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Body Language

What is a Tattoo?

A tattoo is an ink design inserted into the skin, commonly via a needle. In various forms, it has been used ornamentally and religiously by humans for thousands of years, with examples found on numerous preserved prehistoric specimens. Humans also use identification tattoos on domesticated animals, particularly livestock. Examples can be seen in most human cultures, and despite some social stigma, tattoos are becoming ubiquitous in the West, with an estimated 25% of Americans wearing at least one by the end of the 20th century.

The word is likely related to the Samoan tatau, meaning «to strike or mark.» Tattoos became popularized in the Western world when sailors began to explore the Pacific and return with them. In Japan, where there is a long historical tradition of skin art, the word irezumi refers to traditional Japanese tattoos, while tattoo is used in discussions of other types of tattoo art. Tattoo owners sometimes shorten the word to tat or use the terms inkart, or work to talk about the designs they wear.

People receive tattoos for a variety of reasons: to identify themselves with a religious or social group, to adorn their bodies, as protective symbols, to cover skin discolorations, or as ongoing art and social projects. Most tattoo artists are themselves heavily tattooed. Some individuals have been forcibly tattooed, most notably victims of the Holocaust and prisoners.

Prehistoric tattoos were likely created by scoring the flesh with knives and rubbing in ink, ash, or another dye agent. These works were probably more susceptible to infection, and also less detailed than modern versions. Most of the extant examples consist of lines and dots on various points of the body. The introduction of needles made from bone and wood to the art of tattoo began hundreds of years ago and made for more precision, less infection, and less painful work. Many traditional tattoos are still hand poked with tools such as animal bone, sharpened bamboo, or steel.

However, Thomas Edison‘s invention of the autographic printer in 1876 paved the way for an electric tattoo machine capable of striking the skin hundreds of times in a minute, making the designs faster and much more widespread. Modern machines are strikingly different in operation than Edison’s invention, although the same basic principle is followed. An electric tattoo machine operates using an electromagnet, and as the circuit is opened and closed, it causes a bar connected to the needle to move. Depending on the speed setting, the needle can move between 80 and 120 times a second, allowing the artist to penetrate the skin without laborious hand work.

A variety of pigments and inks are used in modern tattoo, ranging from traditional black to a wide range of colors. Some of the colors used for pigment may be toxic, raising concerns about extensive color work. If concerned, ask the artist about what pigments he or she is using and whether any adverse reactions to the inks have been noticed. Many tattoos will also require touchup, as exposure to sunlight and water degrades the inks.

When receiving a tattoo, it is important to make sure that proper hygienic measures are taken. Make sure that the studio is clean and that the artist is wearing gloves and using autoclaved needles. Most tattoo artists keep their work areas scrupulously clean, only laying out the materials they need to perform your work. Artists have varying aftercare instructions for a new tattoo, and it is generally advisable to follow the directions for quick, clean, beautiful healing.


A History of Tattooing Traditions Around the World

Tattoos aren’t always taboo. Discover how they developed in nations around the world, across thousands of years.

Tattoos are so commonplace these days—especially in the United States—that only the wildest, most unusual art attracts attention. Full arm sleeves, face ink, and even brands are so omnipresent that it’s hard to recall a time when tattoos were taboo.

According to one 2019 poll, 40% of Americans between the ages of 18 and 34 have at least one tattoo. For all other age groups, the number only goes down to 30%.

This kind of ubiquity isn’t universal, however, and neither is the blasé attitude toward having something relatively meaningless inked on an arm or a leg.

In many parts of the world, tattoos are still rare. In others, they’re linked to centuries of cultural and religious tradition.

The rise of casual ink in the last 100 years or so is a blip in the much longer scheme of tattoo history. Otzï the Iceman, one of the oldest mummified humans in the world, had more than 61 tattoos and lived sometime between 3350 and 3105 B.C.E.

Archaeologists discovered tattoos on the mummified body of Amunet, an ancient Egyptian priestess of the goddess Hathor, dating between 2134 and 1991 B.C.

Tattooing has differed in practice and purpose over the millennia, but it remains one of the most popular—and oldest—methods of body modification.

Here, take a look at tattooing traditions around the world, from Japanese irezumi to Māori tā moko and Russian temhota.

Tattooing Traditions in Africa

Africa is home to some of the oldest tattoo traditions in the entire world. Archaeologists have found tattoos on ancient Egyptians dating back to 2000 B.C.E. They were almost exclusively found on women. Archaeologists can only speculate about the meaning of these tattoos but, in some instances, they seem to reflect a desire to associate the wearer with a god or goddess (as with Amunet, the priestess). The designs were relatively simple—thin lines, dashes, and dots—but some scholars believe that the placement, often over the abdomen, reflected a desire for the wearer to protect her children in the womb. 

Farther south, some cultures practiced skin scarification. This involves cutting away skin with a blade to create scars that form intentional patterns.

In some countries—Nigeria and Burkina Faso, for example—these markings were a means of identification, to indicate citizenship with a particular tribe.

The practice declined rapidly in the 20th century. However, scarification still appears in some regions, especially among older people.

Tattoos of Southeast Asia & the Indian Subcontinent

the most popular forms across Thailand and Cambodia is the sak yant.

The sacred, often geometric patterns, hand engraved on the skin by Buddhist monks, were originally meant to provide strength and protection to the wearer. (Angelina Jolie’s sak yant tattoo is arguably one of the most famous present-day examples.)

In the Philippines, batok is a general term for the tattoo style worn by indigenous tribes.

The process of receiving a batok tattoo is very painful and labor intensive. The tattooist taps the design into the skin using a bamboo stick dipped in wet charcoal.

Designs can include geometric patterns, as well as animals and plants native to the islands.

Westerners may also be familiar with the Indian practice of mehndi, which is drawn on the skin with non-permanent henna dye. Mehndi designs, often worn on the hands and arms, are usually ornate and elaborate.

The tradition is still commonly used to commemorate occasions like Hindu weddings and holidays including Diwali, but mehndi is also prevalent in some Muslim communities.

Ink Throughout East Asia

While Southeast Asia has a rich—and culturally accepted—tradition of tattooing, East Asia is a different story. Japan and China, for example, associate tattoos with criminals, and they’re still taboo today. (In contemporary Japan, it’s not uncommon to see signs at pools and gyms warning patrons to cover any visible tattoos.)

Even so, the region has several distinctive styles of ink. Some Japanese gang members, a.k.a. yakuza, are known for having elaborate, brightly colored tattoos that cover their arms, backs, and torsos.

Called irezumi, these designs often include animals, plants, and mythical beasts that you might also find in traditional Japanese woodblock prints. (Though rare, they’re no longer merely the domain of criminals.)

In Taiwan, the indigenous Atayal people are known for a facial tattooing tradition called ptasan. Past recipients previously had to prove they were accomplished at a certain task—weaving or hunting, perhaps—before they could be tattooed.

Men would receive a forehead tattoo upon their coming of age with a chin band added later. Women’s designs usually spanned from their ears down to their lips in a V shape.

As in Japan, modern China isn’t particularly tattoo-friendly. Still, tattooing dates back to ancient times, appearing on mummies from Siberia and Western China.

Known as chi shen, these designs were spiritual in nature and occasionally used to convey social status. (Tattoos of Chinese characters, however, aren’t a traditional form of chi shen and are most commonly seen in the West.)

Designs in Oceania

Australia, New Zealand, and the islands of the South Pacific boast some of the most recognizable tattoo traditions in the world. This is fitting, given that the word “tattoo” derives from the Samoan word tatau, which means “to strike.”

In Samoa, men’s tattoos are called pe’a while women’s are called malu. Both involve intricate black designs usually inked across the arms. For a famous example of a traditional Samoan tattoo, have a look at Dwayne “The Rock” Johnson’s left arm, which he had inked over 60 hours by a famous Tahitian artist.

The Māori of New Zealand call their form of tattooing tā moko. The practice was originally reserved for high-ranking members of society, and tattooists were considered secret.

Men were usually inked on their faces, thighs, and buttocks, while women wore designs on their chins and lips.

Tā moko is still prevalent today, though it’s now sometimes done with modern tattoo needles rather than the traditional uhi chisel used by past practitioners.

European & Russian Tattoos

Tattooing in Europe dates back to the ancient Greeks and Romans but, as in East Asia, they were usually associated with criminals.

According to the historian Herodotus, Greeks learned the tradition of penal tattoos from the Persians and, subsequently, tattooed slaves and enemies. Some of the cultures the conquerors encountered, however, viewed the tattoos as a mark of pride.

More contemporary, Russia has a complex history of tattoos. 20th century prisoners used prison tattoo designs, or temhota, to identify inmates’ crimes and rankings within the Russian penal system.

American sailor tattoos influenced some of the designs—snarling tigers or anchors, for example—while other, more unique motifs indicated specific areas of expertise.

Tattoos in America

As in other parts of the world, the Americas have a long history of tattooing thanks to indigenous groups in both the Northern and Southern Hemispheres.

Heavily tattooed mummies from the pre-Incan Chimú civilization have been discovered in Peru, dating back to 1100 A.D. Archaeologists also found ink on bodies from the Bolivian site of Tiwaniku.

Meanwhile in North America, several tribes were known for their tattoo practices.

Some Inuit women had designs tattooed on their face to symbolize their transition from adolescence to adulthood, while the Osage people used tattoos to symbolize humans’ place within the larger cycle of life on Earth.

Warriors within the Haudenosaunee Confederation often wore tattoos, and sometimes used them to keep track of their victories in battle.

Among non-indigenous Americans, tattoos were mostly taboo until the 20th century. At that point they were still mostly seen on sailors and soldiers.

Norman Collins, a.k.a. Sailor Jerry, helped popularize the sailor tattoos that are still common today, including swallows, nautical stars, and pin-up girls.

In the past 20 years, however, tattoo culture in the U.S. has exploded. Certain artists have become famous in their own right. TV networks air multiple reality shows following artists at parlors in Miami, Los Angeles, and New York City.

Celebrities, meanwhile, have popularized tiny tattoos on fingers and hands (see Miley Cyrus), as well as more traditional forms borrowed from other cultures (Jolie’s aforementioned sak yant tattoo is sometimes credited with causing a surge in the practice’s popularity).

