempelhof und Tegel sowie die Berliner Seen ein.

Der Oberbürgermeister Berlins

Als Symbol für Berlins Widerstandswillen gegen das sowjetische Annexionsstreben beeindruckte der Stadtrat Ernst Reuter (SPD) die Bevölkerung und die westlichen Alliierten. Seine Rede an die „Völker der Welt“ verfolgten am 9. September 1948 ca. 300.000 Menschen vor dem Reichtagsgebäude. Nur drei Monate später wurde Ernst Reuter mit absoluter Mehrheit zum Oberbürgermeister von West-Berlin gewählt. Fünf Tage vorher, am 30. November, war es zur politischen Spaltung Berlins gekommen. In Ost-Berlin hatte die Sozialistischen Einheitspartei Deutschlands (SED) die Absetzung des Magistrats forciert, woraufhin Friedrich Ebert, Sohn des ersten Reichspräsidenten, zum Oberbürgermeister von Berlin gewählt worden war. Seinen Geltungsanspruch schränkten die westlichen Militärbehörden auf den Ostsektor der Stadt ein.


Sowohl die Verfassung der Bundesrepublik Deutschland (23. Mai 1949) als auch die der DDR (7. Oktober 1949) erhoben Anspruch auf Groß-Berlin. Für West-Berlin blieb der alliierte Sonderstatus bis zur Wiedervereinigung 1990 erhalten. Bundeshauptstadt und Regierungssitz der BRD wurde Bonn, Ost-Berlin zur Hauptstadt der DDR.

Stadtentwicklung Ost und West

Der von der sowjetischen Militärregierung 1945 mit der Entwicklung eines Wiederaufbaukonzepts für das stark zerstörte Berlin betraute Stadtbaurat Hans Scharoun war ein Visionär. Seine 1946 vorgestellten Pläne sahen den fast vollständigen Abriss der noch vorhandenen Baustruktur und die Einteilung der Stadt in Funktionszonen vor. Stattdessen beschloss die DDR „Sechzehn Grundsätze des Städtebaus“, sprengte das Stadtschloss zugunsten eines Demonstrationsplatzes und erbaute ab 1951 mit den neoklassizistischen Bauwerken in der Stalinallee (heutige Karl-Marx-Allee) die „erste sozialistische Prachtstraße“ des Landes. Im Westteil Berlins entwickelte sich der Bereich zwischen Zoologischem Garten, Kurfürstendamm und Ernst-Reuter-Platz zum neuen Zentrum für Handel, Verwaltung und Kultur. 1957 präsentierte die Internationale Bauausstellung (Interbau) die in Zusammenarbeit mit weltbekannten Architekten wie Le Cobusier, Oscar Niemeyer, Walter Gropius u. v. a. entstandenen Bauten im Hansaviertel sowie die Kongresshalle im Großen Tiergarten. Die einhunderttausendste mit öffentlichen Mitteln gebaute Wohnung in West-Berlin wurde am 21. Juni 1957 übergeben.

Aufstand 17. Juni

Im Bezirk Friedrichshain traten am 16. Juni 1953 Ost-Berliner Bauarbeiter in den Streik gegen eine von der DDR-Regierung verordnete Arbeitsnormenerhöhung. Daraus entwickelte sich ein Volksaufstand, der am 17. Juni mit Demonstrationen und Protesten in der ganzen DDR den Rücktritt der Regierung und Neuwahlen forderte. Die DDR-Führung flüchtete nach Berlin-Karlshorst zu den sowjetischen Behörden. Diese verhängte den Ausnahmezustand und ließ den Aufstand mit Panzern, 20.000 Soldaten und 8.000 Angehörigen der Kasernierten Volkspolizei niederschlagen. Der am 4. August vom Deutschen Bundestag als „Tag der deutschen Einheit“ erklärte 17. Juni forderte mindestens 55 Tote. Ihm folgten umfangreiche Verhaftungen und Strafverfahren mit Todesurteilen oder langjährigen Haftstrafen in Zwangsarbeiterlagern.

Berlin im „Kalten Krieg“


Mit dem Bau der „Berliner Mauer“ reagierte die DDR-Regierung auf den starken Anstieg seiner über West-Berlin flüchtenden Einwohner. Die Aussage des DDR-Staatsratsvorsitzenden Walter Ulbrichs: „… niemand hat die Absicht, eine Mauer zu errichten“, ließ die Zahl der monatlichen Übersiedler von fast 19.200 im Juni 1961 auf 31.415 Personen im Juli ansteigen. Der am 13. August begonnene Mauerbau entlang der Sektorengrenze blockierte diesen Exodus und hielt die Bürger der DDR bis zum 09. November 1989 in Schach.

Leben mit der DDR

Es dauerte nach dem Mauerbau zehn Jahre bis Ost- und West-Berlin 1971 über zehn direkte Telefonleitungen wieder miteinander verbunden werden konnten. Dem vorausgegangen waren sowohl Annäherungs- als auch Konfrontationsversuche zwischen den beiden Teilen der Stadt. Am 26. Juni 1963 bekannte sich der Präsident der Vereinigten Staaten von Amerika John F. Kennedy zur Freiheit der West-Sektoren mit den Worten: „Ich bin ein Berliner“. Die Passierscheinabkommen der Jahre 1963, 1964, 1965 und 1966 ermöglichten Besuche von West-Berlinern bei Verwandten im Ostteil der Stadt. Eine Plenarsitzung des Deutschen Bundestages am 7. April 1965 in der Berliner Kongresshalle fasste die DDR als Provokation auf und sperrte temporär den Transitverkehr, während sowjetische „Düsenjäger“ zur Störung der Sitzung das Gebäude in geringer Höhe überflogen. Nach seiner Wahl zum Bundeskanzler am 21. Oktober 1969 begann der ehemalige Regierende Bürgermeister von Berlin Willy Brandt (SPD) seine „Neue Ostpolitik“ der kleinen Annäherungsschritte, für die er 1971 den Friedensnobelpreis erhielt. Ra

Die 68er

Am 2. Juni 1967 erschoss ein Polizist den Studenten Benno Ohnesorg bei einer Protestaktionen gegen den Berlin-Besuch des Schahs von Persien. Die zögerliche Tataufklärung, die polarisierende Berichterstattung der Bild-Zeitung und das Attentat auf Rudi Dutschke am 11. April 1968 radikalisierten Teile der Studenten-Bewegung. Die 1966/1967 entstandene außerparlamentarische Opposition spaltete sich auf in Parteigänger der SPD sowie Begründer der Neuen sozialen Bewegungen und radikale Splittergruppen wie die terroristische Rote Armee Fraktion (RAF).


Durch die Unterzeichnung des Vier-Mächte-Abkommens zu Berlin am 3. Juni 1972 traten auch die Folgeabkommen zur Erleichterung des Transitverkehrs (17. Dezember) und des Reise- und Besuchsverkehrs (20. Dezember) sowie die „Vereinbarung über die Regelung der Frage von Enklaven durch Gebietsaustausch“ in Kraft. Für weitere nachbarliche Beziehungsverbesserungen sorgte der Grundlagenvertrag vom 21. Juni 1973.

West-Berlin der 80er

In Kreuzberg begannen in den 80er Jahren junge Leute die zum Teil langjährig leerstehenden Wohnungen als „Instandbesetzer“ einzunehmen und dort alternative Wohnformen auszuprobieren. Von 1980/1981 über 160 besetzten Häusern konnten 80 in Verhandlungen mit Besitzern und Senat in legale Wohnverhältnisse überführt werden. Die übrigen Besetzungen räumte der Senat sukzessive, begleitet von Straßenschlachten und dem Tod des Hausbesetzers Klaus-Jürgen Rattay, der bei einer Demonstration von einem BVG-Bus tödlich verletzt wurde. Wie kreativ Berlin in den 80ern war, demonstrierte u. a. die Band Ideal, die mit „Wir stehn auf Berlin“ und ihrem legendären Rockpalast-Auftritt in der Waldbühne die „Neue Deutsche Welle“ auslöste. Beim Abschlusskonzert der Konzerttournee zu ihrem zweiten Album „Der Ernst des Lebens“ trat Ideal zugunsten der Berliner Hausbesetzer auf.

Stadtentwicklung Ost & West

In beiden Teilen Berlins entstanden in den Jahren ihrer Parallelexistenz eindrucksvolle Bauwerke. Die Entwicklung des Zentrums der „Hauptstadt der DDR“ zwischen Alexanderplatz und Marx-Engels-Platz, der Palast der Republik oder auch die „Plattenbausiedlungen“ in Marzahn, Hohenschönhausen und Hellersdorf im Osten stehen im Westteil die Neue Nationalgalerie (Mies van der Rohe), der Neubau der Staatsbibliothek (Hans Scharoun), das Internationale Kongresszentrum (ICC) sowie die Hochhaussiedlungen Gropiusstadt, Märkisches Viertel und Falkenhagener Feld gegenüber. Dreißig Jahre nach der Interbau von 1957 sollte 1984/1987 eine Internationale Bauausstellung die Innenstadt West-Berlins mit kritischer Rekonstruktion und behutsamer Stadterneuerung als Wohnstandort zurückgewinnen.

750 Jahr-Feier

Anlässlich des 750-jährigen Stadtjubiläums Berlins fanden getrennte Feierlichkeiten in Ost- und West-Berlin statt. US-Präsident Ronald Reagan forderte am 12. Juni 1987 bei seiner Rede vor dem Brandenburger Tor: „Mr. Gorbatschow open this gate. Mr. Gorbatschow tear down this wall!“ Schon beim „Concert for Berlin“ auf dem Platz der Republik am 06.-08. Juni hatten „heimliche“ Zuhörer von der Ost-Berliner Seite gerufen: „Die Mauer muss weg!“ und waren dafür von der DDR-Polizei hart attackiert worden. In beiden Teilen Berlins wurden im Vorfeld der 750-Jahr-Feier städtebauliche Maßnahmen umgesetzt. Der Westen gestaltete u. a. den Breitscheidplatz sowie den Rathenauplatz neu und beschloss den Bau des Deutschen Historischen Museums, während die DDR Berlins ältestes Wohnviertel rund um die Nikolaikirche im historisierenden Stil rekonstruieren lies, die U-Bahnhöfe Märkisches Museum und Klosterstraße aufwändig umbaute und im Prenzlauer Berg die Husemannstraße entsprechend ihres Aussehens um die Jahrhundertwende wiederherstellte.

Fall der Mauer

Schon vor der Feier des 40. Jahrestags ihrer Staatsgründung war die DDR-Führung durch eine wachsende Bürgerbewegung, die einen Wandel analog zu „Perestroika“ und „Glasnost“ in der UDSSR einforderte, destabilisiert worden. In seiner Festrede am 07. Oktober 1989 mahnte der Generalsekretär der Kommunistischen Partei der Sowjetunion Michael Gorbatschow Reformen bei den Machthabern in Ost-Berlin an. Massendemonstrationen, die Gründung des „Neuen Forums“ und Erich Honeckers Rücktritt zugunsten Egon Krenz waren die Folge. Nach der Erklärung der Reisefreiheit für DDR-Bürger am 9. November überstürzten sich die Ereignisse. Die Medien verbreiteten, dass die Mauer gefallen sei, Grenzsoldaten öffneten den Grenzübergang an der Bornholmer Straße und die Menschen in Ost- und West-Berlin feierten diese Nacht als das Ende der innerdeutschen Grenzziehung.

Das wiedervereinte Berlin (1990-heute)

Ende der deutschen Teilung

Der von den beiden deutschen Staaten sowie den Siegermächten des Zweiten Weltkrieges am 12. September 1990 in Moskau unterzeichnete 2+4-Vertrag besiegelte völkerrechtlich die Wiedervereinigung und die volle Souveränität Deutschlands sowie das Ende der Viermächte-Verantwortung für Berlin. Danach konnte auch der Einigungsvertrag zwischen der Bundesrepublik Deutschland und der Deutschen Demokratischen Republik in Kraft treten und der 3. Oktober 1990 als „Tag der deutschen Einheit“ in der neuen deutschen Hauptstadt Berlin begangen werden. Der Abzug der Alliierten aus Berlin wurde 1994 mit Paraden und einem Großen Zapfenstreich zu Ehren der Schutzmächte auf dem Pariser Platz gefeiert.

Berlin als Hauptstadt Deutschlands

Am 11. Januar 1991 wurde im Berliner Abgeordnetenhaus der erste Gesamtberliner Senat gewählt und am 20. Juni beschloss der neue Deutsche Bundestag seinen Umzug in die Hauptstadt. Der Regierende Bürgermeister verlegte seinen Amtssitz vom Rathaus Schöneberg in das Berliner Rathaus („Rotes Rathaus“) am Alexanderplatz. Mit der Fertigstellung des neu gestalteten Reichstags (1999), des Bundeskanzleramts (2001) sowie der umliegenden Parlamentsgebäude (Paul-Löbe-Haus 2001/Jacob-Kaiser-Haus 2002/Marie-Elisabeth-Lüders-Haus 2003) entstand zwischen dem 2001-2002 restaurierten Brandenburger Tor und dem Humboldthafen das neue politische Machtzentrum Deutschlands.

Neues Gesicht der Hauptstadt

Seit der Wiedervereinigung konnte sich Berlin als weltoffene, international attraktive Stadt der Kreativität etablieren. Insbesondere die FIFA-Fußball-Weltmeisterschaft 2006 sorgte für ein deutlich verbessertes Ansehen Deutschlands und Berlins. Das so genannte „Sommermärchen“ zog Millionen Besucher aus der ganzen Welt u. a. auf die Fanmeile zwischen Brandenburger Tor und Siegessäule, wo man gemeinsam friedlich und fröhlich die spielenden Mannschaften anfeuerte. Weiterhin entwickelte sich Berlin zu einer Hochburg der zeitgenössischen Kunst und der Mode. Die seit 2007 zweimal jährlich stattfindende Berlin Fashion Week sowie Kunstmessen wie die im Herbst 2012 erstmals öffnende Berlin Art Week erregen sowohl das Interesse des Fachpublikums als auch das vieler Touristen, die Berlin mit ihrem Besuch beleben.


Warum Berlin einfach cool ist

Wir lieben unsere Hauptstadt, denn sie ist mit keiner anderen auf der Welt vergleichbar. Schon ihre Geschichte ist bemerkenswert: Sie wurde im Zweiten Weltkrieg weitestgehend zerstört und nach dem Krieg durch die Berliner Mauer in zwei Hälften geteilt. 1989 ist dann die Mauer gefallen. Nach mehreren Jahrzehnten der Teilung konnten sich Familien und Freunde, die sich so lange Zeit nicht mehr sehen konnten, endlich wieder in die Arme nehmen.

Die Spreemetropole hat sowohl sehr gute Zeiten, aber auch sehr schlechte Zeiten hinter sich. Auf jeden Fall ist Berlin eine Stadt, die schon immer Leute aus anderen Ländern willkommen geheißen hat. Und das macht auch die Atmosphäre so einzigartig. Hier kommen die unterschiedlichsten Menschen und Kulturen zusammen. Kaum eine andere Stadt ist so international geprägt.

Vielen Städten wurde bereits nachgesagt, das „neue Berlin“ zu sein. Aber diesen Status konnte bisher keine halten. Berlin ist und bleibt Berlin in seiner Einzigartigkeit. Wir sind natürlich der Meinung, dass unsere Hauptstadt einfach nur cool ist. Gerne erklären wir dir auch, warum.

Berlin ist künstlerisch

An jeder Ecke kannst du Kunstgalerien, Schallplattenläden und Ateliers besuchen. Du findest nicht nur Meisterwerke klassischer Maler, sondern auch drei UNESCO-Welterbestätten und über 180 Museen.

Die Stadt hat eine äußerst aktive Street-Art-Szene. Auf den meisten Fassaden kannst du lustige, politische oder andere Wandmalereien und Graffitis entdecken. Die Straßenkunst sorgt für eine eher „schmuddelige“ Ästhetik, aber dadurch ist die Kreativität Berlins auch buchstäblich an die Wand geschrieben.

Das beste Beispiel für Street-Art ist die East Side Gallery am Ostufer. Der über 1300 Meter lange Abschnitt der Berliner Mauer ist bis heute erhalten geblieben. Er ist sozusagen eine Freiluftgalerie mit zahlreichen Wandmalereien. Die 1990 entstandenen Originalwerke stellen heute ein Denkmal für die Teilung Berlins und den Mauerfall dar. Erfreulicherweise kannst du die East Side Gallery kostenlos erkunden. Wenn du noch etwas tiefer in die Geschichte und Subkulturen Ostberlins einzutauchen willst, kannst du auch an einer Führung teilnehmen.

Berlin ist musikalisch

Auch musikalisch hat Berlin einiges zu bieten: Der Musikkalender ist das ganze Jahr über vollgepackt mit Konzerten aller Genres. Die Hauptstadt ist für alle Musikschaffenden eine wichtige Station auf ihren Tourneen. Selbst die größten Bands treten in ausverkauften Shows gerne in Berlin auf.

Und natürlich sind auch weltbekannte DJs gerne hier, die die Leute auf Partys zum Tanzen bringen. Die Spreemetropole ist berühmt für sein unvergleichliches Nachtleben. Für jeden Musikgeschmack ist etwas dabei und selbst für etwas obszönere Fetische wirst du ein Etablissement finden. Die Partyszene ist allgegenwärtig, von den Discos an der Spree über das berüchtigten Berghain bis hin zu den Underground-Clubs.

Berlin ist multikulturell

Als Treffpunkt für alle Nationalitäten ist mit der Zeit ein wunderschöner Schmelztiegel von Sprache, Kultur und Essen entstanden.

Hier kann kommt man auch ohne Deutschkenntnisse gut zurecht!


Brandenburger Tor

Falls du zuvor noch nie in Berlin warst, solltest du unbedingt das Brandenburger Tor besuchen. Dass du heute einfach so durch die Säulen der bekannten Sehenswürdigkeit durchlaufen kannst, ist nicht selbstverständlich. Denn früher verlief unmittelbar davor die Berliner Mauer und es gab keine Möglichkeit, den Platz zu überqueren.

Das Brandenburger Tor wurde um die Wende der 1790er Jahre auf Befehl des preußischen Königs Friedrich Wilhelm II. errichtet. Erbaut wurde es an der Stelle eines der ehemaligen Verteidigungstore von Berlin. An der Spitze steht die Quadriga – ein von vier Pferden gezogener Wagen. Er wird von 12 Säulen getragen, die zusammen fünf Durchgänge bilden.


Ein weiteres markantes Gebäude, welches die Geschichte Berlins während des 20. Jahrhunderts widerspiegelt, ist der Reichstag, der Tagungsort des Deutschen Bundestages. Dieses neobarocke Gebäude stammt aus dem Jahr 1894. Es beherbergte den Reichstag, bis es 1933 bei einem von den Nationalsozialisten verursachten Brand beschädigt wurde.

Die Ruinen des Gebäudes wurden bis nach dem Fall der Mauer erhalten. Als diese dann gefallen ist, ließ die Stadt mit Hilfe eines Restaurierungsprojekts den Reichstag als Emblem des vereinten Deutschlands wieder im alten Glanz auferstehen.


Die Museumsinsel gehört zum UNESCO-Weltkulturerbe. Du findest sie im Stadtteil Friedrichshain am Ufer der Spree. Sie ist ein Komplex von fünf Museen der Spitzenklasse. Dort kannst du das Alte Museum, die Alte Nationalgalerie, das Neue Museum, das Bode-Museum und das Pergamonmuseum besuchen.

Die Museen waren in vergangen Zeiten auch eine hervorragende Möglichkeit, den Reichtum und die Raffinesse der königlichen Sammlungen Preußens zu zeigen. Zudem präsentieren sie seine militärischen Siege während des 19. Jahrhunderts.

Die erste Einrichtung war das Alte Museum.  Es wurde von Karl Friedrich Schinkel entworfen und 1830 eröffnet. Das letzte war das Pergamonforum im Jahr 1930. Das Neue Museum von 1859 wurde nach seiner Zerstörung im Krieg im Jahr 2009 wiedereröffnet.

Berliner Mauer

In der Bernauer Straße kannst du einen 70 Meter langen Abschnitt der Mauer besichtigen. Es ist wohl eines der denkwürdigsten Sehenswürdigkeiten für diese weltweit bekannte Grenze, welche Deutschland zweigeteilt hat.

Dieser gesamte Abschnitt ist eine Gedenkstätte für die Menschen, die bei dem Versuch, die Grenze zur BRD im Zeitraum von 1961 bis 1989 zu überqueren, ihr Leben ließen. Auf der anderen Seite der Bernauer Straße findest du das Besucherzentrum. Es dokumentiert die Mauer von ihrer Entstehung bis zu ihrer endgültigen Zerstörung.

Berliner Fernsehturm

Neben dem Alexanderplatz steht der imposante Berliner Fernsehturm, ein weithin sichtbares Wahrzeichen der Stadt. Er ist das zweithöchste Bauwerk der Europäischen Union und hinterlässt in der Skyline eine unverkennbare Spur.

Der Fernsehturm ist außerdem das höchste für die Öffentlichkeit zugängliche Gebäude Europas. Von der 200 Meter hohen Aussichtsplattform kannst du unsere Hauptstadt von oben betrachten.


Ein Stück des ganz alten Berlins zu seiner Blütezeit findest du am Gendarmenmarkt. Der Platz zwischen der Charlottenstraße und der Markgrafenstraße wurde im 17. Jahrhundert vom Architekten Johann Arnold Nering angelegt.

Die Prunkstücke des Platzes sind die Französische und die Deutsche Kirche. Sie stehen sich am nördlichen und südlichen Ende des Platzes gegenüber. Dazwischen befindet sich das neuere und sehr imposante Konzerthaus. Es wurde 1821 vor einer Statue des Schriftstellers Friedrich Schiller errichtet. Im Dezember findet hier auch ein sehr beliebter Weihnachtsmarkt statt.

Grüne Stadt

Berlin verfügt über zahlreiche und weitflächige Grünflächen. Insgesamt kannst du hier mehr als 2500 öffentliche Parks und Gärten erkunden. Auch die Einwohnerschaft liebt die Natur, die ihnen in der Stadt geboten wird.

Besonders in den Sommermonaten strömen die Menschen in Scharen zu den alten Start- und Landebahnen des alten Flughafens Tempelhof.

Wenn du vom vielen Sightseeing müde geworden bist, dann kannst du im Tiergarten eine Pause einlegen. Wie viele andere Stadtparks in Europa war er ein Jagdrevier. Später wurde er vom preußischen Architekten Peter Joseph Lenné neu gestaltet. Hier findest du auch das Bismarck‑Denkmal und andere hübsche Orte wie die Luiseninsel und den Rosengarten.

Berlin ist eine dynamische und aufregende Stadt, die auf keiner Bucket List fehlen darf. Die Hauptstadt ist hip, cool und der Inbegriff von Multikulti. Außer der aktiven Street-Art-Szene kannst du genauso Parks, Sehenswürdigkeiten und noch viel mehr genießen. Wenn du immer noch nicht von einem Besuch überzeugt bist, haben wir immer noch ein überzeugendes Argument: In Berlin bekommst du die mit Abstand besten Döner und Falafeln!


El lenguaje silbado (el silbo en Las Islas Canarias)

Lenguaje silbado: la comunicación en las montañas que está en riesgo de desaparecer

La historia de la humanidad ha sido la historia de sus diálogos y sus lenguajes. Pero no todos los lenguajes están constituidos por palabras: algunos hacen uso de otras facultades físicas y por supuesto de otros sentidos. Es el caso del lenguaje silbado.

Esta forma de comunicarse en las montañas existe en culturas de todo el mundo: desde América hasta Europa, Asia y África. En todos los continentes existen comunidades que han adoptado esta forma de comunicarse por las condiciones en las que viven —en regiones montañosas, entre nubes y grandes planicies, muy alejados como para ser escuchados con un grito—. El lenguaje silbado es una manera por demás melódica de traspasar las fronteras espaciales, incluso a una distancia de 5 kilómetros. Está basado en los tonos de la lengua hablada, y quienes se comunican de esta manera han podido distinguir las frecuencias así como la intencionalidad de la tonalidad de cada silbido.

De esta forma, el lenguaje silbado ayuda a expresarse, a intercambiar información o a transmitir una emoción. No es, ni mucho menos, un lenguaje sencillo, ni debiera ser visto como extravagante folklor. Surgió en realidad de una necesidad, como todos los lenguajes del mundo, y al igual que la lengua hablada condensa las costumbres y tradiciones de las comunidades que lo practican.

Desgraciadamente, muchas comunidades están viendo al lenguaje silbado desaparecer, debido a la tecnología y al desinterés de los jóvenes por mantener un método de comunicación que les parece arcaico e inútil. Recientemente, el lenguaje silbado de las montañas del norte de Turquía, reconocido como un precioso silbido parecido al de las aves, fue incluido en el Atlas de las lenguas del mundo en peligro, con el objetivo de alertar e incentivar su rescate.

