¡Aún quedan algunas plazas!
EOI a distancia de Canarias: alemán y francés para el público en general. Inglés para profesorado de la Consejería.
De A2.1 a C2.
100% online menos los exámenes finales presenciales.
¡De paso una vacaciones en Las Islas!
LECTURA Y LIBERTAD – PEDRO LAÍN ENTRALGO (CERVANTESVIRTUAL – PDF)
¿POR QUÉ LA LECTURA ES MÁS IMPORTANTE AHORA QUE NUNCA?
Ahora más que nunca, en momentos en que numerosas escuelas en todo el mundo permanecen cerradas y las personas se ven obligadas a reducir el tiempo que pasan al aire libre, hay que aprovechar el poder de los libros. La lectura nos puede ayudar a combatir el aislamiento, reforzar los lazos entre las personas y ampliar nuestros horizontes, al tiempo que estimula nuestras mentes y nuestra creatividad.
Durante el mes de abril y todo el año, es fundamental tomarse el tiempo para leer solo o con los niños. El Día del Libro es un motivo para celebrar la importancia de la lectura, fomentar el crecimiento de los niños y niñas como lectores y promover el amor a la literatura.
A través de la lectura y la celebración del Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor, el 23 de abril, podemos abrirnos a los demás a pesar de la distancia, y viajar gracias a la imaginación.
Como cada año, les invitamos a celebrar este día con nosotros y a compartir los materiales visuales que ponemos a su disposición. La UNESCO difundirá citas, poemas y mensajes para simbolizar el poder de los libros y fomentar la lectura. Al compartir conocimientos, lecturas y libros hacemos comunidad y podemos conectar a lectores de todo el mundo, ayudándoles a paliar la soledad. Algunos autores muy reconocidos de la literatura hispana también se han querido sumar a la celebración de este año leyendo fragmentos de sus libros. Además, este año, la UNESCO propone un reto que consiste en crear un trampantojo con una portada de libro y compartir la foto en las redes sociales.
En estas circunstancias, invitamos a estudiantes, profesores, lectores de todo el mundo, así como a toda la industria del libro y los servicios de bibliotecas a dar testimonio y expresar su amor por la lectura.
¿QUÉ ES EL DÍA MUNDIAL DEL LIBRO Y DEL DERECHO DE AUTOR?
El Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor es una celebración para promover el disfrute de los libros y de la lectura. Cada 23 de abril, se suceden celebraciones en todo el mundo para dar a conocer el poder mágico de los libros –un nexo entre el pasado y el futuro, un puente entre generaciones y distintas culturas. En esta ocasión, la UNESCO y las organizaciones internacionales que representan a los tres principales sectores de la industria del libro -editores, libreros y bibliotecas– seleccionan una ciudad como Capital Mundial del Libro para mantener el impulso de las celebraciones de este día hasta el 23 de abril del año siguiente.
Proclamada por la Conferencia General de la UNESCO en 1995, esta fecha simbólica de la literatura universal coincide con la de la desaparición de los escritores William Shakespeare, Miguel de Cervantes e Inca Garcilaso de la Vega. Este día rinde homenaje a los libros y a los autores y fomenta el acceso a la lectura para el mayor número posible de personas. Trascendiendo las fronteras físicas, el libro representa una de las invenciones más bellas para compartir ideas y encarna un instrumento eficaz para luchar contra la pobreza y construir una paz sostenible
Al defender el libro y el derecho de autor, la UNESCO apoya la creatividad, la diversidad y la igualdad de acceso al conocimiento, en particular a través de su Red de Ciudades Creativas de la Literatura, la promoción de la alfabetización, el aprendizaje móvil y el libre acceso a los contenidos científicos y los recursos educativos. Con la participación activa de las partes interesadas –autores, editores, docentes, bibliotecarios, instituciones públicas y privadas, ONG humanitarias, medios de comunicación y cualquier otro interlocutor que se sienta implicado en esta celebración– el Día Mundial del Libro y el Derecho de Autor congrega a millones de personas en todo el mundo.
Cada año tiene lugar en la Sede de la UNESCO un importante evento: librerías, casas editoriales y artistas comparten su pasión por el libro y la lectura animando talleres para los jóvenes. La UNESCO les invita cordialmente a unirse a esta celebración, así como a situar al libro como vector del conocimiento, la comprensión mutua y la apertura del mundo a la diversidad.
Fuente: https://es.unesco.org/commemorations/worldbookday
El Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor fue fijado por la UNESCO en 1995. Y es que justo alrededor de esta fecha, el 23 de abril, murieron tres grandes de la literatura universal. Miguel de Cervantes (murió el 22 de abril y fue enterrado el día 23), William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega.
Sin embargo, muy poca gente conoce el origen español de esta iniciativa o el hecho de que en sus inicios se festejase en una fecha muy diferente: el 7 de octubre, cuando se creía que había nacido el creador del Quijote.
Inicialmente fue el escritor valenciano Vicente Clavel el que impulsó la propuesta que se presentó en la Cámara Oficial del Libro de Barcelona en 1923 para dedicar un día de cada año a celebrar la Fiesta del Libro. Dos años después, Clavel reiteró su proposición en Cataluña e inició estas mismas gestiones en Madrid.
Por fin, el 6 de febrero de 1926, el rey Alfonso XIII aprobó y firmó el Real Decreto por el que se estipulaba que el 7 de octubre de todos los años se conmemoraría el nacimiento de Cervantes con una fiesta dedicada al libro español.
Durante casi 5 años se celebró en esta fecha, pero al poco tiempo surgieron las dudas y críticas al día elegido. Por una parte porque no se sabe a ciencia cierta el día exacto del nacimiento del maestro de las letras castellanas. Y por otra parte porque, teniendo en cuenta que se trata de una festividad callejera, se prestaba más a que fuera en primavera, con el buen tiempo, que no durante el plomizo otoño.
CAMBIO DE LA FIESTA: DEL 7 DE OCTUBRE AL 23 DE ABRIL
Finalmente, en 1930, se se acordó trasladar la Fiesta del Libro al 23 de abril de manera definitiva. La publicación de novedades y la organización de actos de firmas de ejemplares con los autores, tradición que hay llegado hasta nuestros días, comenzaron a generalizarse también a partir de esa fecha.
Mucho tiempo después, en 1995, el gobierno español presentó a la UNESCO la propuesta de la Unión Internacional de Editores para establecer esta primaveral fecha como Día del Libro a nivel mundial. Y la respuesta no se hizo esperar, aprobándose ese mismo año.
Años más tarde, la UNESCO promovió una nueva iniciativa relacionada con el mundo de las letras: el nombramiento anual de una ciudad como Capital Mundial del Libro. La decisión la toman la Unión Internacional de Editores, la Federación Internacional de Libreros y la Federación Internacional de Asociaciones de Bibliotecarios y Bibliotecas. La primera ciudad elegida, en 2001, fue precisamente Madrid; en 2023, la seleccionada ha sido Accra, en Ghana.
Dicen que a la lectura sólo hay que dedicarle los ratos perdidos, que se pierde vida mientras se lee. Lo cierto es que, agradable pasatiempo para muchos, obligación para otros, leer es un beneficioso ejercicio mental. Rendir culto al cuerpo está en boga, pero ¿y dedicar tiempo al cultivo de la mente? “Al igual que nos cuidamos y vamos cada vez más al gimnasio, deberíamos dedicar media hora diaria a la lectura”, sostiene el escritor catalán Emili Teixidor, autor de La lectura y la vida (Columna) y de la exitosa novela que inspiró la película Pa negre.
Favorecer la concentración y la empatía, prevenir la degeneración cognitiva y hasta predecir el éxito profesional son sólo algunos de los beneficios encubiertos de la lectura. Sin contar que “el acto de leer forma parte del acto de vivir”, dice el ex ministro Ángel Gabilondo, catedrático de Filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid y autor del reciente ensayo Darse a la lectura (RBA). Para Gabilondo, la lectura “crea, recrea y transforma. Una buena selección de libros es como una buena selección de alimentos: nutre”.
De la lectura de los primeros jeroglíficos esculpidos en piedra a la de la tinta de los pergaminos, o a la lectura digital, el hábito lector ha discurrido de la mano de la historia de la humanidad. Si la invención de la escritura supuso la separación de la prehistoria de la historia, la lectura descodificó los hechos que acontecían en cada época. Los primeros que leyeron con avidez fueron los griegos, aunque fuesen sus esclavos quienes narraban en voz alta los textos a sus amos. Siglos más tarde, la lectura se volvió una actividad silenciosa y personal, se comenzó a leer hacia el interior del alma. “Los grecolatinos vinculaban la lectura a la lista de actividades que había que hacer cada día”, sostiene Gabilondo. “Convirtieron el pasatiempo en un ejercicio: el sano ejercicio de leer”. Fueron los romanos quienes acuñaron el “nulla dies sine linea” (ni un día sin [leer] una línea).
¿Por qué es tan saludable? “La lectura es el único instrumento que tiene el cerebro para progresar –considera Emili Teixidor–, nos da el alimento que hace vivir al cerebro”. Ejercitar la mente mediante la lectura favorece la concentración. A pesar de que, tras su aprendizaje, la lectura parece un proceso que ocurre de forma innata en nuestra mente, leer es una actividad antinatural. El humano lector surgió de su constante lucha contra la distracción, porque el estado natural del cerebro tiende a despistarse ante cualquier nuevo estímulo. No estar alerta, según la psicología evolutiva, podía costar la vida de nuestros ancestros: si un cazador no atendía a los estímulos que lo rodeaban era devorado o moría de hambre por no saber localizar las fuentes de alimentos. Por ello, permanecer inmóvil concentrado en un proceso como la lectura es antinatural.
Según Vaughan Bell, polifacético psicólogo e investigador del King’s College de Londres, “la capacidad de concentrarse en una sola tarea sin interrupciones representa una anomalía en la historia de nuestro desarrollo psicológico”. Y aunque antes de la lectura cazadores y artesanos habían cultivado su capacidad de atención, lo cierto es que sólo la actividad lectora exige “la concentración profunda al combinar el desciframiento del texto y la interpretación de su significado”, dice el pensador Nicholas Carr en su libro Superficiales (Taurus). Aunque la lectura sea un proceso forzado, la mente recrea cada palabra activando numerosas vibraciones intelectuales.
En este preciso instante, mientras usted lee este texto, el hemisferio izquierdo de su cerebro está trabajando a alta velocidad para activar diferentes áreas. Sus ojos recorren el texto buscando reconocer la forma de cada letra, y su corteza inferotemporal, área del cerebro especializada en detectar palabras escritas, se activa, transmitiendo la información hacia otras regiones cerebrales. Su cerebro repetirá constantemente este complejo proceso mientras usted siga leyendo el texto.
La actividad de leer, que el cerebro lleva a cabo con tanta naturalidad, tiene repercusiones en el desarrollo intelectual. “La capacidad lectora modifica el cerebro”, afirma el neurólogo Stanislas Dehaene, catedrático de Psicología Cognitiva Experimental del Collège de France en su libro Les neurones de la lecture (Odile Jacob). Es así: hay más materia gris en la cabeza de una persona lectora y más neuronas en los cerebros que leen. El neurocientífico Alexandre Castro-Caldas y su equipo de la Universidad Católica Portuguesa lo demostraron en uno de sus estudios, junto a otro curioso dato: comparando los cerebros de personas analfabetas con los de lectores, se verificó que los analfabetos oyen peor.
“Hay que leer con intensidad, despacio, con cuidado, viviendo la vida de las palabras”, dice Gabilondo. Al cobrar vida cada palabra, la imaginación echa a volar. El poder de la mente es tan fuerte que recrea lo imaginado, activando las mismas áreas cerebrales que se accionarían si se ejecutara la acción en la realidad. Lo demuestra un estudio de la Universidad de Washington a cargo de la psicóloga Nicole K. Speer. En un artículo publicado en la revista Psychological Science en el 2009, Speer afirma: “Los lectores simulan mentalmente cada nueva situación que se encuentran en una narración. Los detalles de las acciones registrados en el texto se integran en el conocimiento personal de las experiencias pasadas”.
Además de alimentar la imaginación y favorecer la concentración, la lectura ayuda a mejorar algunas habilidades sociales, como la empatía. Un ávido lector rápido aprende a identificarse con los personajes de las historias que lee y, como bien sostiene Emili Teixidor, “está más dispuesto a abrirse a otras vidas”. El psicólogo Raymond Mar y su equipo de la Universidad de Toronto probaron en el 2006 que las personas que consumen novelas son más empáticas respecto a los lectores de libros especializados o los no lectores. Al medir las habilidades sociales y el modo de interactuar de los dos tipos de lectores, los lectores de géneros literarios resultaron tener una mayor facilidad para ponerse en la piel del otro.
Pero no sólo es más empático quien lee, sino también mejor orador. Como dijo Cicerón, “a hablar no se aprende hablando, sino leyendo”. Lejos de la imagen solitaria e introvertida con la que se identifica al lector, lo cierto es que las personas lectoras desarrollan más sus habilidades comunicativas. “Al enriquecer el vocabulario y mejorar la sintaxis y la gramática; aprendemos a hablar adecuada y justamente”, sostiene Gabilondo. Hacer un correcto uso del lenguaje está bien valorado socialmente, por ello, quienes nutren su dialéctica mediante el hábito lector son percibidos por los otros como personas con gran capacidad de liderazgo. Son más apreciados profesionalmente. Según un estudio de la Universidad de Oxford, la lectura por placer predice el éxito profesional. Quien fue un ávido lector en su adolescencia tiene más posibilidades de triunfar en su madurez. Durante más de dos décadas, el equipo de investigación del psicólogo Mark Taylor analizó los hábitos y actividades de casi 20.000 jóvenes con ánimo de conocer qué actividades predecían el éxito profesional al cumplir 30. Ninguna práctica extracurricular –como hacer deporte o ir al cine–, evaluadas junto a la lectura, lograron tener un impacto significativo en el éxito profesional. Sólo la lectura. Las mujeres que a los 16 años leían libros por puro placer tenían el 39% de probabilidades de alcanzar un puesto de gerencia frente al 25% de las mujeres no lectoras. Para los hombres, que suelen tener más posibilidades de llegar a altos puestos directivos, la cifra pasaba de un 48% entre quienes no leían a los 16 años, a un 58% entre los que sí lo hacían.