Five millennia in, and it looks like tattoos are just getting started.


Ed Hardy: Tattoo the World (Video)

Cave paintings human communication

Neanderthal artists made oldest-known cave paintings

Designs at three Spanish sites are thought to predate human arrival in Europe by at least 20,000 years.

Neanderthals painted caves in what is now Spain before their cousins, Homo sapiens, even arrived in Europe, according to research published today in Science1. The finding suggests that the extinct hominids, once assumed to be intellectually inferior to humans, may have been artists with complex beliefs.

Ladder-like shapes, dots and handprints were painted and stenciled deep in caves at three sites in Spain. Their precise meaning may forever be unknowable, says Alistair Pike, an archaeologist at the University of Southampton, UK, who co-authored the study, but they were almost certainly meaningful to our lost kin. “It wasn’t simply decorating your living space,” Pike says. “People were making journeys into the darkness.”

Humans are thought to have arrived in Europe from Africa around 40,000–45,000 years ago. The three caves in different parts of Spain yielded artworks that are at least 65,000 years old, according to uranium-thorium dating of calcium carbonate that had formed on top of the art.

These mineral deposits develop slowly, as water containing calcium comes into contact with cave surfaces. The water also contains trace levels of uranium from the rock. After the calcium carbonate has precipitated out of the water, a clock of sorts begins to tick, as uranium decays into thorium at a steady, known rate.

Uranium-thorium dating has been used in geology for decades, but has seldom been employed to estimate the age of cave art. Some archaeologists are sceptical of the approach. They suggest that the calcium carbonate could have dissolved and re-crystallized after it was first formed — a process that could have also washed away some uranium, making a sample of the mineral appear older than it is.

Until now, the oldest known cave art was roughly 40,000 years old — stenciled hands and animals in an Indonesian site2 that was dated in 2014, and discs and hand stencils from a cave in Cantabria, Spain3, that were found by Pike and his colleagues in 2012.

Drawing conclusions

Anticipating objections about its dating method, Pike’s team collected samples from the outer, middle and inner layers of the calcium carbonate crust and dated them separately. As they expected, the inner samples closest to the art yielded the oldest dates, and the outer samples had younger dates because they would have been later layers of precipitate. “We can’t think of any processes that would re-crystalize the calcite and still keep them in stratigraphic order,” Pike says. The researchers waited three years to publish their results after finding their first clearly pre-human date so they could collect multiple examples and publish their methodology.

Some archaeologists, however, remain unconvinced. “In my opinion, we have to be cautious with these ‘quite old’ results until we have a much larger corpus of dating results,” says Roberto Ontañón Peredo, an archaeologist at the Prehistory and Archaeology Museum of Cantabria in Santander, Spain. “We have to keep a cool head.”

Pike suggests that such reluctance to believe that Neanderthals were creating cave art may have less to do with methodological disputes than plain old species-ism. “People are very prejudiced against Neanderthals,” he says.

Paola Villa, an archaeologist who studies Neanderthal culture at the University of Colorado Boulder, says that Neanderthals have an undeserved reputation as moronic brutes. She says that since their bodies were “archaic” in the sense of having features of older hominids — such as heavier bones and pronounced brow ridges — everyone assumed they were “behaviourally archaic” as well. “They were stereotyped as knuckle-dragging dimwits,” she says.

This assumption has fed into theories about their extinction, which have tended to hinge on humans outcompeting slower, dumber Neanderthals. But Villa says a careful review of the research shows “no support for a cognitive gap between Neanderthals and modern humans”. Newer theories instead focus on factors such as low population density and “assimilation by interbreeding” with humans.

The ladder-like art Pike and his colleagues ascribe to Neanderthal artists has, inside its rectangular forms, faint paintings of animals. These remain a mystery, but Pike speculates that they might be the result of “modern humans coming in and adding their own art”. Humans and Neanderthals may have thought alike, interbred and even — in a way — collaborated artistically, he says.


The oldest forms of human communication

Some of the oldest forms of human communication include talking or making sounds, drawing or painting, dancing, acting, and using symbols.

From sounds and symbols to written communication and language

Making sounds such as grunting or guttural sounds at a low pitch or high pitch would indicate either social communication or be a warning sign. Body language was also used as communication at this time.  Later written communication came about when humans realised the need to record their daily life activities. Further down the line this progressed to meeting the needs of bartering and exchanging of goods. The ancient Egyptians were amongst the first people to use symbols as a form of written communication which later developed into the alphabet system that we know today. 

Language, symbols, songs, art and dance

Cave drawings were murals that people painted onto the walls of caves and canyons to tell the story of their culture.  They would tell stories of battles, hunts and culture.

Storytelling was used to tell stories, both fiction and nonfiction, before there were books.  It was a way for families and communities to pass on information about their past.

This infographic highlights all forms of communication through ages, click here to view

Drums were one way to send signals to neighbouring tribes and groups.  The sound of the drumming patterns would tell them of concerns and events they needed to know.

Smoke signals were another way to send messages to people who were not close enough to use words with.  Can you imagine living without your telephone?  We sure have come a long way!

San hunter-gatherers and the Khoi-Khoi herder

For many years it was widely believed that the only reliable form of knowledge was the written word. Books, diaries, documents, and newspapers.These commanded respect because their words could be preserved. But the printed word can be misleading. For example, certain history books taught, inaccurately, that Africans arrived in Southern Africa at more or less the same time as European settlers landed in the Cape. Some books emphasised differences amongst people. And while most textbooks acknowledged that the Khoisan had lived in South Africa for a very long time, the writers saw them as ‘primitive’, and paid very little respect to their history.

When European settlers arrived in South Africa, most of them could read and write. They valued the written word as a precious form of knowledge. But European scholars made the mistake of thinking that writing was the only way that knowledge could be passed on. Where they did not find books in Africa, they simply assumed that Africa had no history.

”The Broken String” shows how wrong they were! Adapted from the school textbook by Emilia Potenza, this feature provides a taste of Africa’s rich heritage, long before colonial times. South Africa’s distant past may be learned not only through the written word, but through many other forms of evidence from human remains, pottery, tools, rock paintings and buildings, as well as from cultural traditions and the stories and memories passed on by the elders.

”The Broken String” presents this wealth of knowledge in a richly visual, well-informed and challenging way. Giving voice to the stories and experiences of the people themselves encourages more sensitivity to those people of the past, and to understanding their lives, needs and problems. “The Broken String” also approaches the learning of history in a fresh way, encouraging independent and creative exploration of ideas, people and events.


Did early humans communicate with cave signs?

Deep inside the Oxocelhaya cave in southern France, Canadian anthropologist Genevieve von Petzinger points at a small red marking barely noticeable on a rock wall.

It looks like someone deliberately drew an X using two inverted V’s. The faint sign is partly covered with calcite, evidence it was traced a very long time ago.

How long?

Incredibly, it’s been sitting there since the Ice Age, some 10,000 to 40,000 years ago.

While cave paintings have long been cited as early evidence of human art, anthropologists are now taking a closer look at the significance of strange abstract signs – including spirals, ovals, handprints and intersecting lines – found alongside prehistoric rock art depicting animals.

Von Petzinger, a PhD student at the University of Victoria who has been studying prehistoric signs in European caves for a decade, says they suggest «the first glimmers of graphic communication» among human beings before the written word.

There was «an incredibly pivotal moment in human history when we went from spoken language to making these durable marks, which could then be communicated to people who were outside of the physical realm of speech distance,» says von Petzinger.

If true, this represents a major milestone in the evolution of our species, says von Petzinger. Think of it as an ancient precursor to Twitter tens of thousands of years before writing was invented by the Sumerians in Mesopotamia in approximately 3,000 B.C.

Von Petzinger, a PhD student at the University of Victoria who has been studying prehistoric signs in European caves for a decade, says they suggest «the first glimmers of graphic communication» among human beings before the written word.

There was «an incredibly pivotal moment in human history when we went from spoken language to making these durable marks, which could then be communicated to people who were outside of the physical realm of speech distance,» says von Petzinger.

If true, this represents a major milestone in the evolution of our species, says von Petzinger. Think of it as an ancient precursor to Twitter tens of thousands of years before writing was invented by the Sumerians in Mesopotamia in approximately 3,000 B.C.

Her analysis shows that over a 30,000-year period, cave dwellers used only about 30 different types of signs.

«Obviously, we don’t have anybody we can ask what the signs mean,» she says, «but they were using them in a way that suggests their usage was intentional and that they wished to transmit messages with them.»

University of Victoria anthropology professor April Nowell agrees the signs weren’t randomly drawn.

«If it was just doodling, if it was just random, then you would expect to see something as common as a dot or a spiral or something like that in all the caves,» Nowell says.

«In fact, we see that they don’t appear in all the caves and each of these signs seems to be more popular at a certain time and then disappear. They emerge in one geographic region and then spread across, say, from Spain to France.»

Writing on the cave wall?

Up near the ceiling of La Pasiega cave in the north of Spain, there’s a series of red marks on a line that look eerily like a row of ancient letters. These are not really letters, but there’s something going on, according to von Petzinger.

«It’s certainly not writing yet at this point but writing didn’t come out of a vacuum,» she says.

True writing systems consist of sets of symbols and rules about how to combine them, so that they can represent almost anything, from concrete phenomena to concepts, categories or sounds.

Prehistoric signs don’t have the complexity of a writing system but they do qualify as an early form of graphic communication.

Could we ever figure out what these signs meant? There’s no prehistoric Rosetta stone to help scientists crack that Ice Age code, but von Petzinger is looking for recurring clusters of signs, hoping to find patterns that may offer clues.

«I won’t be able to tell you…  that it says, you know, ‘Grog was here’ or something like that,» says von Petzinger. «I focus more on trying to look for patterns of behaviour. It’s an indirect way of me being able to say that they were communicating with each other.»

Out of Africa

While analyzing her initial data, von Petzinger made a striking discovery: 65 per cent of the signs she identified seem to have been in use at the time modern humans arrived in Europe about 40,000 years ago.

She says that in the caves she studied, lines, ovals, rectangles and circles are not only in use, «but they’re already being used in what’s looking like a systematic, very intentional way. So when I see that, it doesn’t look like a beginning, it looks like something that’s already in practice.»