Es el caso también de las comunidades oaxaqueñas en México, donde 10 comunidades indígenas practican este lenguaje. Los habitantes mazatecos de la Sierra de Oaxaca, por ejemplo, se comunican de cerro a cerro silbando, para preguntarse cómo están, o avisar que ya está la comida. Para ellos es, incluso, una forma de entender mejor su relación con la naturaleza, y reconocer, con una humildad envidiable, que su lenguaje ya había sido inventado por las aves.

Actualmente, y según la UNESCO, 2, 500 lenguajes están amenazados, ya sea por vulnerabilidad ante los nuevos paradigmas tecnológicos, o a causa de las altas tasas de migración en busca de mejores oportunidades de empleo en las capitales. 

Conservar estas idílicas formas de comunicación es sin duda una tarea colectiva, en la que es elemental difundir la información y seguir realizando estudios al respecto que reafirmen la riqueza de estos sistemas lingüísticos por demás fascinantes y valiosos.


Hablar Silbando Revela cómo el Cerebro Procesa la Información

Los aldeanos y campesinos rurales crearon versiones silbadas de sus idiomas nativos para hablar de ladera a ladera o de casa en casa inclusive.

Heródoto menciona el lenguaje silbado en el cuarto libro de su obra Las Historias donde describe la historia y las costumbres del Antiguo Egipto.

No poseemos demasiada información acerca de los sonidos y los significados de esta forma de comunicación, ahora, en peligro de extinción.

Nuevas investigaciones han descubierto la presencia de silbidos en todo el mundo. Alrededor de 70 poblaciones de todo el globo terráqueo continúan utilizando esta forma de comunicación.

Los lingüistas han tratado de promover el interés por estas lenguas. Un lenguaje silbado representa tanto un patrimonio cultural, como una forma de estudiar cómo el cerebro procesa la información.

Algunos relatos sostienen que la tradición de hablar silbando, durante siglos, fue la mejor manera para que los pastores de cabras y ovejas, se puedan comunicar de una colina a otra. Los silbidos, después de todo, se escuchan mucho más lejos que los gritos y ahorran esfuerzo a las cuerdas vocales. Aún hoy en día, los pastores de una de las islas ubicada al sur de Grecia llamada Eubea, a veces utilizan esta forma pretecnológica de comunicación inalámbrica, para transmitir noticias, chismes o extender una invitación de desayuno.

El término “lengua silbada” es inexacto. El silbido no es un lenguaje separado o un dialecto distinto de una lengua nativa, sino una extensión de la misma. En lugar de utilizar la voz para hablar, esas mismas palabras se articulan como silbidos. Los sonidos de las palabras sufren un cambio profundo, son generadas no por las vibraciones de las cuerdas vocales, sino por una corriente de aire comprimido de la boca que gira en vórtices turbulentos en el borde de los labios. Al igual que en el lenguaje ordinario, la lengua y la mandíbula del silbador se mueven para formar palabras diferentes, pero el rango de movimiento es más limitado.

Los lingüistas a veces comparan un silbido con un susurro, ya que ambos son formas alternativas de hablar el mismo idioma sin usar la vibración de las cuerdas vocales.

En la página de Internet de Asociación de investigación El Mundo Silba, se puede encontrar gran parte de la investigación realizada por Julien Meyer.

Hasta el momento han logrado localizar cerca de 70 poblaciones que todavía utilizan el silbido como forma de comunicación, la mayoría proveniente de lugares aislados montañosos o selváticos. En todos estos lugares, las lenguas silbadas se usan principalmente para proyectar mensajes de largo alcance, pero también tienen otros usos. Pueden ayudar en los rituales de cortejo dentro de los confines de una ciudad. Pueden ser utilizados para comunicarse en un entorno ruidoso o para los secretos comerciales en presencia de nonwhistlers (extranjeros o gente que no maneja el lenguaje). En la selva amazónica, los animales reconocen la voz humana pero no los silbidos.

En un experimento realizado en un valle cerca de los Alpes franceses, se demostró que la palabra hablada tiene un alcance de unos 40 metros, las palabras gritadas un alcance de 200 metros, mientras que un silbido es inteligible a 700 metros. Este experimento demostró la ventaja relativa de silbar en condiciones medias, es decir con un leve ruido de fondo y un viento ligero.

El estudio del habla mediante silbidos ayudó a demostrar la capacidad del cerebro humano para reconocer palabras y frases en una señal acústica que lleva menos información que la producida por la voz humana.

La frecuencia única de un silbido carece de los armónicos de la voz. Sin embargo, incluso esta frecuencia modulada solitaria satisface los requisitos esenciales de un lenguaje real para comunicar claramente la información. El discurso del silbido es por lo tanto un medio importante para explorar las capacidades cognitivas de nuestro cerebro para comunicarse de una manera no tradicional.

La neurobiología del silbido es un área que permanece en gran parte inexplorada los estudios de Julien Meyer demuestran que las lenguas silbadas pueden ayudar a ampliar el conocimiento de la forma en que el cerebro procesa la información. En la actualidad Julien es miembro de dos organizaciones, la Asociación Mundial de Investigación de Silbidos que ha estado en vigor desde 2002 y su propio laboratorio (GIPSA-lab) en el Centro Nacional Francés para la Investigación Científica, puesto en marcha en el año 2015.

Es vasto y extenso el trabajo de Julien, el cual abre un nuevo mundo a un mundo olvidado. Su trabajo me ha hecho recordar un hermoso documental “Echoes of Home” dirigido por Stefan Schwietert con la participación de los músico Erika StuckyChristian ZehnderNoldi Alder.


Silbidos y cantos: el lenguaje de las montañas

En las regiones más remotas de cada continente podemos escuchar el lenguaje silbado, una peculiar forma de comunicación que está relacionada con la montaña.

Habrás oído sobre el lenguaje silbado, se trata de una forma de comunicación melodiosa que algunas culturas han dominado profundamente bien, como los habitantes de la selva de Perú, la Isla Gomera en Canarias, los mazatecos en México, o los Hmong en los Himalayas, entre otros. 

Estos grupos han desarrollado el lenguaje con silbidos de maneras tan específicas que pueden incluso mantener conversaciones desde puntos distantes -incluso con 5km de distancia-. 

El lenguaje silbado ha fungido como una vía de resistencia ante conquistas, como es el caso del Silbo Gomero, en las Canarias, creado por los primeros habitantes de la isla, los aborígenes canarios, quienes luego adaptaron el silbo al idioma castellano. Por su trascendencia histórica, incluso fue inscrito por la Unesco en la lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Hoy en día, Isidro Ortiz Muñoz ha impartido clases de este silbido en escuelas de la isla.

En sentido estricto no se trata de lenguajes, pero sí de formas de comunicación idóneos para terrenos abruptos, con poca población y ruido. Dependiendo la comunidad, para realizar el silbido se utiliza solamente la lengua enrollada, pero en ocasiones, como los mazatecos mexicanos, se apoyan en hojas de árbol para dar otras entonaciones.

Al sur de México, en las remotas montañas del noroeste del Estado de Oaxaca, los habitantes de las barrancas han usado lenguajes tonales para comunicarse a través de la distancia. 

El silbado es un canto, una melodía cargada de significados que han facilitado a las culturas llevar a cabo sus labores diarios. ¿Está lista la milpa? ¿dónde estás? ¿vas a venir? ¿encontraste tu caballo? ¿cómo puedo llegar a determinado lugar?

La necesidad de comunicarse traspasando las fronteras espaciales, rodeados de entornos naturales, a través de las montañas, llevó a dichas comunidades -quizá bajo la inspiración de los pájaros- a la creación de esta forma de comunicación. 

En este caso, no son los labios los que articulan, sino la ondulación de la lengua la que, junto con la emisión del sonido, genera ciertas entonaciones cargadas de significados. 

De acuerdo al estudio que presentó un medio, existen por lo menos 70 pueblos que utilizan el silbido como forma de comunicación alrededor del mundo. Los Hmong, una etnia que vive en las laderas de los Himalayas, usan los silbidos no sólo entre agricultores y cazadores, sino también como cortejo que generalmente inician los hombres.

Uno de los aspectos más interesantes del lenguaje silbado es el descubrimiento que se hizo a nivel cerebral. En 1878 el neurólogo británico John Hughlings Jackson, describió el hemisferio izquierdo como el centro de la facultad de expresión, es decir, el que se ocupa del lenguaje (habla, escritura, numeración, matemático, etc.).

Sin embargo, recientemente los estudios del neurocientífico Onur Gunturkun, de la Universidad Ruhr de Bochum, Alemania, demostraron que en el caso del lenguaje silbado, son los dos hemisferios los que se usan para descifrar el mensaje recibido.  

Esto acerca el silbado al lenguaje musical -donde también se ven implicados los dos hemisferios-, esa forma de comunicación universal y que ha acompañado al hombre desde los principios del tiempo. 

Si pudiéramos resaltar una coincidencia entre los grupos o comunidades que usan el lenguaje silbado -europeos, africanos, asiáticos, sudamericanos o americanos- es que lo han desarrollado para comunicarse al aire libre, con grandes distancias de por medio. 

El silbido, como forma cultural expresiva, presente en diversas regiones del planeta y que hoy en día lucha por no desaparecer, nos hace pensar si éste es el lenguaje idóneo para comunicarnos en las montañas. 

No por nada se cree que el origen del lenguaje silbado está estrechamente relacionado con la geografía de los lugares: en topografías excepcionalmente abruptas, regiones montañosas, entre nubes y grandes planicies, así como con las actividades más antiguas del hombre: la caza, la recolección y la agricultura.

Finalmente, con el lenguaje silbado se pueden establecer conversaciones de monte a monte; ahí donde el lenguaje verbal encuentra sus límites.


More Than 80 Cultures Still Speak in Whistles

Dozens of traditional cultures use a whistled form of their native language for long-distance communication. You could, too.

Tourists visiting La Gomera and El Hierro in the Canary Islands can often hear locals communicating over long distances by whistling — not a tune, but the Spanish language. “Good whistlers can understand all the messages,” says David Díaz Reyes, an independent ethnomusicologist and whistled-language researcher and teacher who lives in the islands. “We can say, ‘And now I am making an interview with a Canadian guy.’”

The locals are communicating in Silbo, one of the last vestiges of a much more widespread use of whistled languages. In at least 80 cultures worldwide, people have developed whistled versions of the local language when the circumstances call for it. To linguists, such adaptations are more than just a curiosity: By studying whistled languages, they hope to learn more about how our brains extract meaning from the complex sound patterns of speech. Whistling may even provide a glimpse of one of the most dramatic leaps forward in human evolution: the origin of language itself.

Whistled languages are almost always developed by traditional cultures that live in rugged, mountainous terrain or in dense forest. That’s because whistled speech carries much farther than ordinary speech or shouting, says Julien Meyer, a linguist and bioacoustician at CNRS, the French national research center, who explores the topic of whistled languages in the 2021 Annual Review of Linguistics. Skilled whistlers can reach 120 decibels — louder than a car horn — and their whistles pack most of this power into a frequency range of 1 to 4 kHz, which is above the pitch of most ambient noise.

As a result, whistled speech can be understood up to 10 times as far away as ordinary shouting can, Meyer and others have found. That lets people communicate even when they cannot easily approach close enough to shout. On La Gomera, for example, a few traditional shepherds still whistle to one another across mountain valleys that could take hours to cross.

Whistled languages work because many of the key elements of speech can be mimicked in a whistle, says Meyer. We distinguish one speech sound, or phoneme, from another by subtle differences in their sound frequency patterns. A vowel such as a long e, for example, is formed higher in the mouth than a long o, giving it a higher sound. “It’s not pitch, exactly,” says Meyer. Instead, it’s a more complex change in sound quality, or timbre, which is easily conveyed in a whistle.

Consonants, too, can be whistled. A t, for example, is richer in high frequencies than k, which gives the two sounds a different timbre, and there are also subtle differences that arise from movements of the tongue. Whistlers can capture all of these distinctions by varying the pitch and articulation of their whistle, says Meyer. And the skill can be adapted to any language, even those that have no tradition of whistling. To demonstrate, Meyer whistles English phrases such as “Nice to meet you,” and “Do you understand the whistle?”

Learning to whistle a language you already speak is relatively straightforward. Díaz Reyes’s Spanish-language whistling students spend the first two or three months of the course learning to make a loud whistle with different pitches. “In the fourth or fifth month, they can make some words,” he says. “After eight months, they can speak it properly and understand every message.”

This articulation of speech within a whistle only works for nontonal languages, where the pitch of speech sounds isn’t crucial to the meaning of the word. (English, Spanish and most other European languages are nontonal.) For tonal languages, in contrast, the meaning of a sound depends on its pitch relative to the rest of the sentence. In Chinese, for example, the syllable “ma” said with a steady high pitch means “mother,” but said with a pitch that dips and rises again, it means “horse.”

In ordinary tonal speech, the vocal cords make the pitch modulations that form the tones while the front of the mouth forms much of the vowel and consonant sounds. But not so for whistling, which doesn’t use the vocal cords. Whistlers of tonal languages thus face a dilemma: Should they whistle the tones, or the vowels and consonants? “In whistling, you can produce only one of the two. They have to choose,” says Meyer.

In practice, almost every whistled tonal language chooses to use pitch to encode the tones. For languages with a complex set of tones — such as Chinantec, a language in southern Mexico with seven tones (high, mid, low, falling high-low, falling mid-low, rising low-mid and rising mid-high), or the equally complex Hmong language — pitch still gives enough information to carry meaning. But for simpler tonal languages — such as Gavião, an Amazonian language Meyer has studied, which has just two tones, low and high — whistlers must confine their conversations to a few stereotyped sentences that are easily recognized.

Even for nontonal languages, the whistled version of speech doesn’t contain as much frequency information as ordinary spoken language, but it does carry enough to recognize words. When researchers tested people’s comprehension of whistled Turkish, they found that experienced listeners correctly identified isolated words about 70 percent of the time; for words in common whistled sentences, the context helps to resolve ambiguities and the accuracy rose to approximately 80 to 90 percent.

In essence, people listening to whistled speech are piecing together its meaning from fragments of the full speech signal, just as all of us do when listening to someone at a crowded cocktail party. “Regular speech is so complex — there is so much redundant information,” says Fanny Meunier, a psycholinguist at CNRS who studies speech in noisy environments. “If we have noise, then we can choose different types of information that are present in different places in the signal.”

Linguists know surprisingly few details about how the brain does this. “We still don’t know what parts of the signal are useful to understand the message,” Meunier says. Most researchers who study this topic do so by deliberately degrading normal speech to see when listeners can no longer understand. But Meunier feels that whistling offers a less artificial approach. “With whistling, it was more like, let’s see what people did naturally to simplify the signal. What did they keep?” she says. The information crucial for understanding speech, she assumes, must lie somewhere within that whistled signal.

Meunier and her colleagues are just beginning this work, so she has few results to share yet. So far, they have shown that even people who have never heard whistled speech before can recognize both vowels and consonants with an accuracy well better than chance. Moreover, trained musicians do better than nonmusicians at recognizing consonants, with flute players better than pianists or violinists, Anaïs Tran Ngoc, a linguistics graduate student at the University of the Cote d’Azur, has found. Tran Ngoc, herself a musician, speculates that this is because flutists are trained to use sounds like t and k to help articulate notes crisply. “So there’s this link with language that might not be present for other instruments,” she says.

Whistled languages excite linguists for another reason, too: They share many features with what linguists think the first protolanguages must have been like, when speech and language first began to emerge during the dawn of modern humans. One of the big challenges of language is the need to control the vocal cords to make the full range of speech sounds. None of our closest relatives, the great apes, have developed such control — but whistling may be an easier first step. Indeed, a few orangutans in zoos have been observed to imitate zoo employees whistling as they work. When scientists tested one ape under controlled conditions, the animal was indeed able to mimic sequences of several whistles.

The context of whistled language use also matches that likely for protolanguage. Today’s whistled languages are used for long-distance communication, often during hunting, Meyer notes. And the formulaic sentences used by whistlers of simple tonal languages are a close parallel to the way our ancestors may have used protolanguage to communicate a few simple ideas to their hunting partners — “Go that way,” for example, or “The antelope is over here.”

That doesn’t mean that modern whistled speech is a vestigial remnant of those protolanguages, Meyer cautions. If whistling preceded voiced speech, those earliest whistles wouldn’t have needed to encode sounds produced by the vocal cords. But today’s whistled languages do, which means they arose later, as add-ons to conventional languages, not forerunners of them, Meyer says.

Despite their interest to both linguists and casual observers, whistled languages are disappearing rapidly all over the world, and some — such as the whistled form of the Tepehua language in Mexico — have already vanished. Modernization is largely to blame, says Meyer, who points to roads as the biggest factor. “That’s why you still find whistled speech only in places that are very, very remote, that have had less contact with modernity, less access to roads,” he says.

Among the Gavião of Brazil, for example, Meyer has observed that encroaching deforestation has largely eliminated whistling among those living close to the frontier, because they no longer hunt for subsistence. But in an undisturbed village near the center of their traditional territory, whistling still thrives.

Fortunately, there are a few glimmers of hope. UNESCO, the UN cultural organization, has designated two whistled languages — Silbo in the Canary Islands, and a whistled Turkish among mountain shepherds — as elements of the world’s intangible cultural heritage. Such attention can lead to conservation efforts. In the Canary Islands, for example, a strong preservation movement has sprung up, and Silbo is now taught in schools and demonstrated at tourist hotels. “If people don’t make that effort, probably Silbo would have vanished,” says Díaz Reyes. There, at least, the future of whistled language looks bright.


Qué pueblos hablan silbando y de dónde viene ese misterioso lenguaje

Si tienes la suerte de visitar las laderas del Himalaya es posible que llegues a escuchar un extraordinario dueto resonando a través de los bosques.

Para un oído que no está acostumbrado podría sonar como unos músicos calentando un extraño instrumento pero es, en realidad, una comunicación entre dos amantes que emplean un lenguaje silbado secreto.

Los hmong son unas de las pocas comunidades que pueden «hablar» en silbidos, un lenguaje normalmente usado por agricultores y cazadores para comunicarse entre sí.

Sin embargo, es quizás más hermosamente expresado durante un cortejo iniciado por muchachos que, al anochecer, deambulan por pueblitos cercanos, silbando sus poemas favoritos.

Si una muchacha responde al silbido inicial, comienza un sugerente diálogo de pareja que, incluso, pueden crear su propio código personal para confundir a los fisgones.

«Les da algo de intimidad», dice Julien Meyer, de la Universidad de Grenobe, quien ha visitado la región para estudiar esa forma de comunicación.

El interés de Meyer en esos lenguajes comenzó al leer un artículo publicado hace 40 años en la revista estadounidense Scientific American sobre el silbo gomero, una forma de español silbado «hablado» en La Gomera (Islas Canarias).

Fascinado instantáneamente, Meyer terminó haciendo un doctorado sobre el tema y llegó a identificar más de 70 grupos en todo el mundo que usan silbidos para expresarse.

Esos misteriosos lenguajes demuestran la asombrosa capacidad del cerebro para decodificar información de señales nuevas y hasta podrían arrojar luz sobre el origen de la comunicación hablada.

Caza y recolección

Debido a que los silbidos pueden llegar muy lejos -hasta 8 km en condiciones abiertas- su uso es más frecuente en las montañas para ayudar a pastores y agricultores a pasar mensajes.

Sin embargo, también pueden penetrar densos bosques, como en la Amazonia, donde son utilizados por los cazadores para localizarse entre sí.

Igualmente, pueden ser útiles en el mar. Las comunidades inuit los emplean para dar instrucciones durante la caza de ballenas.

Y esos lenguajes crípticos también han servido como un arma de guerra.

Meyer dice que, por ejemplo, las poblaciones bereberes indígenas en la cordillera del Atlas usaron silbidos para pasar mensajes durante su resistencia contra los franceses.

Cambio de tono

Para quienes no estén familiarizados con ese lenguaje, puede parecer imposible imaginarse cómo los tonos ascendientes y descendientes transmiten significados.

Meyer encontró que normalmente se basan en una de dos estrategias, que usan el cambio de tono para crear una especie de esqueleto esencial del lenguaje hablado.

Y todo depende de si el lenguaje cotidiano es o no «tonal».

En algunos países, especialmente en Asia, el tono de una sola sílaba en una palabra puede cambiar su significado. Como resultado, los silbidos siguen las melodías inherentes en cualquier oración hablada.

Sin embargo, otros idiomas, como el español y el turco, no son naturalmente tonales.

En esos casos, los silbidos imitan los cambios en resonancia que ocurren con los distintos sonidos de las vocales, mientras que las consonantes se pueden distinguir por la forma abrupta en la que los silbidos saltan y se deslizan de nota a nota.

Meyer encontró que quienes se comunican así fluidamente pueden descifrar las frases con una precisión de más del 90%, cerca de la misma inteligibilidad del lenguaje hablado.

Y sospecha que todo se basa en el mismo mecanismo que nos permite poder conversar en una sala repleta de gente o entender un mensaje susurrado.

Podemos ver lo mismo en mensajes escritos cuando las letras están desordenadas o faltan vocales. «Auomticamnte l cerbro llna los espacis».

Pueblo de pájaros

Nuevos estudios de ese proceso están haciendo que algunos neurocientíficos se replanteen la forma en la que se organiza el cerebro.

Durante décadas, se asumió que cada lado del cerebro está altamente especializado para tareas particulares, y que el hemisferio izquierdo era el que se ocupaba firmemente del lenguaje.

El neurocientífico Onur Gunturkun, de la Universidad Ruhr de Bochum, Alemania, decidió investigar si eso era igualmente cierto con los silbidos.

Para su estudio, viajó a la localidad turca de Kuskoy, literalmente «el pueblo de los pájaros», en un valle cercano al mar Negro, donde los pastores y pescadores silban mensajes.

Gunturkun puso en práctica un sencillo ejercicio de comprensión oral que consistió en poner al participante a escuchar sílabas ligeramente distintas en cada oído y pedirle que dijera cual había percibido.

El experimento se centra en una peculiaridad de las conexiones del cuerpo que hacen que cada oído alimente el lado opuesto del cerebro.

Como resultado, la sílaba que viene desde la derecha tiende a captar nuestra atención, ya que es llevada por vía rápida al dominante hemisferio izquierdo.

Por lo menos, esa era la teoría. Sin embargo, eso no sucedió en el experimento en Kuskoy.

En vez de favorecer la izquierda o la derecha, los participantes distinguieron por igual los silbidos desde cada dirección, sugiriendo que ambos lados del cerebro estaban siendo utilizados para entender las señales.

El neurocientífico Onur Gunturkun, de la Universidad Ruhr de Bochum, Alemania, decidió investigar si eso era igualmente cierto con los silbidos.

Para su estudio, viajó a la localidad turca de Kuskoy, literalmente «el pueblo de los pájaros», en un valle cercano al mar Negro, donde los pastores y pescadores silban mensajes.

Gunturkun puso en práctica un sencillo ejercicio de comprensión oral que consistió en poner al participante a escuchar sílabas ligeramente distintas en cada oído y pedirle que dijera cual había percibido.

El experimento se centra en una peculiaridad de las conexiones del cuerpo que hacen que cada oído alimente el lado opuesto del cerebro.

Como resultado, la sílaba que viene desde la derecha tiende a captar nuestra atención, ya que es llevada por vía rápida al dominante hemisferio izquierdo.

Por lo menos, esa era la teoría. Sin embargo, eso no sucedió en el experimento en Kuskoy.

En vez de favorecer la izquierda o la derecha, los participantes distinguieron por igual los silbidos desde cada dirección, sugiriendo que ambos lados del cerebro estaban siendo utilizados para entender las señales.

El neurocientífico Onur Gunturkun, de la Universidad Ruhr de Bochum, Alemania, decidió investigar si eso era igualmente cierto con los silbidos.

Para su estudio, viajó a la localidad turca de Kuskoy, literalmente «el pueblo de los pájaros», en un valle cercano al mar Negro, donde los pastores y pescadores silban mensajes.

Gunturkun puso en práctica un sencillo ejercicio de comprensión oral que consistió en poner al participante a escuchar sílabas ligeramente distintas en cada oído y pedirle que dijera cual había percibido.

El experimento se centra en una peculiaridad de las conexiones del cuerpo que hacen que cada oído alimente el lado opuesto del cerebro.

Como resultado, la sílaba que viene desde la derecha tiende a captar nuestra atención, ya que es llevada por vía rápida al dominante hemisferio izquierdo.

Por lo menos, esa era la teoría. Sin embargo, eso no sucedió en el experimento en Kuskoy.

En vez de favorecer la izquierda o la derecha, los participantes distinguieron por igual los silbidos desde cada dirección, sugiriendo que ambos lados del cerebro estaban siendo utilizados para entender las señales.

Una respuesta especialmente elegante nos lleva al padre de la teoría de la evolución, Charles Darwin, quien propuso que surgieron juntos como una especie de «protolenguaje musical».

Según ese punto de vista, los humanos comenzaron primero a cantar antes de poder hablar, quizás en una especie de ritual de cortejo.

Con el paso del tiempo la práctica nos habría impulsado a desarrollar un control más fino de nuestras cuerdas vocales.