Claro que también hay que leer en la madurez y en la vejez. El ejercicio de leer cobra sentido al final de nuestras vidas. Neurólogos y psicólogos recomiendan “la lectura como método preventivo del alzheimer u otras enfermedades neurodegenerativas”, señala el doctor Pablo Martínez-Lage, coordinador del grupo de estudio de conductas y demencias de la Sociedad Española de Neurología. Cuando una persona comienza a padecer síntomas de demencia y a perder autonomía, influyen dos factores: las lesiones que ha producido la enfermedad y la pérdida de la capacidad de compensar. Compensar es poner a funcionar áreas del cerebro que antes no funcionaban, poner en marcha la reserva cognitiva, es decir, la capacidad intelectual acumulada a lo largo de su vida mediante conocimientos y actividades intelectuales. Para disponer de una buena reserva cognitiva es importante tener una vida intelectualmente activa. “Quienes se mantienen mentalmente en forma a lo largo de su vida, corren menos riesgo de padecer alzheimer, parkinson o enfermedades cardiovasculares”, concluye Martínez-Lage.
Los beneficios de la lectura no son únicamente personales. “Leer no sólo afecta a la cultura social, sino también a la economía y al comercio de un pueblo”, sostiene Emili Teixidor. Para el escritor, la lectura ayuda a exportar cultura fuera de nuestro país: “Ya que España no tiene petróleo, ¡tendrá que exportar inteligencia!”. También cabe recordar que a lo largo de la historia la lectura siempre fue uno de los vehículos de la democracia. “En países autoritarios la lectura siempre estará perseguida por contribuir a desarrollar la libertad de expresión, la cultura y la información”, afirma César Antonio Molina, ex ministro de Cultura y director de la Casa del Lector. Leer siempre tuvo el poder de transformar la sociedad, “y, si no, ¡fíjese en todos los que leyeron los evangelios!”, sostiene Teixidor. El escritor recuerda una anécdota, “ahora en el quiosco venden muy barato el Manifiesto Comunista de Karl Marx, en mis tiempos de estudiante hubieran perseguido al quiosquero“. Muchos libros fueron la clave del desarrollo de algunos acontecimientos históricos y ahora, en momentos de incertidumbre y crisis, la lectura debería adquirir protagonismo. No sólo como buena compañera de viaje para evadir y serenar. “No hay que refugiarse en la lectura, sino emplear su capacidad de modificar el estado de las cosas”, dice Gabilondo. Según el filósofo, hay que utilizar el poder de la lectura para transformar la sociedad.
El efecto contagio
El éxito educacional de un niño no depende tanto del estatus socioeconómico de su familia como de que sepa disfrutar de la lectura. “No importa qué, ni cuánto se lea, lo importante es leer”, dice Emili Teixidor. En su libro La lectura y la vida (Columna), el escritor da algunas claves imprescindibles para contagiar el hábito lector, “aunque cada maestrillo tenga su librillo”, afirma. El primero de los trucos es predicar con el ejemplo, “si quieres cambiar el mundo, por dónde empezarías, ¿por ti o por lo demás?”, dice. Tanto padres como educadores deben leer delante de los niños para lograr despertar su interés.
Las lecturas obligatorias a las que se somete a los más pequeños son contraproducentes, según Teixidor. Cada uno debería encontrar su camino y saber qué quiere leer, qué tipo de narración es la más adecuada para él, “yo, por ejemplo, encuentro fantástico poder conversar con Séneca y con Cicerón –afirma– y sé que muchos otros no soportarían la lectura de los clásicos”. Con lo que está de acuerdo el escritor es con la denominada “hora del silencio”, cuya aplicación se ha puesto de moda en algunos colegios. “Es una hora en la que lee todo el centro, desde los alumnos hasta la directora o el conserje –cuenta– .Lo importante es facilitar tiempos y espacios para aprender la disciplina de leer diariamente”. La planificación de la lectura es un importante elemento para desarrollar el hábito lector.
Pero, sin duda, el mejor truco para incentivar la lectura es expandir la curiosidad desbocada, la pasión por descubrir mundos, por conocer personajes, hechos e historias. “Un maestro siempre comenzaba sus clases hablando de dos libros: el primero lo recomendaba y el segundo lo prohibía diciendo que sólo podía leerlo él”, recuerda Teixidor. El libro prohibido era mucho más leído por sus alumnos que el que inicialmente había recomendado”. La curiosidad siempre mata al gato, potenciarla en lo que a la lectura se refiere, siempre es un gran aliado.
De tabla en tabla
Placas de arcilla
En el IV milenio a.C. nace en Mesopotamia la escritura cuneiforme, madre de todas las formas de expresión escrita. Los primeros escritos se recogieron en vasijas o placas de arcilla. Los moldes húmedos de arcilla se grababan con la punta de una caña hueca
y luego se dejaban secar
Tablas de madera
Usadas por sumerios y egipcios, las tablillas de madera se utilizaron simultáneamente junto al papiro. La madera se barnizaba para blanquearla, se recubría de cera para alisarla y eliminar grietas, o se estucaba. En China, este soporte fue muy utilizado para fabricar sellos o grabar signos.
Tablillas de cera
Los grecolatinos blanqueaban con barniz o cal las tablillas para registrar los documentos administrativos de su civilización. Fue un gran avance, el texto se podía borrar y volver a grabar en la misma tablilla una y otra vez. Dieron origen a los códices, padres de nuestros actuales libros
El papiro
Junto al Nilo crecía una planta, la Cyperus papyrus, a la que se le atribuyó la utilidad de ser un buen soporte para la escritura. Tallada en finas láminas, alisadas y secadas, y unidas con un pegamiento hecho con vinagre, agua y harina, se configuraron los primeros rollos de papiro
El pergamino
La lucha entre Alejandría y la ciudad de Pérgamo (actual Turquía) por poseer la mejor biblioteca, dio lugar a que los egipcios cortaran el suministro de papiro a sus competidores. Estos, obligados a desarrollar un nuevo soporte, crearon el pergamino tratando pieles de animales
El papel
Descubierto por un oficial chino en el 105 d.C., su uso lo extendieron los árabes al derrotar al imperio chino en Samarcanda y copiar la técnica. El papel se hacía con lino y cáñamo fermentados para formar una masa fina que, a golpes, se convertía en una base de celulosa
El ordenador
Desde la invención del papel, durante siglos la lectura se ha llevado a cabo en el mismo soporte. Pero la invención del primer ordenador en el 1973 fue el detonante de la actual era digital, en la que se lee en nuevos soportes basados en pantallas programadas por códigos alfanuméricos
E-book
Es la versión electrónica o digital del libro, su función es exclusivamente servir como soporte para la lectura. Junto a ellos, nace la tinta electrónica, una tecnología que permite crear pantallas planas tan delgadas como un papel. Los e-books pueden contener imágenes, gráficos o sonidos para completar la narración
Tabletas
Han revolucionado el mundo de los dispositivos electrónicos de lectura al ser un híbrido entre e-books y ordenadores. No solo permiten leer libros digitales, sino también navegar por internet o descargar y consultar revistas. Un defecto, fatigan más la vista que los e-books ya que no poseen tinta electrónica
Sacar tiempo
Cada vez parece más difícil encontrarle un hueco a la lectura. El tiempo pasa entre el trabajo, navegar por internet, hacer deporte o salir con los amigos. Pero ¿cuándo hay tiempo para leer?
Aunque en España el 58% de las personas mayores de 14 años afirman leer frecuentemente, al preguntar por la falta de interés hacia la lectura tanto a lectores ocasionales como a no lectores, ambos dicen no disponer del tiempo suficiente. Además, por cada edad hay una razón distinta. Según un estudio elaborado por la Federación de Gremios de Editores, los españoles entre los 25 y los 54 años –la franja más activa desde el punto de vista laboral–, admiten no poder dedicarse a la lectura por falta de tiempo. Por lo que se refiere a los jóvenes no lectores entre los 14 y 24 años la motivación es sencilla: no leen porque no tienen interés o porque no les gusta. En cambio, los mayores de 65 años, al ver reducidas progresivamente sus facultades visuales, no logran dedicarse concreta y asiduamente a la lectura.
Hoy se celebra el ‘Día del libro’ y todos empezaremos a leer listas y listas de novelas imprescindibles para este año, los mejores por géneros, los mejores por temática, los más vendidos estas fechas… Pero ¿qué nos aporta realmente la lectura en términos psicológicos? Pues muchas cosas y muy buenas, y es importante que seamos conscientes de ello. Al menos hay cinco beneficios —señalan desde TherapyChat—para que, aunque tengas tu agenda llena y creas que no puedes sacar tiempo, hagas un esfuerzo y te animes a seguir leyendo esa novela que te engancha y no te suelta:
Ayuda a reducir el estrés. En el mundo en el que vivimos es fundamental encontrar actividades que provoquen esto. Leer puede transportarnos a realidades muy distintas a la nuestra y esto puede darle un descanso a nuestra mente para que se olvide durante ese tiempo de las tareas que tenemos pendientes, de problemas o de situaciones cotidianas del día a día que nos estresan. La lectura es una tarea que nos permite tener la sensación de estar fluyendo y de pérdida de noción del tiempo , y este tipo de tareas ayudan a nuestro bienestar emocional.
Nos hace más empáticos. Al leer, nos identificamos con los personajes, entendemos y vivimos sus emociones. Como sabemos, leer supone ponernos en contacto con historias y con personas, aunque sean ficticios, y ver cómo se desarrolla su vida, las decisiones que toman y las situaciones que viven y esto, claro, nos permite entender cómo piensan y cómo se pueden sentir otras personas. Estar en contacto con realidades distintas a la nuestra, aunque sea a través de la lectura, nos puede ayudar a poner en perspectiva nuestros problemas y los de los demás y, sobre todo, a esforzarnos para entender y respetar las vivencias del otro.
Mejora la flexibilidad mental. Leer poemas, novelas, textos complejos o cualquier cosa que te anime a reflexionar sobre distintas situaciones, incluso sobre ti mismo, puede ayudarnos a mejorar nuestra flexibilidad mental y nuestra creatividad.
Mayor conectividad entre neuronas. La lectura estimula que ciertos grupos de neuronas se activen simultáneamente, reforzando la red que establecen entre ellas. Esto ocurre, por ejemplo, con las zonas relacionadas con el lenguaje, el pensamiento simbólico, la visión espacial y la conciencia del cuerpo dentro del espacio; ya que como hemos dicho, leer es casi como vivir la historia en nuestra propia piel. Mantener la mente activa con la lectura ayuda a mantener el cerebro fuerte , mejorando la memoria, la capacidad de concentración y la capacidad de comunicación.
Descansa nuestro cuerpo. Parece algo evidente y quizás por ello no lo valoremos tanto, pero la lectura es una actividad que permite que nuestro cuerpo pueda descansar, puesto que se trata de una actividad que no requiere movimiento por nuestra parte.
«Leer hace que vivamos las historias de los personajes que habitan nuestras lecturas como propias y esto hace que se activen nuestras neuronas espejo, implicadas en unos procesos fundamentales, los procesos de empatía», explica Aída Rubio, coordinadora del equipo de psicólogos de TherapyChat.
Un problema que aseguran tener muchas personas, debido a su apretada agenda, es que no tienen tiempo para incorporar el hábito de lectura a su día a día. Por si tú eres uno de ellos, desde esta organización también aportan varios consejos para que sí puedas encontrarle un hueco:
Momentos de desconexión. Como todo hábito, toma tiempo adaptarse y para incorporarlo a nuestra rutina lo principal es ser constante. Por esta razón, es interesante aprovechar los momentos del día que tenemos libres o en los que necesitamos desconectar. En el transporte público, justo antes de irte a dormir, después de comer mientras te tomas un café o, incluso, por la mañana antes de empezar tu día.
Leer debe estar asociado al placer. Debe ser un momento para ti, un momento que disfrutas. No debe ser una actividad obligada o que te suponga una carga extra, que no te importe si terminar un libro te lleva semanas o más tiempo del que esperabas. Es preferible ir a tu ritmo y que la lectura siga siendo un placer para ti y no una obligación más.
Encuentra tu libro. Quizás no eres un lector al que le apasionen los clásicos o textos muy complejos, no pasa nada, si quieres desarrollar el hábito de la lectura lo mejor es que empieces por las cosas que más te interesen o más te enganchen. De hecho, una vez que ya tengas el hábito más arraigado, puede que te surja la necesidad de empezar a leer otro tipo de cosas. Y un truco rápido para encontrar tu libro : piensa en algo muy específico, un tema muy concreto que te interese y busca historias sobre ello, sobre una época, un lugar específico, un autor que siempre te engancha… de esta manera podrás acertar más fácilmente.
Descubre tu lugar de lectura. No hay un lugar bueno o malo para leer. Hay personas que disfrutan de la lectura en el sofá debajo de una manta, otras que prefieren hacerlo en la cama antes de dormir, otras en el transporte público. Lo cierto es que tú tienes que encontrar el lugar que a ti más te funcione. Independientemente de dónde sea, lo que sí debemos encontrar es algo cómodo, bien iluminado y sin grandes distracciones, esto te vendrá muy bien si estás intentando desarrollar o recuperar tu hábito lector.