The early signs may have been part of a cultural toolkit our ancestors brought with them when they left Africa, the birthplace of our species.

This appears to be quite a paradigm shift in archaeology.

Experts have long believed that our ancestors’ arrival in Europe gave rise to a cultural explosion and the emergence of truly modern human behaviour, because much of the world’s Ice Age art – including the famous animal imagery – was found there and dates from after that time.

Von Petzinger’s findings, along with several recent archaeological discoveries, suggest that abstract thinking may have emerged in Africa.

Engravings on ancient ochre sticks and ostrich eggshell fragments found in South Africa suggest the use of geometric markings by modern humans may reach back much further in time, to almost 100,000 years ago at least.

«We know that people in Africa were symbol users,» says Nowell. «They were modern, they had modern anatomy like us, and so we suspect that they had language and so on. So it’s quite possible that the people moving into Europe were already bringing this repertoire of signs with them.»

«This is our story as human beings of how did we become us, and when did we become us,» says von Petzinger.

Grog may have been much smarter, and closer to us, than we ever thought.


Ancient Cave Drawings and Early Human Language Linked in New Study

Sound echoing within caves may have also influenced what early humans put on rock walls.

Thousands of years ago, an early human ventured deep within a cave, where sound reverberated off the walls. Perhaps by either speaking or walking, they generated the sound reminiscent of a hoof. To represent this sound, they drew a hoofed animal.

They would have been using the same skills that prompted the earlier development of language, theorizes a new study.

Published in the journal Frontiers in Psychology, the paper suggests cave art was made in acoustic «hot spots» because early humans were converting acoustic sounds into drawings.

«Our research suggests that the cognitive mechanisms necessary for the development of cave and rock art are likely to be analogous to those employed in the expression of the symbolic thinking required for language,» says Cora Lesure, a linguist at MIT and one of the study’s authors.

Essentially, Lesure says, the cognitive functions needed to transfer acoustic sounds to pictures are the same cognitive functions needed in language.

«In this sense, cave and rock [art] would represent a modality of linguistic expression,» says Lesure.

Whether or not this art would have shaped how language further developed is speculative.

Representing Thought

Modern Homo sapiens developed around 200,000 years ago, and the study’s researchers note that language is thought to have evolved around 100,000 years ago. The oldest forms of cave art found date back roughly 40,000 years.

«We could speculate that human language emerged as an abstract symbolic system, while its expression—in the form of cave and rock art, or any other modality—may have occurred very late,» says Vitor Nobrega, a linguist at the University of São Paulo and author on the study.

In particular, their study looked at Blombos Cave in South Africa, which contains geometric engravings.

The markings, they suggest, are external representations of internalized thought.

It’s a theory contrary to a belief among archaeologists and anthropologists that language doesn’t fossilize, says Lesure.

Finding evidence of when and how humans began speaking is difficult. Anthropologists can study ancient skulls to see when certain lobes in the brain responsible for language began to take shape, but it’s difficult say exactly when humans began speaking because it was likely spoken orally long before it was written.

Archaeologists have theorized early evidence of language can be found in objects like beads or altered bones that may have been used for anything from counting days to taking attendance.

Other Explanations?

«It’s very likely that archaeoacoustics explains the placement of some art in some caves some of the time,» says April Nowell, an archaeologist from the University of Victoria who studies the origins of art.

But saying that the cave acoustics inspired visual representations is a stretch, she says.

She notes that cave art has also been made within a cave’s acoustic «hot spot,» where ceremony and storytelling may have also taken place, suggesting the art was less a form of communication and more a form of decoration. Nowell notes that some of the common imagery seen inside caves noted in the study, like horses or other hooved animals, is imagery found on objects outside caves.

«The acoustic factor is an important one to consider,» Nowell adds, «but I don’t think it was the only explanation for why people made marks in the places they did.»

Lesure adds that their study doesn’t outright say the cave art they looked at equates to language, only that the same cognitive functions may have been present.

«There’s no doubt that the images were of symbolic value,» says Genevieve von Petzinger, an anthropologist and National Geographic explorer.

She echoed Nowell’s sentiments that it’s not explicitly clear if the drawings were used as a form of communication, but notes: «It certainly wouldn’t be beyond the realm of possibility that the sounds [in the cave] would have enhanced what they were doing.»

Archaeologists are still searching for some of the first physical evidence of linguistic capabilities, and von Petzinger adds, «We’re still searching for that holy grail.»


What Prehistoric Cave Paintings Reveal About Early Human Life

Some of the oldest known art may hint at the beginning of language development, while later examples portray narratives with human and animal figures.

What does the oldest known art in the world tell us about the people who created it? Images painted, drawn or carved onto rocks and cave walls—which have been found across the globe—reflect one of humans’ earliest forms of communication, with possible connections to language development. The earlest known images often appear abstract, and may have been symbolic, while later ones depicted animals, people and hybrid figures that perhaps carried some kind of spiritual significance.

The oldest known prehistoric art wasn’t created in a cave. Drawn on a rock face in South Africa 73,000 years ago, it predates any known cave art. However, caves themselves help to protect and preserve the art on their walls, making them rich historical records for archaeologists to study. And because humans added to cave art over time, many have layers—depicting an evolution in artistic expression.

Early Cave Art Was Abstract

In 2018, researched announced the discovery of the oldest known cave paintings, made by Neanderthals at least 64,000 years ago, in the Spanish caves of La Pasiega, Maltravieso and Ardales. Like some other early cave art, it was abstract. Archaeologists who study these caves have discovered drawings of ladder-like lines, hand stencils and a stalagmite structure decorated with ochre.

Neanderthals, an archaic human subspecies that procreated with Homo sapiens, likely left this art in locations they viewed as special, says Alistair W.G. Pike, head of archaeological sciences at the University of Southampton in the U.K. and co-author of a study about the caves published in Science in 2018. Many of the hand stencils appear in small recesses of the cave that are hard to reach, suggesting the person who made them had to prepare pigment and light before venturing into the cave to find the desired spot.

The markings themselves are also interesting because they demonstrate symbolic thinking. “The significance of the painting is not to know that Neanderthals could paint, it’s the fact that they were engaging in symbolism,” Pike says. “And that’s probably related to an ability to have language.”

The possible connection between cave art and human language development is something Shigeru Miyagawa, a professor of linguistics and Japanese language and culture at MIT, theorized about in a 2018 paper he co-authored for Frontiers in Psychology.

“The problem is that language doesn’t fossilize,” Miyagawa says. “One of the reasons why I started to look at cave art is precisely because of this. I wanted to find other artifacts that could be proxies for early language.”

One particular thing he’s interested in is the acoustics of the areas where cave art is located, and whether its placement had anything to do with the sounds people could make or hear in a particular spot.

Telling Stories With Human and Animal Figures

Over time, cave art began to feature human and animal figures. The earliest known cave painting of an animal, believed to be at least 45,500 years old, shows a Sulawesi warty pig. The image appears in the Leang Tedongnge cave on Indonesia’s Sulawesi island. Sulawesi also has the first known cave painting of a hunting scene, believed to be at least 43,900 years old.

These Sulawesi cave paintings demonstrate the artists’ ability to depict creatures that existed in the world around them, and predate the famous ​​paintings in France’s Lascaux cave by tens of thousands of years. The Lascaux paintings, discovered in 1940 when some teenagers followed a dog into the cave, feature hundreds of images of animals that date to around 17,000 years ago.

Many of the images in the Lascaux cave depict easily -recognizable animals like horses, bulls or deer. A few, though, are more unusual, demonstrating the artists’ ability to paint something they likely hadn’t seen in real life.

The Lasacaux cave art contains something like a “unicorn”—a horned, horse-like animal that may or may not be pregnant. Another unique image has variously been interpreted as a hunting accident in which a bison and a man both die, or an image involving a sorcerer or wizard. In any case, the artist seems to have paid particular attention to making the human figure anatomically male.

Cave and Rock Art in America

In North America, rock and cave art can be found across the continent, with a large concentration in the desert Southwest, where the arid climate has preserved thousands of petroglyphs and pictographs of ancient puebloan peoples. But some of continent’s the oldest currently known cave paintings—made approximately 7,000 years ago—were discovered throughout the Cumberland Plateau, which stretches through parts of KentuckyTennesseeAlabama and Georgia. Indigenous peoples continued to create cave art in this region all the way into the 19th century.

Many of the Cumberland Plateau caves feature a spiritual figure who changes from a man into a bird, says Jan F. Simek, an archaeology professor at the University of Tennessee, Knoxville, who has studied and written about cave and rock art in the region.

It’s clear from the way that some paintings in the Cumberland Plateau caves are grouped that the artists were telling a story or narrative.

“There’s a cave that’s actually relatively early in time in middle Tennessee that has a number of depictions of a boxlike human creature…paired with a more normal-looking human,” he says. “And they are interacting with each other in relation to what appears to be a woven textile.”

He continues, “there is a narration there, there’s a story there, even though we don’t know what the story is.”

That’s true of a lot of cave art as well. Even if archaeologists can’t tell what an early artist was saying, they can see that the artist was using images purposefully to create a narrative for themselves or others.


Pablo Picasso et la guitare

La guitare selon Picasso

Jusqu’ à la création de la guitare  de Picasso, la sculpture consiste à retirer de la matière à un volume, afin d’ en dégager une forme.  De plus, la sculpture est  essentiellement figurative, réaliste.  Avec la guitare,, Picasso fait exactement le contraire.  Il crée une forme, en ajoutant de la matière; c’ est-à-dire, en assemblant des matériaux pour former une sculpture. L’ artiste, avec sa création toute nouvelle, allait modifier et renouveler  cet art, en lui donnant un nouvel élan,  inspirant bon nombre de sculpteurs, au cours des décennies suivantes.  De plus, à cette époque, la norme veut que la sculpture  se travaille avec des matériaux que l’ on dit nobles. L’ artiste espagnol, lui, utilise plutôt des matériaux nouveaux, de récupération: vieille tôle découpée, carton, papier journal, fil de fer etc.  Voilà ce qui tranche fermement avec les coutumes habituelles.  La guitare est un thème très cher à l’ artiste durant les années 1912-14, autant dans sa production artistique, que dans sa vie personnelle.  Il  fait de nombreux croquis et études cubistes, avant de créer sa première sculpture sur ce thème.  Celle-ci est réalisée d’abord en carton, puis le thème est repris quelques mois plus tard, sous la forme d’ une guitare construite en tôle découpée, assemblée par soudure, agrémentée avec du fil de fer.  Le tout bien entendu, avec la technique  cubiste, des formes décomposées et recomposée, en plans, géométriques .  C’ est à partir de cette oeuvre, que les historiens de l’ art, en général, identifient la naissance  de la sculpture moderne.  Quoique marquante, cette étape n’ est que le commencement d’ une formidable avancée dans cet art majeur. En effet, ce point de départ, permettra à de grands créateurs de pousser encore plus loin, l’ ingéniosité, la curiosité et les idées nouvelles en matière de sculpture, et de révolutionner les façons de faire.