«Quizás silbar fue parte de la dinámica que impulsó a los humanos a adaptar su comunicación a algo más elaborado», dice Meyer.

Y destaca que algunos primates han dominado la producción de silbidos, lo que sugiere que silbar puede requerir menos adaptaciones y ser un paso intermedio ideal para el lenguaje hablado.

De ser así, las señales silbadas podrían haber comenzado como un protolenguaje musical y, al volverse más complejas e impregnadas de significado, pudieron también haber ayudado a coordinar la caza y la recolección.

Posteriormente, también podríamos haber obtenido control de nuestras cuerdas. Sin embargo, los lenguajes silbados habrían sido un elemento pequeño, y crucial, del repertorio general humano.

Esa idea aun no tiene un consenso científico.

Sin embargo, de ser correcta significaría que esas encantadoras melodías de los hmong podrían ser lo más cerca que jamás lleguemos a escuchar los sonidos de las primeras palabras de la humanidad.


El silbido turco desafía las ideas sobre lenguaje y cerebro

Científicos turcos han demostrado que el silbido turco, la forma silbada del idioma, requiere el uso de los dos hemisferios cerebrales por igual, debido a que la melodía, la frecuencia y el tono, los rasgos del silbido, se procesan en el hemisferio derecho. Eso demuestra que normalmente el lenguaje se procesa en el izquierdo solamente por la estructura física, no porque el lenguaje en sí le sea propio.

El procesamiento del lenguaje lo realiza normalmente el hemisferio izquierdo del cerebro. Eso es cierto si esa lengua se habla, escribe o se emite por señas. Pero un nuevo estudio publicado en la revista de Cell Press Current Biology ha descubierto una excepción a esta regla en una expresión muy excepcional: el silbido turco.

«Tenemos la increíble suerte de que, efectivamente, exista un lenguaje de este tipo,» dice Onur Gunturkun, de la Universidad Ruhr de Bochum (Alemania), en la nota de prensa recogida por EurekAlert!. «Es un verdadero experimento de la naturaleza.»

El silbido turco es exactamente lo que parece: el turco, adaptado a una serie de silbidos. Este método de comunicación fue muy popular en los viejos tiempos, antes de la llegada de los teléfonos, en pequeños pueblos de Turquía, como un medio para la comunicación a larga distancia.

En comparación con el habla turca, el silbido turco lleva mucho más lejos. A corta distancia se usa el habla, pero se cambia al silibido en torno a los 50 o 90 metros de distancia.

«Si nos fijamos en la topografía, está claro lo útil que es la comunicación silbada», dice Gunturkun. «No se puede articular palabras tan más fuerte como se silba, de modo que el lenguaje silbado por se puede escuchar a kilómetros de distancia a través de abruptos cañones y altas montañas.»

El mismo idioma

El silbido turco no es un idioma distinto del turco, explica Gunturkun. Es turco en una forma diferente, igual que este texto es castellano convertido a la forma escrita. Gunturkun, que es turco, dice que aun así lo encontró sorprendentemente difícil de entender.

«Como persona nativa en habla turca, me llamó la atención que no entendía una sola palabra cuando estos chicos empezaban a silbar», dice. «¡Ni una sola palabra! Después de una semana, empecé a reconocer algunas palabras, pero sólo si me sabía el contexto.»

El silbido turco es claramente fascinante por sí mismo, pero Gunturkun y sus colegas también se dieron cuenta de que era una oportunidad perfecta para poner a prueba la idea de que el lenguaje es predominantemente una actividad del cerebro izquierdo, sin importar la estructura física que utilice.

Eso es porque del procesamiento auditivo de características como la frecuencia, el tono y la melodía -las cosas de las que están hechos los silbidos- se ocupa el cerebro derecho.


Los investigadores examinaron la asimetría cerebral en el procesamiento del turco hablado frente al del silbado, emitiendo tanto palabras habladas como silbadas a sus oídos izquierdo y derecho, a través de auriculares.

Luego, los participantes informaron de lo que habían oído. Mientras que percibían con mayor frecuencia sílabas habladas cuando les llegaban a la oreja derecha, escuchaban sonidos silbados igualmente bien en ambos lados.

«Pudimos demostrar que el silbido turco es igualitario en cuanto a los hemisferios», dice Gunturkun. «El hemisferio izquierdo está implicado dado que es un idioma, pero el derecho está igualmente involucrado ya que para esta lengua extraña se necesitan todas las especialidades auditivas de este hemisferio.»

Eso es importante, dicen los investigadores, ya que significa que el predominio del hemisferio izquierdo en la lengua depende de la estructura física del lenguaje.

También el silbo gomero

Un estudio similar publicado en Nature en 2005 demostró mediante imágenes por resonancia magnética que interpretar el silbo gomero de Canarias también requiere de los dos hemisferios cerebrales.

Los científicos turcos pretenden ahora llevar a cabo estudios de electroencefalografía para mirar más de cerca los procesos cerebrales subyacentes en los hablantes del silbido turco.


El lenguaje silbado del Mar Negro de Turquía

En el pueblo de Kuşköy, a lo largo de la costa del Mar Negro, Turquía, cerca de 10.000 Aldeanos se comunican por silbidos, en lo que ha sido conocido como “La lengua de los pájaros”, en donde cada silbido representa una sílaba diferente, cuyas construcciones fónicas pueden escucharse desde lejos gracias al eco que producen las montañas.

Es un lenguaje que los ancianos aprendieron de sus padres y que buscan transmitir a sus hijos y a sus nietos, lo conocen incontables pueblos situados en los montes Pónticos, y realmente resulta muy práctico para pastores y pescadores, lo que constituye una manifestación genuina de patrimonio inmaterial reconocida por la UNESCO.

En Kuşköy sus aproximadamente 500 habitantes cultivan té y avellanas; en las calles conviven diversos oficios que ejercen pocas personas, como la panadería, la carnicería y algunos cafés. Son los sonidos y no los paisajes los que hacen diferente a Kuşköy. Por generaciones, los aldeanos han conversado usando una forma única de comunicación a través de silbidos que llaman “kuş dili” o “lenguaje de las aves» en turco.

Por sí mismo, el nombre Kuşköy significa “pueblo de las aves”, allí son frecuentes los silbidos que invitan a tomar el te o a reunirse cerca de una ladera para conversar, por encima de los valles. A la distancia, logran “hablar” bajo una serie de estridentes silbidos gorjeantes que realmente se asemejan al canto de los pájaros.

Hay situaciones que vale la pena rescatar, para Ibrahim Kodalak, un agricultor de avellanas, a menudo las melodías de las aves locales son similares al kuş dili. También afirma que el canto mañanero del mirlo es idéntico a un famoso verso del Corán. Cabe señalar que en el pueblo la electricidad llegó recién en 1986 y antes de eso era difícil comunicarse a larga distancia, los pobladores necesitaban ese tipo de lenguaje para comunicar breves noticias en espacios lejanos.

Como otras formas de comunicación a través de silbidos, el kuş dili surgió en una región donde el terreno escabroso y la población escasa hicieron difíciles los viajes incluso de corta distancia. Según Kodalak, un silbido puede resonar a más de un kilómetro. “Si tu voz no se puede oír a larga distancia, se puede hacer una cadena con diferentes personas que retransmitan el mensaje”.

Muchos lugareños creen que el kuş dili surgió hace aproximadamente 400 años, aunque nadie lo sabe con seguridad. El “lenguaje” es, de hecho, un dialecto silbado del turco, con cada sílaba reproducida en uno de los 20 sonidos diferentes. Algunos temas típicos incluyen invitaciones a tomar el té o ayudar con el trabajo, avisar a los vecinos sobre la llegada de un camión para recoger la cosecha, o anuncios de funerales, nacimientos y casamientos. Verdaderamente increíble.

Una forma de comunicación en riesgo de desaparición

El lento proceso de modernización en el pueblo ayudó a preservar el kuş dili pero, en décadas recientes, particularmente desde la llegada de la telefonía móvil, el lenguaje ha disminuido, tal como lo ha señalado el mukhtar de Kuşköy o jefe del pueblo, Metin Köçek. “Ahora tenemos carreteras, electricidad y líneas telefónicas” “En nuestra infancia, el lenguaje de las aves era muy usado en la vida cotidiana. Ahora cubrimos las mismas necesidades usando el celular”.

La tecnología no es la única amenaza. Como en otras partes rurales de Turquía, muchos jóvenes están dejando Kuşköy para buscar oportunidades mejores en las ciudades en auge del país. Esta ausencia de oportunidades es común en zonas rurales y campesinas de muchos pueblos de Europa, situación que ha llevado a muchas comunidades a trabajar el turismo rural como alternativa económica que a su vez permita rescatar valores y tradiciones lentamente olvidadas.

Aproximadamente desde el año 2000 el pueblo ha celebrado un festival anual para promover lo que muchos consideran su lengua materna. Hay una muestra de silbidos y un concurso entre los mejores silbadores, en el que se transmiten las instrucciones a cada uno de los participantes sobre el valle, ante un panel de jueces, una interesante iniciativa que busca promover el lenguaje de las aves en Turquía y en el mundo, tal como lo afirmó Şeref Köçek, organizador del festival y jefe de la Asociación de Lenguaje de las Aves. Los festivales incluyen música y danzas locales. Hay quienes sostienen que el kuş dili podría ser usado como un medio para impulsar la economía local y detener el éxodo a las ciudades, lo cual sería una herramienta cultural a ser utilizada en el turismo regional.

La UNESCO señala que el Kusdili constituye un «fuerte ejemplo de la creatividad humana para simular y articular palabras a través de silbidos, utilizando los dedos, lengua, dientes, labios y mejillas». En 2017 esta organización ha incluído la llamada “lengua de los pájaros” del Mar Negro, en el norte de Turquía, en la lista de lenguas amenazadas que necesitan protección urgente. Salvaguardar esta forma de comunicación, que desde mediados del siglo XX se ha expandido por las regiones de Trabzon, Rize, Ordu, Artvin y Bayburt, representaría un modo de fortalecer la identidad local de las comunidades agrícolas que circundan el Mar Negro, con lo cual sería muy importante el papel de las escuelas (ya existe una iniciativa desde 2014, que consiste en la enseñanza de dicho lenguaje en la educación primaria), junto con las bibliotecas, para poder revalorizar la memoria cultural de los campesinos de Kuşköy, incorporando a dicho espacio el invaluable aporte de estos verdaderos libros vivientes.


El lenguaje silbado revive en los Pirineos

En Laruns, un pequeño pueblo del suroeste de Francia al pie de los Pirineos, los niños de la escuela aprenden a silbar para comunicarse, un lenguaje olvidado que poco a poco se está recuperando y que también se practica en Grecia y las Islas Canarias.

«Hoù Baptista, apèra lo medecin!», silva, usando el occitano, la lengua local, Philippe Biu.

Este profesor de la universidad de Pau ha venido a Laruns para echar una mano a su colega Nina Roth, la profesora de occitano en la escuela del pueblo.

Con dos dedos bajo la lengua, Paul, un niños de 12 años, repite con un sonido estridente la frase Philippe Biu, bajo los aplausos de los demás alumnos. Y luego traduce al francés: «Baptiste, ¡llama al médico!».

«Para poder silbar primero hay que aprender el occitano. Y como se lo pasan bien silbando aprenden occitano mucho más rápido», dice la profesora.

Son pocos los alumnos de la región que todavía aprenden este lenguaje, recuperado en los años 1950 por un especialista en acústica. «Es menos aburrido que el inglés», dice Paul con una gran sonrisa.

Charlotte, de 14 años, y Philippine, de 12, están de acuerdo con él pero también se quejan de la dificultad. «¡Todavía no hemos conseguido emitir un sonido!» dicen-

Hoy también asiste a la clase Panagiotis Tzanavaris, un maestro griego del lenguaje silbado que lo practica en Antia, un pueblo escondido en un valle de la isla de Eubea, en el mar Egeo. «Kalimera», silba en griego y los alumnos lo repiten. Según el profesor Philippe Biu, la técnica del maestro griego «permite usar cualquier lengua silbando».

La tradición del lenguaje silbado en el Bearne, una región francesa situada al pie de los Pirineos, empezó a recuperarse en los años 1950.

Y fue gracias a René-Guy Busnel, un especialista en acústica que hizo el primer estudio sobre esta forma de expresión en Aas, un pueblo de 70 habitantes a pocos kilómetros de Laruns.

Busnel se dio cuenta de que los habitantes de este pueblo tenían la costumbre de comunicarse a gran distancia, desde ambos lados de la montaña, gracias a unos silbidos que pueden oírse a 2 kilómetros de distancia y con los que articulaban frases en dialecto bearnés.

Marcel Lascurettes, de 76 años, hijo y sobrino de silbadores, es uno de los últimos testigos de esta tradición en el pueblo de Aas. «Cuando era niño todo el mundo practicaba este lenguaje silbado. A diferencia del dialecto bearnés, que lo usaban padres e hijos, el lenguaje silbado sólo los usaban los niños como un juego en la calle», recuerda.

Una tradición que se habría perdido para siempre si no fuera por la insistencia de sus defensores, reunidos en la asociación Lo Siular d’Aas («Los silbadores de Aas» en occitano).

El lenguaje silbado también se practica en otras zonas montañosas del Mediterráneo, como en las Islas Canarias, Grecia, Marruecos o Turquía.

El presidente de la asociación de Aas, Gérard Pucheu, un profesor jubilado, explica como en 2006 viajó hasta las Islas Canarias para aprender cómo lo enseñaban allí.

«Observamos la manera como lo enseñaban en La Gomera [una de la islas del archipiélago], nos motivó mucho. Pensamos que podíamos usar este método aquí. Tenemos un tesoro lingüístico y hay que conservarlo», asegura.

La jornada termina en la universidad de Pau, a 50 kilómetros de Laruns, con una ‘master-class’ de Panagiotis Tzanavaris, el maestro griego del silbido. Esta clase que cierra el curso anual del profesor Philippe Biu.

En la sala hay pocos estudiantes pero están presentes algunos de los mejores silbadores de la región como Bernard Miqueu, de 65 años, del pueblo de Ogeu. «Nosotros silbamos con los dedos y los griegos sin los dedos, es un sonido más melodioso», asegura.

«La mejor edad para aprender es a los 11 o 12 años. Técnicamente silbar es difícil, hay que trabajar mucho antes de poder emitir un sonido», dice Philippe Biu, que no le preocupa que haya poca gente en sus clases.

«Los silbadores de mañana son los niños, la transmisión la harán ellos», asegura.


El lenguaje silbado en Canarias

Los primeros pobladores de este archipiélago, bereberes procedentes del noroeste de África, fueron los que trajeron a las islas el lenguaje silbado. Existe constancia histórica y actual de su uso en zonas montañosas de Marruecos. Está perfectamente documentado que esa población indígena de las islas practicaba el lenguaje silbado, y no es de extrañar que la población canaria resultante tras el mestizaje que provocó la conquista y colonización siguiera haciendo uso del mismo, simplemente porque seguía siendo útil. La lengua que se sustituyó al silbar ya no fue aquella o aquellas de origen bereber, sino una de origen románico: el español o castellano.

En la naturaleza del silbo está trasmitir lo público, no lo privado. El mensaje es emitido, de media, a una intensidad sonora algo superior a los 100 decibelios. Se puede escuchar y entender con relativa facilidad a distancias de uno o dos kilómetros, siendo posible, en circunstancias muy favorables, alcanzar los tres. Al tratarse de un sistema de comunicación a distancia, las personas que tradicionalmente lo han utilizado son pastores, agricultores, cazadores…, personas que se ven frecuentemente aisladas, distanciadas entre sí, y en terrenos agrestes. Debido a eso, la utilización ha sido principalmente masculina, probablemente en torno al 80%, frente al 20% de mujeres, como han indicado nuestras investigaciones.

El silbo de las Islas Canarias es un lenguaje sustitutivo del hablado, en este caso, del español hablado en cada isla, del que posee su estructura básica. Tiene un sistema fonológico propio, independiente del que está sustituyendo. Está doblemente articulado, lo que quiere decir que existe una primera articulación en palabras (unidades con significado), y una segunda articulación en unidades indivisibles mínimas sonoras, los fonemas. O sea, posee vocales modificadas por consonantes que a su vez forman palabras dotadas de significado. El silbo de Canarias es un sistema tonal, ya que el significado de lo silbado varía en función de la altura o tono del sonido emitido, que sustituye a una lengua no tonal, el español.

El silbo no es una lengua, sino un lenguaje. Pero, todavía más que un lenguaje, puede definirse como una técnica de comunicación para grandes distancias. Eso quiere decir que serviría para silbarse en cualquier idioma, ya que puede sustituir todos los fonemas hablados, pero que cumple exclusivamente funciones prácticas. El número de fonemas posibles se reduce considerablemente con respecto a la lengua hablada, lo que provoca frecuentes casos de ambigüedad en la recepción de los mensajes silbados. Los interlocutores resuelven esto gracias al contexto de la situación o por medio de preguntas aclaratorias.

Las vocales se silban modificando la altura o tono del silbo. Así, de agudo a grave, entre unas frecuencias de onda que van de los 4000 a los 1000 hertzios, tenemos las vocales I, E, A, U-O. Estas dos últimas se confunden, suenan comúnmente igual de graves. Esto es debido al hecho de que la altura de la vocal es inversamente proporcional a la apertura de la mandíbula al pronunciarla; es decir, cuanto menor sea la apertura de la mandíbula, más agudo se emitirá el silbo (caso de la I), y viceversa (caso de la O), simplemente por principio acústico.

Las consonantes se silban acercándolas lo más posible a su realización en el lenguaje hablado. Debemos tomar en cuenta que para silbar se utiliza únicamente la parte anterior de la boca. Un silbador meticuloso y experimentado sería capaz de articular gran cantidad de consonantes. No obstante, los movimientos que se ejecutan con labios y lengua sugieren cinco realizaciones consonánticas básicas, similares a las pronunciaciones de K, CH, Y, B y G, que son las que empleamos al comienzo de la enseñanza del silbo. Los 17 fonemas consonánticos hablados en el español de Canarias se localizan en alguno de estos 5 grupos de consonantes silbadas, sin tener en cuenta las mentadas habilidades de algunos silbadores para matizar consonantes, aunque estas estén incluidas en el mismo grupo de realización.

Pero el lenguaje silbado es mucho más. Habría que atender también a realizaciones especiales, como las consonantes en posición implosiva, las sílabas trabadas, la acentuación de las palabras o la ejecución especial que tienen los diptongos. Asimismo, en el apartado no fonológico, es importante conocer el tipo de vocabulario que se prefiere en el silbo, o las convenciones o frases-tipo que se usan habitualmente, o cómo emitir o recibir un mensaje en situaciones de viento, o eco excesivo.
Como simple indicación, y sin entrar en detalles, pasamos a comentar sobre su distribución pasada y presente por el Archipiélago que, a fecha de hoy, es la siguiente:

LA GOMERA: Lo conservó hasta nuestros días, por diferentes motivos. Con fuerza, hasta los años 60 del siglo XX, siendo la única isla donde el lenguaje silbado es actualmente aprendido en la enseñanza pública. Es conocido y practicado por gran parte de su población. Es la isla del silbo por antonomasia, y la que le ha puesto el aceptado y merecido nombre al fenómeno: silbo gomero. En 2009 el silbo gomero fue declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

EL HIERRO: Lo conservó con vigor hasta los años 60 del siglo XX, siendo escaso su uso posteriormente. Aún quedan numerosos silbadores vivos, aunque de avanzada edad. Existe buena documentación gráfica y etnográfica de su utilización, y su recuperación es sencilla, pero urgente.

TENERIFE: Lo conservó, al menos, hasta los años 40 del siglo XX. Está ampliamente documentado, y aún hoy viven algunos silbadores de tradición. En la actualidad cientos de personas lo usan gracias a un aprendizaje reciente.

GRAN CANARIA: Lo conservó, al menos, hasta los años 40 del siglo XX. Su uso ha sido documentado, y hemos encontrado algunos buenos silbadores, todos de avanzada edad. Actualmente, decenas de personas lo usan tras un aprendizaje reciente.

LANZAROTE: Su uso no ha sido confirmado. No obstante, existe una leyenda relacionada con el lenguaje silbado que gira en torno a la Peña del Silbo, zona montañosa entre Teguise y Haría, además de pistas sobre su uso pasado en los Ajaches.

FUERTEVENTURA: Su uso no ha sido confirmado. También existe un topónimo, la Montaña del Silbo, en La Oliva, y la constancia de pastores silbadores llegados a la isla desde El Hierro.

LA PALMA: Su uso no ha sido confirmado. Sin embargo, en entrevistas de trabajo de campo hemos sido informados de un uso pretérito, ya residual, entre pastores de La Caldera y el noroeste de la isla.

Creemos que el silbo gomero, el silbo en Canarias, es un legado que vale la pena utilizar, conservar y revalorizar. Existen numerosos motivos para su protección, no solamente por su valor histórico y etnográfico, sino por sus posibilidades y utilidades, presentes y futuras. Solicitamos el empuje conjunto que el silbo necesita, por parte de todos los que lo amamos y valoramos. ¡Vale la pena!


Estudian el ‘silbo’ canario para aprender el lenguaje de los delfines

Un equipo de investigadores está analizando los lenguajes silbados del mundo, y especialmente el ‘silbo’ canario, para tratar de desentrañar las claves de la comunicación de los delfines, que emplean un sistema de tonos parecido. El reto es descubrir cuál es la unidad mínima del lenguaje de dichos cetáceos y para ello lo compararán con los lenguajes silbados, que no siempre usan los mismos esquemas que los idiomas hablados.

No solo se silba mientras se está distraído o entregado a una tarea agradable. Más de 80 culturas en todo el mundo emplean algún tipo de ‘lenguaje silbado’ para comunicarse a largas distancias. Ahora, un equipo de científicos ha descubierto que estos lenguajes humanos con silbidos pueden servir de modelo para intentar decodificar la comunicación de los delfines, según publica la revista Frontiers in Psycology.

El habla humana silbada se desarrolló sobre todo en lugares donde la gente habita en terrenos escarpados y accidentados, como montañas o bosques densos, en los que el silbido llega mucho más lejos que el habla ordinaria, aunque sea a gritos.

Uno de los casos más paradigmáticos de esta singular forma de comunicación humana es la que se emplea todavía en las islas de la Gomera y El Hierro (Canarias), donde es empleado por la población en su actividad cotidiana. Antiguamente, también existió en otras islas del archipiélago.

También hay o ha habido hasta hace poco lenguajes silbados en varias localidades de México, Bolivia, Brasil, Birmania, Nepal, Turquía, Grecia, Francia, África y Papúa Nueva Guinea.

Aunque estos lenguajes silbados varían mucho según cuál sea la cultura que los emplea y la región donde se usan, el principio básico es siempre el mismo: se trata de simplificar las palabras, convirtiéndolas, sílaba a sílaba, en melodías silbadas.

Un silbador experimentado puede transmitir una cantidad asombrosa de información. En el lenguaje turco silbado, por ejemplo, las frases habituales con silbidos se entienden hasta en un 90% de las ocasiones.

El habla humana con silbidos podría ser un modelo para entender cómo algunos cetáceos, como los delfines mulares, se comunican. Es una idea que surgió por primera vez en la década de 1960 con el trabajo de René-Guy Busnel, un investigador francés que fue pionero en el estudio de las lenguas silbadas.

Más recientemente, algunos de los antiguos discípulos de Busnel se han unido para explorar potenciales afinidades entre los delfines mulares y los humanos, que tienen el cerebro más grande del planeta en relación a su tamaño corporal.

«Ambos lenguajes, el silbado humano y el de los delfines, se caracterizan por parámetros acústicos similares y tienen un propósito común de comunicación a larga distancia en entornos naturales en dos grandes especies sociales con cerebros. Además, sus diferencias (por ejemplo, cómo se producen, la dinámica de los silbidos y los tipos de información que transmiten), no son barreras para tal comparación», señala el estudio.

El autor principal del estudio ahora publicado, Julien Meyer, lingüista del Gipsa Lab del Centro Nacional de Investigaciones de Francia (CNRS), pone este ejemplo: la capacidad de un oyente para decodificar el lenguaje humano o el silbido se basa en la competencia lingüística de dicho oyente, por ejemplo, su comprensión de fonemas, que es la unidad de sonido que permite distinguir una palabra de otra. Sin embargo, en el caso del lenguaje silbado humano, las gráficas de sonido llamadas sonogramas no siempre están separadas por silencios entre sus diferentes unidades.

“En cambio, los científicos que tratan de decodificar la comunicación de los delfines y otras especies que ‘silban’, a menudo clasifican esos silbidos en función de los intervalos silenciosos que hay entre unos pitidos y otros”, señaló Diana Reiss, profesora de psicología en el Hunter College de EEUU. Es decir, es posible que los investigadores tengan que replantearse cómo descifran la comunicación silbada en animales en función de lo que revelan los sonogramas en el habla silbada humana.