Ya no hay excusas. Ya sabemos cómo fomentar nuestro hábito lector y conocemos los beneficios psicológicos que nos proporciona la lectura, así que es hora de ponerse manos a la obra.
No hay críticos literarios tan perspicaces como la gente que no lee, es un hecho. Hace unos días la pasajera de un avión procedente de Turquía iba leyendo un libro sobre cultura siria (Syria speaks: Art and Culture from the Frontline) y terminó en un despacho del aeropuerto de Doncaster rodeada por varios policías que le preguntaban sin rodeos qué diablos estaba leyendo. A una azafata el título le dio repelús y avisó al piloto quien a su vez avisó a las autoridades en tierra. Faizah Shasheen, psicoterapeuta de ojos almendrados, confesó casi en seguida la verdad: estaba leyendo un libro. Ya que el libro no era el Corán y que llevaba en su título las palabras «arte» y «cultura», las posibilidades de que trabajase para el ISIS se reducían mucho, pero aun así la policía no se quedó tranquila y prosiguió el interrogatorio durante quince minutos.
No se equivocaban, sin embargo, en la sospecha de que los libros son peligrosos y la lectura una actividad subversiva. Está comprobado históricamente que las prohibiciones o la censura no valen de nada contra ella. Basta quemar un libro o retirarlo de la circulación para que empiece a florecer en manuscritos y fotocopias que van pasando de mano en mano. Por eso el neoliberalismo, tan liberal él, ha decidido cambiar de táctica y luchar contra el vicio de leer mediante el sencillo procedimiento de enterrar entre toneladas de papelería un solo gramo de literatura valiosa. Por una novela que vale la pena, por un ensayo que dice algo importante, por un poema de verdad, se publican (y se publicitan) millares de libros de mierda, con presentadores televisivos recauchutados en novelistas playeros, famosos catódicos metidos a filósofos de piscina y poetas repentinos que escriben endecasílabos con alevosía y sin premeditación. No hay ningún peligro de que ninguno de estos productos caducifolios dañe su corazón, golpee su cabeza o desgarre sus más íntimas convicciones: valen menos que la tinta y el papel en que están escritos. Son inodoros, incoloros e insípidos; como dice mi amigo, el poeta Jesús Urceloy, son «libros Ariel»: entras blanco y sales blanquísimo.
El cómico Bill Hicks contaba que una noche que estaba cenando en una hamburguesería y hacía tiempo leyendo una novela, se le acercó una camarera mascando chicle y le preguntó: «¿Para qué estás leyendo?» Hicks se quedó bastante sorprendido porque era la primera vez que alguien quería saber para qué: normalmente la pregunta se refería a qué diablos hacía leyendo. «Bueno» respondió Hicks, «supongo que leo para no terminar de camarera en un hamburguesería, creo que eso está bastante alto en mi escala de valores». Hicks se equivocaba de cabo a rabo: con un currículum similar podría terminar de presidente del gobierno.
Dentro del amplio sector de los no lectores, los aduaneros son los críticos literarios más despiadados con mucha diferencia. En cualquiera de mis viajes, sea al país que sea, jamás se me ocurriría rellenar la casilla referente a profesión con el título de «escritor», «periodista» o «columnista» (lo de «novelista» equivaldría directamente al suicidio). La cultura siempre es una actividad subversiva, como bien sabe mi amigo Javier Blanco Urgoiti a quien un día, cuando estaba en Eslovaquia con unos amigos, se le ocurrió ir a Uzghorod, en Ucrania, para poner una estampilla más en el pasaporte. De paso, aprovecharon para visitar una iglesia ortodoxa y disfrutar un buen rato con el misterio de la liturgia. De regreso, a los guardias de la aduana les pareció muy extraño que hubiesen permanecido apenas un día en el país únicamente para ver Uzghorod, una ciudad donde no hay nada que ver. Los interrogaron incansablemente durante varias horas, hasta que al final, cuando ya estaban pensando en desmontar el coche, entró un oficial de alto rango que hablaba castellano. «Decid la verdad» dijo sonriendo. «Habéis ido de putas, ¿a que sí?». A Javier se le iluminó la cara. Claro, de putas, cómo no se le había ocurrido antes. Los aduaneros estallaron en risotadas cuando lo tradujo. El oficial le dio un codazo mientras les devolvían los pasaportes. «Están buenas nuestras mujeres, ¿eh? Haberlo dicho antes, hombre».
Fuente: https://blogs.publico.es/davidtorres/2016/08/25/leer-es-un-acto-revolucionario/
Mario Mendoza acude a su lema personal, «Leer es resistir», para dar nombre a su publicación más reciente: un libro de relatos que rinde homenaje a la cultura y el conocimiento, a la vez que analiza diversas problemáticas de nuestro presente.
Tomé un bus de Transmilenio para regresar a la oficina luego de dos semanas de vacaciones. Eran las nueve de la mañana cuando me senté, saqué el celular y continué la lectura que había empezado en mi Kindle la noche anterior. En la siguiente estación se subió un muchacho, seguramente con rumbo a la universidad. Al darse cuenta de que yo estaba leyendo, me sonrió y tomo asiento a mi lado. Abrió su morral y sacó un ejemplar de «Las flores del mal» del poeta y ensayista francés Charles Baudelaire, mismo a quien Mario Mendoza referenciaba en el apartado que yo transitaba de «Leer es resistir», su libro más reciente,
Dijo Borges que “todo encuentro casual es una cita”, y de coincidencias como la mía está llena esta especie de autobiografía, este ejercicio de reconstrucción de una carrera con base en las experiencias, las lecturas, las personas y el arte que ha pasado por la vida de uno de los promotores de lectura más grandes que tiene este país, causante de que miles de jóvenes sean ahora lectores, y que quedan consignadas en las pasadas 300 páginas de este libro de relatos.
Mendoza empezó a escribirlo en pleno confinamiento por la pandemia del COVID-19, albergado por la incertidumbre que gobernó al mundo por esos días y ante la que la literatura sirvió de bálsamo. Porque como el mismo autor dice, “si el libro es un poder en sí mismo, la literatura es un doble poder porque esconde secretos que desdoblan al lector, que lo sacan de su yo, de su identidad, que lo obligan a entrar en un trance misterioso”.
Al igual que Tintín, el intrépido y aventurero reportero creado por el historietista belga Hergé, el escritor bogotano nació un 10 de enero y descubrió el poder de los libros a los siete años mientras estaba internado en el hospital por una peritonitis gangrenosa. A partir de allí, las letras lo han acompañado sin excusas, sin importar si vivía en el centro de Bogotá con pocos pesos, si se había aventurado al Mediterráneo en busca de certezas, ni tampoco si dejó tirada una beca para un doctorado.
Somos la suma de quienes nos rodean, de lo que leemos, lo que vemos, lo que vivimos y también de lo que no. Y eso queda claro en el rompecabezas que arma Mendoza en las tres partes de su libro: Bordes, Pasadizos y Extramuros. Una línea de construcción personal, de formación intelectual y de entendimiento del mundo, de la realidad y del individuo, con sus claros y oscuros. A partir de esta, el autor comparte sin restricciones sus encuentros con las lecturas que lo formaron, con las marcas que el conocimiento, la crítica y la formación tatuaron en él. Citas y cafés a través de páginas con personajes como Stefan Zweig, Herman Hesse, Emily Dickinson, Jack Kerouac, Antonio Muñoz Molina, Alan Watts, Andrés Caicedo, Edgar Allan Poe, Marvel Moreno, Jorge Zalamea Borda, Virginia Woolf, Marguerite Duras, Juan José Millás, Virgil Gheorghiu, Ernest Hemingway, Samuel Becket y el ya nombrado Baudelaire, entre muchos otros nombres que se suman a la invaluable bibliografía que nos regala este texto.
A partir de allí, el rompecabezas pasa a manos del lector o la lectora, quien relato a relato encontrará los fundamentos de la férrea defensa que Mario Mendoza hace por la lectura, por calificarla como un acto invaluable y definitivo, porque “leer es una fuerza que significa emancipación, resistencia y resiliencia”, una luz capaz de transformarlo todo.
En ese momento el texto explota. Las reflexiones de Mario a través de sus pasos transmutan en una defensa a la ilustración y el humanismo, en una invitación abierta a quien interactúa con él a través de la palabra: un manifiesto por la rebeldía, la pregunta y la otredad. Se plantea una conversación profunda y necesaria sobre la valía de la creatividad y la imaginación como escudos ante la injusticia y la desigualdad, sobre las élites que oprimen y ahogan todo lo que no consideren “correcto” y sobre un sistema que nos empuja a ser simples autómatas sin capacidad de cuestionar lo que ocurre a su alrededor, además de otros asuntos.
Pero a su vez el pensador colombiano propone salidas. Habla de empatía y de encarnar el dolor de los demás, de hacer lo que amamos, entender y abrazar la diferencia, dar oportunidades, valorar cada instante, no conformarnos ni tragar entero y ver en la cultura y la educación herramientas de transformación únicas. A propósito, una de mis citas favoritas del libro dice que hay que “educar a las nuevas generaciones para que sean más críticas, más lúcidas y más democráticas”.
Algo muy atractivo en el contenido de esta obra son las reflexiones que constantemente hace Mendoza sobre el oficio del escritor, sobre la claridad que proporciona en algunos aspectos y la maldición que significa en otros. En esta suerte de diario cuenta algunas de las vivencias que lo marcaron y lo hicieron lo que es hoy en día, con sus retazos de gloria y los episodios difíciles: un trabajador incansable que no quiso seguir la ruta del establecimiento, sino que se calzó las botas y eligió contar las historias que la crítica especializada y los grandes académicos desprecian, pero que han enamorado y representado la realidad de una legión de lectores que no para de crecer. Para mí, eso es algo poderosamente valiente y valioso. “No se escribe para aparecer en periódicos y revistas, sino para entregar lo mejor de sí mismo en un acto de generosidad absoluta”, dice el autor en las páginas de este libro.
Sin embargo, «Leer es resistir» posee algo más mágico aún y es la bella reivindicación que hace del derecho de los lectores a hacer su propio camino junto a la literatura, a disfrutar de las historias que quieran y no de las que el statu quo les impone. Porque, al final de cuentas, “las páginas que amamos, en medio del infierno que vivimos día a día, son nuestra única redención posible”.
Fuente: https://www.elespectador.com/el-magazin-cultural/la-lectura-como-acto-revolucionario/
La historia, con mayúsculas, empezó en Sumeria -lo que hoy es la martirizada tierra de Irak- hace unos 5.000 o 6.000 años.Imaginamos que tras siglos de tentativas más o menos fructuosas o estériles, de avances y de retrocesos, el ser humano logró entrar en ese mundo siempre maravilloso y enigmático, sin lugar a dudas, que es la escritura.
Desde el complejo texto cuneiforme sobre una tabilla de arcilla, realizado con una caña que hace pequeñas cuñas (de ahí el nombre de esa escritura primigenia), el proceso avanzó de manera espectacular, con increíbles cambios en el tipo de escritura (los fenicios mejoraron esencialmente el proceso, pasando de una escritura ideográfica y silábica al primer alfabeto hasta ahora conocido) y, en no menor medida, en los soportes sobre los que se escribía y en los materiales diversos que había que utilizar para ello.
Así se pasó desde la citada lámina de arcilla al papiro de Egipto y de éste al pergamino (de Pérgamo, en el Asia Menor, en lo que actualmente es Turquía), hasta llegar, muy posteriormente, al papel, traído a Occidente por los árabes desde China, donde fue inventado. En cuanto a las formas de esos soportes de lo escrito, se pasó desde el rollo de papiro y pergamino al códice, el formato de libro tal como lo conocemos y usamos hoy en día.
Hasta aquí estamos hablando de una escritura manuscrita, entendiento por tal la que se realiza mediante la mano de quien elabora el texto. A mediados del siglo XV un alemán, Gutenberg, lleva a cabo la que sin dudas es una de las más grandes revoluciones de todos los tiempos: la imprenta.
El libro deja de ser el producto de copias a mano para pasar a ser el resultado de la acción de una máquina. La velocidad de confección de cada libro se multiplica exponencialmente respecto a lo que tardaba un monje medieval en copiar un códice.
Los cambios no paran ahí y el siglo XIX ve la aparición de la imprenta industrial, una nueva multiplicación en el tiempo de confección del libro con referencia a la imprenta artesanal de Gutenberg, que prácticamente permaneció inmutable desde el siglo XV hasta el citado siglo XIX.
El último cambio -otra revolución, indudablemente- ha venido dada por la aparición arrolladora de las tecnologías de la información y de la comunicación: las conocidas TIC.
Pero hay algo que, en esencia, sigue permaneciendo inmutable desde los sumerios hasta ahora: la lectura. Cierto es que a lo largo de los siglos han ido cambiando las maneras de llevarla a cabo, de modo que se ha pasado de una lectura colectiva a otra individual.
Así, entre los griegos de la Academia platónica o del Liceo aristotélico era uno quien leía mientras los demás escuchaban, y luego se producía el comentario con la participación de todos los oyentes, en una especie de puesta en común de lo leído, rayando las más de las veces lo que hoy día llamaríamos brainstorming o, si lo quieren en castizo, lluvia de ideas.
Otro cambio en las manera de leer fue el paso desde la lectura en voz alta a la lectura en silencio. Durante muchos siglos se hizo en voz alta, de modo que en los conventos benedictinos estos monjes, los más decididamente defensores de la lectura, practicaban la lectio para que quienes no sabían leer -la inmensa mayoría de la población en la época-, pudiesen llegar al objetivo perseguido: la meditatio, siempre en torno a las Sagradas Escrituras.