L’Homme à la guitare


Un tableau cubiste ? Représentation du réel ou abstraction ? Que cherche à faire Picasso ? 

Formé à la peinture classique, Pablo Picasso a rompu brutalement avec elle en 1907 dans une toile monumentale intitulée Les Demoiselles d’Avignon, aujourd’hui aux États-Unis. Il s’engage alors dans l’aventure du cubisme. L’Homme à la guitare, que l’artiste avait conservé dans sa collection personnelle, permet de comprendre ses recherches au sein de ce mouvement fondateur de l’art moderne.


Le thème de la musique est récurrent dans l’œuvre de Picasso. L’Homme à la guitare fait partie d’une série de huit compositions monumentales des années cubistes qui représentent des figures d’hommes ou de femmes avec un instrument de musique.

Le spectateur est d’abord dérouté devant cette grande peinture qui impose au regard un réseau de lignes géométriques et une gamme de couleurs restreinte, limitée aux tons bruns, ocres et gris. L’impression générale est celle de petites surfaces fragmentées vibrant dans la lumière. Mais quelques signes sont autant d’indices donnés à l’œil pour aider à la lecture : trois lettres, KOU, et des objets. Une pipe permet de trouver la bouche et à partir de là de reconstruire la forme du visage. Un verre qu’il faut recomposer à partir du pied et de la coupe indique une table à droite. La feuille blanche d’une partition permet de repérer un peu plus haut le trou sombre de la guitare autour duquel s’articulent la caisse et le manche de l’instrument. Le spectateur participe intellectuellement à la recomposition de l’image fragmentée, analysée par le peintre, et finit par identifier un guitariste, la pipe à la bouche, assis à la table d’un café.


L’artiste se pose une des questions fondamentales de la peinture : comment représenter un sujet en trois dimensions, sur une surface plane, en deux dimensions ?

Picasso refuse la perspective pour représenter l’espace ; il exclut le modelé pour rendre les volumes. Il renonce à ces procédés illusionnistes et tente au contraire de lier au maximum la figure et le fond. Il est marqué par les recherches de Cézanne, qui décompose les formes en volumes géométriques et travaille la couleur en hachures parallèles, créant ainsi des transitions, des passages, entre les différents plans juxtaposés.

Pour rendre sur la toile ce que l’œil perçoit de manière globale, Picasso analyse tous les éléments indépendamment, ce qui le conduit à fragmenter la réalité. En même temps il intègre la figure et le fond dans une même grille de lignes géométriques et il abandonne la couleur qu’il juge trop expressive. Mais ce cubisme dit « analytique » des années 1910-1911 présente un risque, celui que la représentation devienne illisible, que la géométrisation conduise à l’abstraction.


L’Homme à la guitare a été peint durant les années 1908/1914, période durant laquelle Picasso et Braque travaillent en étroite collaboration et se livrent à une remise en question permanente de leur écriture plastique ; ils forment alors ce que Braque a appelé « une cordée en montagne » ; chaque avancée de l’un suscite une nouvelle proposition de l’autre.

Ils partagent le même atelier et revendiquent leur communauté créatrice en décidant de ne pas signer leurs œuvres. Ils peignent des personnages, des paysages et des natures mortes qu’il est parfois difficile d’attribuer à l’un ou à l’autre.

En 1908, Matisse taxe avec humour un paysage peint par Georges Braque de « petits cubes» ; un critique s’empare de cette expression pour inventer le mot « cubisme ». Picasso et Braque occupent une place privilégiée au sein de ce mouvement d’avant-garde dans l’art du XXe siècle. Le poète Guillaume Apollinaire soutient leur démarche et, dans Les Peintres cubistes, ouvrage qu’il publie en 1913, il écrit « […] on peut peindre avec ce qu’on voudra […] il me suffit à moi de voir le travail ».


L’Homme à la guitare porte trois dates au dos de la toile : 1911, 1912, 1913. Les œuvres de Picasso sont toujours soigneusement datées ; la succession de ces dates témoigne du travail du peintre, ce travail qu’il définit dans la fameuse formule « Je ne cherche pas, je trouve » ; chaque « trouvaille » est expérimentale.

Dans ce tableau, le processus d’expérimentation à l’œuvre est bien visible. Picasso l’a en effet repris plusieurs fois. Le centre de la toile est traité en une succession de plans géométriques fragmentés caractéristiques du « cubisme analytique ». Mais le tiers inférieur est construit en plans plus larges ; la fragmentation disparaît au profit d’une reconstruction de la forme pour éviter sa dissolution. Ce cubisme dit « synthétique » illustre le souci de Picasso de ne pas tomber dans l’abstraction.

Très vite cette volonté de revenir au réel le conduit à de nouvelles expérimentations. En 1912, dans Nature morte à la chaise cannée , il utilise la technique du collage et introduit des matériaux nouveaux comme la toile cirée, la corde. Pour explorer la tridimensionnalité, il construit des sculptures en assemblant du carton, de la ficelle, de la tôle… . Il revient également à la couleur. Pour Picasso, le cubisme constitue avant tout un moyen d’expérimenter la peinture durant quelques années.



Etant l’un des mouvements artistiques le plus connu du 20ème siècle, le cubisme est le fruit de la collaboration et de l’amitié entre Pablo Picasso et Georges Braque. Fortement influencé par la peinture de Paul Cézanne, ainsi que par les arts africains, Picasso s’engage dans cette voie à la suite d’une réflexion amorcée depuis quelques temps déjà. Alors comment Picasso en est-il arrivé au cubisme ? Comment se caractérise le cubisme?


Durant l’hiver 1906, Picasso entame les études préparatoires de ce qui deviendra l’année suivante, « Les Demoiselles d’Avignon » (Museum of Modern Art, New York). En plus de montrer frontalement au spectateur des prostituées (la rue d’Avignon étant un lieu de prostitution à Barcelone), la représentation picturale des Demoiselles choque le public de l’époque. De sa création jusqu’à son exposition au Salon d’Antin à Paris en 1916, l’œuvre suscite alternativement l’indifférence, l’incompréhension ou le rejet tant à cause de son sujet que de son traitement. Ici en effet, la perspective est modifiée (les visages sont de face et les nez de profil par exemple), les corps s’étirent et sont fortement stylisés. On assiste déjà à une volonté de géométriser la réalité et les modèles.

Parallèlement, Picasso admire et s’inspire des œuvres de Paul Cézanne (1839-1906), qui laisse un héritage artistique influençant bons nombre de peintres lors de la rétrospective qui lui est consacrée au Salon d’automne de 1907. Bien qu’ils ne se soient jamais rencontrés de leur vivant, Cézanne et Picasso partagent cette même conception de la peinture comme transposition plastique. Au fil des mois, Pablo suit à la lettre la leçon de géométrisation des volumes de son aîné : « Traiter la nature par le cylindre, la sphère, le cône, le tout en perspective ».


En novembre 1907, Guillaume Apollinaire, poète et ami proche de Picasso, organise la rencontre avec Georges Braque, jeune peintre rattaché au mouvement Fauve. « Les Demoiselles d’Avignon », à peine achevées, sont visibles dans un coin de l’atelier du Bateau- Lavoir que Picasso occupe à Montmartre depuis 1904. Braque n’en revient pas : « Ta peinture, c’est comme si tu voulais nous faire manger de l’étoupe ou boire du pétrole ». A la suite de cette première rencontre, Braque invite Picasso dans son propre atelier, aussi situé à Montmartre. C’est au tour de l’espagnol de découvrir la production de Braque. Il y admire, les paysages peints dans le sud de la France, à l’Estaque, où Braque se rend régulièrement. Un lien s’est créé entre les deux artistes et dès cet instant, ils travaillent côte à côte pour développer un dialogue pictural extrêmement puissant. Ils restent longtemps amis, même des années plus tard, quand Picasso met de côté le cubisme pour d’autres aventures artistiques.


En 1909, Picasso passe l’été à Horta, le village de son ami Pallarès, situé dans le sud de la Catalogne, et approfondit sa nouvelle manière de peindre. Dans ses dessins comme dans ses toiles, le petit village devient un mélange de formes cubiques, enchevêtrées les unes dans les autres.
Peu à peu, et jusqu’en 1912, le cubisme prend de plus en plus de distance vis-à-vis du sujet représenté. C’est ce qu’on appelle le cubisme « analytique ». Cela se traduit par une représentation fragmentée et presque monochromatique du sujet. Les formes sont définies par des cubes, des rectangles et des cylindres dont les facettes s’interpénètrent, ce qui les rend souvent difficiles à déchiffrer.
Le cubisme s’impose rapidement par sa force de représentation. D’autres peintres, comme Juan Gris, Fernand Léger, Jean Metzinger ou encore Francis Picabia, ne manquent pas d’adopter ce nouveau langage plastique. Ce sont eux qui, contrairement à Picasso et Braque qui se refusent à exposer leurs œuvres, font valoir le mouvement auprès du grand public. Le Salon des indépendants de 1911 réunit dans une même salle leurs œuvres.


En 1912, afin d’échapper aux limites du cubisme analytique et réaffirmer un lien plus visible avec la réalité, Picasso introduit dans ses œuvres des éléments du quotidien. Il engage ainsi une nouvelle réflexion esthétique sur les différents niveaux de référence au réel : c’est le cubisme dit « synthétique ». Picasso est au Havre avec Braque quand ils commencent à insérer des lettrages appliqués au pochoir sur leurs œuvres, ainsi que des matières organiques, comme le sable. Picasso réalise ensuite à Paris, au printemps, le tout premier collage de l’histoire de l’art, « Nature morte à la chaise cannée ».