Al objeto de desarrollar nuevas técnicas para analizar los tonos emitidos por los delfines, los investigadores aprovecharán los datos del lenguaje de estos cetáceos recopilados hasta ahora y se compararán con una base de datos de lenguajes silbados humanos disponibles en Francia, Brasil y en entidades privadas, entre ellas El Silbo de El Hierro, en España.

“Con estos datos, por ejemplo, desarrollaremos nuevos algoritmos y probaremos algunas hipótesis sobre la estructura combinatoria”, señaló Meyer, refiriéndose a los bloques de construcción del lenguaje, como los fonemas, que pueden combinarse para crear un significado.

El equipo señala que los científicos ya usan el aprendizaje automático y la inteligencia artificial para ayudar a estudiar a los delfines en vídeos e incluso para identificar las llamadas de estos animales. Pero para tener un algoritmo de inteligencia artificial capaz de descifrar la comunicación del silbido de los delfines, “necesitaríamos saber cuál es la unidad mínima de sonido significativo, cómo están organizados y cómo funcionan”, señaló Reiss.

Esta es la clave para abrir el camino hacia la comprensión del lenguaje de los delfines y este es el objetivo de la investigación: aprender a detectar cuáles son las ‘palabras’ o los fonemas de sus silbidos y cómo se estructuran.

«La observación de detalles, como los procesos de segmentación y coarticulación en el lenguaje silbado puede servir para avanzar en el desarrollo de nuevos enfoques para el análisis de los repertorios de silbidos de los delfines y, eventualmente, de otras especies», señalan los autores.


Silbo Gomero – Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco

El Silbo Gomero es un lenguaje silbado perteneciente a la isla de La Gomera. Se cree que en el antaño era utilizado en toda Canarias, pero que por algunas razones se fue extinguiendo de esos lugares. 

Este silbo consiste en «transformar» palabras a silbidos reconocibles. Lo mejor de todo es que puede entenderse en cualquier idioma. En La Gomera te harán saber que no se trata de un código, sino de una reproducción de sonidos fonéticos

Ahora quiero sorprenderte: ¡el sonido puede recorrer hasta cinco kilómetros! Asombroso, ¿no? Es impresionante que te puedas comunicar con otras personas a cientos de metros de distancia. Algo que también es interesante es el tiempo que tarda en llegar el sonido. Lo común es que emitas tu silbido, y debas esperar varios segundos hasta que llegue al receptor, y luego la respuesta. 

En La Gomera destaca Isidro Ortiz, conocido como «El silbador gomero», es uno de los habitantes más viejos de la isla y de los mejores silbadores. Pero ya te contaré más de él, es posible que puedas verlo y aprender de su mano. 

El Silbo Gomero ostenta el reconocimiento del único lenguaje silbado del mundo, patrimonio etnográfico de Canarias y Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco.

El origen del silbo nace de la necesidad de comunicarse con otras personas. En el tiempo que se utilizaba, no había carreteras y la comunicación era escaza. Si querías comunicar algo a una persona que estaba en un caserío vecino, tenías que ir a él. 

En otros lugares no supondría inconvenientes, incluso cuando la distancia fuera larga, tenían caballos para recorrerla. En cambio, en La Gomera hay muchos barrancos y terrenos irregulares, por lo que solo se pueden cruzar a pie. Sin embargo, la geografía de la isla también fue quien permitió que el silbido se estableciera. 

Las características del terreno y el viento permiten que el sonido recorra largas distancias. Pudiendo alcanzar los increíbles cinco kilómetros. En ese entonces las personas transmitían los mensajes de pueblo a pueblo hasta que llegaba al destino. 

Esta antigua tradición se aprende de generación en generación. Actualmente, gracias a los avances tecnológicos, el silbo no es necesario. Aunque aún hay personas que lo practican, y sigue siendo cultura de la isla

El silbo era muy utilizado por los granjeros. Por ejemplo, si a uno se le perdía una cabra, podía preguntar al aire si la habían visto por ahí. Si alguien escuchaba, se comunicaba con él y lo ayudaba. En otros casos el silbo se utilizaba para alertar de ataques o eventos inesperados, pedir ayuda, encontrar a alguien… hoy en día es importante para el turismo. 

Aprender el Silbo Gomero es igual a aprender a hablar. Necesitas práctica para dominarlo completamente. En la isla te darán mejor información e incluso podrás comenzar a emitir tus primeros mensajes. Aun así te dejo una técnica, para que la vayas practicando. 

Debes doblar uno o dos dedos e introducirlos en tu boca de forma horizontal, dejando un hueco para que salga el aire. Toca los dedos con la lengua y prensa los labios. Por último, deja salir el aire suavemente por el hueco, no es necesario que lo eches con fuerza. 

Si esta técnica no te resulta, te agradará aprender con Isidro Ortiz, si puedes. Es un artesano y músico especialista en el silbo. Nació en el 1930, vive en Chipude, Vallehermoso, y en el 2009 recibió el Premio Canarias de Cultura Popular

Es muy reconocido en La Gomera y simpático, aunque ya no es tan activo como antes. Si tienes una oportunidad de hablar con él, ¡aprovéchala! 

Actualmente en La Gomera se dan clases sobre el Silbo Gomero en la asignatura de lengua de entre quince y veinticinco minutos. Es la tradición intangible más antigua en Canarias que sigue viva, y por medio de estas clases seguirá viviendo. Cuando pasees por La Gomera está muy atento, es probable que cerca de las montañas escuches personas comunicándose así. Cerca de veintidós mil pueden hacerlo, y es muy lindo verlo presente en las fiestas tradicionales.


Descubriendo la historia del silbo gomero

Al borde de la desaparición después de varios siglos de uso, fue a partir de los años 90 cuando las autoridades canarias ponen en marcha una serie de iniciativas para revitalizar el silbo gomero, un lenguaje silbado usado por los indígenas canarios prehispánicos desde tiempos remotos en la propia isla de La Gomera, pero también en El Hierro, Tenerife y Gran Canaria. Nos acercamos a las Islas Afortunadas para descubrir el silbo gomero, un lenguaje inscrito desde 2009 en la lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.  

¿Qué es el silbo gomero?

El silbo gomero es un lenguaje que utiliza la lengua, los labios y las manos para reproducir idiomas hablados mediante silbidos. A diferencia del lenguaje convencional que utiliza los recursos fonadores de la cavidad bucal y sus correspondientes subcavidades, el silbo gomero reproduciría las variaciones del timbre del habla con variaciones de tono y frecuencia.   

Los estudios de Ramón Trujillo Carreño de la Universidad de La Laguna, uno de los grandes investigadores de este lenguaje, afirman que el silbo gomero emplea seis sonidos, dos de ellos vocales y las otros cuatro consonantes de forma que, a través de su combinación, pueden expresar más de 4.000 conceptos.  

Los silbidos se distinguen por la frecuencia, además de la interrupción y la continuidad. La precisión en los mismos es el fundamento de este lenguaje que requiere por parte de los silbadores la fortaleza de las partes del cuerpo utilizadas, tanto de la boca como de los dedos de las manos.  

La historia del silbo gomero: origen y evolución 

“Así no es extraño que aún haya en Canarias muchísimas personas que duden del silbo gomero… y es una cosa natural, porque al menos por mi parte puedo decir que, sin haber visto yo mismo hablar silbando, hubiese sido otro incrédulo igual”. 

Esta reflexión procede de los escritos del historiador canario del siglo XIX Antonio María Manrique y Saavedra que aparece en el estudio El silbo gomero. 125 años de estudios lingüísticos y etnográficos firmado por dos profesores de la Universidad de La Laguna en 2007. En este estudio se recopilan los trabajos de casi una treintena de viajeros, historiadores y eruditos, muchos de ellos extranjeros, que, tras visitar La Gomeracomentaban en sus escritos la peculiaridad de un lenguaje silbado que se utilizaba en la isla. 

Pese a los esfuerzos de estos grupos de historiadores, que desde hace décadas luchan por la revitalización del silbo gomero, todavía se desconoce el origen preciso de este insólito lenguaje. El primer documento escrito que se hace referencia al silbo gomero es la crónica francesa del XV Le Canarien donde se afirma que en la isla se “habla con los bezos como si no tuvieran lengua”.  

Esta afirmación dará lugar a un equívoco impulsado en el libro Historia de la Conquista de las Siete Islas de la Gran Canaria firmado por Fray Juan de Abreu Galindo en el que se afirma que los habitantes de La Gomera eran descendientes de criminales a los que se les había quitado la lengua como castigo por sus delitos, habiendo desarrollado un lenguaje silbado para poder comunicarse, el cual habría pasado de padres a hijos. 

No obstante, actualmente se señala que el silbo gomero ya pudo estar plenamente desarrollado antes del siglo XV, tal vez influenciado en origen por lenguajes de las tribus africanas que serían los primeros probladores de las islas: el yacimiento de la Cueva de Las Toscas del Guirre que alberga una importante muestra de signos líbico-bereberes, podría reforzar esta teoría sobre el origen africano del silbo gomero. 

¿Y por qué usar un silbido pudiendo hablar? Los habitantes de la Gomera usaron este lenguaje para comunicarse a grandes distancias cuando la voz ya no es audible el cual no sería posible sin la ayuda de la propia orografía isleña: los barrancos de La Gomera servirían de amplificador y repetidor de los silbidos.  

En muchos casos, el silbo gomero cumpliría una función similar a las señales de humo: comunicarse a grandes distancias para alertar de posibles peligros y otras noticias importantes como fallecimientos, enfermedades o incendios. En este sentido, los vigías gomeros apostados en los riscos de la isla avisarían con el silbo a sus vecinos de la llegada de invasores: una suerte de mensajería instantánea con más de 500 años de historia. 

La historia del silbo gomero: su revitalización

Con el desembarco de los españoles en Canarias en el siglo XV, el silbo gomero fue adaptándose al castellano, lengua dominante desde entonces, cayendo el guanche —el idioma que se supone primero adaptó el silbo canario— poco a poco en el olvido. Pero el lenguaje silbado seguía cumpliendo las mismas funciones que hasta ese momento, añadiendo otras nuevas: se dice que también fue usado como lenguaje secreto entre los gomeros tanto en la propia conquista como en otras guerras, así como para realizar contrabando. 

Con el paso del tiempo, no obstante, el silbo fue declinando entre los gomeros hasta que a mediados del siglo XX se encontró prácticamente extinto con solo un puñado de vecinos custodiando este insólito lenguaje, usado ya casi exclusivamente en el pastoreo en las últimas décadas.

Sería a partir de los años 90 cuando las autoridades de la isla se pusieron manos a la obra para asegurar que este testimonio cultural no desapareciese definitivamente. En 1999, el Gobierno de Canarias regula su aprendizaje en las escuelas: facilitar a las nuevas generaciones el acceso a una cultura en peligro de extinción es la forma más eficaz de asegurar su pervivencia.

Cuando en el año 2009, la Unesco inscribe el silbo gomero dentro de la Lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, el lenguaje silbado de los gomeros se asegura su reconocimiento y la difusión internacional. Con la apertura en 2018 de la Cátedra Científica del Silbo Gomero de la Universidad de La Laguna se da un impulso definitivo a su estudio académico. 

La cultura popular también se ha hecho eco de este lenguaje en los últimos años. Varios programas de televisión han mostrado a personas de todas las edades comunicándose con silbidos. Así mismo, la película rumana La Gomera de Corneliu Porumboiu tenía a la isla y a su lenguaje silbado como centro de la trama, película que estuvo en la Sección Oficial de Cannes 2019 y que representó a Rumanía en la carrera por los Oscars. Acostumbrado a cruzar grandes distancias, el silbo gomero ya se escucha en todo el planeta.  


‘La poesía de mi isla’: los guardianes del lenguaje silbado en las Islas Canarias

Sentado en lo alto de un acantilado en las Islas Canarias, Antonio Márquez Navarro lanzó una invitación —“Vengan p’acá, vamos a matar el cerdo”— sin decir una palabra: la silbó.

A lo lejos, tres excursionistas que estaban de visita se detuvieron en seco ante el sonido penetrante y su eco que rebotaba en las paredes del barranco que los separaba.

Márquez, de 71 años, dijo que en su juventud, cuando los pastores locales, y no los turistas, recorrían los escarpados senderos de su isla, sus noticias habrían sido recibidas de inmediato por un silbido de respuesta, alto y claro.

Pero su mensaje se perdió en estos excursionistas, que pronto reanudaron su camino en La Gomera, una de las Islas Canarias, un archipiélago volcánico en el Atlántico que forma parte de España.

Márquez es un orgulloso guardián del lenguaje silbado de La Gomera, al que llamó “la poesía de mi isla”. Y, añadió, “como la poesía, el silbo no necesita ser útil para ser especial y hermoso”.

El silbo de los indígenas de La Gomera se menciona en los relatos del siglo XV de los exploradores que abrieron el camino a la conquista española de la isla. Con el paso de los siglos, esta práctica se adaptó a la comunicación en castellano.

El silbo sustituye a las letras escritas por sonidos silbados que varían en tono y longitud. Desgraciadamente, hay menos silbidos que letras en el alfabeto español, por lo que un sonido puede tener múltiples significados y provocar malentendidos.

Los sonidos de algunas palabras en español son los mismos —como “sí” o “ti”— y los de algunas palabras más largas que suenan de forma similar en el español hablado, como “gallina” o “ballena”.

“Como parte de una frase, esta referencia animal es clara, pero no si se silba sola”, dijo Estefanía Mendoza, profesora de la lengua.

En 2009, el lenguaje de la isla, conocido oficialmente como silbo gomero, fue incluido por la UNESCO en su lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad; la agencia de las Naciones Unidas lo describió como “el único lenguaje silbado del mundo plenamente desarrollado y practicado por una comunidad numerosa”, en referencia a los 22.000 habitantes de La Gomera.

Pero como ya no es esencial para la comunicación, la supervivencia del silbo depende sobre todo de una ley de 1999 que hace que su enseñanza sea obligatoria en el programa escolar de La Gomera.

Una mañana reciente, en un colegio de la ciudad portuaria de Santiago, una clase de niños de seis años no tuvo mucha dificultad para identificar los sonidos del silbo correspondientes a los distintos colores o a los días de la semana.

La cosa se complicaba cuando las palabras se incorporaban a frases completas, como “¿Cómo se llama el niño de los zapatos azules?”. Un par de niños argumentó que, en cambio, habían oído el sonido del silbido correspondiente a “amarillo”.

Si interpretar un silbido no siempre es fácil, hacer los sonidos correctos puede ser aún más difícil. La mayoría de los silbadores introducen un nudillo doblado en la boca, pero algunos utilizan en su lugar la punta de uno o dos dedos, mientras que unos pocos utilizan un dedo de cada mano.

“La única regla es encontrar cualquier dedo que haga más fácil silbar y algunas veces, desafortunadamente, nada funciona”, dijo Francisco Correa, coordinador del proyecto de enseñanza de silbo en La Gomera. “Hay incluso algunas personas de mayor edad que desde niños entienden perfectamente el silbo, pero nunca lograron que de la boca les saliera un sonido claro”.

Dos silbadores pueden tener dificultades para entenderse, sobre todo en sus primeros encuentros —y tener que pedirse que repitan las frases— como si fueran extraños que hablan el mismo idioma con acentos diferentes. Pero “luego de silbar juntos un rato, su comunicación se vuelve tan sencilla como si hablaran español”, dijo Correa.

Como ocurre en muchos idiomas, se silbe o no, en La Gomera existe una brecha generacional.

Ciro Mesa Niebla, un agricultor de 46 años, dijo que le costaba silbar con una generación más joven formada en la escuela porque, dijo, “soy un tipo de montaña que aprendió en su casa a silbar las palabras que mi familia usaba en el campo, pero no cuento con el vocabulario de estos chicos que aprenden silbo de salón, que es demasiado elegante para mí”.

Algunos residentes mayores también han dejado de silbar por problemas con sus dientes. Márquez aún silba con su dentadura postiza, “pero no es tan sencillo ni tan fuerte como cuando podía presionar el dedo contra mis dientes de verdad”, dijo.

Con su geografía distintiva, es fácil ver por qué se empezó a utilizar el silbido en las Canarias; en la mayoría de las islas, profundos barrancos corren desde los altos picos y mesetas hasta el océano, y se requiere mucho tiempo y esfuerzo para viajar incluso una corta distancia por tierra. El silbido se desarrolló como una buena forma alternativa de transmitir un mensaje, con su sonido más allá de los gritos: hasta tres kilómetros a través de algunos cañones y con condiciones de viento favorables.

Los residentes más antiguos de La Gomera recuerdan que el silbo se utilizaba como lenguaje de advertencia, sobre todo cuando se veía una patrulla de policía buscando contrabando. En una reciente película de ficción, La Gomera, el silbo es utilizado por unos criminales como su lenguaje secreto en clave.

Algunas otras islas del archipiélago tienen sus propios lenguajes silbados, su uso se ha desvanecido, aunque otra isla, El Hierro, ha comenzado recientemente a enseñar su versión. “El silbo no se inventó en La Gomera, pero es la isla en donde mejor se ha conservado”, dijo David Díaz Reyes, etnomusicólogo.

Hoy en día, La Gomera depende en gran medida del turismo, lo que ha creado una oportunidad para algunos jóvenes silbadores como Lucía Darias Herrera, de 16 años, que tiene un espectáculo semanal de silbo en un hotel de la isla. Aunque normalmente silba en castellano, Darias también puede adaptar su silbo a otros idiomas hablados por su público, en una isla que es especialmente popular entre los alemanes.

Sin embargo, desde la pasada primavera, el coronavirus no solo ha cancelado estos espectáculos, sino que también ha obligado a las escuelas a limitar la enseñanza de los silbidos. En una época de mascarillas obligatorias, un profesor no puede ayudar a un alumno a recolocar un dedo dentro de la boca para silbar mejor.

Los niños más pequeños también “hacen enormes esfuerzos para soplar mucho aire y entonces eso significa que algunos escupen más que silban”, dijo Correa, el coordinador de la escuela. Así que, como precaución para evitar la propagación del virus, los niños ahora pasan su clase semanal de silbo escuchando grabaciones de silbo, en lugar de silbar ellos mismos.

Una dificultad añadida para los alumnos es que no siempre tienen muchas oportunidades de practicar el silbo fuera de la escuela. En la clase de niños de seis años, solo cinco de los 17 levantaron la mano cuando se les preguntó si podían silbar en casa.

“Mi hermano de hecho silba muy fuerte, pero no me enseña porque está o en su PlayStation o fuera con sus amigos”, se quejó una de las pequeñas, Laura Mesa Mendoza.

Aun así, algunos adolescentes disfrutan saludándose con silbidos cuando se encuentran en la ciudad y agradecen la posibilidad de charlar sin que muchos de los adultos que les rodean les entiendan. Algunos tienen padres que fueron a la escuela antes de que el aprendizaje del silbo fuera obligatorio, o que se instalaron en la isla ya de adultos.

Por mucho que esté apegada a su celular, Erin Gerhards, de 15 años, se muestra entusiasmada por mejorar su silbo y ayudar a salvaguardar las tradiciones de su isla.

“Es un modo de honrar a la gente que vivía aquí en el pasado”, dijo. “Y de recordar de dónde salió todo, que no empezamos con la tecnología sino de inicios sencillos”.


Silbo Herreño: ¡Patrimonio de la Isla de El Hierro!

Origen del Silbo Herreño

Los obstáculos de la geografía insular han provocado la adaptación de los habitantes de cada isla del archipiélago canario. Bien es conocido el Silbo Gomero, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Sin embargo, se ha demostrado que este mismo lenguaje era utilizado principalmente en las islas más orientales de Canarias, desde Gran Canaria a El Hierro.

¿El motivo? Los barrancos y fuertes desniveles que separaban poblaciones. A través de los silbidos los habitantes eran capaces de comunicarse a pesar de distancias de varios kilómetros. Además, parece ser que no fue una nueva necesidad de los bereberes que poblaron el archipiélago, sino que ya lo utilizaban en su lugar de origen en las montañas marroquíes.

Aunque en la mayoría de islas ha desaparecido su uso, la generación más veterana de El Hierro aún recuerda esta herramienta fundamental que utilizaban a diario hasta mediados del siglo pasado y que todavía conservan. Ahora su deseo, materializado a través de la Asociación del Silbo Herreño, es transmitirlo a los más jóvenes para que no desaparezca.

¿En qué zonas de la isla de El Hierro se utilizaba el Silbo?

Hemos aprovechado nuestra visita a El Hierro para conocer de cerca este patrimonio con la Asociación del Silbo Herreño y con silbadores de la isla. Este lenguaje era utilizado principalmente por pastores y habitantes de las zonas con mayores desniveles, lo que les permitía la comunicación entre lugares como:

  • El Risco de El Golfo y el Valle de Frontera.
  • Isora y Las Playas.

También se utilizaba para convocar a los vecinos del pueblo como en El Pinar, o para avisar si algún vecino había fallecido.

¿Cuánta gente conoce el Silbo Herreño en la actualidad?

Desde la Asociación Cultural para la Investigación y Conservación del Silbo Herreño nos confirman que son más de un centenar los herreños que recuerdan su uso y decenas los que aún hoy en día lo utilizan para comunicarse, casi todos mayores de 70 años. Por esta razón, la Asociación está trabajando para su divulgación y conservación.

Entre otras acciones, periódicamente se realizan talleres en colegios y escuelas, además de clases gratuitas de silbadores para todo aquel que visite la isla.

Entrevista con un Silbador de El Hierro

En nuestra entrevista con Don Vidal Acosta, uno de los Silbadores de El Hierro quien es originario de Isora, nos contó varias curiosidades y anécdotas sobre el silbo y su uso:

¿Cuándo utilizaban el Silbo?

Se empleaba de forma habitual. De jóvenes cuando bajábamos hasta Las Playas (zona donde está actualmente el Parador de El Hierro), nuestros familiares en Isora contactaban con nosotros mediante los silbidos. No solo sabíamos a quién llamaban, sino también las indicaciones concretas del mensaje.

¿Cómo aprendió a silbar?

El Silbo pasaba de generación en generación. Nunca se aprendió en la escuela, era una necesidad que tuve que aprender para comunicarme en largas distancias. Antes no había móvil, internet… y mucho menos whatsapp.

¿Cómo es el lenguaje a través del Silbo?

Básicamente es reproducir a través del silbo las mismas palabras como si hablaras. Por lo tanto es un lenguaje universal.

Alguna anécdota que recuerde…

Recuerdo que la Guardia Civil venía frecuentemente en busca de un amigo de la zona. Cada vez que iban en camino le avisábamos mediante el silbo para que se escondiera. No tuvieron forma de encontrarlo, nunca estaba en casa.

Clase gratuita de Silbo Herreño

Con el objetivo de ayudar a difundir este lenguaje patrimonio cultural herreño, la Asociación organiza cada fin de semana una clase totalmente gratis para aprender a utilizar el silbo. Cada semana se realiza en un pueblo diferente y para reservar tu plaza tan solo tienes que enviar un email a:

Reconocimiento a la Asociación del Silbo Herreño

Desde Canarias Islas Afortunadas queremos mostrar nuestro agradecimiento y reconocimiento a toda la Asociación del Silbo Herreño por el gran esfuerzo que realizan a diario para conservar este pedacito de historia y patrimonio de El Hierro y de toda Canarias. Y, en especial, a D. José Gavilán y D. Vidal Acosta por su recibimiento y su disposición para darnos toda la información necesaria.

Estamos seguros de que gracias a su labor el Silbo en El Hierro se va a conservar y proteger como se merece, al igual que ya se hace con el Silbo en La Gomera. Sin duda, un tesoro cultural del pasado aborigen de las islas de los que deben presumir las Islas Canarias al completo.

¿Silbo Herreño o Silbo Canario?

Como les comentaba al inicio del artículo, el Silbo fue un método de comunicación de origen bereber que fue utilizado en cuatro islas (El Hierro, La Gomera, Tenerife y Gran Canaria) e incluso algún estudio revela hasta en 6 islas del archipiélago (añadiendo La Palma y Lanzarote).

Hay dudas que quizás nunca sean resueltas: ¿se llegó a importar de una isla a otra o se empleó desde los inicios en cada isla y simplemente han ido desapareciendo con el paso de los siglos? ¿Cómo se implementó, desarrolló y conservó en cada isla? ¿Es un silbo diferente en cada isla o es el mismo para toda Canarias?

Muchos enigmas que probablemente no se lleguen a resolver. Lo que sí se sabe es que, afortunadamente, a día de hoy se conserva el Silbo y sus silbadores en El Hierro y en La Gomera. Así que, si visitas cualquiera de estas dos islas no puedes perder la oportunidad de conocer este lenguaje canario único en el mundo. ¡No te dejará indiferente! Al igual que tampoco lo hará nuestro singular Diccionario Canario con palabras, frases y expresiones típicas de Canarias.


La maravilla del lenguaje silbado en El Hierro

Es una maravilla: incluso en nuestros días podemos escuchar dos personas comunicándose a gran distancia por medio del silbo. Todas las indicaciones muestran que se trata de una manifestación cultural que procede de la población aborigen canaria. Hace 40 años comenzó a descender su uso; pero el Cabildo de El Hierro ha priorizado desde hace pocas fechas su enseñanza entre los isleños.