De entre la infinita cantidad de anécdotas que se han producido a lo largo de la Historia, respecto a la lectura en voz alta de uno que lee para un grupo que escucha, he aquí una realmente curiosa. En Cuba, incluso hoy en día sigue habiendo fábricas de tabaco en las que una persona lee para los trabajadores, que mientras le escuchan se dedican a liar a mano los cigarros puros -indudablemente los mejores del mundo-. Pues bien, hace mucho tiempo, una de aquellas lecturas fue El conde de Montecristo, de Alejandro Dumas. La novela del escritor francés gustó tanto que los trabajadores se dirigieron al famoso novelista pidiéndole su permiso para bautizar con su nombre una de las más preciadas labores que llevaban a cabo. He ahí el origen del nombre de los afamados cigarros puros Montecristo.
En lo esencial, el proceso de la lectura ha permanecido inmutable desde el tiempo de los sumerios; esa permanencia casi sin cambios viene dada por algo que, de tan usual y repetido como proceso, nos pasa generalmente desapercibido. Mediante la lectura superamos las barreras del espacio y del tiempo.
Leamos, por ejemplo, el párrafo inicial del capítulo uno del Libro Primero del Heike Monogatari (El Cantar de Heike, poema épico clásico de la literatura japonesa): «En el sonido de las campanas del monasterio de Gion resuena la caducidad de todas las cosas. En el color siempre cambiante del arbusto de shara se recuerda la ley terrenal de que toda gloria encuentra su fin.Como el sueño de una noche de primavera, así de fugaz es el poder del orgulloso. Como el polvo que dispersa el viento, así los fuertes desaparecen de la tierra».
Se nos cuenta en esta obra, escrita a principios del siglo XII, la historia de los Heike, una familia de guerreros: su llegada a la cima del poder, y su posterior e inevitable decadencia.Este libro nos hace cercana una historia escrita en el otro extremo del mundo, en Japón.
Pero la lectura nos sirve también para superar la barrera del tiempo. Veamos: «Se ha de quebrar la humanidad como caña de cañaveral.El mejor de los muchachos, la mejor de las muchachas, la mano de la muerte se los lleva. La muerte, que nadie ha visto, cuyo rostro ninguno ha contemplado ni escuchado su voz. ¡La muerte cruel que quiebra a los hombres! ¿Acaso construimos nuestras casas para siempre? ¿Contraemos compromisos para siempre? ¿Repartimos un patrimonio para siempre? …Tantos rostros que veían el sol y de golpe ya no queda nada…». Este párrafo pertenece a la tablilla número XI de la Epopeya de Gilgamesh, «el hombre que no quería morir». Fue escrito hacia el año 2650 antes de Cristo, por los sumerios, probablemente en la ciudad de Uruk, en lo que es ahora Irak. Han pasado cerca de 5.000 años y ese trágico lamento de Gilgamesh, el héroe que busca afanosamente la inmortalidad, nos impresiona como si hubiese sido escrito ayer por la mañana.
COMO decíamos, la escritura, y su posterior lectura, nos sirve para, en cierto modo, hacernos inmortales, para romper las fronteras de lo espacial y lo temporal. Pero leer es eso y mucho más que eso. Ortega nos contó, en su más que citada Misión del bibliotecario, que un tigre es siempre el mismo. No puede superar de ninguna manera las barreras de su especie. Está condenado a ser siempre el mismo. Podrá variar el número de sus rayas, la intensidad de su color, su grado de ferocidad… pero siempre será el mismo tigre.
Frente a ese tigre inmutable (y también, cierto es, inmortal: ningún tigre sabe que algún dia va a morir) el ser humano, cada ser humano, es único. Trasciende lo meramente genérico y, a través del proceso acumulativo del saber, aprende lo que ya saben otros e incluso, a partir de lo aprendido, puede él mismo incrementar ese caudal de conocimientos.
Cierto es que en las culturas orales ese proceso existe, pero no es menos cierto que la escritura y la lectura son las que han permitido multiplicar hasta el infinito ese proceso nunca detenido del aprendizaje de los seres humanos y de la multiplicación de lo que cada generación ha aprendido.
Además de todo lo dicho, y probablemente en primer lugar, la lectura es libertad. La auténtica escritura, y la lectura por consiguiente, es el mayor y mejor ejercicio de libertad que cualquier ser humano puede llevar a cabo.
No hace falta estudiar demasiada historia para ver cómo cualquier sistema autocrático ha señalado al libro como a uno de sus peores enemigos. Y con razón. Las más grandes revoluciones que han tenido lugar en la historia de la humanidad no han sido las que ocasionan guerras, destrucción y muerte. En absoluto. Las más grandes revoluciones han venido dadas por libros. La Biblia, el Corán, las obras de Kant, de Hegel y de tantos otros han cambiado esencialmente nuestra manera de ver y entender la vida o, lo que es lo mismo, nos sirven para intentar entendernos a nosotros mismos, para intentar encontrar respuestas a las grandes preguntas, las básicas, las de siempre.
Pero, además, la lectura es libertad en un sentido aún más individual, más personal si se quiere: no nos pueden obligar a amar, o a odiar; de la misma manera, aunque algunos se empeñen en lo contrario, no se puede obligar a nadie a leer. Se le podrá obligar a estar delante de un libro, pero leer, lo que se dice leer, sólo leemos los que lo hacemos porque sí, porque nos apetece o, más en corto, porque nos da la real gana.
Yo soy yo… y mis lecturas, que diría Don José.
Fuente: https://www.elmundo.es/opinion/tribuna-libre/2009/04/2633982.html
Como docente de alemán en la EOI a distancia de Canarias os recomiendo:
Entrevista a Eugenia González Betancor, directora de la EOI a distancia de Canarias:
https://drive.google.com/file/d/1lGC7-Ns00gBzYOyWOGTgaWdAkHehOH6m/view
Redes sociales:
https://instagram.com/canariaseo
ihttps://twitter.com/canariaseoi
https://facebook.com/canariaseoi
Corrían los primeros días del año 1958 cuando vieron la luz, en las páginas de la revista Pulgarcito, dos estrambóticos personajes: un detective con un atuendo a lo Sherlock Holmes y su ayudante, un hombre larguirucho vestido de negro. Eran la versión primitiva de Mortadelo y Filemón, dos de los más queridos personajes del humor español a lo largo de más de 60 años.
Su creador, Francisco Ibáñez, llevaba ya unos años dedicándose al tebeo; palabra castiza que él afirma preferir en lugar de “cómic” y que remite a la longeva revista española TBO. Nacido el 15 de marzo de 1936 en Barcelona, desde pequeño fue un amante de las historietas y a los once años ya publicó algunas para la revista infantil Chicos. En 1952 empezó a compaginar su trabajo como botones en el Banco Español de Crédito con la publicación de historietas para diversas revistas y suplementos de periódicos barceloneses.
Tal fue su éxito que al cabo de pocos años ya ganaba más con sus publicaciones que con su trabajo en el banco, por lo que se volcó completamente en el dibujo. Aunque en sus primeros tiempos Ibáñez trabajó para diversas revistas, en 1958 empezó a dibujar en exclusiva para la editorial Bruguera, una prolífica relación que duraría casi 30 años y que terminaría en un agrio divorcio cuando en 1985 la casa se quedó con los derechos de publicación de sus personajes.
La gran familia de Ibáñez
Antes de su partida, sin embargo, daría vida en las revistas de esta editorial a sus personajes más famosos: el cegato Rompetechos, el botones Sacarino -inspirado en su propia experiencia en esta profesión y en el cómic belga Spirou-, los “chapuzas” Pepe Gotera y Otilio, los habitantes del loco bloque de pisos situado en el número 13 de la Rue del Percebe y, por supuesto, los que se convirtieron en sus “hijos” más famosos: Mortadelo y Filemón.
Fue en las páginas de la revista Pulgarcito cuando aparecieron por primera vez, aunque por aquel entonces se trataba de historietas cortas y los personajes aún no estaban del todo definidos. Pero a partir de 1969, con la publicación del álbum El sulfato atómico, las historias se hicieron más largas y los protagonistas adquirieron su característico aspecto y personalidad: Mortadelo torpe, despistado y un as de los disfraces; su “jefe” Filemón, más prudente pero víctima de las desgracias ocasionadas por la torpeza del primero; y un estrambótico elenco de secundarios como el Super -superintendente de la T.I.A., una agencia de inteligencia-, que siempre les envía a las misiones más impensables, o el loco profesor Bacterio, cuyos inventos siempre traen problemas.
Mortadelo y Filemón es de lejos la creación más exitosa de Ibáñez, a la que todavía se dedica en la actualidad, tras recuperar sus derechos en 1988 gracias a un acuerdo con Ediciones B, heredera de los títulos de Bruguera. Un éxito que no solo hay que atribuir a su humor y personajes, sino también a la capacidad de su autor por sacar temas de los eventos de la actualidad española y mundial. A lo largo de sus 63 años de vida Mortadelo y Filemón han participado en los mundiales de fútbol, en las Olimpíadas, en la Guerra Fría y en el nacimiento de la Unión Europea, entre otras aventuras; y políticos, artistas, personajes históricos e incluso el propio autor han sido parodiados en sus páginas.
A día de hoy, los torpes agentes secretos de la T.I.A. suman más de 200 aventuras y siguen con la misma vitalidad que en sus inicios, a pesar de todas las desdichas por las que han pasado. Su fama ha tendido a eclipsar al resto de la familia Ibáñez, aunque sus historias han seguido reeditándose a lo largo de los años. Mención especial merece 13, Rue del Percebe por su original concepto, que nos invita a cotillear en la intimidad de los vecinos de un bloque de pisos.
A punto de cumplir 85 años y con más de 100 millones de álbumes vendidos, Francisco Ibáñez se ha convertido en uno de los historietistas españoles más prolíficos y reconocidos. Ha obtenido diversos reconocimientos, como la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes en 2001, y su nombre ha sido propuesto como candidato al Premio Princesa de Asturias en las categorías de Artes o de Letras. A lo largo de casi 70 años de carrera profesional, ha sido tan prolífico como cualquier escritor y sus historias pueden considerarse a menudo un espejo de las bondades y miserias de la sociedad española: un espejo satírico y con un humor gamberro que no pasa de moda, pues como dice el autor, la vida sin humor “sencillamente no sería vida”.
Fuente: https://historia.nationalgeographic.com.es/a/francisco-ibanez-maestro-humor_16188
El padre de Mortadelo y Filemón ha dibujado unas 50.000 páginas de esta pareja de cómic que ha marcado a varias generaciones de españoles. Su obra es también una especie de crónica de un país teñida de ficción y realidad a partes iguales. Hoy sigue empuñando el rotulador, asegura, porque siente el cariño de la gente. Visitamos en su guarida a un veterano mago del humor.
Francisco Ibáñez lleva 56 de sus 78 años dando vida a Mortadelo y Filemón, de los que calcula que habrá dibujado unas 50.000 páginas. Así que cuando uno pulsa el timbre y espera a que le abran la puerta en este bloque corriente y moliente de un barrio corriente y moliente de Barcelona, no puede pensar en otras cosas que las relacionadas con el estajanovismo, la producción en cadena y las laboriosas hormigas. Lo primero que ve el visitante son unas gafas; detrás de ellas, un señor simpático, socarrón y vehemente, y detrás de él, estanterías reventadas de tebeos. Ah, y la mesa. La mesa de dibujo. La mesa de dibujo inclinada, junto a la ventana, poblada de plumillas, lápices, bolígrafos, trozos de papel y –aunque no se vean– mundos extraños y pobres diablos protagonistas de cosas que somos todos: la emoción, la tristeza, la impotencia, el dolor y el fulgor, gama/disparate.
Por ahí pululan, por este saloncito años setenta donde pasa sus tardes Francisco Ibáñez, los disfraces de Mortadelo y los mamporros de Filemón. Mortadelo, trasunto en viñetas de la vertiente picaresca de la vida, cruce de caminos entre el Quijote, el Lazarillo y el expolicía Torrente. Filemón, retrato matemático, cruel, de cierto españolito de cuando entonces, que sigue siendo el de ahora, animoso, resignado, victimista y con mala uva. Mortadelo y Filemón, agencia de información, paridos por la mano de Ibáñez en 1958 en el número 1.394 de la revista Pulgarcito, historieta hecha leyenda o, como tituló Antoni Guiral de forma certera su fantástico libro sobre la escuela Bruguera (1945-1963), Cuando los cómics se llamaban tebeos.
Francisco Ibáñez sigue ahí, asomado a la mesa, al dulce potro de tortura, dando a la imprenta páginas y más páginas y álbumes y más álbumes, el último de ellos Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo, versión papel de la película del mismo título dirigida por Javier Fesser y recientemente estrenada con el éxito de público que se le auguraba (la tercera, tras La gran historia de Mortadelo y Filemón, del propio Fesser, y Mortadelo y Filemón: misión, salvar la tierra, de Miguel Bardem). ¿Por qué seguir después de 56 años?
–¿Es que, si lo dejara, se aburriría?
–Pues… sí, desde luego a este paso parece que voy a acabar yo antes que los personajes, ¿no? No sé, hay momentos que ya… no sé, uno está cansado, y dices, ¿y para qué?, pero claro, entonces vuelves a ver que la cosa le gusta a la gente y entonces sigues.
Se llama la irresistible inercia del éxito popular, o quién sabe, la irresistible inercia a secas.