Le collage se caractérise par une juxtaposition inédite d’éléments qui relèvent non seulement de la représentation, mais aussi de la simple présentation. A côté des signes peints qui convoquent par fragments journal, pipe, verre, tranche de citron, couteau et coquille Saint-Jacques, Picasso introduit un morceau de réalité en collant sur la toile un bout de toile cirée imitant un cannage de chaise et en ceinturant sa composition ovale d’une corde. Quelques mois plus tard, il poursuivra dans cette voie en inventant les papiers collés, qui recourent régulièrement à l’usage de papiers journaux. L’apogée du cubisme a lieu à l’automne 1912, avec l’exposition de la Section d’Or dans la galerie parisienne de La Boétie. L’évènement rassemble une trentaine d’artistes, dont Albert Gleizes (1881- 1953) et Jean Metzinger (1883-1956), et voit la publication d’un traité, « Du cubisme ». Ce livre de référence remonte la plastique depuis Gustave Courbet, en expliquant que le cubisme est une suite logique artistique, comportant des aspects novateurs.


La Première Guerre Mondiale, en 1914, interrompt brutalement l’essor du cubisme. Beaucoup d’artistes sont mobilisés, dont Braque et Derain. Picasso, de nationalité espagnole, n’est pas appelé, mais à Paris, il réoriente son travail et réintroduit peu à peu une représentation classique du sujet avant de se lancer, en 1917, dans l’aventure collaborative des ballets russes. Au retour des tranchées, Braque est blessé, et ne repeindra qu’à partir de 1917.


Picasso - Arlequín músico CUBISME : PICASSO ET LES AUTRES

Né au début du XXème siècle, le cubisme est un courant artistique qui a révolutionné l’histoire de l’art, notamment par l’abolition de la perspective. Il a été lancé par deux peintres, Pablo Picasso et Georges Braque. Retour sur l’histoire et les artistes qui ont fait ce mouvement pictural bref, mais dont l’impact a retenti tout le long du siècle sur l’art contemporain.


On attribue à l’artiste impressionniste Paul Cézanne l’origine du cubisme, ou ce qu’on appelle le « pré-cubisme ». Ses recherches à la fin du 19ème siècle sur la perspective, l’utilisation d’un point de vu pluriel et la simplification de la représentation des formes naturelles par des sphères, des cônes ou des cylindres a inspiré les premiers artistes du courant artistique, fondé par Picasso et Georges Braque. Cézanne réalise 80 œuvres représentant la Montagne Sainte-Victoire, afin d’expérimenter le procédé de géométrisation des formes naturelles. L’autre influence majeure du cubisme est liée à la découverte de l’art africain et amérindien rapporté des colonies. Les formes simples, la puissance et le style de cet art, dit « primitif », a grandement intéressé les artistes de l’époque.


Finalement, c’est la rencontre en 1907 de Braque et Picasso, deux artistes déjà réputés dans la sphère parisienne, qui scellera le commencement du cubisme. Georges Braque, issu du courant fauve, s’en était éloigné suite à sa découverte des œuvres de Cézanne lors d’une exposition posthume. L’année de leur rencontre, Picasso montre à son ami Braque sa toile « Les Demoiselles d’Avignon » (1907), considérée comme la première œuvre cubiste. Les deux peintres entrent alors dans une première phase appelée le cubisme analytique (1908-1912) où ils théorisent leurs recherches et expérimentent sur les formes du sujet, ses facettes et sa représentation en formes géométriques et fragmentées. Le nom du mouvement vient du critique Louis Voxel qui compare en 1908 les œuvres de Braque à un amoncellement de petits cubes. Dans les œuvres de cette période, la perspective disparaît complètement, les palettes sont ternes et monochromes, comme dans « Le joueur de guitare », Picasso,1910, « Ma Jolie », Picasso, 1911, ou encore « Le Livre », Juan Gris, 1911.


De 1912 à 1919, se déroule la période du cubisme synthétique. Les deux peintres s’éloignent des techniques utilisées jusqu’ici, craignant que la déconstruction totale du sujet ne nuise à sa reconnaissance et finisse par mettre en péril la compréhension de l’œuvre. Le courant rentre alors dans une recherche philosophique de la place de l’objet dans l’œuvre avec l’insertion d’objets les uns dans les autres. Ils intègrent des éléments du réel pour rendre l’œuvre moins étrangère au spectateur, des collages et des lettres afin de créer un dialogue avec la personne visionnant le tableau, et générer un questionnement sur l’intention de l’artiste. « Nature morte à la chaise cannée » de Picasso, 1912, marque le début de la période synthétique. Parmi les œuvres les plus connues, on retrouve « Nature morte aux cartes à jouer », « Violon et Pipe » (Georges Braque, 1913), les œuvres de Juan Gris tel que « Le Lavabo » (1912), « Fantomas » (1915), « Le Petit Déjeuner » (1915), ou celle de Fernand Léger « Chevaux dans le cantonnement » (1905).


La dernière phase est celle du cubisme orphique (1912 – 1920). Son nom a été inventé par l’écrivain Guillaume Apollinaire pour qualifier les œuvres de Robert Delauney. Il fait également référence à son poème « Orphée » de 1908. Les peintures de la femme de Delauney, Sonia Terk, et celles du peintre tchèque Frantisek Kupka ont également été étiquetées sous ce terme. Les orphistes se rapprochent du cubisme analytique en utilisant la forme et la couleur pour donner la signification de leurs œuvres. Ils s’éloignent de la figuration et s’avancent vers l’art abstrait. Le contenu est une construction complète de l’artiste et vise à donner une sensation au spectateur qui la visionne. « Les Fenêtres simultanées sur la ville », Robert Delauney, 1912, « Hommage à Blériot », Robert Delauney, 1914, ou « L’acier Boit », Fratisek Kupka, 1927 font partie des œuvres majeures qui constituent l’orphisme.


Le cubisme fut une révolution picturale qui influencera l’Europe entière et le monde de l’art durant des décennies. Les innovations de Braque et de Picasso eurent des répercussions sur différents courants du XXème siècle. Leur héritage transparaît dans le ready-made de Marcel Duchamp, l’art abstrait, le constructivisme russe, le suprématisme de Kasimir Malevitch, et, bien sûr, dans le futurisme, qui se positionna en concurrence directe avec les cubistes.


mujer con a guitarra de Pablo Picasso (1881-1973, Spain) | | WahooArt.comQui était Pablo Picasso, l’inventeur du cubisme ?

Pablo Ruiz Picasso est à Málaga (Espagne) le 25 octobre 1881. Il intègre l’école des Beaux-Arts de Barcelone à seulement 14 ans après avoir époustouflé les examinateurs du concours d’entrée. En 1897, il suit les cours de la Real Academia de San Fernando, à Madrid, où il va commencer à se libérer de sa formation académique.

Comment Pablo Picasso est-il devenu célèbre ?

Dès son plus jeune âge, Picasso étonne ses professeurs par son inventivité, ses talents de dessinateur et son extraordinaire acuité à saisir l’intériorité de ses modèles. A 20 ans, il s’installe à Paris et passera presque toute sa vie en France où il rencontre un immense succès. A la période bleue, empreinte de mélancolie, succède la période rose puis en 1907, Pablo Picasso visite avec son ami, le peintre Henri Derain, la première exposition d’art africain et océanien au musée de l’Homme à Paris. Un choc pour Picasso qui découvre une autre manière de représenter le corps humain, bien loin des règles classiques. C’est de cette découverte que naît l’un des tableaux qui le fit connaître, «Les Demoiselles d’Avignon», dans lequel il déconstruit et désarticule les corps nus et les visages. Ce tableau subversif fait scandale, et marque la naissance du cubisme.

Les œuvres les plus connues de Picasso

Peintre, dessinateur mais aussi sculpteur et graveur, Pablo Picasso fut un artiste prolifique. Ses oeuvres comptent aujourd’hui parmi les plus chères du monde et son tableau «Les femmes d’Alger» a été adjugé 179,36 millions de dollars en 2015. Un record seulement battu par le «Salvatore Mundi» de Léonard de Vinci deux ans plus tard. Ses tableaux, sculptures et dessins sont aujourd’hui visibles dans les plus grands musées du monde mais certaines oeuvres sont la propriété de riches et chanceux collectionneurs.

Le petit picador jaune (1889) : Pablo Picasso n’a que 7 ans lorsqu’il réalise ce petit tableau. Représentant une corrida, il est considéré comme le premier de l’artiste qui refusa toujours de s’en séparer. Picasso, qui disait avoir «mis toute sa vie à savoir dessiner comme un enfant», fait ici la démonstration éclatante d’un talent précoce.

La vie (1903) : Tableau emblématique de la période bleue, rêve ou cauchemar, «La vie» est inspirée du suicide de Carlos Casagemas, un ami de Picasso. Peintre lui aussi, il avait tenté d’assassiner la femme dont il était amoureux. Le tableau est aujourd’hui conservé au Musée Picasso de Barcelone.

Les demoiselles d’Avignon (1907) : Conservé au Museum of Modern Art de New York, cette toile monumentale réalisée à Paris est considérée comme l’un des chefs-d’oeuvre de l’histoire de l’art et le premier tableau cubiste. Plusieurs centaines de dessins et d’esquisses racontent l’histoire et la genèse de ce tableau hors-norme.

Portrait de Dora Maar (1937) : Picasso réalisa plusieurs portraits de Dora Maar qui fut sa compagne et sa muse mais fut surtout une exceptionnelle photographe. Si la composition de ce portrait conservé au musée Picasso à Paris est classique, Dora Maar est représentée assise dans un fauteuil, le traitement cubiste le rend à la fois fascinant et inquiétant.