Los guanches, utilizando este nombre generalizado para el antiguo habitante de Canarias, utilizaban la técnica del silbo en las islas, pero partiendo de su lengua de origen amazigh, bereber, ya desde antes de la llegada de los europeos.

El lenguaje silbado que aún pervive en la isla canaria de La Gomera procede, con toda seguridad, de los primeros pobladores de las Islas Canarias.

Aún está por comprobar, aunque parece lo lógico, que trajeran este curioso sistema de comunicación de su lugar de origen, el norte de África, donde habitaban las etnias bereberes.

Aparte de en La Gomera, el lenguaje silbado se utilizaba con certeza documentada en las islas de El Hierro, Tenerife y Gran Canaria, siendo muy probable su uso también en La Palma. No se descarta su primitiva utilización en Fuerteventura y Lanzarote, solo que no se dispone de constancia alguna de tal fenómeno en estas islas.

La realidad y la lógica hacen pensar que su mejor conservación en La Gomera se debe a lo escarpada de su orografía, su aislamiento histórico y la cantidad de población aborigen que sobrevivió a la conquista europea.


Durante sus cinco años de estancia en las islas Canarias en la década de 1880, René Verneau menciona la comunicación con el silbo en El Hierro. Sin embargo, la primera ocasión en la que se escribe algo explícito sobre este fenómeno en la isla del Meridiano sucede en 1891, cuando el francés Joseph Lajard habla de un lenguaje silbado usado en La Gomera y El Hierro en un artículo llamado «El lenguaje silbado de Canarias», en el «Bulletin de la Société d`Anthropologie’ de Paris, II».

Este investigador francés hizo una simple descripción del fenómeno, sin establecer las diferencias entre ambas Islas y sin profundizar en sus características. No obstante, sus conclusiones no van nada desencaminadas, ya que establece su origen en los primeros pobladores del archipiélago, comenta que se trata de un lenguaje construido sobre la base de una lengua natural, y que en definitiva consiste en lengua española silbada con una técnica con posibilidades comunicativas muy limitadas. Fue Joseph Lajard el primero en acuñar la correcta denominación del fenómeno como el lenguaje silbado de Canarias.


En 1991, el profesor Maximiano Trapero comentó que al menos hasta ese entonces la costumbre de silbar pervivía de manera muy residual entre algunos viejos pastores de La Dehesa, zona pastoril comunal en El Hierro. Igual que ya había hecho el citado Joseph Lajard un siglo antes, Trapero observó similitudes entre el silbo en La Gomera y en El Hierro.

La existencia de este fenómeno también en la isla del Meridiano fue registrada igualmente por Robert Ricard en 1932, por Buenaventura Bonnet y Luis Álvarez Cruz en 1953, y por la profesora María de la Cruz Jiménez en 1993. Mención especial merece el trabajo El pastoreo en El Hierro.

La manada de ovejas, del doctor Manuel J. Lorenzo Perera, donde habla escuetamente del lenguaje silbado antiguamente usado en El Hierro como instrumento de utilidad de los pastores de la isla, tanto para comunicarse entre ellos como con los animales.

Sistema fonológico propio

Nunca antes se había realizado un verdadero estudio del lenguaje silbado en El Hierro. Por eso en 2005 decidimos emprender este cometido, más que nada por los datos que se nos habían presentado de manera casual al hablar con algunos mayores de la isla, y tras haber leído y oído lo que hasta ahora se había pensado: que la comunicación silbada en El Hierro había desaparecido completamente hacía unos cien años.

Hace unos diez años, tras preparación previa iniciamos un periodo de entrevistas y trabajo de campo que abarcó entre 2006 y 2007, recogiendo muchos datos interesantes. Conseguimos encontrar personas que aún se acordaban y podían silbar. Al mismo tiempo, obtuvimos valiosa información de personas de edad muy avanzada (por ejemplo, de don Juan Antonio González Rodríguez, de 103 años, y de doña María Castañeda Brito, de 98, ambos ya fallecidos) que nos hablaron del silbo herreño y sus especificidades.

El silbo de El Hierro es un lenguaje sustitutivo del hablado, en este caso, del español hablado en la isla, del que posee su estructura básica. Tiene un sistema fonológico propio, independiente del que está sustituyendo.

Doblemente articulado

Está doblemente articulado, lo que quiere decir que existe una primera articulación en palabras (unidades con significado), y una segunda en unidades indivisibles mínimas sonoras, los fonemas, esto es, cada uno de los sonidos diferentes. En otras palabras, posee vocales modificadas por consonantes que a su vez forman palabras dotadas de significado.

El silbo herreño es un sistema tonal, ya que el significado de lo silbado varía en función de la altura o tono del sonido emitido. Es similar al silbo gomero en su estructura fonológica, pero posee unos pocos rasgos diferenciados, irrelevantes para la comunicación, que lo identifican claramente.

La diferencia entre ambos silbos puede compararse a la que existe entre los estilos de hablar el castellano en El Hierro y en La Gomera. Podemos concluir con certeza que el silbo gomero y el silbo herreño son dos dialectos de un mismo lenguaje.

Aborígenes canarios

No creemos que el silbo de una isla proceda de la otra, sino más bien que en ambas se dieron los mismos procesos históricos y culturales que permitieron la pervivencia de este fenómeno hasta nuestros días. Puesto que el lenguaje silbado también existió en otras islas de Canarias (seguro en Tenerife y en Gran Canaria) y que los contactos entre éstas se consideran prácticamente inexistentes en aquellos tiempos, concluimos que los aborígenes canarios habían importado esta técnica de comunicación a distancia desde la cercana costa de África, de donde procedían. Probablemente, el lenguaje silbado fue (y, tal vez, es) usado en las regiones montañosas del Atlas.

El hablar con silbos empezó a caer en desuso en El Hierro hace más de 40 años, alrededor de 1965. Desde entonces, siguió perviviendo algo más de tiempo de manera cada vez más residual. Todavía en noviembre de 2006 escuchamos silbar en El Hierro, sin que tuviese que ver con el contexto de nuestra investigación, al tristemente fallecido en abril de 2007 Antonio Gutiérrez Padilla. No obstante, todavía son muchos los que lo recuerdan, y hay gente que sigue siendo capaz de silbar con claridad. Las autoridades de la isla están formando a los futuros educadores que trasladarán esta enseñanza a los más pequeños y, de esa forma, pervivir esta maravilla en el territorio más occidental de España.


give P E A C E a chance

Peace Movement

On the one hand, a peace movement is a specific coalition, or purposeful grouping, of peace organizations that, together with elements of the public, seek to remove a threat of war or to create institutions and cultures that obviate recourse to violence. On the other, it is the organizational infrastructure to do so. Usage is usually clarified by context. Peace organization constituencies (supporting members and friends) are people with shared commitment to common values and traditions, like religious nonresistance (the conscientious, absolute, individual rejection of war), or to a program such as world federalism. Such groups form coalitions in order to enlist public support in response to salient issues. If the issue is war or a specific war threat, peace coalitions take the form of antiwar movements. In nearly 200 years of organized peace effort, specific peace movements have affected national policies, international institutions, and popular attitudes. Taken as a whole, they can be viewed as a single, evolving, and increasingly transnational social movement. Its conceptualization is a result of interaction between its historical experience and the formal analyses of war, peace, and social movements. The conceptualization of peace movements has resulted from the dialectical interaction of movement self-reflection on its own experience and subsequent scholarly analysis. The small peace societies begun in 1815 proselytized for attitudinal changes that would obviate warfare. Their memberships broadened, and American and British peace advocates (active members of peace societies) even solicited support on the European continent. By 1899 there were about 100 linked societies, among which some were well funded. The largely elitist leadership constituted a kind of peace establishment. They defined themselves by programs such as international arbitration and by a common bias for internationalism—the view that the destructiveness of war could be avoided by stressing mutual interests, breaking down barriers, and building up international law. Such generalized peace advocacy was christened ‘pacifism’ (note shift of meaning, next sentence) at the turn of the century. That conviction was shaken in World War I, as peace advocates were repressed, and ‘pacifism’ was narrowed to mean individual nonresistance. At the same time, though, some internationalists recognized the importance of constraints on national sovereignty and of professional international problem solvers: this shift may be called ‘liberal internationalism.’ Moreover, the movement was revitalized by the addition of a reform-minded leadership that was activist, linking peace and social justice, in the modern sense of positive peace (most fully articulated by Johan Galtung, this refers to peace as the positive attribute of just, mutual relationships rather than the mere absence of warfare). Thus redefined, peace movements came to be understood as social change agents. In the next two decades, peace advocates, especially in England and America, organized strong campaigns to influence national policy through the politics of pressure groups. In the 1920s they were divided by conflicting priorities, however, and in the mid-1930s they aligned in rival coalitions for and against collective security—the formation of large-scale military alliances to forestall aggression. By this time, formal analysis of peace movements began among a few historians, and their work defined the movement itself along its own lines of organization and programs—in the political context at the time of writing. During World War II a fresh peace coalition was coalesced around the vision of a United Nations Organization, and it was extended to the control of atomic weapons and even world federalism (a vision of world government in which power is broadly distributed). This incipient peace movement was checked by the Cold War until nuclear testing provided a salient issue for a worldwide coalition that mobilized large numbers of people and affected public policy. Following the Test Ban Treaty of 1963, many peace advocates turned to other issues, most dramatically the US war in Vietnam, until a hardening of the Cold War and another nuclear weapons threat occasioned a massive coalition that crossed national borders but was also divided by national priorities. About the same time, there were international movement campaigns against US intervention in Central America, apartheid in South Africa, and on other issues. Scholarly study of peace movements flowered in the 1970s among historians and sociologists alike, and the literature was extended into the 1990s. Not only were movement stories filled out, they were newly conceptualized in many respects, notably by a common thrust on peace reform as a social movement—a coalitions of organizations, plus significant elements of the general public, for program and policy goals. Beyond their records as organizations, their successes and failures in achieving their goals, peace movements have been integral elements of the policy-forming and social change process in their societies. One new thrust characteristic of both history and sociology was to analyze peace advocacy in terms of resource mobilization—the terms on which organizations could form coalitions and mobilize public support. In the 1990s both historians and sociologists applied resource mobilization analysis to major peace coalitions. Some scholars took the next step, treating international coalition for peace as one of many transnational social movements (international coalitions of social movements in several countries) in a dynamic, global network. Peace movements, tentatively early in the twentieth century but sometimes quite vigorously in the latter half, have become an integral part of the policy-forming and social change process in an increasingly integrated world.

Contemporary Peace Movements

The postwar revitalization of peace movements was shadowed by splits between the one-issue antinuclear movements that were more concerned with political effectiveness than with a way of life, and the older organizations working for social transformation. Strikes, demonstrations and vigils, transcontinental peace walks, protest ships sailing in forbidden waters, all helped lead to the declaration of nuclear weapons-free zones in Latin America and the South Pacific, and a partial test-ban treaty, but weapons production, testing, and deployment by the major powers went steadily on.

As peace movements became more sophisticated in terms of political effectiveness, they became more specialized, and the links between peace movements and peaceful lifeways are harder to find, although the relevance of movement activities for peace culture continues. For example, the interdisciplinary peace research movement that began in the early 1960s soon expanded its work beyond disarmament studies to economic conversion, alternative development, alternative defense, and ecological security, thus linking alternative security policy with grassroots alternative lifeways movements. Zone of Peace studies helped conceptualize specific social spaces for nonviolent lifeways.

Occupationally based peace organizations helped give specific content to general peace movement activity. The 1988–89 Peace Resource Book listed 22 such organizations in the United States, at least half linked to transnational organizations with sections in a number of countries. The list includes associations for architects, business executives, computer professionals, educators, high-tech professionals, physicians, lawyers, media professionals, veterans, nurses, parliamentarians, performing artists, psychologists, social scientists, writers, and publishers. The fruits for peace culture include architects designing peace parks, educators designing conflict resolution curriculae for schools, physicians and nurses reconceptualizing health and illness, and artists offering drama, music, poetry, and art that express the peacemaking dimension of human experience.

Then there are the scientists’ organizations addressing basic issues of the health of the planet and the hazards of nuclear and other weapons developments. They include groups such as the Pugwash Conferences on Science and World Affairs, founded in 1965 to focus the world scientific community on possibilities of disarmament; the Union of Concerned Scientists founded in 1969, and the Commission established by the International Council of Scientific Unions in the 1970s to investigate nuclear hazards. These communities have helped develop an international consensus on the need for nonviolent dispute settlement and more attention to the natural environment of an endangered planet – key elements for a macrolevel culture of peace. As powerful voices in the international community, listened to by national governments and the United Nations, they are laying the groundwork for current and future shifts in state security behavior.

Most, if not all, of the 200 international peace organizations listed in the 1997 Housman’s Peace Diary have consultative status at the United Nations and work with various United Nations bodies including Regional Disarmament Centers – there is one on each continent – and at times with special programs on regional conflicts, with the UN University based in Tokyo. Many of them will be working with UNESCO’s new Culture of Peace Program, helping war victims regain personhood, helping former soldiers and guerillas – many of them children – learn new occupational skills, new habits of caring and cooperation, and community-building skills, as well as skills of rebuilding destroyed soils and forests. Other projects involve creating new school programs for war-traumatized children and new support systems for war-traumatized women, often rape victims. Like all the groups mentioned in this section, they are helping to lay the groundwork for an emerging culture of peace.


Anti-War Movement

The Vietnam antiwar movement, famous for its sound and fury, deserves credit for more. We were the first mass movement against a war in American history and one of its great moral crusades, yet most Americans recall only enormous protests and social chaos. In fact, the 10-year movement, in which I played a role, was a complex phenomenon that evolved strategically as circumstances changed. It can be broken down into four overlapping stages.

The first stage, in 1964 and 1965, was led by two groups: left-wing activists organized into peace groups opposed to the Cold War and American intervention abroad, and college students who had come of age during the Southern civil rights movement and had seen how readily the government could divert its gaze from injustice. When the war expanded in 1965, the fledgling movement adopted two strategic goals: to give activists enough knowledge about Vietnam to be able to draw others into action, and to normalize opposition, since many Americans were hesitant to oppose their own country in a time of war.

The peace groups educated the public and the press. The students invented a new way to train activists, the remarkably successful campus teach-ins, and between March and June, over 120 were held across the country. Public protests were organized to normalize opposition. In April, Students for a Democratic Society drew a surprising 20,000 to the first. In November, the peace organization SANE sponsored another, with a similar turnout. By the end of 1965, this first stage had largely succeeded. Activists gained a deep knowledge of Vietnam and the war, and protests, while still small, did normalize opposition despite accusations that they were un-American. Seeds of doubt planted in the press and the public would flower later.

But the war only escalated. In early 1966, troop deployments, American casualties and draft calls dramatically increased, and college students and their middle-class families, for whom military service was not on the agenda, took notice. Their self-interest triggered a second stage of the antiwar movement, with much bigger and more numerous protests. Establishment voices, including Senator Robert Kennedy and the influential columnist Walter Lippmann, spoke out against the war. Senator J. William Fulbright held televised hearings that brought antiwar views directly into American homes. Throughout 1966 and 1967, leaders from politics, science, medicine, academia, entertainment, the press and even business announced their opposition to the war.

In this second stage, our strategic objectives were to unite various strands of antiwar opposition behind widespread draft resistance and to build opposition to force a political end to the war. Large protests sprang up across the country. In April 1967, a milestone was reached when 500,000 demonstrated against the war in New York, the largest such gathering in history. Self-interested draft avoidance evolved into morally driven draft resistance. The thousands of young men, including Muhammad Ali, unwilling to kill and ready to sacrifice themselves to incarceration or a life of exile moved people of all ages. Their cause inspired others to more forcefully oppose the war.

At the same time, a growing split between protest and resistance became evident. On Oct. 21, 1967, 100,000 people gathered at the Lincoln Memorial in Washington for a demonstration. But this time, 50,000 broke away to join the illegal March on the Pentagon, more Americans ready to commit nonviolent civil disobedience than at any time in history. Thousands broke through military police lines, and a few even penetrated the Pentagon itself. Hundreds were arrested, many of them younger, angrier and more frustrated than the men and women who had led the first wave of opposition.

Protesters attempted to shut down induction centers in Berkeley, Calif., and New York City. Troop trains were impeded. Campus protesters blocked access to military and C.I.A. recruiters. Clergy members dumped blood on draft records. Hippie organizers manipulated the media with attention-getting stunts. Racism became a focus when it was revealed that blacks were drafted, assigned to combat units and killed at rates significantly higher than whites were. In 1968 the nation, and the war, seemed to be spinning out of control: The Tet offensive, the assassinations of the Rev. Dr. Martin Luther King Jr. and Robert Kennedy, the widespread racial rebellions and the police violence at the Democratic National Convention in Chicago all made it clear that the political system would not stop the war or reduce the racism and poverty crippling the country. In November, the election of Richard Nixon confirmed those fears.

The two-part strategy of the movement’s second stage, to build a mass movement and convert it into a political force, had succeeded in the first part but failed in the second. With Nixon’s presidency, the strategic rationale for this approach collapsed and pushed the movement into a third stage.

Large protests continued, but few believed they would stop the war. Alienated and enraged, we moved on to widespread civil disobedience, rejection of mainstream lifestyles, violent clashes with police and militant opposition to the government. Our strategy, less coherent than in earlier stages, was to force an end to the war by creating instability, chaos and disruption at home.

Loyalties shifted. Earlier, the dominant slogan had been, “Hey, hey, L.B.J., how many kids did you kill today?” In 1969 it became, “One side’s right, one side’s wrong, victory to the Viet Cong.” Blacks were in revolt after dozens of urban rebellions. Students were further radicalized by the killings at Kent State and Jackson State. Combat soldiers, one in six of whom were addicted to heroin, were refusing to fight, and “fragging,” or killing, officers who ordered them into combat.

Returning soldiers formed Vietnam Veterans Against the War, some tearfully confessing to atrocities committed there. Organizers distributed antiwar literature at military bases, opened coffeehouses nearby to attract antiwar soldiers and helped G.I.s publish antiwar newsletters. Draft resisters had inspired the second stage of the movement. In the third, antiwar G.I.s played that role, and with a much angrier edge.

Rejecting the social order, many activists called themselves revolutionaries. Some embraced Marxist ideologies, often becoming trapped by the arcane factional disputes that seethed among them. Such disputes destroyed Students for a Democratic Society and encouraged a remnant to go underground and set off a series of bombs that humiliated themselves and discredited the movement.

The third stage expired in May 1971. After memorable protests by antiwar vets, including one in which 800 men threw their combat medals over a fence surrounding the Capitol, an attempt by 20,000 activists to shut down the federal government in Washington failed. But a few weeks later, the release of the Pentagon Papers drove public opposition to the war even higher.

Spreading public opposition should have been a victory for the movement; instead, it threw it into crisis. Seasoned activists were moving on to complete deferred professional or academic goals. Many of us who remained realized that a majority of Americans had turned against the war but they felt unable or unwilling to join us because our militancy required them to risk arrest or injury. A new strategy was needed, and a fourth stage of the antiwar movement emerged.

We gave up our militancy, developed inclusive tactics and tried to build a political force to thwart Nixon’s policy of turning over the war to the South Vietnamese government, called Vietnamization. This was not done to repudiate our past but to be more effective going forward. Very quickly, new organizations sprang up to involve people in actions that did not require significant risk.

New groups exposed President Nixon’s escalation of the bombing war, named the corporations profiting from it, publicized the torture of political prisoners in the “tiger cage” prisons of South Vietnam, pushed scientists to boycott war research and denounced the use of toxic defoliants like Agent Orange. Activist groups opened direct talks with the National Liberation Front in South Vietnam and sent delegations to the North. Networks of draft counselors were created. Antiwar candidates ran for office. A blossoming infrastructure gave the antiwar movement radio news outlets, documentary film capability and a syndicated news service. Law firms formed to defend its work, and networks of donors were created.

Two nationwide organizations rapidly developed. The Indochina Peace Campaign, with dozens of offices and chapters, produced educational material, coordinated protests, promoted lobbying and published a newspaper. Medical Aid for Indochina, which I led, raised money for medicines and medical equipment that we sent to North Vietnamese hospitals treating the civilian victims of American bombing.

Despite all our work, Nixon expanded the bombing of North Vietnamese cities throughout 1972. Hoping for better terms, he sabotaged peace talks before the November election, then mercilessly bombed Hanoi just before Christmas, destroying Bach Mai, its largest civilian hospital. Having failed to improve his negotiating position, and in the face of outrage over the Christmas bombing, including a well-publicized drive to rebuild Bach Mai with American donations, he signed the Paris Peace Accords in late January 1973, largely bringing America’s combat role in South Vietnam to a close.

That ended the war for the military, but not for the antiwar movement. The South Vietnam regime lived on, funded by American dollars, and its war with the North continued. Nixon had to get those dollars from Congress, and knowing that Congress could be lobbied, we saw it as the weak link in the chain holding up South Vietnam. Antiwar groups, with significant support from labor and religious networks, created the Coalition to Stop Funding the War, an enormous lobbying campaign to cut funding for South Vietnam. The national networks and experienced organizers of the antiwar movement’s fourth stage joined the coalition and coordinated aggressive lobbying efforts in congressional districts across the country.

As each of several congressional appropriations for South Vietnam came up, the coalition successfully whittled it down. Over the next two years, the South Vietnamese military ran out of fuel and ammunition and was forced to retreat. The Saigon regime, never supported by more than a small minority of its own people, finally collapsed on April 30, 1975.

Graham Martin, the last American ambassador in Saigon, called our lobbying campaign “one of the best propaganda and pressure organizations the world has ever seen.” No doubt this was self-serving hyperbole to cover his own failure to counter us, but he was right in a way: The fourth stage of the antiwar movement had mobilized enough people to force Congress to finally end the war.

Across a decade of activism, we were often a tactical mess, but our leadership was strategically coherent and relentlessly determined. On the other hand, the war was always a much bigger mess, and it never benefited from strategic coherence. In the end, it was the war that was lost and the peace that was won.


Civil disobedience

civil disobedience, also called passive resistance, the refusal to obey the demands or commands of a government or occupying power, without resorting to violence or active measures of opposition; its usual purpose is to force concessions from the government or occupying power. Civil disobedience has been a major tactic and philosophy of nationalist movements in Africa and India, in the American civil rights movement, and of labour, anti-war, and other social movements in many countries.

Civil disobedience is a symbolic or ritualistic violation of the law rather than a rejection of the system as a whole. The civil disobedient, finding legitimate avenues of change blocked or nonexistent, feels obligated by a higher, extralegal principle to break some specific law. It is because acts associated with civil disobedience are considered crimes, however, and known by actor and public alike to be punishable, that such acts serve as a protest. By submitting to punishment, the civil disobedient hopes to set a moral example that will provoke the majority or the government into effecting meaningful political, social, or economic change. Under the imperative of setting a moral example, leaders of civil disobedience insist that the illegal actions be nonviolent.

A variety of criticisms have been directed against the philosophy and practice of civil disobedience. The radical critique of the philosophy of civil disobedience condemns its acceptance of the existing political structure; conservative schools of thought, on the other hand, see the logical extension of civil disobedience as anarchy and the right of individuals to break any law they choose, at any time. Activists themselves are divided in interpreting civil disobedience either as a total philosophy of social change or as merely a tactic to be employed when the movement lacks other means. On a pragmatic level, the efficacy of civil disobedience hinges on the adherence of the opposition to a certain morality to which an appeal can ultimately be made.

The philosophical roots of civil disobedience lie deep in Western thought: CiceroThomas AquinasJohn LockeThomas Jefferson, and Henry David Thoreau all sought to justify conduct by virtue of its harmony with some antecedent superhuman moral law. The modern concept of civil disobedience was most clearly formulated by Mahatma Gandhi. Drawing from Eastern and Western thought, Gandhi developed the philosophy of satyagraha, which emphasizes nonviolent resistance to evil. First in the Transvaal of South Africa in 1906 and later in India, via such actions as the Salt March (1930), Gandhi sought to obtain equal rights and freedom through satyagraha campaigns.

Drawing in part on Gandhi’s example, the American civil rights movement, which came to prominence during the 1950s, sought to end racial segregation in the southern United States by adopting the tactics and philosophy of civil disobedience through such protests as the Greensboro (North Carolina) sit-in (1960) and the Freedom Rides (1961). Martin Luther King, Jr., a leader of the movement from the mid-1950s to his assassination in 1968, was an articulate defender of its strategy of nonviolent protest. Later the tactics of civil disobedience were employed by many protest groups within a variety of movements, including the women’s movement, the anti-nuclear and environmental movements, and the anti-globalization and economic equality movements.

The principle of civil disobedience has achieved some standing in international law through the war crime trials at Nürnberg, Germany, after World War II, which affirmed the principle that individuals may, under certain circumstances, be held accountable for failure to break the laws of their country.


‘Today I think everybody is Ukrainian’ – anti-war protests take place across U.S.