Bien lo sabe el padre de Mortadelo, y de Pepe Gotera, y del botones Sacarino, y de 13, Rue del Percebe, y sobre todo de Rompetechos –“mi favorito”, deja caer Ibáñez sin vacilar–, exponente supremo del eterno tebeo español, ese fenómeno de masas que balbucea a mediados de los cincuenta en cabeceras como La Risa o Paseo Infantil, que eclosiona y estalla en los primeros sesenta de la mano de los hermanos Francisco y Pantaleón Bruguera (el uno, republicano; el otro, franquista, ambos empresarios de corte paternalista y absolutamente seguros de lo que perseguían: edificar un imperio y aplastar a la competencia en el sector del tebeo) y que desemboca en el mismísimo hoy: Barcelona, 2014, Ibáñez dibujando, a punto de cumplir 79 años, a Jimmy el Cachondo, el profesor Bacterio, el Súper, Ofelia y nuestros inefables agentes secretos de la T.I.A.
En tiempos no ya de perenne metamorfosis sino de progresiva derrota de lo tangencial y lo analógico a manos de lo virtual y lo digital, bien puede decirse que nada o prácticamente nada ha cambiado para Francisco Ibáñez Talavera (Barcelona, 1936). Sus lapiceros, sus hojas de papel, sus tintas, su imaginación… Nada ha sido fácil en una vida dedicada a construir mundos imaginarios a golpe de viñeta: “Ahí sigo, igual que siempre, bueno, igual no, porque con el paso del tiempo… Mira, en la profesión mía, hacer cinco páginas a la semana es lo normal. Hacer 10 es una heroicidad. Hacer 15 ya es increíble. Y yo durante muchos años hice 20 páginas a la semana. De día, de noche, fines de semana, sin vacaciones, nada, nada, a dibujar todo el rato. La verdad es que en aquellos tiempos la editorial Bruguera nos tenía bastante esclavizados. Era sencillo: querían producir y producir, y producir masivamente, y así reventaban el mercado, reventaban la competencia, que no podía seguir aquel ritmo”.
Ha evitado, hasta donde ha sido posible, figurar en primera línea de fuego en la promoción de la película de Javier Fesser, “se lo ha tenido que comer casi todo el Fesser, el pobre”, comenta no sin que una risilla asome en sus ojos de niño grande. Mortadelo y Filemón, agencia de información (a los que en un principio iba a llamar Mister Cloro y Mister Yesca, agencia detectivesca, o Lentejo y Fideíno, detectives finos) son importantes, pero aún lo es más la familia y la salud. Alerta roja. Y así son hoy las mañanas de Ibáñez: “Por la mañana salgo un rato a pasear, por prescripción facultativa más que nada, porque me dijo el médico que estaba jodidillo y que eso de quedarme quieto todo el día en casa que no podía ser. Así que me puse con el deporte. Me apunté a una piscina de esas de barrio y oye, me hacía 40 piscinas, pero era aburridísimo. El caso es que cuando ya me creía un Mark Spitz, un día, en la calle de al lado, vi cómo una chiquita se hacía cuatro largos en el tiempo en que yo me hacía uno. Me desanimé y lo dejé. Y ahora salgo a caminar, tres cuartos de hora más o menos, y bien”.
Sin tontos registros de nostalgia, pero con mucho respeto y mucho cariño hacia una época y los nombres y apellidos que la habitaron (sus compañeros en Bruguera, Escobar, Peñarroya, Cifré, Vázquez, Raf…), aquel antiguo empleado del Banco Español de Crédito reconvertido en dibujante de chistes para gran cabreo y preocupación de su padre recuerda la vida de entonces. “A las ocho o nueve de la mañana ya me llamaban los de la editorial: ‘¡Ibáñez! ¿Cómo van esas páginas?’. Y cuando las tenía acabadas, pues nada, me metía la carpeta debajo del brazo y me acercaba a entregarlas, un poco como la modista que va a entregar el vestido que ha hecho durante la semana; me pagaban el trabajo de la semana anterior y listos. A veces aprovechaba para comer o tomar algo con algún otro compañero del trabajo que estuviera por allí y luego, hala, vuelta a casa, a volver a sentarte en el taburete y a seguir dibujando”.
–Es increíble el ritmo que llevó durante aquellos años sesenta y setenta, y es increíble que siga trabajando con esa intensidad. ¿No se sintió Francisco Ibáñez explotado, algo así como una vaca lechera a la que le exprimen las ubres sin descanso, o como la gallina de los huevos de oro a la que no se deja descansar?
–En Bruguera así fue, claramente, pero nunca me quejé, nunca dije que me estaban explotando, yo seguía allí sencillamente porque quería. Eso sí, Bruguera siempre se negó a que los autores tuviéramos los derechos de nuestros personajes, se negó en redondo. Los dueños pusieron cláusulas en los contratos que decían que aquellos personajes eran “herramientas de trabajo en poder de la editorial, que pagaba por ello a sus autores”. O sea, que nosotros no teníamos derecho absolutamente a nada. Te decían: “Oiga, Ibáñez, aquí se trata de producir, ¿eh?, y si no lo hace usted, pues lo hará otro, ya sabe”.
Era un tiempo en el que centenares de miles de niños españoles acometían, sin saberlo, su primera iniciación a la lectura desde las páginas de aquellas revistillas que costaban cinco pesetas, que se llamaban Tio Vivo, DDT, Pulgarcito o Din Dan, y que alcanzaban tiradas de 350.000 ejemplares… semanales. Luego vendrían Mortadelo Especial, Mortadelo Gigante, Súper Mortadelo…, había que estrujar a la gallina de los huevos de oro. Otros personajes de autores rivales, como Zipi y Zape, Anacleto, agente secreto, Las hermanas Gilda, Carpanta o Sir Tim O’Theo también triunfaban…, pero la comparación con Mortadelo y Filemón era inviable. Una era, definitivamente, ida. “Todo eso acabó, los tebeos han desaparecido. Hubo un tiempo en el que en los quioscos veías decenas de colecciones. En la historieta realista estaban El Capitán Relámpago, El Capitán Tormenta, El Capitán Trueno… ¡Cada fenómeno atmosférico tenía su propio capitán en forma de tebeo! Y en la cosa cómica, el Pulgarcito, el DDT, el Tio Vivo, el Din Dan, había una cantidad tremenda de títulos y personajes. Hoy no hay nada. Ha desaparecido todo. Sólo han quedado las revistas esas, ¿cómo les llaman? Románticas. De autores de tebeos sólo quedamos Jan, que hace el Superlópez, y yo. Pero de mi época, sólo yo, claro, no queda nadie, coño. Me he quedado solo. Es un poco triste”.
–Bueno, yo no diría que es el último superviviente de los tebeos clásicos; usted es más que eso, es el último superviviente de toda una época y de toda una forma de cultura popular. Usted hizo reír al franquismo, al antifranquismo, al tardofranquismo, al posfranquismo, a la Transición, a la democracia…
–¡Je, je, je! Sí, es un poco así, sí. Y la verdad es que guardo buenos recuerdos de aquellos primeros años, a pesar del franquismo; coño, hoy mucha gente dice: “Qué horror, qué mal está todo”. Pero yo les diría: “Joder, pues menos mal que no tuvisteis que vivir el franquismo, que aquello sí que…”. Pero da igual derecha que izquierda, yo he hecho reír igual a todos. Y también les he metido en las historietas, pero con cuidado, ¿eh?, sin intención de molestar.
–Y además, siempre tocando temas de actualidad. En ese sentido, ha sido usted en cierto modo un poco periodista, ¿no?
–Pues sí, pero estoy pensando que voy a dejar este sistema. Es que en un periódico, pum, pasa algo hoy y mañana ya sale publicado. Pero aquí no, a mí hacer un álbum me cuesta dos meses, entre que lo dibujas, lo entintas, lo mandas a imprimir, etcétera. Así que cuando eso sale a la calle, aquel suceso del que he hablado a lo mejor ya no interesa porque mientras tanto han ocurrido 28.000 cosas más. O directamente el personaje en cuestión se ha ido de este mundo. Una vez hice un álbum que, parodiando lo de El señor de los anillos, se tituló El señor de los ladrillos. El protagonista era un señor muy gordo que vivía en Andalucía y que tenía un equipo de fútbol y un caballo que se llamaba Imperioso…, y cuando estaba en las últimas páginas una mañana veo en el periódico que se ha muerto. ¡Hostia, que se ha muerto! Y ya no lo saqué, claro.
A punto de los 79 años –los cumplirá en marzo–, “a lo que uno aspira es a no molestar demasiado a los demás”, sostiene Francisco Ibáñez, que se esfuerza en quitar hierro a la cosa y en no salirse de madre con respecto a la trascendencia a su obra: “El trabajo mío nunca ha sido de crítica social, económica o política; nada de eso, para eso ya están los que hacen los chistes de los periódicos, que por cierto lo hacen magníficamente, aunque poco a poco también esa tradición va desapareciendo. Yo he hecho y hago historietas. Y les gustan. Los chisteros de la prensa hacen a la gente reflexionar sobre la realidad. Yo les hago evadirse de la realidad”.
Mucho más guionista que dibujante según su propia apreciación de sí mismo, hay algo que le llama la atención: la endémica escasez de buenos contadores de historias en un país que, asegura, en teoría está especialmente dotado para ello. “Hoy ya no hay buenos guionistas. Y me choca, coño, vivimos en un país de gente graciosa, tú vas a una reunión y siempre hay el típico tío con una memoria prodigiosa que te cuenta 48 chistes con una gracia que te despatarras de risa, pero yo no sé qué pasa que luego a la gente le das un lápiz y le pones delante de un papel y ¡pssssst! Y es una cosa general, yo creo que en el cine y en la televisión también pasa esto. Y en la literatura. Hay gente con un estilo literario tremendo…, pero un coñazo. Yo creo que Harold Bloom exagera cuando dice que desde Beckett no hay nada nuevo…, pero es verdad que yo ahora mismo no encuentro nada que me interese demasiado”. Y prosigue en su reivindicación a ultranza de los contadores de historias: “Yo nunca he sido un buen dibujante, ¿eh?, a veces me dicen: ‘Mira, Ibáñez, el dibujante’; y no, a lo sumo Ibáñez, el historietista. Hay gente que sí, que hace viñetas que podían colgarse en el Museo del Prado, o en el Louvre, o en la National Gallery, a mí se me cae la baba viendo lo que hacen. No es mi caso. Pero en cambio, a mí se me han dado siempre bien los guiones, contar historias. Y eso es muy dificilillo, ¿eh? Lo más importante en una historieta es el guion, es lo que atrapa al público. Tú puedes dibujar una página bestial, imponente, barroca, magnífica, pero si el guion no engancha, eso no funcionará. Lo que pasa es que después de 60 años… los temas se agotan. Antes cogías un lápiz y un bloc, te inventabas cuatro sketches y cuatro gags, los ligabas y tenías la historia. Ahora te pones delante del papel en blanco y te preguntas: ‘¿Y qué pongo?”.
Cuando toque corneta la evidencia del paso del tiempo y la llegada del descanso, a Ibáñez le quedarán sus criaturas, lo inventado, lo plasmado en papel y lápiz, tantas mañanas, tantas tardes y tantas noches a bordo del tablero de dibujo. Y más cosas, pero sobre todo una: sus lectores, los de antes y los de ahora, los de siempre, incluidos esos padres que compran tebeos a sus nenes para leerlos ellos. Recuerdos, homenajes al público: “Cuando empecé a hacer sesiones de firma de libros casi todos los que venían eran niños; ahora eso ha cambiado mucho, yo me atrevería a decir casi que vienen más adultos que niños, qué curioso, ¿verdad? Vienen médicos, abogados, arquitectos… y me cuentan cómo, algunos días de esos de nubarrones en la cabeza, se meten por la noche en la cama y cogen un albumito de los míos y acaban el día felices. Yo a veces pienso que a Mortadelo y Filemón los deberían vender en las farmacias, en tubitos, como somníferos”.
Se ve caer ya la tarde frente a la ventana de Francisco Ibáñez, por donde muere la Gran Vía y por donde Barcelona enciende sus luces. Debajo de su casa hay un bar de los de siempre y con lo de siempre, Los Porrillos, se llama, que ya es llamarse. Allí se acodará Ibáñez junto a Mortadelo y junto a Filemón Pi, el putilla y el eterno perdedor. A tomar algo y a preguntarse cosas. Cosas como por qué los vejestorios (o jovenzuelos) gerifaltes de la alta cultura nunca pudieron con los tebeos. “Ha habido siempre un desprecio total hacia los tebeos por parte de la alta cultura; yo me acuerdo de una vez que mi editor me hizo ir al Café Gijón a un encuentro de los autores más vendidos. Yo le dije: ‘No me jodas, ¿qué pinto yo en el Gijón, tú sabes qué autores estarán allí?’. Y bueno, bah, al final fui. Y todavía me acuerdo de ver cómo pasó delante de mí aquel autor de teatro, Buero Vallejo, y me miró como diciendo: ‘Pero ¿qué hace este desgraciao aquí?’. ¡Qué caras ponían al verme!”.
Pero oigan: que le quiten lo bailao, que levante el dedo el que haya vendido en este país más libros que Francisco Ibáñez. Que levante el dedo el que haya propiciado más nuevos lectores que él. Que se levante y se reivindique quien crea que ha llegado a más corazones que Mortadelo.
Fuente: https://elpais.com/elpais/2015/01/15/eps/1421344370_348305.html
Parte I. Su historia
Es probable que cuando Francisco Ibáñez llegó en 1958 a la Editorial Bruguera con sus ilustraciones bajo el brazo ya no tuviera pelo. El asunto de la calvicie siempre ha estado muy presente en la obra del maestro, tanto en sus personajes como en las recurrentes caricaturas de sí mismo con las que se parodia en algunas de sus historias. De modo que, desde siempre, así lo recuerdan (recordamos) sus seguidores: calvo como una pelota de playa. Contaba solo con 22 años cuando llamó a la puerta de la editorial, pero en el imaginario de sus fans, Ibáñez ya era entonces calvo. Sin duda.