Guernica (1937) : «Guernica» est certainement l’un des tableaux les plus célèbres de Picasso. Conservé au Musée Reina Sofia de Madrid, même s’il fut réalisé à Paris, le tableau est à la fois un chef d’oeuvre de l’art moderne, un éblouissant symbole politique et un manifeste pour la paix. Le 26 avril 1937, la ville basque de Gernica fut bombardée par les nazis et l’Italie fasciste, fidèles soutiens des franquistes. Plusieurs centaines de personnes furent tuées. «Si le tableau de ­Picasso présente quelque défaut, c’est d’être trop vrai, terriblement vrai, atrocement vrai», déclara Max Aub, qui fut le commanditaire du tableau pour le compte du gouvernement républicain espagnol.

La femme qui pleure (1937) : C’est à nouveau Dora Maar qui est représentée sur ce tableau daté de 1937. Conservée à la Tate Modern de Londres, cette toile est basée sur l’image d’une femme tenant son enfant mort dans le tableau Guernica.



La velocità e la rottura con il passato

Il Futurismo Italiano

Il futurismo è un’avanguardia storica di matrice totalmente italiana. Nato nel 1909, grazie al poeta e scrittore Filippo Tommaso Marinetti, il futurismo divenne in breve tempo il movimento artistico di maggior novità nel panorama culturale italiano. Si rivolgeva a tutte le arti, comprendendo sia poeti che pittori, scultori, musicisti, e così via, proponendo in sostanza un nuovo atteggiamento nei confronti del concetto stesso di arte.

Ciò che il futurismo rifiutava era il concetto di un’arte élitaria e decadente, confinata nei musei e negli spazi della cultura aulica. Proponeva invece un balzo in avanti, per esplorare il mondo del futuro, fatto di parametri quali la modernità contro l’antico, la velocità contro la stasi, la violenza contro la quiete, e così via.

In sostanza il futurismo si connota già al suo nascere come un movimento che ha due caratteri fondamentali:

  • l’esaltazione della modernità;

  • l’impeto irruento del fare artistico.

Il fenomeno del futurismo ha quindi una spiegazione genetica molto chiara. La cultura dell’Ottocento era stata troppo condizionata dai modelli storici. Il passato, specie in Italia, era divenuto un vincolo dal quale sembrava impossibile affrancarsi. Oltre ciò, la tarda cultura ottocentesca si era anche caratterizzata per quel decadentismo che proponeva un’arte fatta di estasi pensose quale fuga dalla realtà nel mondo dei sogni. Contro tutto ciò insorse il futurismo, cercando un’arte che esprimesse vitalità e ottimismo per costruire un mondo nuovo basato su una nuova estetica.

L’adesione al futurismo coinvolse molte delle giovani leve di artisti, tra cui numerosi pittori che crearono nel giro di pochi anni uno stile futurista ben chiaro e preciso. Tra essi, il maggior protagonista fu Umberto Boccioni al quale si affiancarono Giacomo Balla, Gino Severini, Luigi Russolo e Carlo Carrà.

Il movimento ebbe due fasi, separate dalla prima guerra mondiale. Lo scoppio della guerra disperse molti degli artisti protagonisti della prima fase del futurismo. Boccioni morì nel 1916 in guerra. Carrà, dopo aver incontrato De Chirico, si rivolse alla pittura metafisica e come lui, altri giovani pittori, quali Mario Sironi e Giorgio Morandi, i cui esordi erano stati da pittori futuristi.

Nel dopoguerra il carattere di virile forza di questo movimento finì per farlo integrare nell’ideologia del fascismo, esaurendo così la sua spinta rinnovatrice e finire paradossalmente assorbito negli schemi di una cultura ufficiale e reazionaria. Questa sua adesione al fascismo ne ha molto limitato la critica riscoperta da parte della cultura italiana che ha sempre visto questo movimento come qualcosa di folkloristico e provinciale. La sua rivalutazione sta avvenendo solo da pochi anni e solo dopo che soprattutto la storiografia inglese ha storicamente rivalutato questo fenomeno artistico. Il futurismo, tuttavia, nonostante il suo limite di essere un movimento solo italiano, e non internazionale, ha esercitato notevole influenza nel dibattito artistico di quegli anni, contribuendo in maniera determinante alla nascita delle avanguardie russe, quali il Cubofuturismo, il Suprematismo e il Costruttivismo.

La pittura futurista ha molte analogie con il cubismo e qualche notevole differenza. Il cubismo scomponeva l’oggetto in varie immagini e poi le ricomponeva in una nuova rappresentazione. Il futurismo non intersecava diverse immagini della stessa cosa ma interseca direttamente diverse cose tra loro. Il risultato stilistico a cui si giungeva era, però, molto simile ed affine. Del resto, non bisogna dimenticare che gli artisti futuristi erano ben a conoscenza di ciò che il cubismo faceva in Francia. Non solo perché il futurismo nacque, di fatto, a Parigi con Marinetti, ma anche perché uno di loro, Gino Severini, viveva ed operava nella capitale francese.

Ciò che invece distingue principalmente i due movimenti fu soprattutto il diverso valore dato al tempo. Come detto, la dimensione temporale era già stata introdotta nella pittura dal cubismo. Ma si trattava di un tempo lento, fatto di osservazione, riflessione e meditazione. Il futurismo ha invece il culto del tempo veloce. Del dinamismo che agita tutto e deforma l’immagine delle cose.

È proprio la velocità il parametro estetico della modernità. Del resto il mito della velocità per il futurismo ha degli impeti quasi religiosi. Disse Marinetti in un suo scritto: «Se pregare vuol dire comunicare con la divinità, correre a grande velocità è una preghiera».

Nei quadri futuristi, la velocità si traduceva in linee di forza rette che davano l’idea della scia che lasciava un oggetto che correva a grande velocità. Mentre in altri quadri, soprattutto di Balla, la sensazione dinamica era ricercata come moltiplicazione di immagini messe in sequenza tra loro. Così che le innumerevoli gambe che compaiono su un suo quadro non appartengono a più persone, ma sempre alla stessa bambina vista nell’atto di correre («Bambina che corre sul balcone»).



La rivoluzione del XX secolo

Il XX secolo si caratterizza per alcune grandi trasformazioni che possiamo riassumere in questa mappa. Centrale sarà per l’arte e per tutta la società il complesso di ricerche svolte da Sigmund Freud che culmineranno nella psicoanalisi. I numerosi movimenti artistici sorti all’inizio del Novecento sono stati tutti caratterizzati da una volontà di rottura con il passato. Tutto il Novecento è si distingue per un clima di sperimentazione continua. I primi movimenti di rinnovamento nel panorama artistico sono definiti come «avanguardie storiche».
Lo spazio temporale di questo fenomeno coincide con gli anni a cavallo della prima guerra mondiale. Le prime avanguardie sorgono nel 1905, con l’Espressionismo; le ultime agli inizi degli anni ’20, con il Surrealismo .
Parigi, nel corso del XIX secolo, si afferma come apitale europea in campo artistico. Il fenomeno delle avanguardie storiche interessa invece tutta l’Europa, anche se Parigi continua a conservare un ruolo determinante nel campo artistico, come luogo di ritrovo di artisti dai quattro angoli del continente. Le prime avanguardie sorsero infatti nella capitale francese. Nel 1905, si costituì il gruppo dei Fauves, che rappresenta il primo movimento di ispirazione espressionistica. Nello stesso anno l’Espressionismo si diffuse soprattutto in Germania e nei paesi nordici. Nel 1907, grazie a Picasso e Braque, sempre a Parigi sorse il movimento del Cubismo.
Anche il Futurismo, che è un’avanguardia decisamente italiana, partì da Parigi. Qui, infatti, sul quotidiano Le Figaro, Filippo Tommaso Marinetti pubblicò nel 1909 il «Manifesto del Futurismo». Il Cubismo e il Futurismo produssero influenze determinanti in Russia dove in quegli anni sorsero movimenti quali il Cubofuturismo, il Suprematismo e il Costruttivismo.

Una cesura notevole nello sviluppo delle avanguardie fu determinata, nel 1914, dalla prima guerra mondiale. Numerosi artisti partirono per il fronte bellico e molti morirono in guerra. Se vogliamo riassumere le principali trasformazioni, non solo artistiche, ma anche sociali, sorte all’inizio del XXsecolo possiamo riassumerle in 4 punti:
1) Industrializzazione e produzione in serie.
2) Nascita dei primi strumenti di comunicazione di massa: i giornali e la radio.
3) La psicoanalisi e l’analisi sistematica dell’animo umano.
4) La nascita del partito socialista prima e del partito comunista poi. I movimenti totalitari: fascismo e nazismo.


Come doveva essere un artista futurista? Proviamo a rispondere a questa domanda con le parole del suo fondatore:

«Chi pensa e si esprime con originalità, forza, vivacità, entusiasmo, chiarezza, semplicità, agilità e sintesi. Chi odia i ruderi, i musei, i cimiteri, le biblioteche, il culturismo, il professoralismo, l’accademismo, l’imitazione del passato, il purismo, le lungaggini e le meticolosità. Chi vuole svecchiare, rinvigorire e rallegrare l’arte italiana, liberandola dalle imitazioni del passato, dal tradizionalismo e dall’accademismo e incoraggiando tutte le creazioni audaci dei giovani».
Filippo Tommaso Marinetti.

Il passato, specie in Italia, era divenuto una catena dalla quale sembrava impossibile affrancarsi. Inoltre, la tarda cultura ottocentesca si era anche caratterizzata per quel decadentismo che proponeva un’arte fatta di estasi pensose quale fuga dalla realtà nel mondo dei sogni. In antitesi sorse il futurismo, cercando un’arte che esprimesse vitalità e ottimismo per costruire un mondo nuovo basato su una nuova estetica. L’adesione al futurismo coinvolse molte delle giovani leve di artisti, tra cui numerosi pittori che crearono nel giro di pochi anni uno stile futurista. Tra essi, il maggior protagonista fu Umberto Boccioni al quale si affiancarono Giacomo Balla, Gino Severini, Luigi Russolo, Carlo Carrà, Fortunato Depero e tanti altri.
La pittura futurista ha molti punti di contatto con il cubismo e qualche notevole differenza. Il cubismo scomponeva l’oggetto in varie immagini e poi le ricomponeva in una nuova rappresentazione. Il futurismo non intersecava diverse immagini della stessa cosa ma interseca direttamente diverse cose tra loro. Il risultato stilistico a cui si giungeva era, però, molto simile ed affine. Del resto, non bisogna dimenticare che gli artisti futuristi erano ben a conoscenza di ciò che il cubismo faceva in Francia. Non solo perché il futurismo nacque, di fatto, a Parigi con Marinetti, ma anche perché uno di loro, Gino Severini, viveva ed operava nella capitale francese. Si trattò di uno scambio evidentemente fecondo.
Ciò che distingue principalmente i due movimenti fu soprattutto il diverso valore dato al tempo. Il futurismo ha il culto del tempo veloce del dinamismo che agita tutto e deforma l’immagine delle cose.
È proprio la velocità il parametro estetico della modernità. Disse Marinetti in un suo scritto: «Se pregare vuol dire comunicare con la divinità, correre a grande velocità è una preghiera». Tutte queste idee sono state condensate in forma poetica da Filippo Tommaso Marinetti nel manifesto del Futurismo scritto nel 1909.