NEW YORK, Feb 24 (Reuters) – Demonstrators in several major U.S. cities protested the invasion of Ukraine on Thursday, calling on Russian President Vladimir Putin to halt the missile and troop assault as U.S. President Joe Biden announced new sanctions against Russia.

Despite freezing temperatures, hundreds of protesters in Manhattan marched to the Russian mission to the United Nations, some cloaked in Ukrainian flags and chanting «stop the war» and «stop Russia now.» New York City has the largest Ukrainian community in the United States.

«I was born in Ukraine … but today I think everybody is Ukrainian,» said Ivana Lotoshynski, a U.S. citizen protesting in Times Square. «It doesn’t matter where you were born, where you live. People are losing their lives right now. Ukrainians are fighting against this regime from Russia and … it’s really devastating.”

Marcin Branowski, a Polish student living in New York, said he felt compelled to show his support for Ukraine.

“My whole family is in Poland and I’m pretty terrified as to what’s going to happen if the situation continues,” Branowski said.

Anstasiia Yashchenko, a resident of Kyiv, told Reuters her family and friends were foremost on her mind while she attended the protest with her boyfriend, who had flown her to New York City 10 days earlier.

«I packed everything in like two suitcases and I just ran out of the apartment and just left,” said Yashchenko, 23. She said she had hoped tensions would lessen, and could not believe her eyes when watching the invasion unfold early Thursday.

In sunny Los Angeles, on the other side of the country, about 300 people gathered outside a federal government building, holding banners and waving Ukrainian flags while many passing motorists honked horns in support.

«We have to show solidarity,» said Andrew, 37, who had his young child strapped to him in a baby carrier. «We stand here for our people,» he said, adding that he had family in both Ukraine and Russia.

The earliest protest on Thursday occurred outside Russia’s embassy in Washington around 1 a.m. EST (0600 GMT), shortly after news broke that Russian forces had launched a massive attack against its neighbor. read more

Additional protests took place on Thursday in other U.S. cities, including Washington, Houston, and Denver, as well as cities around the world. read more

Russia’s invasion, the biggest attack on a European country since World War Two, has left many Ukrainian-Americans fearful for the safety of loved ones still living in the eastern European country.

One of the people at Washington’s early-morning protest, which dispersed before sunrise, told Washington television station WUSA that he had been pleading with his parents and sister to leave and get to safety for weeks, to no avail.

Dozens of Ukrainians began fleeing Ukraine into Poland and other neighboring central European countries after Russia’s assault began on Thursday, some taking only what they could carry and leaving behind possessions and pets. read more

In Russia, protesters defied an official warning explicitly threatening criminal prosecution and even jail time for those calling for or taking part in protests. Hundreds rallied in cities including Moscow, St Petersburg and Yekaterinburg.

By evening, police had detained no fewer than 1,667 people in 53 cities, the OVD-Info rights monitor said. Six hundred were arrested in Moscow alone, the Tass news agency reported.

Russians also joined the U.S. protests. Outside the Russian U.N. mission in Manhattan on Thursday, Julia Makhalova, a 34-year-old who immigrated to New York from Russia in 2017, said she feared Putin’s actions would escalate into a full-blown world war.

«I think it’s very scary overall,» she said in an interview. «The president is literally crazy.»


Ukraine: Anti-war protests take place around the world

Russia’s invasion of Ukraine sparked a host of anti-war demonstrations in cities around the world on Saturday.

Thousands of people gathered in London, Sydney, Geneva, Frankfurt, Berlin, Athens, Helsinki and other cities, with many demonstrators carrying the Ukrainian colors and banners denouncing Russia’s invasion.

‘Everybody is scared’

Many of those attending rallies have been calling for their governments to take tougher action against Russia, while expressing support for the people of Ukraine. The demonstrations follow similar protests seen around the world, including in Russia, since Moscow launched its invasion of Ukraine on Thursday.

In Switzerland, organizers said around 20,000 people flooded the streets of the capital of Bern.

In Geneva, hundreds gathered outside the headquarters of the United Nations with posters reading: «Say no to Putin.»

In London, hundreds marched on the Russian embassy and smeared fake blood at the front of the embassy.

«You look at the people gathered here and everybody is scared… We had peace for 80 years and all of a sudden, war is back in Europe,» said a protester among a gathering of around 2,500 in Munich’s Karlsplatz square.

There were thousands of people in the German city of Frankfurt on Saturday with a rally organized by the co-ruling Green Party under the slogan, «Solidarity with Ukraine — Peace in Eastern Europe.»

There have also been protests in India, where anger has been directed at NATO and Western powers.

«The kind of aggression we are witnessing in Ukraine has been forced by the US through NATO and also the Russian military forces who have entered Ukraine. Both are responsible for this situation,» said a student activist at a protest in New Delhi.

Ukraine’s President Volodymyr Zelenskyy tweeted about a large protest in Estonia, saying: «The largest demonstration in the modern history of Estonia took place in support of Ukraine. I am grateful to the Estonian people for their solidarity in these difficult times.» 

Russia’s voices of dissent

There have also been growing calls within Russia to bring a halt to the ongoing invasion.

A petition signed by hundreds of Russian medical professionals stated opposition to the actions in Ukraine.

«We, Russian doctors, nurses and paramedics, are decidedly against the attacks conducted by Russian troops on Ukrainian territory,» the petition with more than 300 signatures stated.

Humanitarian groups have also spoken out, writing an open letter to Russian President Vladimir Putin, calling on him to bring an end to the fighting, saying: «War is a humanitarian catastrophe that leads to pain and suffering… We consider violent solutions to political conflicts inhumane and call upon you to cease fire and begin negotiations.»

Russian authorities have clamped down on dissent and have arrested more than 2,000 people at demonstrations staged in the days following the invasion.


Anti-war protests held in support of Ukraine around the world as Russian forces continue invasion

Ukrainian forces are battling Russian invaders around nearly all of the country’s perimeter after Moscow mounted a mass assault by land, sea and air in the biggest attack on a European state since World War II.

Civilians have piled into trains and cars to flee, with Ukrainian refugees already starting to arrive in neighbouring central European nations.

NATO and European leaders have rushed to respond with strong financial sanctions against Russia and moves to strengthen their own borders.

Ukraine’s leadership said at least 40 people had been killed in the fighting as the country’s forces continue to try to prevent a Russian takeover.

Protests across the world

Protests against Russia’s invasion of Ukraine have been held in countries across the world, including the UK, France, Spain, Germany, Turkey, The Netherlands, Montenegro, Cyprus, Japan, Norway, Sweden, Italy and others.

Demonstrators gathered outside Russian Embassies and other landmark spots waving Ukrainian flags.

Many of the demonstrators, including Ukrainian expats, chanted slogans in support of Ukraine and held banners saying «Ukraine will resist» and «Stop Putin, Stop war».

Protests were also held in 51 Russian cities on Thursday, the OVD-Info protest monitor said.

Russian police detained at least 1,400 people as protesters chanted «No to war» and held placards with anti-war and anti-Putin messages.

The country’s Investigative Committee issued a statement warning protesters of «negative legal consequences of these actions, which include prosecution and up to criminal liability».

«It should be remembered that holding a criminal record holds negative consequences and leaves a mark on the person’s future,» the statement said.

‘Darkest hours of Europe since WWII’

US President Joe Biden called the Russian action an «unprovoked and unjustified attack». EU Commission chief Ursula von der Leyen said the bloc would impose a new round of sanctions that would hit Russia’s economy severely.

EU foreign affairs chief Josep Borrell has described the Russian assault on Ukraine as «among the darkest hours of Europe since the Second World War.»

The assault brought a calamitous end to weeks of fruitless diplomatic efforts by Western leaders to avert war.

«Russia treacherously attacked our state in the morning, as Nazi Germany did in the WW2 years,» tweeted Mr Zelenskyy.

«Russia has embarked on a path of evil, but Ukraine is defending itself & won’t give up its freedom no matter what Moscow thinks.»


Why Russia’s anti-war movement is small but defiant

In the early morning of 24 February 2022, Russia launched a military invasion of Ukraine. That same day, unsanctioned street protests were held in many Russian cities. Due to the actions of the Russian police, which dispersed any gatherings, it is difficult to calculate exactly how many people took part in the anti-war protests. But the number of people detained is known: human rights organisation OVD-Info counted almost 2,000 people.

For comparison, when opposition leader Alexey Navalny was arrested in January 2021 – the largest unsanctioned protests in the history of independent Russia – OVD-Info reported that 3,893 people were detained. These figures show that many people in Russia came out against the war, but the number was still lower than a year ago. Most importantly, protest attendance did not correspond to the degree of indignation against Russia’s invasion expressed online.

Celebrities speak out

Even celebrities who are well integrated into Russian pop culture have published anti-war appeals online. Ever since the Kremlin took control of Russia’s airwaves in the early 2000s, TV presenters and artists have either shied away from political statements or, on the contrary, have demonstrated loyalty to the authorities, which has often been generously repaid. Their public condemnation of the war is indicative – it may be followed by ‘excommunication’ and the collapse of their careers.

Valery Meladze, for example, a well-known singer and producer who is also a long-time member of the ruling United Russia party, posted a video message on his Instagram on Thursday. In it, he condemned Russia’s military operations and called for a diplomatic solution. Prominent comedian and showman Maxim Galkin, who is also a state media presenter, posted “There are no justifications for war” on Instagram, together with a black square. Another state media host, comedian Ivan Urgant, posted the following message on social media: “Fear and Pain. NO WAR.” Urgant’s evening programme was supposed to be shown on 25 February. It was taken off the air.

There’s little point in running through other statements by other leaders of Russian public opinion who are less prominent and less dependent on the authorities. It would take up too much space. The question is: why haven’t more people taken to the streets? The Russian opposition has, after all, been organising actions called ‘The March of Millions’ with the specific goal of mass protests for the past decade.

There are several reasons why.

Opposition crackdown

First of all, Russian society lacks institutions that are capable of taking up the organisation of protests, especially at short notice. For example, the 2021 protests over Navalny’s arrest were organised through Navalny’s network of local coordinating teams around the country – perhaps the only real political machine left in Russia. Since the end of the last decade, the Navalny network has been the centre of all protest activity in Russia. The organisation included 45 regional branches, with 180 full-time employees and an unspecified number of volunteers.

Thanks to these resources and planning, the network managed to establish contact with a wide section of Russian society. After the Navalny network was declared an extremist organisation in June 2021, the legal structure was liquidated and many of its employees were forced to emigrate abroad. The social media accounts of the network (including Telegram channels and mailing lists) – which established contact with Russian audiences – were more or less frozen.

As a result, when Russia invaded Ukraine last week, there was no working mechanism capable of quickly coordinating people to take to the streets en masse. The remaining media resources of Navalny’s Anti-Corruption Foundation (for example, on Twitter) published only news about the war, interspersed with updates from a Russian courtroom where yet another trial of Navalny was entering its fourth day.

The role of protest coordinator was instead taken by Marina Litvinovich, a former political strategist and media manager who is now a human rights activist with political ambitions. Around noon on 24 February, Litvinovich posted an appeal for people to gather at 7pm in city centres across Russia.

Due to her public status and circle of acquaintances, several independent media outlets disseminated Litvinovich’s call to protest. But it wasn’t a large number. For example, the largest Russian online independent outlet, Meduza, did not report the planned protests. Litvinovich’s own social media accounts also fall short of Navalny’s audience. For example, about 7,500 people are subscribed to Litvinovich’s Instagram account. Navalny’s account has 3.5 million subscribers.

The most motivated Russian citizens therefore sought out information on the protest from the internet or friends. “I had planned to go with my friends to the anti-war rally on 5 March. Some public figures applied to hold a protest on this date,” one protester, Polina from Moscow, said. When she was arrested on 24 February, she said, the police officer broke her arm.

“On the day war was declared, I woke up, as usual, early, at six o’clock. And got stuck in the news. My boyfriend woke up at 9 o’clock. I told him what was happening. We cried together. I wrote to my friend Masha. It was obvious that there was no point in waiting for 5 March. She told me to meet at 6.30pm in the city centre.”

Medical student Nikita, who took part in anti-war protests in Yekaterinburg, says he was sure some people would protest over the war. “I was in the city centre, following the news. And when TE [Typical Yekaterinburg – a social media channel in the city] began to cover the events, I went there. There was no information in advance, unlike when the Navalny teams functioned. There was no coordination between people, there was no agitation either. These were people who came there themselves, after reports that two people had already been detained for picketing.”

Unintended effects

The news about the detentions of people protesting against the war thus became a source of information about the time and place of the protests. For example, Marina Litvinovich was detained at the entrance to her building at 3pm on 24 February, and most Russian media coverage, which contained information about the protests, focused on her arrest. The police accused Litvinovich of organising an unauthorised rally for spreading calls to protest and took her to a Moscow police station.

Other activists are facing similar charges, as well as publications that disseminate information about upcoming protests (a Russian media outlet can receive a fine of between 800,000 and four million roubles for not removing “calls for illegal public actions and riots”). This threat significantly hinders the dissemination of information and reduces potential protest attendance to highly motivated and relatively active internet users.

This last factor most likely explains who was there on the first day of the anti-war protests. In St Petersburg, the majority of the protesters were young people, though middle-aged and older people made up 20% of the crowd, according to people I spoke to. Participants from Moscow reported a similar breakdown.

Roman, who spent the entire evening in the centre of the Russian capital, said: “Most of the participants were young people. There were very few older people.” Polina echoed him. “Everyone is like me give or take, people under 30. It seemed that there were fewer people from the older generations. Maybe it’s because I went on the first day and older people didn’t have time to react.”

Despite the similarity in the composition of the rallies, there were differences between St Petersburg and Moscow. Contrary to expectations, in St Petersburg on the first day of the war, the police acted less harshly than when they suppressed protests in support of Navalny a year ago, when many protesters were beaten with stun guns. In the end, the police did not allow a large group of protesters to concentrate in one place, gradually clearing the area adjacent to the city’s Gostiny Dvor metro station. In Moscow, on the contrary, the arrests were more brutal than usual.

“I was surprised how tough it was this time. Before that, it was still possible to see police officers as people at protests. But not this time,” said Polina. According to her, people who were detained in Moscow were not allowed to make telephone calls, including minors. “It seems to me that [the police] acted this way because they understood that they had no excuses. I think it was their psychological defence,” she said.

Nikita from Yekaterinburg talks about a similar situation. “I heard that 50 people were detained in our city. Compared to St Petersburg, the police here are usually less violent and detain only about 20 people even at more mass protests.” Yet in the capital of the Urals, police even arrested a driver who honked while passing protesters.

The noose tightens

These differences levelled off in the following days. In St Petersburg, police began to detain every potential protester they could. Realising the impossibility of gathering in one place, the protesters began to move in groups around the city centres, chanting slogans and evading the police. This added drama to the events, but prevented protesters from showing strength of numbers – an important element of political representation. The size of a protest is also important for capturing urban space.

That said, there is no need to talk about tactics yet. The lack of coordination not only affects protest numbers in Russia, but also the ability of the protesters to take rational action. For the majority, going out into the streets is a moral duty and a symbolic act, rather than a functional instrument of resistance to the authorities. For example, Nikita believes that the street protests in Yekaterinburg cannot influence federal policy. Polina from Moscow shares his pessimism. “I have no expectations, no purpose other than to wash off this shame a little. It is clear that nothing can be done,” she says.

Perhaps the best illustration of this pessimism is when a 22-year-old student threw a Molotov cocktail at police officers in Moscow. It was a weak throw: the bottle fell in the middle of the road without reaching the target, and then rolled along the road without breaking. It was a radical, but symbolic gesture of desperation that did not harm anyone. But given that people in Russia now receive real prison sentences for throwing a paper cup at a policeman, one can hardly hope that the court will consider this act harmless.

Where now?

The level of despair is thus rising. On the fourth day of the war, 27 February, Moscow’s central Tverskaya Street witnessed a burning car. An unknown person had painted it with the slogans “People, stand up! This is war! Putin is scum”, drove it into some barriers and then fled. Given the background fears about a possible nuclear war, there will most likely only be more such extreme actions in Russia.

However, it is extremely difficult to predict anything in the current situation. If Russia’s anti-war protest remains in its current form, then it is unlikely to be able to influence the political decisions of the Russian authorities.

It is more likely that protesters, with the help of the Russian opposition, will be able to establish channels of communication with the wider population, especially over the economic consequences of sanctions. (The first signs of sanctions hitting are already visible on the price tags in Russian shops.) But even massive demonstrations on the streets does not guarantee the success of anti-war demands. And not only in Russia: 36 million protesters around the world could not stop the 2003 invasion of Iraq. In addition, there is the possibility that mass demonstrations can simply be suppressed.

“I think the dead Russians and Ukrainians will not let you become indifferent and return to normal life quickly,” said Polina. “But the experience of Belarus shows that systemic violence stifles any protest.”

It’s hard to disagree with her. But also do not forget that in addition to the depressing ‘Belarusian scenario’, where mass protests were brutally suppressed in 2020, there is a more optimistic scenario from the wider region: Armenia’s 2018 revolution. Armenian protesters, with the help of a general strike, were able to bring the capital to a halt and win the army over to their side, which forced the police to retreat. Given the distinct unpopularity of the war in a significant section of Russian society and its serious military losses, this scenario may not be a total fantasy.


give P E A C E a chance

Give Peace a Chance by John Lennon and The Plastic Ono Band

Two, one-two-three-four!

Ev’rybody’s talking ‘bout
Bagism, Shagism, Dragism, Madism, Ragism, Tagism
This-ism, that-ism, is-m, is-m, is-m

All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

Hit it
C’mon, ev’rybody’s talking about
Ministers, sinisters, banisters and canisters
Bishops and Fishops and Rabbis and Popeyes and bye-bye, bye-byes

All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

Let me tell you now
Ev’rybody’s talking ‘bout
Revolution, evolution, masturbation, flagellation, regulation, integrations
Meditations, United Nations, congratulations

All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

Ev’rybody’s talking ‘bout
John and Yoko, Timmy Leary, Rosemary, Tommy Smothers, Bobby Dylan, Tommy Cooper
Derek Taylor, Norman Mailer, Alan Ginsberg, Hare Krishna, Hare, Hare Krishna

All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

All we are saying is give peace a chance
All we are saying is give peace a chance

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Tambores de PAZ en Europa…

¿Qué está pasando entre Rusia y Ucrania?: las claves del conflicto que involucra a Occidente

La escalada de las tensiones por la movilización de tropas rusas a la frontera con Ucrania prende las alarmas de EE. UU., Reino Unido, la Unión Europea y la OTAN y despierta temores sobre un retorno a la Guerra Fría. Mientras Occidente busca un frente común en el que se debate entre una respuesta militar y sanciones, Rusia impulsa su fortalecimiento como potencia. El conflicto arrastra implicaciones históricas, geopolíticas y económicas que soplan aires de guerra más allá de sus fronteras.

Ucrania, el centro de la creciente tensión entre Rusia y Occidente. El enfrentamiento potencialmente más peligroso con Moscú desde la Guerra Fría amenaza con consecuencias a nivel global.

Desde la última escalada de 2014, Kiev y Moscú han estado técnicamente enfrentados, luego de que Vladimir Putin anexionara a su país la provincia de Crimea, en ese momento ucraniana. Si bien la presencia militar rusa en la zona limítrofe ha sido frecuente desde entonces, el aumento en los últimos meses de las tropas del Kremlin a lo largo de la frontera ha sido exponencial.

El secretario general de la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), Jens Stoltenberg ha indicado que se trata de “la mayor acumulación de tropas rusas” desde hace siete años.

Las alarmas se volvieron a prender el pasado diciembre cuando los uniformados de Moscú iniciaron ejercicios militares a gran escala en más de 30 campos de concentración en seis regiones diferentes, según denunció Kiev.

El Ministerio de Defensa ucraniano calculó que más de 114.000 soldados rusos fueron desplegados en las zonas limítrofes en el noreste, este y sur de Ucrania, incluidos alrededor de 92.000 soldados de infantería y fuerzas aéreas y marítimas.

El despliegue ha sido tal que distintos gobiernos de Occidente han alertado sobre una probable y próxima invasión de Rusia a Ucrania. Aunque el Gobierno de Putin niega esas intenciones, lanza advertencias frontales a la OTAN, Washington y Bruselas. ¿El último paso al frente? Las maniobras navales en el Océano Índico que anunció el jueves 20 de enero con Irán y China, fuertes adversarios de EE. UU., “para fortalecer la seguridad en la región”.

En el fondo Rusia ha dejado claro a Occidente que desista de la expansión hacia sus fronteras y se aleje de su antiguo aliado en la desaparecida Unión Soviética con el que comparte orígenes étnicos y culturales, pero sobre todo es un punto estratégico en el Mar Negro que no está dispuesto a perder.

Estas son las implicaciones de la más reciente tentativa de guerra:

Ucrania, un hermano que Rusia busca recuperar

En el trasfondo del conflicto, algunos expertos políticos destacan sus antecedentes como naciones, pues Kiev es considerado el lugar donde nació la república rusa.

De hecho, el mandatario Vladimir Putin ha ahondado públicamente en su discurso de que rusos y ucranianos representan “un sólo pueblo”.

Y es que durante varias décadas lo fueron. El origen de Rusia y Ucrania se sitúa hace más de 1.200 años en la llamada ‘Rus de Kiev’, enorme federación de tribus eslavas que dominó el noreste de Europa durante la Edad Media y tenía su epicentro en la capital ucraniana.

Los eslavos orientales tuvieron una cultura común en la que prevaleció el cristianismo ortodoxo y el idioma ruso. Sus bases se fortalecieron con el nacimiento de la Unión Soviética en 1922, pero más tarde llegó la ruptura con la caída de esta en 1991.

Un hecho que Putin incluso ha llegado a describir como “la más grande catástrofe geopolítica del siglo XX”. Mientras, algunos veían en la separación una victoria de la democracia, para Moscú millones de personas de habla rusa quedaron “atrapadas” bajo estados no rusos como Ucrania, Lituania y Kazajistán,

La demografía ha resultado ser un factor clave para el conflicto. Alrededor del 17% de la población ucraniana se identifica con la etnia rusa y para un tercio ese es su idioma nativo. La mayoría se encuentra en Crimea, la península que Rusia se anexionó en 2014.

El conflicto separatista

La anexión de Crimea fue vista por los prorrusos como la recuperación de un territorio que les pertenecía y el idioma compartido fue una de sus justificaciones, aunque desde 1954 se había convertido en una región ucraniana tras un amplio reclamo de esa parte.

Su vinculación a Rusia mediante un referéndum considerado ilegal por Kiev generó una fuerte oposición de la mayor parte de la comunidad internacional, que pronto emitió sanciones contra Moscú, pero que no lo han hecho desistir de sus objetivos.

El conflicto, también denominado guerra del Donbass, creció en el terreno como respuesta al llamado Euromaidán, una serie de protestas que desde la capital pedían revivir el político Acuerdo de Asociación y el Acuerdo de Libre Comercio que estaba próximo a acercar oficialmente a Ucrania con la Unión Europea y naufragó justamente por las presiones de Rusia.

La crisis llevó a la renuncia del entonces mandatario ucraniano, Víktor Yanukóvich y el momento fue aprovechado por Moscú que desplegó sus tropas a Crimea bajo el discurso de que Ucrania era un estado fallido, gobernado por dirigentes “antirrusos”.

Rusia continúa respaldando a los separatistas en la región de Donbass y el Kremlin afirma que teme que Ucrania intente recuperar las áreas rebeldes por la fuerza, lo que califica de «aventurerismo peligroso».

El actual presidente ucraniano, Volodímir Zelenski, rechaza las acusaciones y en repetidas ocasiones ha pedido infructuosamente conversaciones directas con Moscú para poner fin a una guerra que según las estimaciones de Kiev ha matado a al menos 14.000 personas.

Ucrania, en el medio de la estrategia militar de Rusia y Occidente

Ucrania resuena como el centro del tablero geopolítico entre el este y el oeste. Ante su ubicación, a las puertas del territorio ruso, es vista por Estados Unidos y la Unión Europea como un aliado estratégico y militar.

Pero justamente, la furia de Moscú estalla ante los planes de Kiev de unirse tanto a la OTAN como a la Unión Europea (UE). Si bien Ucrania no es miembro de la alianza militar, sí ha mostrado su inclinación hacia la organización que le ha ofrecido completo respaldo para preservar la soberanía de la exrepública soviética, así como la promesa de una eventual adhesión.

Rusia, cuya principal base naval en el Mar Negro se encuentra en la antigua provincia ucraniana de Crimea, exigió el pasado 17 de diciembre a la OTAN que se repliegue detrás de lo que eran sus fronteras antes de que las naciones de Europa central y oriental se unieran desde 1997.

Sin embargo, la acumulación de tropas de Rusia cerca de Ucrania está galvanizando las defensas de la OTAN en Europa que el presidente Vladimir Putin quiere desmantelar, dando a la alianza una sensación de renovación después de los fracasos en Afganistán.

«Una de las cosas que más me llama la atención sobre esto es que las acciones de Rusia han precipitado exactamente lo que el presidente Putin dice que quiere evitar (…) Ciertamente, tendremos que fortalecer aún más la postura defensiva de la OTAN», aseguró esta semana el secretario de Estado de Estados Unidos, Antony Blinken, antes de partir hacia Ucrania.