Traía el dibujante un proyecto que consistía en tiras cómicas en blanco y negro de dos detectives bastante torpes. No tenía claro el nombre, así que Ibáñez le comentó al editor que barajaba tres posibilidades: ‘Mr. Cloro y Mr. Yesca, agencia detectivesca’; ‘Ocarino y Pernales, agentes especiales’ y ‘Lentejo y Fideíno, detectives finos’. Al editor le gustaron las historias en una proporción inversa a los nombres, así que decidió inventar unos nuevos: Mortadelo y Filemón, agencia de información.
Nacían así, sin demasiada fanfarria, dos personajes que ya son historia moderna de España. No es una exageración. O sí, pero no importa.
Las primeras andanzas de Mortadelo y Filemón, agencia de información fueron publicadas en la revista infantil Pulgarcito, de Editorial Bruguera. En concreto –dato para fans-, la primera aventura de la historia de Mortadelo y Filemón se publicó el 20 de enero de 1958, en el número 1.394 de Pulgarcito. Su éxito, desde ese momento, fue progresivo y durante los diez años que duró la publicación, las ventas de la revista no dejaron de aumentar.
En aquella década Mortadelo y Filemón eran dos detectives que se encargaban de casos bastante nimios. Para muchos, en esta primera época, la historieta era una parodia de Sherlock Holmes y el doctor Watson, cuyas aventuras estaban muy de moda por entonces. Mortadelo era el único empleado de la agencia, inocente e ingenuo, y Filemón era el jefe, sin sentido del humor y con fijación en reñir a Mortadelo.
Las historias siempre terminaban con una torpeza de manual de Mortadelo y el enfado de Filemón, que a veces se traducía en una persecución para agredirle. En realidad, Filemón lleva agrediendo a Mortadelo más de cincuenta años y pese a ello este último sigue aceptando este tipo de abusos sin quejarse.
En aquella época Mortadelo vestía traje negro con levita (levita que se mantiene hasta la actualidad), con un bombín en la cabeza y un paraguas del que, originariamente, sacaba los disfraces. Filemón –desde el minuto uno, el jefe– usaba un sombrero de fieltro, chaqueta roja y pipa. Estos portes son una de las primeras muestras de genialidad de Ibáñez, ya que nadie vestía así en la España de 1958. El universo particular y único de Mortadelo y Filemón acababa de nacer y ya era reconocible, sobre todo sus detalles de fondo que siguen vigentes hasta hoy: un perro fumando, una araña mareada o un ratón borracho. Cosas en las que ninguno de los personajes repara nunca, porque forma parte de la normalidad de su mundo.
Mortadelo se disfraza desde la segunda historieta, un recurso que se antojará fundamental en las cientos de historias posteriores de los personajes. Se cuenta –aunque nunca fue confirmado por el autor– que la idea de que Mortadelo se disfrazase fue de Manuel Vázquez Gallego, historietista contemporáneo de Ibáñez y amigo del autor. Los disfraces del personaje se van perfeccionando y ganando en complejidad y llegan a alcanzar su culmen cuando Mortadelo se disfraza de universo en El disfraz, cosa falaz (1995).
En realidad, ¿qué hay después del disfraz de universo? ¿Del disfraz de todo, de toda la materia y no materia? Es más, ¿dónde quedaba el universo real, la realidad material una vez Mortadelo se ha disfrazado de ella? ¿Es un universo-disfraz paralelo o abarca en sí mismo la realidad haciendo que sea una suerte de metadisfraz que contiene todo lo demás? Sea como sea, todo un logro por parte de Mortadelo.
Tres años después de su primera publicación, los personajes pierden los sombreros. El dibujo se estiliza y en 1966 adquieren, prácticamente, su aspecto actual. Filemón (del que se conoce el apellido: Filemón Pi) se despoja de su americana y su nariz disminuye. No así la de Mortadelo, que se mantiene poderosa y actúa como soporte a sus extrañas gafas: unas gafas con unas patillas de unos 15 centímetros hacia afuera, de modo que las lentes quedan notablemente separadas del rostro, algo absurdo, inútil, pero que Mortadelo nunca se detiene a pensar ni se plantea arreglar.
En 1969 el éxito es tan meridiano, que Editorial Bruguera decide crear Gran Pulgarcito, una revista más grande y amplia donde las historias cortas de Mortadelo y Filemón se convierten en aventuras largas. La primera historia extensa es el inolvidable El sulfato atómico.
Cuenta con un dibujo detallado y un trazo cuidado que Ibáñez nunca volvería a usar con tanto esmero (si acaso en Valor y… ¡al toro!, en 1970, pero no al mismo nivel). En esta historia la existencia y realidad de Mortadelo y Filemón cambian: ya no son dos detectives en una agencia cutre, ahora son, por primera vez, agentes especiales de la T.I.A. (Agencia de Investigación Aeroterráquea), al servicio del superintendente Vicente (conocido como el Súper) y con el apoyo logístico del profesor Bacterio, un reputado y desastroso científico que dejó calvo crónico a Mortadelo con un crecepelo infalible.
La aventura narra la misión de los dos agentes en Tirania, una república militarizada que –se supone– está en Centroeuropa y cuyo dictador, el general Bruteztrausen, tiene como ambición nada menos que dominar el mundo. Para lograrlo, el general se sirve del sulfato atómico, un invento del profesor Bacterio que, se suponía, iba a servir para eliminar plagas de las cosechas, pero cuyo efecto verdadero (los inventos del profesor Bacterio siempre producen resultados inversos a los pretendidos) es el de agrandar a los insectos hasta el tamaño de un elefante. El Súper, indignado porque Bacterio se haya dejado robar el potingue, envía a Mortadelo y Filemón a recuperarlo. El final, claro, no se debe contar.
A El Sulfato atómico le van a seguir otros clásicos irrenunciables para fans, como Contra el gang del Chicharrón, Safari Callejero (ambas también de 1969); la mencionada Valor y… ¡al toro! y E’ (1970) o Chapeau el ‘esmirriau’, La caja de los diez cerrojos, Magín el mago y ¡A la caza del cuadro! en 1971. Casi todos ellos tienen una estructura similar, con una serie de capítulos cíclicos en los que van resolviendo la misión para al final dar al traste con todo, algo que desencadena la ira del Súper.
Llama la atención la descomunal envergadura de las misiones que les encargan a dos agentes evidentemente torpes (destronar a un dictador, enfrentarse a la mafia italiana, recorrer el mundo en busca de diez llaves escondidas….) y cómo estos se prestan a ejecutarlas sin ningún tipo de garantía para su integridad. Pero en esto ahondaremos enseguida.
El éxito de las aventuras publicadas es tal, que la Editorial Bruguera decide crear en 1970 la revista Mortadelo y en 1971 arranca la colección Olé, tebeos de tapa blanda en el que se editan individualmente cada una de las historietas largas. Los lomos verdes de esta colección y sus portadas ya forman parte de la historia de cualquier treintañero que se precie.
En 1978 hace aparición otro clásico de la Transición: el Súper Humor, tomos de tapa dura en los que se editan dos o tres aventuras largas y que obligaban a pagar el alto peaje de leer a Zipi y Zape si se quería disfrutar de Mortadelo y Filemón.
Cuando arranca la década de los 80, los personajes de Ibáñez saborean la plenitud de su éxito. Incluso trascienden fronteras y se instalan en otros países europeos y latinoamericanos. Mort and Phil en Reino Unido, Paling and Ko en Holanda, Mortadelo e Salaminho en Brasil, Zriki Svargla & Sule Globus en Yugoslavia… y Clever & Smart en Alemania. El país germano fue el más receptivo de todos y el éxito de Mortadelo y Filemón allí fue –y es– casi tan grande como lo ha sido en España. De hecho, Ibáñez publicó en 1981 En Alemania, una aventura dedicada al país en la que los dos agentes recorren la geografía germana en una colección de parodias y estereotipos memorable: en Renania, Ibáñez retrata a los vecinos como unos austeros enfermizos.
El colmo es que Mortadelo y Filemón deben infiltrarse en el club del ahorro donde el tipo que les recibe les dice que solo lee las noches que hay relámpagos y moja el pan en la sombra del huevo frito. “Y solo soy conserje, oiga”. Los miembros del club se leen la mano porque no tienen libros, se sientan en el aire y al preguntarles a Mortadelo y Filemón si quieren tomar algo, se refieren a tomar el aire o tomar la tensión. Por cierto, en este álbum –aquel año– fueron censurados los chistes sobre el Muro de Berlín, al que Mortadelo y Filemón se acercaban por error y eran acribillados a balazos, bombas y granadas al grito de «¡Contraatacan los aliados desembarcados en Normandía!».
La idílica carrera de Ibáñez tropezó en 1985 cuando, tras un enfrentamiento con la Editorial Bruguera, pierde los derechos de sus personajes. El juicio duraría tres años durante los cuales Bruguera encargaría a otros dibujantes seguir realizando aventuras mortadelianas. Así, durante esa época, aparecen historias apócrifas, como A la caza del Chotta o La médium Paquita.
Sin saber exactamente lo que estaba pasando, somos muchos los niños de aquella época a los que algo nos olía mal, muy mal, en aquellas historias de trazo raro y humor desviado. El maestro regresó con sus derechos en 1988 y firmó un nuevo contrato con Ediciones B, del Grupo Zeta, con quien sigue ligado en la actualidad.
En esta nueva etapa Mortadelo y Filemón comienzan a vivir situaciones relacionadas con la actualidad. Sus historias ya no son atemporales y en lugares ficticios: ahora se desarrollan en lugares reales y con personajes que existen de verdad. En este resurgir se publican aventuras como El atasco de influencias, El nuevo cate o Dinosaurios. Para no pocos lectores, estos títulos suponen los últimos grandes clásicos mortadelianos.
En los 90 el estilo de trazo cambia, desaparecen las revistas y ya no existen historias que no estén pegadas a la actualidad. ¡Llegó el euro!, E’ o El carné al punto son la última hornada de historias que perdieron, en opinión de algunos, cierta parte de la esencia que caracterizaba a Mortadelo y Filemón. ¿En qué consiste o consistía esa esencia? Hablemos de ellos. Hablemos del universo paralelo en el que viven Mortadelo y Filemón.
Parte II. Su universo
Lo primero que hay que preguntarse es por qué Mortadelo y Filemón se prestan a llevar la vida que llevan. Dedican su vida a ser agentes encargados de realizar misiones de altísimo riesgo, en la mayoría de ellas se juegan la vida y atraviesan situaciones límite: reciben balazos, granadas, palizas, son atropellados, perseguidos, apresados y torturados. A cambio, reciben un miserable sueldo. Mortadelo y Filemón son pobres. Pobres de solemnidad. Visten siempre igual, compran camisas de quince pesetas y llevan agujeros en los calcetines. No tienen coche. Tampoco tienen casa: viven en una pensión. No siempre comen tres veces al día.
Con todo y con eso, se juegan la vida con encargos inhumanos propios de un boina verde. Por si fuera poco no tienen preparación: no saben pelear, no saben idiomas ni tienen ninguna habilidad especial más allá de la picaresca callejera que enseguida pasaremos a analizar. Y con eso y con todo se les exige lo máximo. Pero se les exige a golpes. Su jefe, el superintendente Vicente, les trata con despotismo. Él es millonario, tiene deportivos de lujo, casa de campo, fuma habanos y colecciona arte moderno. Y los trata a patadas. Les obliga a llevar a cabo sus misiones a la fuerza, apuntándoles con una escopeta o sometiéndoles a torturas (frotar su vientre con un erizo o hacerles ver varias horas seguidas El precio justo).
Mortadelo y Filemón, normalmente, se niegan e incluso huyen a la carrera tras escuchar las órdenes de su superior. Este no les abre un expediente o les echa por el desplante, simplemente encarga que los persigan y los traigan de vuelta. La relación laboral entre Mortadelo y Filemón y el Súper consiste en que este último les obliga a arriesgar su vida a la fuerza, sin recompensa económica y con medios precarios (jamás les proporciona un medio –como mucho les da unas suelas–, siempre tienen que desplazarse como polizones o en autobús de bajísima calidad) y estos terminan siempre aceptando.
Además, si la misión sale mal, el Súper intenta darles una paliza. Todo es esquizofrénico. En ningún momento Mortadelo o Filemón se paran y se plantean lo absurdo de su existencia. No tienen por qué aguantar golpes, miseria y sufrimiento a cambio de nada. Pero lo hacen. Ese es su universo. Su genial, hilarante y tremebundo universo.
La relación entre Mortadelo y Filemón también es asombrosa. Para empezar, se tratan de usted. Llevan décadas trabajando juntos, pero se tratan de usted. Hasta cuando se insultan: «Es usted un pollino» o se amenazan: «Le voy a agujerear el colodrillo». Nunca pierden las formas. En realidad, todo el mundo se trata de usted en el universo mortadeliano. Aunque se eleve la voz y el enfado, el usted se mantiene: «Oiga, eso usted a mí no me lo dice en la calle». Lo del trato de usted es de las pocas cosas que podemos contar de la vida privada de Mortadelo y Filemón.
Aunque en 1998 Ibáñez publicó Su vida privada, un álbum en el que se desvelan algunos detalles desconocidos hasta ese momento, la vida personal de ambos personajes es borrosa, a pesar de conocerlos desde hace más de cincuenta años. Sabemos que la familia de Mortadelo es de pueblo y la de Filemón urbanita. De hecho, en otro giro inexplicable, Filemón tiene relación con la alta sociedad: conoce a condes, duques y burgueses y sabe comportarse en sociedad. Eso, a pesar de que vive de una forma miserable sin que nadie de su entorno le eche un capote.