Punti essenziali del futurismo:
1) L’esaltazione della modernità e la rottura con il passato.
2) L’impeto irruento del fare artistico, la velocità come valore ed ispirazione.
3) L’arte applicata: non solo pittura e scultura, ma scenografia, pubblicità, design…
4) La tecnologia come ispirazione.
5) I manifesti come evento mediatico.

Umberto Boccioni (1882-1916) è il maggior esponente del futurismo italiano. Nato a Reggio Calabria, si trasferì a Roma all’età di diciotto anni. Qui iniziò il suo apprendistato artistico prendendo lezioni di disegno e frequentando la Scuola libera del nudo. Nel gennaio del 1910 conobbe Marinetti, e l’incontro risultò decisivo per i successivi sviluppi della sua pittura. La sua adesione alle idee futuriste di Marinetti fu immediata e dopo pochi mesi firmò il primo manifesto della pittura futurista. La svolta stilistica di Boccioni avviene con la redazione del quadro «La città che sale» realizzato sempre nel 1910. L’anno successivo fu il principale ispiratore del Manifesto tecnico della pittura futurista. In esso si definisce più chiaramente il parametro fondamentale del futurismo in pittura: la «sensazione dinamica». La scomposizione della luce e del colore si unisce alla scomposizione dei volumi e dello spazio, portando il futurismo ad esiti molto vicini al cubismo. Tre opere importanti del Maestro: Elasticità, dove emerge tutta la spinta futurista alla velocità, Forme uniche nella continuità dello spazio, bell’esempio di dinamismo in scultura e Tre donne, per ricordare il suo periodo divisionista precedente all’adesione al futurismo, ma di grandissimo interesse.

Fortunato Depero nel 1892 a Fondo, in Val di Non – all’epoca nell’Impero Austro-Ungarico – giovanissimo si trasferisce a Rovereto, in provincia di Trento. Nel febbraio del 1919 tiene una personale da Bragaglia, a Roma, è presente con gran numero di opere a Milano all’Esposizione Nazionale Futurista, alla Galleria Moretti di Palazzo Cova, dove Marinetti raduna il meglio dei futuristi superstiti e le giovani leve per rilanciare il «Futurismo del dopoguerra».
Gli anni dal 1924 al 1928 sono i più intensi per quanto concerne l’attività ‘pubblicitaria, per ditte quali Bianchi, Linoleum, Pathé, Strega, Schering, Verzocchi, Presbitero, Maga, Vido, Banfi, e altre, ma soprattutto Campari, per cui realizza oltre cento celebri bozzetti e progetta la la caratteristica bottiglietta come designer. Nel settembre 1928 parte per New York, dove già in dicembre tiene una personale, seguita da molte altre nel 1929 e nel 1930. Realizza le ambientazioni del Ristorante Zucca e della sala da pranzo del Ristorante Enrico and Paglieri, studia soluzioni sceniche e costumi per il Roxy Theatre, costumi per il balletto American Sketches e coreografie in cui lascia il ballerino libero di piroettare sulla scena, vestito solo di un’aderente calzamaglia decorata con i suoi motivi futuristi. Lavora anche nel settore della pubblicità e dell’illustrazione realizzando copertine di riviste quali VogueVanity Fair, Sparks, The New Yorker, New Auto Atlas, Atlantica ed altre. Qui un video ne riassume l’attività pittorica. Indubbiamente è stato grandissimo il suo contributo alle arti applicate, che tanto contribuiranno a rendere un’estetica «per le masse» e non più relegata in ambiti elitari. 


Il percorso dell’arte contemporanea è costituito di tappe che hanno segnato il progressivo annullamento dei canoni fondamentali della pittura tradizionale. Nella storia artistica occidentale l’immagine pittorica per eccellenza è stata sempre considerata di tipo naturalistico. Ossia, le immagini della pittura devono riprodurre fedelmente la realtà, rispettando gli stessi meccanismi della visione ottica umana. Questo obiettivo era stato raggiunto con il Rinascimento italiano che aveva fornito gli strumenti razionali e tecnici del controllo dell’immagine naturalistica: il chiaroscuro per i volumi, la prospettiva per lo spazio. Il tutto era finalizzato a rispettare il principio della verosimiglianza.
Dall’impressionismo in poi, la storia dell’arte rinnega questi principi, portando la ricerca pittorica ad esplorare territori che, fino a quel momento, sembravano posti al di fuori delle regole.
Picasso, ispirato da Cezanne, portò lo spostamento e la molteplicità dei punti di vista alle estreme conseguenze. Nei suoi quadri le immagini si compongono di frammenti di realtà, visti tutti da angolazioni diverse e miscelati in una sintesi del tutto originale. Nella prospettiva tradizionale la scelta di un unico punto di vista, imponeva al pittore di guardare solo ad alcune facce della realtà. Nei quadri di Picasso l’oggetto viene dipinto da una molteplicità di punti di vista così da ottenere una rappresentazione «totale». Tuttavia, questa sua particolare tecnica lo portava ad ottenere immagini dalla apparente incomprensibilità, in quanto risultavano del tutto diverse da come la nostra esperienza è abituata ad esperire le cose con i sensi.
E da ciò nacque anche il termine «Cubismo», dato a questo movimento, con intento denigratorio, in quanto i quadri di Picasso sembravano comporsi solo di sfaccettature di cubi.

Il Cubismo, a differenza degli altri movimenti avanguardistici, non nacque in un momento preciso né con un intento preventivamente dichiarato. Il Cubismo non fu cercato, ma fu semplicemente trovato da Picasso, grazie al suo particolare atteggiamento di non darsi alcun limite, ma di sperimentare tutto ciò che era nelle sue possibilità. Il quadro che, convenzionalmente, viene indicato come l’inizio del Cubismo è «Les demoiselles d’Avignon», realizzato da Picasso tra il 1906 e il 1907.

Punti essenziali del cubismo:
1) la limitazione del colore e la concentrazione sulla forma.
2) semplificazione geometrica delle forme e visione secondo più punti di vista.
3) rottura dell’unicità del punto di vista. Entra nella rappresentazione pittorica un nuovo elemento: il tempo.
4) l’influenza dell’arte Africana come nell’autoritratto di Picasso.

Pablo Picasso (1881-1973) nacque a Malaga, in Spagna, da un padre, insegnante nella locale scuola d’arte, che lo avviò precocemente all’apprendistato artistico. A soli quattordici anni venne ammesso all’Accademia di Belle Arti di Barcellona. La svolta cubista avvenne tra il 1906 e il 1907. In quegli anni vi fu la grande retrospettiva sulla pittura di Cezanne, da poco scomparso, che molto influenza ebbe su Picasso. E, nello stesso periodo, come molti altri artisti del tempo, anche Picasso si interessò alla scultura africana, sulla scorta di quella riscoperta quell’esotico primitivo che aveva suggestionato molta cultura artistica europea da Gauguin in poi. Da questi incontri, e dalla volontà di continua sperimentazione che ha sempre caratterizzato l’indole del pittore, nacque nel 1907 il quadro «Les demoiselles de Avignon» che segnò l’avvio della stagione cubista di Picasso. Fra i suoi quadri più famosi ricordiamo «Guernica» dura denuncia contro la guerra ed il secondo conflitto mondiale che era ormai alle porte e appartiene ad un periodo ormai successivo all’esperienza cubista.


La nascita del Futurismo in Italia

Il Futurismo fu tra le prima avanguardie europee, e come tale scelse un nome che implicava il suo anelito verso la modernità, il rinnovamento, la rottura con gli schemi prestabiliti.

Se la tradizione nella maggior parte dei casi determina un valore aggiunto all’interno di una compagine culturale, nel caso italiano occorre dire che al principio del XX secolo il peso del passato frenava anziché stimolare le ricerche e gli esiti artistici.

Il nome del movimento Futurista rimanda al’omonimo titolo del Manifesto che lo scrittore e drammaturgo Filippo Tommaso Marinetti aveva pubblicato nel 1909 a Parigi sul quotidiano Le Figaro. Gli 11 punti in cui questo era suddiviso si ricollegavano alle stesse istanze che avrebbero di lì a poco smosso gli animi degli artisti appartenenti al primo Futurismo italiano: il culto dell’azione, la rottura con i retaggi passati, il potenziale dell’uomo e il concetto di dinamismo nelle sue molteplici accezioni.

L’anno successivo la pubblicazione Marinetti incontrerà Umberto Boccioni, Carlo Carrà e Luigi; il dialogo tra questi personaggi sarà talmente proficuo da determinare la stesura e la pubblicazione del primo Manifesto dei Pittori Futuristi, al quale seguirà alcuni mesi dopo quello Tecnico della Pittura Futurista, al quale, oltre ai tre artisti sopracitati, aderiranno anche i pittori Giacomo Balla e Gino Severini. I temi focali dei due manifesti si riallineano a quelli contenuti nel testo Marinettiano, inneggiando soprattutto alla vita moderna, al suo tumulto e alla sua velocità. Il concetto di velocità o dinamismo è difatti il perno dell’ideologia futurista, non solo intenso come spinta verso il futuro e distruzione dei farraginosi schemi accademici appartenenti ormai a un passato remoto. Il dinamismo che questi artisti tanto tenacemente cercano di rappresentare attraverso le loro opere è il flusso stesso della vita, la vibrazione costante nella quale siamo tutti immersi, un mare di onde in movimento che risentono di qualsiasi influenza esterna, anche ad esempio degli stati d’animo o delle emozioni che tutti noi possiamo provare. Tutto quello che vediamo e sentiamo non rimane infatti nell’interiorità della nostra mente e della nostra persona, bensì diventa colore, forma -pensiero, pura energia che l’artista, in quanto veggente, può identificare e visualizzare, cercando poi di riportarla sulla tela attraverso il suo lavoro.