Los expertos no descartan más tropas, barcos y aviones de la OTAN en el área del Mar Negro y en el Báltico y pasar de una estrategia de rotación de tropas a una presencia de fuerza permanente allí, incluidos más soldados y armas estadounidenses.

«Creo que el traslado de capacidades adicionales de EE. UU. a Europa ahora está definitivamente en proceso, porque la situación lo exige», señaló el ministro de Defensa de Lituania, Arvydas Anusauskas.

Las decisiones sobre movimientos de tropas podrían ocurrir tan pronto como se celebre una cumbre de la OTAN en Madrid en junio, indicaron diplomáticos y funcionarios, aunque es probable que cualquier retirada por parte de Moscú dé lugar a una pausa en las amenazas militares.

Posibles respuestas al conflicto

Frente a los altos costos de las eventuales medidas militares y económicas, desde Occidente no hay consenso en este asunto.

Aunque Washington evita referirse de forma directa a un enfrentamiento armado con Moscú, sí ha prometido ayuda militar a Ucrania, al igual que Reino Unido.

“Si Rusia interviene en Ucrania habrá respuesta”, apuntó el secretario de Estado Antony Blinken durante su gira por Europa esta semana. Sin embargo, Francia y Alemania rechazan el suministro de armas a Kiev.

Otros gobiernos, como España, también apelan al diálogo, especialmente cuando el continente se ha visto golpeado por los altos costos del combustible.

“Apostamos por la paz y evitar una escalada del conflicto”, afirmó la ministra de Igualdad, Irene Montero.

Entretanto, Suecia desplegó en los últimos días a cientos de militares a su estratégica isla de Gotland, que se encuentra en el mar Báltico. Dinamarca también reforzó su presencia en la región.

Los más optimistas del bloque de 27 países apuestan por fijar una nueva serie de posibles sanciones contra Moscú antes del 24 de enero, cuando está prevista la próxima reunión de ministros de Relaciones Exteriores.

Nordstream 2, el punto débil para Rusia y Europa ante una eventual guerra

Ante la amenaza implícita de una invasión rusa en Ucrania, Estados Unidos y sus aliados europeos fijan la mirada en lo que consideran el mayor talón de Aquiles del Kremlin: el gasoducto Nord Stream 2, construido para llevar gas a Europa, desde Rusia hasta Alemania y sin necesidad de pasar por Ucrania como ocurre en la actualidad.

Sin embargo, su uso se encuentra bloqueado en medio de los riesgos para un conflicto a gran escala que según Kiev significaría que el recurso deje de pasar por su territorio.

«Alemania se ha comprometido en este acuerdo a que, si Rusia intenta utilizar la energía como arma o comete más actos agresivos contra Ucrania, Alemania emprenderá acciones a nivel nacional y presionará por adoptar medidas eficaces a nivel europeo, incluyendo sanciones que limiten la capacidad exportadora rusa a Europa en el sector de energía», subrayó la subsecretaria de Estado, Victoria Nuland, el pasado diciembre.

El valor del combustible azota fuertemente al continente europeo que durante el invierno ha visto disparados sus precios.

«Es una ventaja para Occidente, pues si Vladimir Putin quiere ver flujo de gas a través de esa tubería, tal vez no quiera tomar el riesgo de invadir Ucrania», subrayó el consejero nacional de seguridad de la Casa Blanca, Jake Sullivan.

12.000 millones de dólares fueron invertidos en el Nord Stream 2 construido para transportar 55.000 millones de metros cúbicos de gas por año hacia el Viejo Continente, lo que le proporcionaría gas natural relativamente a bajo precio al tiempo que cae la producción interna.

Alemania, que ya importa desde Rusia alrededor del 40% del gas que utiliza, ha apoyado el proyecto y resistiendo a la presión estadounidense para minimizar su dependencia energética de Moscú.

No obstante, ahora con Rusia amenazando a Ucrania, fuentes oficiales de Estados Unidos creen que Alemania, bajo el nuevo liderazgo del canciller Olaf Scholz, es susceptible de mantener las válvulas de suministro selladas para presionar a Putin, señaló William Taylor, exdiplomático estadounidense en Kiev y vicepresidente del Instituto de Paz de Estados Unidos.

«Este es un proyecto de largo plazo para Putin y sabemos que este proyecto da a Rusia, al Kremlin, una verdadera ventaja sobre Europa (…) La pregunta es: ¿los alemanes estarán de acuerdo? Ellos están divididos en este asunto», explicó Taylor, quien agregó que si los rusos invaden Ucrania el consenso alemán podría cambiar y oponerse al gasoducto.

Por lo pronto las potencias no descartan una solución por vía la diplomática. El mundo se encuentra expectante a la respuesta que Washington daría a Moscú la próxima semana sobre las exigencias de una retirada de la OTAN de Europa del Este y una prohibición de entrada de Ucrania a la alianza militar, un punto de quiebre trazado por el Kremlin renuente a un nuevo capítulo de la historia en el que su antiguo aliado se una a Occidente.


Por qué Ucrania es objeto de disputa y cómo puede evolucionar el conflicto

Putin sabe de las dificultades de una invasión en toda regla por la hostilidad de la población, pero también que la ofensiva de Occidente es improbable

Sea cual sea su perfil ideológico, toda gran potencia se afana por ampliar su influencia hasta donde llegan sus capacidades y por asegurarse colchones amortiguadores que la blinden frente a posibles movimientos de sus rivales.

Así lo ha hecho Estados Unidos desde que alcanzó su condición hegemónica, empezando por la región vecina americana, en la que no ha tenido reparos en utilizar todos los instrumentos a su alcance, incluyendo el uso de la fuerza, cuando lo ha considerado necesario. Ese mismo afán explica que ahora Rusia pretenda garantizar que Ucrania no pasa definitivamente a la órbita occidental y que esté dispuesta a emplear la fuerza para lograrlo. De ahí se deriva, obviamente, una tensión entre grandes que, como nos recuerda el dicho africano, implica que “cuando los elefantes pelean, los que más sufren son las hormigas”.

Rusia considera a Ucrania -un país estructuralmente fragmentado entre prorrusos y proeuropeos y sumido en una grave crisis política y económica- un interés vital, tanto por su condición de tapón ante una posible intervención militar en su propio suelo si alguien (la OTAN) llega a ocupar esa casilla del tablero, como por la relevancia que tiene Sebastopol como cuartel general de su flota en el mar Negro. Eso significa que está dispuesta a todo para evitar que Kiev se alinee definitivamente con el Occidente colectivo (EEUU-Unión Europea-OTAN, en la jerga moscovita). Un Occidente que, ya en 2013, trató de aprovechar el malestar interno en las calles de Ucrania para alimentar una revuelta (el Euromaidan) que complicara los cálculos al Kremlin, sin una intención real de integrarla ni en la UE- económicamente el país era y es una carga muy pesada dada la profundidad de su crisis- ni en la OTAN -a pesar de lo acordado en 2008 en la cumbre de Bucarest. En esencia, se trataba básicamente de crearle problemas a Vladimir Putin, manipulando el descontento ucraniano, hasta que su agresividad demostró que nadie tenía voluntad política para jugársela por Kiev, si eso suponía chocar militarmente con Moscú.

Crimea y Donbás

Desde 2014, la situación ha derivado en una creciente acometida rusa con intervenciones directas tanto en Crimea como en el Donbás; de ahí que quepa concluir que la guerra ya hace tiempo que ha empezado, por mucho que Rusia niegue su implicación. Lo que queda por dilucidar, a partir del ultimátum lanzado por Moscú -exigencia de un compromiso escrito de la OTAN para cerrar la puerta al ingreso de Georgia, Ucrania o cualquier otro potencial candidato y fin de maniobras militares o de despliegue de armas en territorios desde los que Rusia pueda sentirse amenazada-, es si va a haber una invasión en toda regla de Ucrania o si Putin optará por otro tipo de medidas.

Moscú llega a este punto con varias convicciones. La primera es que no va a permitir de ningún modo la pérdida de Ucrania ni puede salir con las manos vacías después del órdago que ha planteado. En el fondo, y sin descartarla como última opción, sabe que no necesita una invasión en toda regla.

Consciente de que esa hipotética invasión sería recibida con hostilidad por buena parte de la población local, Putin se vería obligado a desplegar una fuerza de ocupación de más de medio millón de efectivos sobre el terreno, sin que nada de eso le garantice una victoria definitiva. Por otra parte, también sabe que Occidente no va a comprometerse por escrito a aceptar sus exigencias, pero también calcula que no se atreverá a movilizar fuerzas para defender a Ucrania, limitándose a amenazar con unas sanciones que no van a cambiar el rumbo de Moscú y sobre las que ni siquiera han logrado ponerse de acuerdo las capitales europeas.

Ciberataques más que ataques

De todo ello se deduce que la opción más probable a corto plazo es la continuación de los ciberataques y las acciones militares de alcance limitado. Acciones ejecutadas por los actores interpuestos que Rusia ya tiene en territorio ucraniano o por sus propias fuerzas, con el objetivo no solo de fortalecer las posiciones alcanzadas hasta hoy, sino también de ampliar su control territorial a zonas como Mariupol, lo que le permitiría asegurar el enlace terrestre con Crimea.

En definitiva, y dando por descontado que la principal sufridora de esta historia es, con diferencia, la población ucraniana, la única hipótesis que rompería los esquemas actuales sería que Ucrania se declarara país neutral, comprometiéndose a no ingresar en ninguna alianza militar- ni la OTAN ni la Organización del Tratado de Seguridad Colectiva, liderada por Rusia-.

En ese caso le sería mucho más difícil a Rusia disimular su agresividad, al tiempo que la OTAN no necesitaría desdecirse formalmente de lo decidido en Bucarest y todo quedaría a la espera de calibrar la gravedad de los siguientes pasos que Putin pueda decidir. ¿Qué país que pretenda definirse como soberano aceptaría dar ese paso? ¿Bastaría eso para frenar a Moscú, o lo consideraría como un logro de su política de intimidación para, a continuación, seguir adelante con su intento de recuperar por todos los medios la influencia que en su día tuvo la Unión Soviética en sus periferias inmediatas?


Rusia y Ucrania: crónica de una guerra no declarada

Las tensiones entre Rusia y Ucrania tienen una historia que se remonta a la Edad Media. Ambos países tienen raíces comunes en el Estado eslavo oriental de Kievan Rus. Por esta razón, el presidente ruso, Vladimir Putin, habla siempre de «un solo pueblo».

En realidad, los destinos de ambas naciones estuvieron separados durante siglos, surgieron dos idiomas y culturas. Mientras Rusia se convirtió políticamente en un imperio, Ucrania no logró establecer su propio Estado. En el siglo XVII, grandes áreas de la actual Ucrania formaron parte del Imperio ruso. Tras su desmoronamiento en 1917, Ucrania se independizó por poco tiempo, hasta que la Rusia soviética reconquistó el país.

Década de 1990: Rusia deja ir a Ucrania

En diciembre de 1991, Ucrania, junto con Rusia y Bielorrusia, fue una de las tres repúblicas que sellaron la disolución de la Unión Soviética. Moscú quería conservar su influencia y vio, entre otras cosas, en la creación de la Comunidad de Estados Independientes (CEI), un instrumento para lograrlo. En el Kremlin, también creían que el suministro de gas barato sería una manera de controlar al país vecino. Pero no fue así, mientras Rusia y Bielorrusia formaron una estrecha alianza, Ucrania tenía la mirada puesta en Occidente.

Al Kremlin le desagradó esa postura, pero no hubo conflicto en la década de 1990. Moscú no estaba preocupado, porque Occidente no quería integrar a Ucrania. La propia Rusia estaba económicamente debilitada, entre otras cosas también por las guerras de Chechenia. En 1997, Moscú reconoció, con la firma del llamado «Gran Tratado», las fronteras de Ucrania, incluida la mayoría étnica rusa que habitaba la península de Crimea.

Primeras grietas en la amistad postsoviética

Bajo la presidencia de Putin, se produjo la primera gran crisis diplomática entre Moscú y Kiev. En otoño de 2003, Rusia comenzó a construir una presa en el estrecho de Kerch hacia el islote ucraniano de  Tuzla. Kiev lo vio como un intento de redifinir la frontera. El conflicto escaló y se resolvió tras una reunión bilateral entre ambos presidentes. Las obras se paralizaron, pero la amistad se resquebrajó.

En las elecciones presidenciales de 2004, en Ucrania, Rusia apoyó al candidato prorruso Viktor Yanukóvich, pero la «Revolución Naranja» impidió su victoria, y ganó el político pro-occidental Viktor Yúshchenko. Durante su mandato, Rusia cortó el suministro de gas a Ucrania dos veces, en 2006 y 2009. Y los suministros de tránsito a la Unión Europea (UE) quedaron interrumpidos.

En 2008, el entonces presidente estadounidense George Bush, intentó propiciar la integración de Ucrania y Georgia en la OTAN. Moscú dejó claro en ese momento que no aceptaría la independencia de Ucrania. Alemania y Francia impidieron los planes de Bush. En la cumbre de la OTAN en Bucarest, se dialogó con Ucrania y Georgia sobre la membresía de la OTAN, pero sin poner fecha.

Al ver que con la OTAN no había avances, Ucrania intentó impulsar la conexión con Occidente a través de un Acuerdo de Asociación con la UE. En el verano de 2013, unos meses antes de la firma, Moscú ejerció una enorme presión económica sobre Kiev y obstaculizó las importaciones ucranianas. En ese contexto, el Gobierno del entonces presidente Yanukóvich, que ganó las elecciones en 2010, suspendió el acuerdo negociado. Yanukóvich desencadenó protestas de la oposición y huyó a Rusia en febrero de 2014.

La anexión de Crimea como punto de inflexión

El Kremlin aprovechó el vacío de poder en Kiev para anexar Crimea en marzo de 2014. Fue un punto de inflexión, el comienzo de una guerra no declarada. Al mismo tiempo, las fuerzas militares rusas comenzaron a movilizarse en las cuencas mineras del Donbás, en el este de Ucrania. Se proclamaron «repúblicas populares» en Donetsk y Lugansk, con los rusos a la cabeza. El Gobierno de Kiev esperó hasta después de las elecciones presidenciales de mayo de 2014 antes de lanzar una gran ofensiva militar, a la que llamó «Operación antiterrorista».

En junio de 2014, el recién elegido presidente de Ucrania, Petro Poroshenko, y Putin se reunieron por primera vez, con la mediación de Alemania y Francia, con motivo de las celebraciones del 70 aniversario del Día D en Normandía. Allí nació el llamado Cuarteto de Normandía (Francia, Alemania, Ucrania y Rusia).

En ese momento, el Ejército ucraniano pudo hacer retroceder a los separatistas, pero a fines de agosto, según Kiev, Rusia intervino militarmente y de manera masiva. Moscú lo negó. Las unidades ucranianas cerca de Ilovaisk, una ciudad al este de Donetsk, sufrieron una derrota. Fue otro punto de inflexión. La guerra en un frente amplio terminó en septiembre, con la firma del armisticio en Minsk.

Guerra de trincheras en el Donbás

Desde entonces, tiene lugar una guerra de trincheras. A principios de 2015, los separatistas volvieron a la ofensiva y, según Kiev, se desplegó nuevamente el Ejército ruso. Moscú también lo negó. Las fuerzas ucranianas sufrieron una segunda derrota, esta vez en la ciudad estratégica de Debaltsevo. En ese momento, se llegó al acuerdo de paz Minsk-2, con mediación occidental, pero este sigue sin cumplirse hasta hoy.

En otoño de 2019, se retiraron las respectivas tropas, pero Putin no quiere reunirse en persona con el presidente ucraniano Volodímir Zelenski porque, desde el punto de vista de Rusia, no está implementando los acuerdos de Minsk. Desde diciembre de 2021, Putin exige a EE. UU. que Ucrania nunca pase a formar parte de la OTAN y no reciba ayuda militar. Pero la OTAN ha rechazado esta  demanda.


El conflicto que tiene en vilo a Europa, en diez claves

¿Habrá invasión rusa en Ucrania? El único que realmente sabe qué pasará finalmente es Vladimir Vlamirovich Putin. Como buen espía, porque un espía nunca deja de serlo, no deja ver nunca sus cartas. Habría que estar en su cabeza para saber qué pretende y hasta dónde está dispuesto a llegar. Hay riesgo de que la escalada se vaya de control y sea difícil de desmontar incluso para Putin sin riesgo de parecer humillado. Y si hay algo que Putin no va a aceptar jamás es que Rusia dé imagen de debilidad en un conflicto que parece encaminado a poner el reloj cuenta atrás 30 años.

El camino de la diplomacia aún sigue sin despejarse pero al menos la vía sigue abierta. El encuentro entre el jefe de la diplomacia de EEUU, Antony Blinken, y el ministro ruso de Exteriores, Serguei Lavrov, solo ha servido para mostrar que aún no hay una ruptura total. Pero el Kremlin se aferra a sus demandas y Estados Unidos repite las suyas. Es la escenificación de un divorcio en la que no hay acuerdo siquiera para enumerar cuáles son los bienes en común. Pero las formas de momento se respetan. Lavrov, con gran experiencia diplomática, se mueve como pez en el agua en las cumbres de esta naturaleza. Y Blinken, aunque es más joven, también está curtido en negociaciones muy duras como fue el acuerdo nuclear con Irán.

Tanto Estados Unidos como Rusia saben que la situación no se puede prolongar sine die. Lavrov ha instado a que haya una resolución la semana que viene y Estados Unidos entregue una respuesta por escrito a sus demandas. Blinken también ha reconocido que no tiene lógica esta dinámica por la que se siguen sentando a la mesa a la par que Rusia incrementa sus efectivos en la frontera con Ucrania o realiza maniobras desde el Mediterráneo al Pacífico. Veamos cómo hemos llegado hasta aquí y qué escenarios son los más probables a corto plazo:

1. ¿Qué pretende Rusia?

El oso ruso está mostrando sus garras, su fuerza, porque siente como una amenaza la posible expansión de la OTAN hacia el Este. Putin sintió como una humillación la caída de la Unión Soviética y, si bien no pretende reconstruirla, algo que no sería beneficioso ni siquiera económicamente, sí quiere mantener sus zonas de influencia. Y uno de los territorios a los que Putin siente que Rusia está más vinculada es a Ucrania, por razones históricas. A ojos de Putin, son «hermanos».

Ucrania se independizó tras la caída de la URSS y eso no tiene marcha atrás pero ver cómo Ucrania está, según Moscú, bajo la órbita de EEUU y de sus aliados, es algo que no pueden tolerar. De ahí que exijan que Ucrania no ingrese en la OTAN, algo que por otro lado todavía no está sobre la mesa de los aliados. También demanda Moscú que se retiren las armas nucleares de suelo europeo y que no haya despliegues de tropas en países del Este como Rumanía y Bulgaria.

En realidad, lo que más preocupa a Putin son las revoluciones de colores. El Maidán, la protesta cívica que demandó a finales de 2013 más democracia en las calles de Ucrania, lo vivió como un ataque en su línea de flotación. ¿Y si pasa en Rusia? Hay que poner un muro contra esas revoluciones de colores. Y si para ello hay que atrasar el reloj tres décadas, se hace.

2. ¿Qué quiere Ucrania?

El actual presidente, Volodymyr Zelensky, que llegó al poder en 2019, busca reforzar los lazos de su país con Occidente. Otros gobiernos ucranianos se decantaban por mantener una relación más cordial con Moscú, pero Zelensky ha hecho campaña para que Ucrania ingrese en la OTAN. De esa manera, en virtud del artículo 5, los aliados estarán obligados a defender a Ucrania en caso de invasión. Solo se ha activado una vez, en 2001, tras los ataques a las Torres Gemelas en Estados Unidos. El jefe de la diplomacia de EEUU, Antony Blinken, dijo este viernes en rueda de prensa que, si bien Ucrania no es miembro de la OTAN, Estados Unidos se comprometía a defender su soberanía y su integridad territorial. Lo llamativo es que de momento ni siquiera en la cumbre próxima de la OTAN se va a tratar el tema del ingreso de Ucrania.

Los ucranianos confían en que la crisis no derive en una nueva invasión como en 2014, pero cada vez tienen menos esperanza. En 2014 Putin se anexionó Crimea y desde entonces ejerce control sobre el Donbás. Esa modificación de las fronteras de Europa en pleno siglo XXI, que quedó impune, está en el germen del conflicto actual. Rusia lo hizo y cree que puede volverlo a hacer.

3. ¿Cuál es la situación sobre el terreno?

Rusia ha movilizado a más de 100.000 soldados en la frontera con Ucrania. Defiende su derecho a realizar maniobras en su territorio y asegura que no pretende invadir Ucrania, sino proteger sus intereses. Los rusos denuncian a su vez que los ucranianos están concentrando fuerzas también cerca del Donbás. A su vez, Rusia ha iniciado unas maniobras con el Ejército de Bielorrusia, país aliado desde que Putin saliera en respaldo del dictador Lukashenko cuando la calle pedía su cabeza en agosto de 2020. Y también la Armada está realizando juegos de guerra desde el Mediterráneo al Pacífico.

«Es pura imaginación», dijo el ministro ruso de Exteriores, Serguei Lavrov en Ginebra. En la rueda de prensa de final de año, Putin increpaba a EEUU, ya que considera que es la OTAN la que se moviliza en sus fronteras. ¿Para qué tantas tropas entonces? ¿Solo para exhibir poder militar?

Las fuerzas rusas están cerca de la región del Donbás, un zona rusófona en manos de separatistas aliados del Kremlin. Desde 2014 hay combates con las fuerzas ucranianas. Según estimaciones de la ONU, esta guerra soterrada ya ha costado 14.000 vidas. Mas de un millón y medio de personas se han visto obligadas a dejar sus hogares.

4. ¿Será una guerra abierta o una incursión menor o es todo una fanfarronada?

Hay que tener en cuenta que una ofensiva militar dinamitaría el statu quo de la seguridad europea desde los tiempos de la Segunda Guerra Mundial. La línea roja que llevaría a los aliados a dar el paso a una intervención militar sería que Putin decidiera que sus tropas avanzaran hacia Kiev. Esta opción es demasiado arriesgada para un estratega como Putin. Las consecuencias podrían ser devastadoras y revertir en su contra.

Como dice José Luis Calvo Albero, coronel de infantería del ejército de Tierra, en un artículo en Global Strategy,»en una situación de confrontación abierta, las tropas rusas podrían arrollar con relativa facilidad la primera línea de defensa del ejército ucraniano y puede que incluso consiguiesen llegar al Dniéper en algunos puntos. Otra cosa sería mantener un esfuerzo intenso mucho tiempo. Incluso en los buenos tiempos a los rusos les ha faltado fuelle logístico».

Sin embargo, sí podría tener en mente consolidar su posición en el Donbás y asegurarse de que el gobierno ucraniano no se sale del guion que marque Kiev. No solo los ataques militares son intimidantes, también los ciberataques, en especial cuando afectan a las infraestructuras básicas. Hace una semana ya sufrió Ucrania una incursión así.

Aunque se ha corregido después, el presidente de Estados Unidos, Joe Biden, ha dado a entender que una incursión menor tendría una respuesta proporcionada. El presidente ucraniano salió al paso para aclararle de que no hay incursiones menores, como no hay países menores, y Biden rectificó, pero de momento todo indica a que habría una escalada de medidas.

Si es una fanfarronada, o una performance, la situación se ha agravado tanto que Putin corre el riesgo de no poder dar marcha atrás sin quedar en entredicho.

5. ¿Hasta dónde están dispuestos a llegar EEUU y la OTAN por Ucrania?

No están siendo claros. Blinken habla de «una respuesta rápida, unida y contundente», en el caso de que haya una incursión en Ucrania. ¿A qué se refiere? En primer lugar, a una respuesta económica que dañe a Rusia. El peligro es que Rusia es una potencia energética de la que depende Europa y si la situación se agrava mucho, las consecuencias las sufriríamos los países más dependientes de las importaciones de gas. Las sanciones se llevan aplicando tiempo pero no han tenido consecuencias, y ya dijo Putin que eran una línea roja. Más sanciones y se acabarían las conversaciones de todo tipo. Pero habrá castigos que hagan que la economía rusa se resienta. Ya lo está haciendo, porque el rublo está perdiendo valor, pero aún más está afectando a los intereses ucranianos.

Es clave el gasoducto Nord Stream 2, que está pendiente de que entre en funcionamiento. Lleva el gas directamente desde Rusia a Alemania. El canciller alemán, Olaf Scholz, ha dicho de momento que no descarta poner la cuestión sobre la mesa en caso de invasión, pero de una forma muy tibia. Formaba parte del gobierno de Merkel, que siempre separó los intereses comerciales de los estratégicos. Su jefa de la diplomacia, Annalena Baerbock, es más osada, pero realmente es el canciller quien maneja la política exterior. Un hombre clave en el Nord Stream 2 ha sido el ex canciller socialdemócrata, Gerhard Schröder, viejo conocido de Scholz.