En 1971 Ibáñez había publicado La historia de Mortadelo y Filemón, pero de nuevo el retrato no es suficiente como para descubrir nada especial. Ese es parte de su encanto: que no está muy claro de dónde salen ni a dónde van estos personajes.
Su lugar de trabajo también es absurdo. ¿Qué es la TIA? ¿Una organización dependiente de qué? Sus agentes son torpes y miserablemente remunerados, pero en cambio la TIA recibe encargos directos del gobierno que les hacen tratar directamente con políticos extranjeros, mercenarios, ejércitos, mafias y supervisar eventos deportivos de primer orden. También les encargan misiones de escolta y hasta de sicarios. Más aún: existen organizaciones enemigas como la ABUELA o la SOBRINA, agencias con sede, perfecta organización y economía que viven –se supone– al margen de la ley. ¿De dónde salen estos entramados? ¿Cómo se financian?
Son respuestas que nunca obtendremos y son preguntas que los personajes jamás se plantean.
La dinámica de sus misiones es reconocible: Mortadelo arguye un plan, Filemón le escucha con emoción, lo ejecutan, fracasa y Filemón sufre terribles accidentes. Acto seguido, Filemón intenta dar una paliza a Mortadelo como represalia. Minutos después, Mortadelo vuelve a proponer otro plan y Filemón lo vuelve a aceptar. Nada ocurre después de las agresiones. Ni del Súper ni entre ellos.
Se dan puñetazos, se arrojan cosas, se tiran por la ventana y se dan todo tipo de golpes espantosos sin que haya absolutamente ningún tipo de rencor, enfado o recordatorio posterior. Golpearse forma parte de su comunicación no verbal normal.
La corrección política no existe: Ibáñez hace chistes con gays, obesas, negros, terroristas árabes, usureros judíos… nadie se libra. Ofelia, la secretaria de la TIA, es una mujer gorda, obsesionada con su imagen, pero esclava de su glotonería y que busca desesperadamente un novio. Un candidato recurrente es Mortadelo, por el que siente un amor-odio polarizado al límite. Mortadelo siempre la humilla. En una ocasión le ofrece un regalo. «Señorita Ofelia, le traigo un pajarito que es su viva imagen». Ofelia desconfía: «Um, ahí llega ese mendrugo calvo», pero enseguida cae rendida. «¿Sí?». «¿Una linda palomita blanca? ¿Un ave del paraíso?», pregunta emocionada. «No, una cotorra mollejuda del Afganistán». Y entonces Ofelia, ofendida, le lanza una plancha.
El universo al que pertenecen Mortadelo y Filemón es la España cañí llevada al extremo. La España todavía vigente de trampas, engaños, ignorancia, golferío y corrupción. Los deportistas españoles siempre ofrecen torrentes de excusas; en las fiestas de alta alcurnia, los invitados de la burguesía devoran caviar a dos manos y rajan sin piedad unos de otros. En El transformador metabólico (1979), la condesa se tropieza accidentalmente y acaba con el plato de caviar en la boca mientras cae con violencia hacia adelante. Dos señores de chaqué que contemplan la escena comentan: «Sí que trae hambre, la andoba».
La calidad de los productos nacionales es nefasta: las camisas son de trapo, el tabaco es Celtas sin filtro, los coches se estropean… Hay robos de gasolina, atracos, mecheros de contrabando de Andorra, inseguridad alarmante en las calles, cacos de manual y quinquis de toda la vida.
Para combatirlos está la policía que, por alguna razón, en la aventuras de Mortadelo y Filemón, van uniformados como bobbys ingleses y son llamados «gendarmes», a pesar de ser españoles. Es un misterio. Su comportamiento, en cambio, tiene poco de británico: la mayoría de policías aceptan sobornos, multan para hacer caja (mientras salivan y su nariz se torna aguileña) y recurren a la violencia a la mínima.
Los políticos, claro, no se libran. Son representados como torpes, vagos y extremadamente corruptos. Siempre llegan tarde a las cumbres mundiales, se quedan dormidos o meten la pata, como cuando el ministro debe anunciar que Barcelona es la sede elegida para los Juegos Olímpicos de 1992, pero se le traspapelan los documentos mientras se le caen las gafas y grita «¡Valdepera!».
En esta España de caricatura también se utiliza lo nacional para parodiar el atraso que vivía (y al fin y al cabo vive) España con respecto a otros países de su entorno. De ahí algunos importantes asuntos políticos que giran en el eje Washington-Berlín-Cuenca o reputados periódicos que lee el Súper como puede ser el Lugo Herald Tribune. Este atraso alcanza su culmen cuando Ibáñez traslada a sus agentes a un pueblo. Los pueblos de la España profunda son un escenario recurrente en las aventuras de Mortadelo y Filemón y en ellos la bruticie se muestra en plenitud. De hecho, el nombre de estas villas ya define a sus vecinos.
En Villacascajo de los Bestiajos, por ejemplo, los vecinos son una suerte de trogloditas que comparten cama con un caballo o agitan la vaca antes de ordeñarla para obtener mantequilla. La mejor caricatura al subdesarrollo rural aparece en Lo que el viento se dejó (1981), donde nada más entrar en el pueblo, Mortadelo y Filemón ven a un vecino haciendo grava a cabezazos contra las rocas.
El lenguaje también es único. Mortadelo, Filemón y todo el elenco de personajes que les rodean usan palabras que muchos de los lectores (muchos de nosotros) no habíamos oído antes ni en realidad hemos vuelto a escuchar. «Andoba, merluzo, rayos y centellas. Sapristi, corcho, sopla». La lista de vocablos que solo se usan en el universo mortadeliano es amplísima y su influencia en toda una generación, innegable.
Lo mismo pasa con los apodos de los villanos, ya sea Mike ‘El Trinchabueyes’ o Johny ‘Aplastayunques’, y los apellidos. Los apellidos mortadelianos son claves en la obra. Todos tienen que ver con la vida del que lo posee, aunque esta se haya definido con posterioridad, Así, el director de una importante compañía de tabacos se apellida Nicotínez, el inspector de Hacienda es Buítrez y dueño de la tienda de cactus se llama Agujeto Pinchúdez. Los agentes también responden a sus características a partir del apellido. El señor Numeríllez es el contable, Remúlez es el agente más fuerte y el agente Carbúrez es el encargado de mecánica. A veces se usa con ironía: Patricio Ardíllez es un agente anciano que no se sostiene en pie sin bastón.
Además de las palabras, las expresiones de Ibáñez vuelven a recurrir a la España profunda. Son constantes y los personajes no dejan de hacer alusiones a ese escenario de la España caricaturizada. A Mortadelo y Filemón les está succionando una turbina mientras tratan de huir y Mortadelo se queja: «¡Rayos! Esto chupa más que Hacienda!». Hay ejemplos a patadas: «Aquí dice que fumar da más disgusto que el RCD Espanyol», «es más débil que la cartera de un pensionista»… Nadie se libra.
Todas estas características van envueltas en un humor propio de Ibáñez y perfectamente identificable: el humor del tremendismo y la exageración. El humor de las caídas y golpes espantosos, de la torre de control diciendo al avión que no se puede aterrizar a ochocientos kilómetros por hora. En síntesis, el humor del llamado ‘fenómeno de la siguiente imagen’. Esto es, el personaje dice algo que prevé o cree que puede ocurrir y la siguiente imagen le muestra en la situación contraria llevada al extremo más bestia. «Saldré a dar una vuelta, que hace sol», dice Filemón sonriente en El huerto siniestro (1988). Y la siguiente viñeta muestra a Filemón bajo una inaudita tormenta de rayos y granizo.
La ‘siguiente imagen’ es un humor creado en España por Ibáñez y que ha influido mucho, muchísimo, en humoristas posteriores de todo ámbito. El señor que sale a la ventana a dar de comer a las palomas «porque es algo que me relaja, la tranquilidad de las palomas, su susurro, y viene muy bien para mi enfermedad grave de corazón». Y acto seguido un buitre loco sobre el que se aferra Filemón cae graznando desesperado sobre su ventana. Ibáñez siempre juega con las palabras y la exageración llevada al límite. Si un personaje busca un rato de silencio, le pasará un avión por encima. Si quiere cazar mariposas, será embestido por un rinoceronte.
Francisco Ibáñez siempre ha repetido que Mortadelo y Filemón no tienen mensaje. Que nada se esconde detrás de sus aventuras y que la intención única de sus historietas es hacer reír y olvidarse de todo lo demás.
La realidad es que, sea la intención del autor o no, las aventuras de Mortadelo y Filemón suponen uno de los retratos más esquizofrénicos e irreverentes que se ha hecho de la España postransición, evidentemente exagerado, pero que encierra una gran dosis de verdad.
Detrás de la caricatura llevada al límite, de las condiciones esclavistas de trabajo, de los políticos torpes y corruptos, los trapicheos de calle y el cutrerío generalizado, detrás de todo eso se encuentra un espejo en el que España refleja sus miserias y que todos reconocemos: reformas laborales, escándalos de corrupción, mafias y delincuentes asentados en España y un muy mejorable funcionamiento de las Administraciones. Una imagen de la que Ibáñez elige reírse. Tal vez sea ese el secreto de Mortadelo y Filemón: una forma de reírnos de nosotros mismos. Algo que, como todos sabemos, es infalible en el humor.
Fuente: https://www.yorokobu.es/mortadelo-y-filemon/
El armario del tiempo
El sulfato atómico
Magín, el mago
El Caso de los Gamberros
El balón catastrófico
Los superhéroes del Profesor Bacterio
El caso de los secuestradores
El caso de los sobornos
Testigo de cargo
Misión de perros
El caso de Billy El Horrendo
Los inventos del profesor Bacterio
El caso de los diamantes
El caso de la Estatua de la Libertad
Safari callejero
¡Hay un traidor en la T.I.A.!
La venganza de Ten-Go-Pis
La Brigada Bichera
El ansia del poder
La gallina de los huevos de oro
La elasticina
Casos aéreos
El otro «Yo» del Profesor Bacterio
La máquina de copiar gente
En busca del antídoto
¡Contrabando!
Los cachorros majaretas
La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón
Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo
Né en 1907 près de Bruxelles, le jeune Georges Remi est un enfant turbulent qui se passionne pour le dessin. Il subit l’occupation allemande de la Première Guerre mondiale. Amateur de scoutisme durant son adolescence, ses premiers dessins sont publiés dans des revues scouts de Belgique. Il prend alors pour pseudonyme Hergé, formé à partir des initiales de son nom et prénom (RG). En 1925, il commence à travailler pour le journal Le Vingtième Siècle. Il se voit confier à partir de 1928 la responsabilité du lancement du Petit Vingtième, un supplément jeunesse comportant des pages de bandes dessinées. Dans cet hebdomadaire, Hergé va créer plusieurs personnages. Le plus célèbre d’entre eux, Tintin, voit le jour en 1929. Les voyages de ce jeune reporter connaissent un succès retentissant en Belgique dès les premières semaines de parution.
En 1932, Hergé épouse sa première femme Germaine Kieckens. Au début de la Seconde Guerre mondiale, la Belgique est annexée par l’Allemagne nazie. Le Vingtième Siècle cesse de paraitre et Hergé est engagé par le journal Le Soir, qui devient sous l’occupation un journal collaborationniste. Après la Libération, Hergé est soupçonné de collaboration et d’antisémitisme, comme beaucoup de personnes ayant travaillé au Soir. Il est pendant un temps interdit de publication. La création des Éditions du Lombard en 1946 permet la diffusion du Journal de Tintin et le retour d’Hergé, nommé directeur artistique du projet. A partir des années 1950, le phénomène Tintin prend une ampleur mondiale. Des adaptations et produits dérivés voient le jour dès 1959. Fatigué par plusieurs épisodes de dépression et des problèmes de santé, Hergé ne peut plus garder la même productivité qu’auparavant. En 1977, il divorce et se remarie avec Fanny Rodwell, aujourd’hui propriétaire d’une partie des droits sur l’œuvre de son mari. Hergé s’éteint en 1983 à l’âge de 75 ans.
Les Aventures de Tintin : l’œuvre majeure d’Hergé
Hergé crée le personnage de Tintin en 1929, alors qu’il cherche de nouvelles idées de personnages à intégrer dans Le Petit Vingtième. L’apparence de Tintin est probablement inspirée du personnage de Totor, dessiné par Hergé entre 1926 et 1930 pour Le Boy-scout belge. Il va faire vivre à ce jeune reporter et son fidèle chien Milou de nombreuses enquêtes à travers le monde. La première se déroule en URSS et est intitulée Tintin au pays des Soviets. L’idée a été soumise à Hergé par le directeur du Vingtième siècle, Norbert Wallez, hostile aux idées communistes et fervent admirateur de Mussolini. Cette bande dessinée hebdomadaire gagne en popularité en Belgique et attire l’attention de la maison d’éditions Casterman. Hergé y signe un contrat en 1934 pour compiler et publier Les Aventures de Tintin en albums. C’est vers cette période que l’auteur commence à effectuer des recherches plus poussées pour ses histoires. Sa rencontre et son amitié avec le sculpteur Zhang Chongren, alors étudiant, a une influence dans sa manière de raconter l’histoire du Lotus bleu. Hergé a collaboré avec d’autres auteurs de bandes dessinées célèbres comme Edgar P . Jacobs et Jacques Martin. Ces derniers l’ont aidé pour la refonte graphique et la colorisation, mais conseillent aussi Hergé sur les histoires de Tintin. La dernière aventure, Tintin et l’Alph-Art, est publiée à titre posthume et demeure inachevée. La série est aujourd’hui vendue à plusieurs centaines de millions d’exemplaires et traduite dans près d’une centaine de langues.