Questo concetto si ricollega anche alle nuove scoperte scientifiche portate avanti in quegli stessi anni, come quella dei raggi X e delle onde elettromagnetiche, scoperte che sembrano avvalorare sempre di più la tesi che ci sia un livello di esistenza ulteriore rispetto a quello visibile, tesi che verrà portata avanti anche dal fronte opposto ma complementare a quello scientifico, ossia quello dell’ occultismo.

Molteplici infatti sono i circoli esoterici che si formano in questi anni, dove medium e sensitivi rendono nota la loro capacità di vedere il mondo di luci e aure che circonda il reale e si mettono in contatto con dimensioni ultraterrene.

Ma la velocità e il dinamismo venerati dai Futuristi non sono intesi solo in senso spirituale ma anche come l’idea di movimento nello spazio: la loro volontà è quella di catturare lo spostamento di un corpo o di un oggetto colto in un’azione che si svolge nel tempo. Questo sarà uno dei principi basilari della pittura e soprattutto della scultura futurista, che ci mostreranno così dei soggetti poco riconoscibili a livello figurativo poiché depurati dall’accessorio per rivelare la loro natura profonda attraverso lo svelamento delle cosiddette linee-forza, che sono lo scheletro strutturale del reale.

Un corpo, un oggetto, non sarà mai fisso, ma sarà in costante mutamento, in corsa verso altre posizioni nello spazio, o intento a lottare o dialogare con le energie che lo circondano, trasformato in onda di colore e forma che si piegano sotto l’avanzare del moto.

Il primo Futurismo italiano si concluse alla fine della prima guerra mondiale, quando persero la vita molti componenti del gruppo, tra cui Umberto Boccioni e il brillante architetto Antonio Sant’Elia.

Convinti interventisti, molti di loro infatti aderirono alla chiamata alle armi, collegando la volontà giovanile e entusiasta di rinnovamento a un evento bellico che fu da loro visto come possibilità di rinascita per il paese ma che li portò purtroppo alla morte, privandoci così di menti geniali e fortemente in anticipo sui tempi.

[Articolo collegato alla mostra “Volcano ed altri cicli” che si è svolta a Isili (Sud Sardegna) a partire dal 28 dicembre 2017 e che ha visto l’esposizione di alcuni cicli evolutivi del percorso artistico di Antonio Mallus, formatosi nel clima neoavanguardistico degli anni Settanta ed avendo come maestri spirituali Kandinsky, Mondrian ed il primo Futurismo. Evento realizzato dall’associazione Youth Caravella con il contributo dell’Assessorato al Turismo della Regione Autonoma della Sardegna e dalla partnership con il Comune di Isili, del Comune di Serri, del Santuario Nuragico Santa Vittoria di Serri, dall’Associazione Culturale Artecrazia e del giornale].


«Non c’è tempo!». La velocità tra miti del progresso e tirannia della quotidianità

Sempre più veloce. La progressiva e inarrestabile accelerazione della modernità

La gestione del tempo è uno gli aspetti che segnano il passaggio tra l’epoca tardo-antica e l’epoca moderna. Il celebre saggio di Jacques Le Goff, Tempo della Chiesa e tempo del mercante (1960) individua una mutata concezione del tempo già nell’Europa medievale, quando progressivamente si afferma un commercio su larga scala, i cui protagonisti si affrancano tanto dai lenti ritmi stagionali del mondo contadino quanto da una quotidianità scandita da credenze e pratiche religiose. Per i mercanti, il tempo diventa denaro: le attività sono intense e frenetiche, perché nessun secondo deve essere sprecato.

Tra XVII e XVIII secolo, con l’affermarsi e il diffondersi del pensiero illuminista, si radica l’idea di un progresso lineare e ineluttabile del genere umano, convinzione che trae forza dalle scoperte scientifiche e dagli sviluppi tecnologici del periodo. Siamo agli albori della prima rivoluzione industriale che imprimerà un’accelerazione senza precedenti dei ritmi di produzione e dei conseguenti ritmi di vita, determinando una rottura netta e traumatica tra campagna e città. Progresso, tecnologia e velocità sono oramai elementi intimamente interconnessi che trovano una rappresentazione concreta nell’immagine del treno e della ferrovia, simboli del successo dell’uomo sulla natura, sullo spazio e sul tempo.

Esattamente 110 anni fa Filippo Tommaso Marinetti pubblicò sulle pagine di Le Figaro il Manifesto del Futurismo, inaugurando così uno dei principali movimenti d’avanguardia culturale e artistica di inizio Novecento. Velocità e progresso sono tra i temi principali di questa corrente, forse l’ultima che ne ha esaltato acriticamente tratti e caratteristiche. In occasione della ricorrenza, Philippe Daverio dedica uno speciale approfondimento:

È la tecnologia che permette di fare in meno tempo le stesse attività, ma questo non sembra comportare l’auspicabile aumento del tempo a nostra disposizione. Nel testo Elogio dell’ozio (1935), il filosofo Bertrand Russell (1872-1970) riflette su questo paradosso: «Supponiamo che […] una certa quantità di persone sia impegnata nella produzione di spilli. […] Ed ecco che qualcuno inventa una macchina grazie alla quale lo stesso numero di persone nello stesso numero di ore può produrre una quantità doppia»; tuttavia, Russell osserva come cambiamenti di questo tipo non determinino un abbassamento delle ore di lavoro, che restano le stesse, ma una inutile (e dannosa) sovrapproduzione di merce. Nella sua analisi, il filosofo inglese individua la chiave di questa contraddizione nell’etica del lavoro di stampo capitalista, che fa coincidere “il fare incessante” con ciò che è buono e giusto.

A mettere in relazione con sguardo critico la sempre maggiore velocità dovuta allo sviluppo industriale e le questioni di giustizia sociale è stato in anni più recenti il filosofo austriaco Ivan Illich (1926-2002). Nel saggio Energia ed equità (1974), tradotto in italiano nel 2006 con il titolo Elogio della bicicletta, Illich scrive: «La velocità incontrollata è costosa, e sono sempre meno quelli che possono permettersela. […] Oltrepassata una certa soglia nel consumo di energia per i passeggeri più veloci, si crea una struttura di classe, su scala mondiale, di capitalisti di velocità. […] Le grandi velocità per tutti comportano che ognuno abbia sempre meno tempo per sé man mano che l’intera società dedica allo spostamento della gente una quota sempre più grossa della propria disponibilità di tempo».

Per un’introduzione alla biografia e all’opera di Ivan Illich, tra i più importanti pensatori del Novecento, ma ancora poco conosciuto in Italia si rimanda alla pagina dedicatagli da Treccani:

La contemporaneità. Perdita di senso e patologie sociali

Negli ultimi decenni lo sviluppo di internet ha accelerato ulteriormente i ritmi di vita individuali e collettivi. Un’accelerazione che, tuttavia, non pare più avere un preciso obiettivo da raggiungere, come accadeva invece nella modernità: il movimento ora è incessante, frenetico e, soprattutto, fine a se stesso. In testi come L’illusione dell’immortalità (2007), lo studioso francese Jean Baudrillard (1929-2007) ha evidenziato come la velocità e l’istantaneità degli eventi in epoca contemporanea non solo modifichi in profondità il nostro rapporto con il tempo e con la storia, ma nasconda anche la totale assenza di una visione (utopica) e di nuove energie all’interno delle nostre società.

Un contributo brillante al dibattito viene fornito dal filosofo sociale Harmut Rosa (1965) nel saggio Accelerazione e alienazione (2010): lo studioso tenta di smascherare la diffusa e radicata percezione che la velocità delle nostre esistenze sia un dato naturale e non un risultato culturale e sociale. La velocità e lo spirito di competizione diventano due facce della stessa medaglia, determinando vincitori e vinti nelle sfide della quotidianità: chi corre, vince e guadagna; chi si ferma è perduto. La conseguenza del ritenere alla stregua di una legge di natura questo stato di cose è la mancata consapevolezza, da parte degli stessi individui che restano indietro, di subire un’ingiustizia. Se è vero che esistono tentativi di porre limiti a questa vorticosa modalità esistenziale attraverso la proposta di stili di vita alternativi, Rosa individua anche alcuni esempi di «decelerazioni accidentali»: depressione, disoccupazione, sindromi da burn-out (ovvero specifiche forme di esaurimento emotivo sempre più diffuse nei paesi occidentali). Si tratta di casi, spesso etichettati in modo negativo a livello sociale, in cui le persone sono costrette a fermarsi, a prescindere dalla loro volontà, con la sensazione di perdere terreno rispetto a un mondo che non si arresta.

L’elevata velocità del mondo contemporaneo ha ripercussioni anche a livello politico. Nei suoi principali lavori Teoria dell’agire comunicativo (1981) e Fatti e norme (1992), il tedesco Jürgen Habermas (1929) ha articolato un’idea di «democrazia procedurale» basata sulla «forza dell’argomento migliore»: data una questione rilevante, attraverso la raccolta di informazioni il più dettagliate possibile, il ricorso a esperti, il rispetto di regole nell’elaborazione delle prospettive in gioco, al termine del confronto dovrebbe emergere l’opzione che, almeno in quel momento, più delle altre soddisfa criteri di correttezza formale, universalismo, coerenza con i dati conoscitivi a disposizione. Se le proposte di proceduralisti à la Habermas sono auspicabili e condivisibili, diventa tuttavia necessario domandarsi fino a che punto queste teorie si possano coniugare con una realtà frettolosa e inarrestabile. Il percorso habermasiano richiede tempo, riflessione, familiarità con le parole e la complessità del linguaggio, in un contesto sempre più caratterizzato da una comunicazione che funziona per slogan semplicistici e immagini dal ciclo di vita effimero. Un interrogativo resta così inevitabilmente aperto: democrazia e velocità possono essere compatibili e, se sì, in che modo?