6. ¿Beneficiaría al presidente Biden una intervención contra Rusia?

Biden acaba de cumplir un año en el poder y su nivel de popularidad es el segundo peor desde que hay registros. Solo Trump le supera. No ha podido acabar con la polarización que quedó de manifiesto con el asalto al Capitolio, según explicaba en un artículo en El Independiente Xavier Peytibi. A los presidentes les suele venir bien cuando están en estas circunstancias el llamado efecto rally round the flag, un término acuñado por John Mueller en 1970. En situaciones de crisis, cuando hay un enemigo a quien culpar, el pueblo cierra filas en torno a su líder. Trump, hasta el momento, es el único presidente de las últimas década que no ha desencadenado una guerra. Sin embargo, la vergonzosa retirada de tropas de Afganistán que llevó a cabo Biden, aunque fue consecuencia de los acuerdos con los talibanes de Trump, llevan a pensar que una aventura bélica no encajaría con esta Administración demócrata. Eso sí, hay elecciones de mitad de mandato en noviembre y la perspectiva es muy sombría para los demócratas.

7. ¿Cuál es el papel de la Unión Europea?

Según Nicolás de Pedro, investigador en The Statescraft, «Putin quiere quedarse con Ucrania y que la seguridad europea se decida como en tiempos de la guerra fría: a un lado, Estados Unidos, y al otro, Rusia. En esa ecuación no cuentan los ucranianos ni los europeos, ni muchos otros. El Kremlin quiere cambiar la arquitectura de la seguridad europea». A Putin la Unión Europea no le parece una potencia equiparable a la URSS y su defensa de los valores le encrespa. De ahí que disfrute cada vez que la UE aparece dividida y frágil. Este conflicto es una prueba de fuego para la Unión Europea en un momento en el que debate sobre su autonomía estratégica. Si bien el Alto Representante para la Política Exterior, Josep Borrell, es claro al denunciar a Moscú, desde el Kremlin prefieren escuchar directamente a Biden y a Blinken. Los ven como los que van a decidir al final qué harán los europeos.

8. ¿Cómo afecta este conflicto a España?

A España nos afecta como miembros de la OTAN. Además, al ser sede de la próxima cumbre de la Alianza Atlántica, que se celebra el 29 y 30 de junio en Madrid, el gobierno español está intentando ganar protagonismo. Por ello el ministro español de Exteriores, José Manuel Albares, tuvo audiencia con el jefe de la diplomacia estadounidense, Antony Blinken, justo antes de que iniciara su gira por Europa, que le llevó a Kiev, Berlín y Ginebra. Albares aseguró que España está comprometida en la defensa de la integridad territorial de Ucrania. Este jueves, la ministra española de Defensa, Margarita Robles, anunció que nuestro país enviaba la fragata Blas de Lezo al Mar Negro a unas maniobras de la OTAN en el marco de esta crisis con Rusia. El asunto ha soliviantado a Unidas Podemos y a Izquierda Unida, críticos con sus socios del PSOE por su defensa de una participación en una eventual acción aliada contra Rusia. Sin embargo, el Partido Popular, por primera vez en mucho tiempo, ha respaldado al PSOE por su disposición a cumplir con sus compromisos como miembro de la OTAN.

9. ¿Qué papel está jugando China?

China está en modo wait and see. Ha realizado llamamientos a que se reconduzca la crisis por la vía pacífica. China celebra en febrero los Juegos Olímpicos de Invierno, a los que finalmente incluso habrá representación política de Estados Unidos, a pesar del boicot inicial, según las autoridades de Pekín. A China no le interesa una conflagración en plenos Juegos. Ha sacrificado mucho para que sean un éxito. Es tradicional aliado de Rusia, pero en este caso mantiene las distancias y es probable que entre bambalinas Xi Jinping esté recomendando a Putin que aguante y no se precipite.

10. ¿Volvemos a la guerra fría?

Todo indica que hay elementos de la guerra fría que Putin quiere recrear. Un mundo en el que esté claro quienes son los que tienen la fuerza y cómo la pueden utilizar. Con sus zonas de influencia claras y sus líneas rojas infranqueables. Es el mundo del que nunca salió en realidad. Y ahora todos los que le rodean en el Kremlin vienen de allí.


Aprender un idioma ahora y siempre

Ventajas aprender idiomas: 7 razones científicas para hacerlo

1. Mejor «flexibilidad cognitiva» Tecnologías en procesos educativos: La teoría de la flexibilidad cognitiva  en el diseño de cursos eLearning

Según un estudio de The Journal of Neuroscience, los adultos que han hablado dos lenguas desde su infancia tienen mejor flexibilidad cognitiva, es decir, tienen más facilidad para adaptarse a una circunstancia nueva o inesperada que los adultos que sólo hablan una lengua. En el estudio, los participantes tenían que completar una tarea de flexibilidad cognitiva; aunque tanto los adultos monolingües como los bilingües fueron capaces de completarla, los bilingües lo hicieron con más rapidez y además determinadas partes de su cerebro necesitaron menos energía para llevarla a cabo.

2. Agilidad mental durante más tiempo

Esto también se cumple en las personas que aprenden una segunda lengua siendo ya mayores, de acuerdo con un reciente estudio publicado en Annals of Neurology. En la investigación, se realizaron tests de inteligencia a los participantes, hablantes nativos de inglés, cuando tenían 11 años y unas décadas después, cuando cumplieron los 70. La gente que hablaba dos o más lenguas mostró mejores capacidades cognitivas (especialmente en los tests de inteligencia general y de lectura) con respecto a su nivel de base en comparación con las personas que sólo hablaban una lengua.

3. Las palabras se ven de forma diferente a como lo hacen los monolingües

La gente que habla dos lenguas puede procesar ciertas palabras más rápido, sobre todo si dicha palabra tiene el mismo significado en ambas lenguas, según un estudio de Psychological Science. Gracias a la tecnología de movimiento ocular, los investigadores descubrieron que las personas bilingües pasan menos tiempo observando los llamados “cognados” (palabras de distintos idiomas que comparten la misma raíz morfológica, como por ejemplo, “lune” en francés y “luna” en español), lo que sugiere que su cerebro necesita menos tiempo para procesar la palabra, explicaba Scientific American.

4. No hay inmunidad al Alzheimer, pero sí se desarrolla de forma más tardía

Cualquiera puede padecer Alzheimer, pero las personas bilingües desarrollan esta enfermedad cuatro o cinco años más tarde que las monolingües, de acuerdo con los descubrimientos presentados en el encuentro de 2011 de la American Association for the Advancement of Science. En el estudio participaron 450 pacientes con Alzheimer, la mitad de los cuales habían hablado dos lenguas la mayor parte de sus vidas.

5. Los niños resuelven mejor los problemas

Parece que los niños bilingües realizan mejor las tareas que implican creatividad y capacidad de resolución de problemas, según una investigación publicada en el International Journal of Bilingualism. En el estudio participaron 121 niños, la mitad bilingües, y se les pidió que completaran tareas relacionadas con la repetición de series de números, la resolución mental de problemas matemáticos y la reproducción de patrones con bloques de color, explicaba HealthDay.

6. Su cerebro cambia de tarea con más facilidad

Los niños bilingües pueden ser más rápidos al cambiar de tarea, de acuerdo con un estudio de Child Development. En el estudio, tanto niños bilingües como monolingües tenían que observar imágenes de animales o figuras de colores en una pantalla de ordenador. Cuando a los niños se les pidió que pulsaran un botón para cambiar de las imágenes de animales a las imágenes de colores, los niños bilingües lo hacían más rápido.

7. La capacidad de pensar en otra lengua ayuda a tomar decisiones más razonadas

Cuando la gente piensa en otra lengua tiene más probabilidades de tomar una decisión racional en una situación problemática, según una investigación de 2012 de la revista Psychological Studies. Debido a que las personas, por naturaleza, son reacias a la pérdida, tienden a tomar decisiones que la minimicen, aunque la balanza esté inclinada a su favor. No obstante, investigadores de la Universidad de Chicago descubrieron que cuando la gente piensa en una lengua extranjera, esto les da distancia, lo cual les ayuda a tomar decisiones más deliberadas y menos dependientes de las emociones. “Quizás el factor más importante es que una lengua extranjera tiene menos resonancia emocional que la lengua materna”, comentaba Sayuri Hayakawa, investigadora del estudio. “Una reacción emocional puede conllevar decisiones motivadas por el miedo más que por la esperanza, aunque las probabilidades nos sean muy favorables”.


6 de cada 10 españoles estudian inglés por motivos laborales

El inglés está cada vez más presente entre los españoles, que se preocupan día tras día en hablarlo con la mayor fluidez posible. Ante la actual crisis económica, tener un buen currículum vitae y un nivel alto de inglés se considera esencial para poder conseguir trabajo en un mercado cada vez más competitivo y exigente.

Así lo refleja un amplio estudio realizado por ABA English, academia online especializada en una metodología de aprendizaje única basada en los principios del método natural.

Según datos de la reciente investigación elaborada entre más de dos millones de alumnos, el 59% de los españoles estudia inglés por razones laborales, un porcentaje mayor a la media mundial, situada en un 54%. Cada vez hay más estudiantes que consideran que hablar una lengua extranjera es clave para lograr una carrera profesional más fructífera en un mundo cada vez más globalizado. No obstante, el 17% de los españoles reconoce que cursa inglés por sus inquietudes culturales de aprender un nuevo idioma, mientras que un 14% lo hacen para hablar con mayor fluidez en sus viajes al extranjero y el 10% restante por motivos varios.

Los españoles, muy interesados en aprender inglés

Está a la orden del día el bajo nivel de inglés de los españoles en comparación con muchos otros países de la Unión Europea. Hasta un 18% de las personas que acude a aprender la lengua no cuenta con ningún tipo de formación previa al respecto, mientras que un 40% lo hacen tras haber dado sus primeros pinitos en la escuela. Un 27% asegura haber estudiado ya algún curso en academia o en clases particulares. El 15% restante tiene como experiencia previa búsquedas por Internet, entre otras.

Ante la evidente falta de nivel, los españoles se están poniendo manos a la obra para ser cada vez más competitivos en el mundo laboral. Tanto es así que ABA English ya cuenta con cerca de 350.000 de alumnos (17% en cuanto a porcentaje del estudio se refiere) en este país. Lo mismo ocurre con los italianos (17,2), los brasileños (11,8%) y franceses (10,6%). Otros de los países que lideran este ranking son México (8,2%), Colombia (4,2%) y Canadá (2,9%).

El inglés, un valor añadido para trabajar

Tener un buen nivel de inglés es algo deseado por millones de españoles, conscientes de que se pueden quedar aislados laboralmente si no son capaces de hablar la lengua con fluidez. Las empresas valoran que sus empleados estén tratando de perfeccionar su dominio del inglés. Tanto es así que el 57% de los españoles que estudian inglés se encuentran además trabajando. Un dato que refleja la estrecha relación existente entre trabajar y hablar inglés. El resto de los encuestados están buscando trabajo (23%) o aún estudiando (20%).

¿Cuestión de hombres o de mujeres?

A diferencia que en el pasado, son ya muchas las mujeres que ocupan cargos directivos y de alto nivel. Sus inquietudes por aprender son mayores, incluso para mejorar su formación con el dominio de una lengua extranjera. Según el reciente estudio de ABA English, el 54% de los españoles que cursan inglés son mujeres, mientras que el 46% restante son hombres.

Los más mayores, los nuevos estudiantes

Tenemos la tendencia a pensar que el estudio de inglés está hecho para los más jóvenes. Sin embargo, es cada vez más frecuente ver cómo la gente mayor se interesa por aprender una nueva lengua, ya sea por motivos familiares -como puede ser el caso de querer entender un nuevo idioma para viajar a ver a un hijo que vive en el extranjero- o por la simple razón de enriquecerse culturalmente.

Sea como fuere, lo cierto es que el 15% de los españoles que cursa inglés tienen 55 años o más, mientras que el 23% iguala o supera la barrera de los 45 años. El 27% de los estudiantes de esta lengua extranjera tienen entre 35 y 44 años, un 22% entre 25 y 34 años, mientras que, sorprendentemente, los menores de 25 años sólo representan el 14% del total.


La importancia de los idiomas en la búsqueda de empleo - Turiconsejos Una de cada tres ofertas de trabajo pide saber idiomas y el inglés es el más demandado.

Una de cada tres ofertas de empleo en España requiere conocimientos de, al menos, un idioma, según se recoge en el último informe Infoempleo Adecco del mes de noviembre. Esta tendencia sigue al alza y viene determinada por la actividad laboral que se desarrolla en el puesto de trabajo, los referentes de conocimiento especializado para ese puesto y la nacionalidad de la empresa.

El inglés sigue siendo la lengua más demandada, con el 88,9% de las ofertas. Le sigue (de lejos) el alemán, que se convierte por primera vez en la segunda lengua con el 7,2% de las ofertas, desbancando al francés, que desciende a la tercera posición con el 7,1% de los puestos de trabajo.

Pero, a pesar de que la mayoría de las empresas lo requiere, ¿por qué todavía en España el inglés no se domina correctamente? ¿aprender inglés es realmente complicado para los españoles? ¿cuáles son los motivos de que cause tanta confusión?

1- Familias lingüísticas distintas

El inglés no es una lengua romance, sino que es de origen germánico, por lo que cuenta con sonidos vocálicos que no tenemos. El sistema del español está compuesto por 5 vocales, mientras que en inglés hay más del doble de sonidos vocálicos. Este hecho deja a los españoles más vulnerables que, por ejemplo, los portugueses, ante el inglés. Nuestros vecinos parten con ventaja al contar con un sistema vocálico todavía más complejo que el anglosajón.

2- Traducciones al pie de la letra

El apasionante mundo de las malas traducciones del español al inglés, y viceversa, parece inagotable. Es importante saber que once a day no se traduce como «once veces al día», o que cuando queremos destacar en inglés que algo «es la leche», no hay que soltar It’s the milk.

3- Despiste de género

Los ingleses sufren aprendiendo que «moto» es una palabra femenina, o que «planeta» es masculina, a pesar de sus terminaciones. Pero nosotros también nos encontramos con dificultades cuando tratamos de usar en inglés nuestro pronombre «su», que se acaba desdoblando en his, her o its. Un apunte vital de acordarse si no queremos dar a entender que nuestra novia es un hombre, o que nuestro padre es en realidad una mujer.

4- La ortografía y la pronunciación

El inglés parece carecer de reglas de ortografía y de pronunciación. En castellano, por ejemplo, la «a» siempre se pronuncia «a», sin complicarnos la vida. En cambio, en el inglés la «a» puede sonar «a», como en el caso de Apple, o «ey», como en «ape». Y si la vocal se combina con otra, la pronunciación se enreda todavía más.

5- Sílaba tónica

Algunas palabras que terminan con el sonido «el» se escriben «-el», tales como «novel» o «cancel», pero otras van con «-le» como cable o little. ¿A qué se debía todo esto? Muy sencillo. Las palabras que terminaban en «-el» tenían sílaba tónica aguda, es decir, al final. Pero el idioma ha ido evolucionando y su forma de escribir ya no refleja su pronunciación.

6- Arbitrariedad histórica

Muchos esfuerzos se hicieron en el pasado para estandarizar la forma de escribir el inglés. No obstante, en muchas ocasiones los académicos encargados de ello acabaron creando más caos del necesario.

Por ejemplo, en el siglo XVI decidieron insertar una «b» en las palabras dette (deuda) y doute (duda) para así recordar mejor su raíz latina. Ahora las vemos escritas como debt y doubt, claro que ambas «b» son mudas.

7- Dos son compañía

En castellano los verbos cambian con el sujeto, por lo que no necesitamos mencionarlo. Así, podemos decir tranquilamente «jugó» y entender que se está hablando de la tercera persona del singular. Pero en el inglés es otra historia. Si decimos play podemos estar hablando de él, pero también de nosotros, de ellos… ¡Imposible tenerlo claro! Por ello, en inglés es vital indicar siempre el sujeto si queremos que nos entiendan.


9 razones por las que la gente no alcanza la fluidez en inglés

1. “No soy bueno con los idiomas”

Es cierto que algunas personas son mejores aprendiendo idiomas que otras, pero tienes que aceptar que hay gente que simplemente, con o sin un don, lo anhelan más.

En este sentido, el mejor don que puedes tener es REALMENTE QUERER APRENDER. Al menos que tengas algunas deficiencias de aprendizaje serias, estás en perfectas condiciones para aprender inglés. Puede que requiera de más dedicación y paciencia, mejores estrategias, hábitos de estudio y conciencia de tu estilo de aprendizaje; pero decir que lo que te detiene es el hecho de que no eres muy bueno con los idiomas, no es una buena excusa.

La gran mayoría de la gente que ha aprendido a hablar inglés como una segunda lengua no tiene un don., sino que han aprendido a través del trabajo duro y persistente, evitando excusas y superando los obstáculos que todo el mundo afronta.

2. “Me da mucha vergüenza hablar”

Si no lo usas, lo pierdes. La vergüenza o la pereza que impide que hables hará que olvides todo lo que has aprendido hasta ese momento en tu proceso de aprendizaje. Éste es el gran problema que muchos institutos tienen: no crean suficientes oportunidades para hablar en situaciones auténticas.

Si no usas las cosas básicas que aprendes, ningún tipo de gramática avanzada te ayudará a recordar las cosas que has aprendido superficialmente y olvidado por falta de ponerlas en práctica.

Sumado a esto, el hecho de no hablar contribuye a un bloqueo psicológico de todo el proceso de aprendizaje. Así que ¿cuál es el mejor consejo? Abre tu boca. Ya sea en el aula, en la ducha, con amigos que hablan poco o mucho, o con extranjeros en la vida real o por Skype, deja de sentir vergüenza y ABRE TU BOCA.

3. “Los adultos no aprenden idiomas muy bien”

A pesar de que es cierto que un adulto no tiene la misma habilidad que un niño para aprender un idioma extranjero, creo que muchos no nos estamos dando el crédito suficiente. Ser un estudiante adulto tiene muchas ventajas, como por ejemplo: mayor consciencia de nuestro proceso de aprendizaje, el hecho que sabemos lo que queremos, y el hecho que podemos planificar nuestro proceso.

Mientras que es cierto que la mayoría de los estudiantes de idioma adultos nunca perderán completamente su acento, es posible reducirlo usando métodos inteligentes. Sin embargo, si te estás comunicando bien, ¿cuál es el problema con tener un acento? Es quienes somos, de dónde venimos, y una parte importante de nuestra identidad. A veces incluso nos hace sonar sexy y exóticos.

El mundo está lleno de estudiantes de idioma adultos que hacen un excelente trabajo comunicándose y no hay razón por la que no puedes ser uno de ellos.

4. “No tengo tiempo”

No necesitas inscribirte en un instituto de inglés, pagar mucho dinero, o  disponer de varias horas libres por día.

Con tan solo inscribirte y asistir al programa adecuado tendrás mucha ayuda y recibirás una estructura adecuada. Si realmente no tienes tiempo, usa tu imaginación y aprende de la mano de la tecnología en los momentos que más te convenga.

Inglés para la vida es un excelente sitio para comenzar. Allí encontrarás muchos podcasts gratuitos que puedes descargar para aprender mientras, por ejempli, manejas tu auto. Además puedes hacer uso de blogs, videos de Youtube, y muchos otros recursos gratuitos. Si te esfuerzas lo suficiente buscando, encontrarás toneladas de recursos que te ayudarán a aprender inglés sin necesidad de que gastes un centavo.

5.“Necesito ir a un país de habla inglesa”

No necesitas viajar al otro lado del océano para entrar en contacto con el idioma. Hay personas que hablan inglés en todos lados si realmente te tomas el tiempo para buscarlos, y cuando estés en un punto de tu aprendizaje en el que la “inmersión” es algo que te daría un gran impulso, hay otras opciones también.

Puedes encontrar extranjeros en tu ciudad. En Belo Horizonte conozco tres comunidades internacionales: Real Life English, Minas Internacional, y Couch Surfing. Aparte de esto puedes organizar tu vida de forma tal que recibas un constante flujo de inglés nativo, con recursos como podcasts, radios online, programas de televisión, películas, y música.

Lo más importante es hagas del inglés una parte de tu vida. Encuentra la forma para hacerlo divertido.

6. Falta de un propósito claro

Mucha gente no tiene un verdadero PORQUÉ por el cual aprender un idioma. Aun si es cierto que tienes que estudiar inglés por tu profesión, si ésta es la primera cosa que se te viene a la cabeza cuando piensas en el idioma, el proceso de aprendizaje será largo, lento y tedioso. Esto conlleva a la falta de amor por lo que haces y a tener un enfoque mecánico.

Aquellos que aprenden el idioma por motivación externa, generalmente no lo disfrutan. Se aburren y cansan fácilmente y no muy a menudo se dedican a ello.

Entonces, ¿cuál es la solución? Busca un propósito más profundo y cultívalo. Piensa en lo que estás aprendiendo y usa esto como una fuente de inspiración. Aquí encontrarás una inspiradora historia de propósito y perseverancia aplicada al aprendizaje de un idioma.

7. Falta de responsabilidad

Mucha gente pretende pagar para que alguien aprenda inglés por ellos, o adquirir el idioma como si fuera un chip que se inserta en el cerebro. No entienden que para aprender un idioma, uno necesita asumir la responsabilidad que ello implica, y no dejar el aprendizaje en las manos de un profesor, instituto o circunstancias de la vida.

Por supuesto, un instituto o un profesor también tienen sus propias responsabilidades a cumplir, pero el profesor en si es más un facilitador que debe mostrarle al estudiante la puerta al aprendizaje. TÚ eres el que tiene que caminar a través de ella con tu propia fuerza de voluntad.

El inglés no es un chip en tu cerebro, sino un proceso personal en el que debes trabajar todos los días. Sí, TODOS LOS DÍAS. La excelencia (=fluidez) no es algo fácil o rápida. No se obtiene con esfuerzos al azar de dos veces a la semana.

8. Falta de un buen plan/método

Si quieres aprender inglés, necesitas decidirte, clarificar los motivos, investigar bien el camino hacia el éxito, y recién entonces ordenar tu vida y ejecutar. A menudo mucha gente no organiza su vida en torno a un aprendizaje exitoso del inglés porque no tienen un buen plan, no se hacen un tiempo para aprender día a día (afuera del aula), y no investigan qué es lo que hace que un instituto y/o método sea bueno.

La gente busca soluciones rápidas y sencillas a los problemas que tienen que afrontar. Si no tienes éxito aprendiendo inglés, detente y pregúntate a ti mismo “¿por qué quiero aprender?” y asume la responsabilidad de tu propio aprendizaje. Y RECIÉN ENTONCES  puedes comenzar a buscar gente que te pueda ayudar.

Reflexiona acerca de las cosas que he mencionado aquí y luego conversa con tus amigos que han tenido éxito aprendiendo inglés. Pídeles consejos, investiga en internet, visita varias instituciones, observa algunas clases, y aprende a diferenciar lo que es un uso astuto del marketing y lo que es verdadera calidad.

9. Falta de imaginación

La vida y el inglés no son dos cosas separadas cuando usas tu imaginación para aprender. El problema es que la mayoría de la gente trata al inglés como si fuera una materia de la escuela, lo cual es el peor modo para aprender un idioma. A pesar de que estas estrategias pueden (en cierta medida) ayudar, la fluidez en el inglés no se consigue a través de la memorización, gramática o libros de ejercicios.

La fluidez es una danza, un arte, una práctica y una pasión. El estudiante debe relacionar su experiencia de vida con el idioma, para así poder hacer que su imaginación y estilo de estudio fluyan, y para poder dar significado al proceso de aprendizaje. Esto va de la mano con tener un sentido de propósito (#6) porque la imaginación generalmente proviene de un propósito.

Éstos son algunos signos que pueden indicarte que no estás usando tu imaginación: no te diviertes, no tienes ansias por aprender, inventas excusas, y no utilizas tus habilidades naturales.

Entonces, ¿cómo incentivar tu imaginación? Clarifica cuál es el propósito que te lleva a querer aprender y conéctalo con lo que haces y disfrutas, incluyendo tus habilidades naturales, tus intereses, y tu vida. Eso es imaginación.

Qué puedes hacer hoy

Un desafío para ti: tómate 20 minutos para pensar qué es lo que te detiene. Realiza un lluvia de ideas. Anota en un papel un millón de ideas sin filtro alguno. ¿Por qué quieres aprender inglés? ¿En qué eres bueno y cómo puedes aplicar eso al inglés? ¿Cómo puedes cultivar placer por aprender inglés?

No dejes que ninguna excusa te distraiga. Asume la responsabilidad y acepta las respuestas. Piensa acerca de algo que amas hacer e imagina cómo sería si tuvieras la misma pasión por el inglés. Recuerda: “la vida es un viaje, no un destino”. Exactamente lo mismo es tu aprendizaje del inglés. La pregunta del millón es: ¿cómo podrías disfrutar cada paso y al mismo tiempo estar seguro que estás en el buen camino hacia la fluidez? La respuesta solo la sabes tú.