Tintin a été adapté au cinéma à plusieurs reprises. Il a également fait l’objet de plusieurs adaptations en dessins animés. On peut mentionner les histoires originales créées dans les années 60 comme Tintin et le Mystère de la Toison d’Or (1961) et Tintin et les Oranges bleues (1964). Elles sont jouées par de vrais acteurs, avec Jean-Pierre Talbot dans le rôle de Tintin. Un film en images de synthèse réalisé par Steven Spielberg, Les Aventures de Tintin : Le Secret de La Licorne, est sorti en 2011. Une histoire originale en dessin animé intitulée Tintin et le Lac aux requins sort en 1972. Enfin, on dénombre deux séries animées notables qui adaptent les bandes dessinées Tintin. La première, Les Aventures de Tintin, d’après Hergé, commence en 1959 et s’achève en 1964. Elle est produite par les studios Belvision. La plus connue aujourd’hui reste cependant la seconde, Les Aventures de Tintin, commencée en 1991 et plus fidèle aux albums d’Hergé. Elle est le fruit d’une collaboration franco-canadienne, produite par Ellipse et Nelvana.
Les autres séries de bandes dessinées réalisées par Hergé
Même si Hergé est principalement connu pour Les Aventures de Tintin, il est également à l’origine d’autres séries de bandes dessinées. Chronologiquement, Les Aventures de Totor, C. P. des Hannetons sont les premières histoires qu’il publie à partir de 1926. Totor, un scout débrouillard, possède de nombreuses similitudes avec Tintin et semble avoir été une source d’inspiration pour la création de ce dernier. Dès la création du Petit Vingtième, Hergé dessine L’Extraordinaire aventure de Flup, Nénesse, Poussette et Cochonnet (1928-1929), une histoire centrée sur plusieurs enfants et leur cochon gonflable. En 1930, un an après le début de publication de Tintin, Hergé décide de créer une nouvelle bande dessinée, mais avec un format plus court, Quick et Flupke. Centrée sur les farces de deux enfants vivant à Bruxelles dans le quartier des Marolles, la série connaît un certain succès pendant les cinq premières années. Comme les albums de Tintin, elle va subir une colorisation et une refonte graphique, puis être compilée en 12 volumes par Casterman. En 1934 paraît Popol et Virginie au pays des Lapinos. On y suit le voyage de deux oursons en pleine conquête de l’Ouest. Enfin, dans Les Aventures de Jo, Zette et Jocko (1936), deux frère et sœur et leur fidèle chimpanzé Jocko vivent des aventures aux quatre coins du globe. La série compte un total de cinq volumes, encore une fois édités par Casterman.
Avec 230 millions d’albums vendus dans le monde, impossible d’être passé à côté des personnages cultes de George Remi, alias Hergé. 87 ans qu’ils existent et autant de générations qui ont suivis leurs aventures aux quatre coins du monde, du château de Moulinsart au Tibet,en passant par la Lune. Mais les connaît-on vraiment ? Rendu célèbre par sa fameuse ligne claire, son réalisme et son sens de la représentation, celui que beaucoup considèrent comme « le père de la bande dessinée européenne » prenait plaisir à puiser dans son quotidien et dans l’actualité pour inspirer décors, atmosphères et personnages.« Si je vous disais que dans Tintin j’ai mis toute ma vie », on lui répondrait « Et sans doute un peu de celle des autres ». Alors que le Grand Palais rend hommage au dessinateur belge dans une exposition à l’affiche jusqu’au 17 janvier 2017, retour sur ces hommes et femmes, réels ou non, qui ont inspirés ces fameux personnages dont les bulles sont traduites dans plus d’une centaine de langues. Rendons à César, ce qui est à César.
Maria Callas Le fameux rossignol milanais des Aventures de Tintin ne pouvait pas avoir un autre modèle. Librement inspirée par celle que l’on surnommait la Diva, la Castafiore en est sa version cartoonesque. La vraie a boulversée les codes de l’interprétation lyrique par son timbre de voix et l’étendue de son répertoire, devenant ainsi l’une des plus grandes cantatrices du XXème siècle. La fictive est surtout connue pour pourrir la vie de son entourage et plus particulièrement celle du Capitaine Haddock (qu’elle affectionne tout particulièrement) avec son morceau préféré, le seul qu’elle interprète en sept albums de Tintin : L’air des Bijoux, chanté par le personnage de Marguerite dans Faust de Charles Gounod. Si Maria Callas l’a surement interprété au cour de sa carrière, l’Histoire ne dit pas si, comme la Castafiore, elle revint sur scène pour quinze rappels… C’est dans Paris-Match (une de ses sources favorites) que le dessinateur trouvait images et détails sur la vie de la cantatrice la plus célèbre de son époque. Tante NiniePour ce personnage, Hergé se serait également inspirée de sa tante Ninie, qui, lorsqu’il était enfant, avait l’habitude de faire partager à toute la famille la puissance de ses cordes vocales. Traumatisant à vie le petit George Remi et installant à jamais, chez lui, une aversion pour l’opéra.Morceau choisi« Aaaaaaaah ! Je ris de me voir si belle en ce miroir! Est-ce toi Marguerite? Est-ce toi ? Répond moi ! Répond , répond , répond, répooooooond ! »
Capitaine Craddock« Quel est celui de tous mes personnages que je préfère ? Je crois bien que c’est le capitaine Haddock. Il a tellement de défauts que je le reconnais presque comme un ami intime […] », voilà ce qu’en disait Hergé. En effet, coups de gueule, maladresse et tempérament de feu sont l’apanage du Capitaine Haddock, sans doute le plus proche ami de Tintin après Milou. Quant aux origines de celui que ses intimes appellent Archibald, il faut aller les chercher dans un obscure film franco-allemand de Hanns Schwartz et Max de Vaucorbeil, Le Capitaine Craddock, avec l’acteur Jean Murat dans le rôle éponyme. Grand fan, Hergé fait même chanter une chanson de ce film à son personnage dans Le Crabe aux pinces d’or : Les Gars de la marine.À poisson fumé Mais d’après la première femme du dessinateur le nom de « Haddock » viendrait simplement d’un « triste poisson anglais ». Le mot français d’origine anglaise désigne également de l’églefin fumé. Sympa.Morceau choisi« Au large, flibustier ! Hors de ma vue, gibier de potence ! Sapajou ! Marchand de tapis ! Paranoïaque ! Moule à gaufres ! Cannibale ! Ornithorynque ! Boit-sans-soif ! Bachi-bouzouk ! Anthropophage ! Cercopithèque ! Schizophrène ! Heu… Jocrisse ! Pirate ! Ectoplasme ! Coloquinte ! Rapace ! Trompe-la-mort ! Ostrogoth! Vandale ! »
Hergé Tintin, 16 ans pour toujours, un chien pour seul famille, reporter que personne n’a jamais vu rédiger un seul article, houpette légendaire et coeur pur, n’a au premier abord que très peu si ce n’est aucune ressemblance avec son créateur. Et pourtant : « Plus ou moins volontairement, je me suis » mis » dans mes héros, dans Tintin surtout, qui m’offre une image parfaite, trop parfaite de ce que je voudrais être […] Tintin c’est moi… Ce sont mes yeux, mes sens, mes poumons, mes tripes ! Je crois que je suis seul à pouvoir l’animer, dans le sens de donner une âme ».L’explication d’Hergé se suffit à elle même.Morceau choisi« Une boîte à conserve + un noyé + cinq fausses pièces + Karaboudjan + un Japonais + une lettre + un enlèvement = un fameux casse-tête chinois… »
Augsute Piccard Dur de la feuille, pour ne pas dire complètement sourd, un peu timbré, portant la moustache, la barbichette, les lunettes rondes et parfois le chapeau melon, ce cher Tryphon doit son physique quelque peu ingrat au physicien suisse Auguste Piccard. Si le premier est pratiquement nain, le second était plutôt élancé. Hergé expliquait cette différence par le fait qu’il avait besoin de faire rentrer Tournesol dans les cases, faisant ainsi de lui un « mini-piccard ». Tout deux partagent une passion commune : l’exploration de la verticalité par des moyens hydrostatiques (pour les non-initiés, grâce à des fusées ou sous-marins). Vaste programme… Yves RocardLes scientifiques qui utilisent un pendule (ce petit poids pendu à un fil que le professeur Tournesol trimballe partout avec lui) ne sont pas si répandus. Concrètement il n’y en a que deux de notoires : Tryphon et le professeur Yves Rocard (1903-1992) du Collège de France, connu pour ses travaux sur la radiesthésie et donc lui aussi totalement fana de pendules.Morceau choisi « C’est inouï ! C’est prodigieux ! C’est incroyable ! Dire que dans quelques minutes, ou bien nous marcherons sur le sol de la Lune, ou bien nous serons tous morts ! C’est merveilleux ! »
Zhang ChongrenAmi de Tintin, Tchang Tchang-Jen a bien existé. Un beau jour de mai 1934, on présente à Hergé un jeune homme brun, fluet, aux traits asiatiques. Il s’appelle Zhang Chongren et a quitté sa Chine natale pour étudier les beaux-arts dans la capitale belge. Pendant plus d’un an, tous les dimanches, Zhang servira de coach à Hergé pour dessiner Le Lotus Bleu. De ce travail commun est né une amitié profonde qui a souvent alimenté les fantasmes d’une relation amoureuse… Le Tchang de papier semble être le premier vrai ami de Tintin, qu’il rencontre durant son voyage en Chine dans Le Lotus Bleu. En le quittant pour l’Europe, le petit reporter belge verse quelques-unes des très rares larmes de sa carrière. Heureusement, ils se recroiseront dans Tintin au Tibet et les Bijoux de la Castafiore.Morceau choisi« Il y a un arc-en-ciel dans mon coeur, Vénérable ! Je pleure le départ de Tintin et je ris de retrouver un papa et une maman ! »
Présents dans pratiquement tous les tomes des Aventures de Tintin (20 albums sur 24), les Dupondt sont en général synonymes de catastrophes en tout genre. Sosies parfaits, les deux policiers ne se distinguent qu’à leur moustache. Dupont la taille droite et Dupond la taille recourbée vers l’extérieur. Facile. Les exégètes de Tintin ont toujours cité le père et l’oncle d’Hergé pour percer le mystère de Dupont et Dupond. Alexis et Léon Rémi qui étaient de véritables jumeaux – contrairement aux deux agents de la police judiciaire qui ne seraient que de simples sosies – s’habillaient à l’identique : canotier, canne et chemise blanche. Sans oublier la belle moustache bien fournie. En créant les Dupondt, Hergé a expliqué vouloir montrer cette catégorie de gens qui « parce que le devoir est censé le leur imposer, arrêtent sans dilemme de conscience particulier un ami et font passer leur conscience professionnelle avant leur humanité ». À chacun de faire ses propres suppositions…Morceau choisi Dupond : « Et hop ! Encore un mirage ! » Dupont: « Tu crois ? Ça n’en a pas l’air. À ta place je ferais une petit virage et… » Dupond: « Moi, faire un virage pour un stupide rimage ? Euh…Un rivage pour un mirage…Non, un mirage pour un virage…euh…Enfin, jamais de la vie : je continue tout droit. »
Tintin au pays des Soviets (1930)
Tintin au Congo (1931)
Tintin en Amérique (1932)
Les Cigares Du Pharaon (1934)
Le Lotus bleu (1936)
L’Oreille cassée (1937)
L’île Noire (1938)
Le sceptre d’Ottokar (1939)
Le Crabe aux Pinces D’Or (1941)
L’étoile mystérieuse (1942)
Le Secret De La Licorne (1943)
Le Trésor de Rackham le Rouge (1944)
Les Sept Boules De Cristal (1948)
Le Temple Du Soleil (1949)
Au pays de l’or noir (1950)
Objectif Lune (1953)
Les Aventures de Tintin (1954)
L’ Affaire Tournesol (1956)
Coke en stock (1958)
Tintin Au Tibet (1960)
Les Bijoux De La Castafiore (1963)
Vol 714 pour Sydney (1968)
Tintin et les Picaros (1976)
By 1911, 36-year-old Ed Burroughs had reached a dead end.
His early life had more than its share of excitement. A stint in the U.S. Cavalry, chasing Apache “renegades” in the desert Southwest, was followed by a few years cowboy-ing on his brother’s Idaho ranch. After that, he was a gold prospector, then a railroad policeman.
Desiring something better in life, he returned to his native Chicago, where his father, a Civil War hero and successful businessman, helped him find the first of a series of white-collar jobs. Chief among these was a year spent as head of the stenography department of Sears, Roebuck and Company. There he oversaw 150 secretaries who turned out an estimated 4,000 letters a day for the colossal mail-order company.
Wanting to make his own mark, Burroughs quit Sears for a partnership in an ad agency that soon went under. After that came a stint as a salesman for a pencil sharpener company, then years as the low-paid editor of a magazine for small businesses.
Married to his high school sweetheart, with two young children, Burroughs began writing at night. He enjoyed spinning imaginative tales for his kids, and decided to create something for the cheap pulp magazines then gaining in popularity. “I remember thinking,” he told an interviewer years later, “that if other people got money for writing such stuff I might, too, for I was sure I could write stories just as rotten as theirs.”
In about two months he finished a short fantasy novel, Under the Moons of Mars, and sent it to Argosy magazine. He was embarrassed enough by the work to submit it under a pseudonym, Normal Bean. The adventure story of an American soldier magically transported to the Red Planet (much like how Mark Twain’s Connecticut Yankee traveled to King Arthur’s court) was bought for $400. Check deposited, Ed Burroughs did not look back.
A medieval adventure romance quickly followed. It was turned down by the editor of All-Story magazine, who nevertheless warmly encouraged him to keep at it. His next short novel, 1912’s Tarzan of the Apes, was accepted enthusiastically and published under his full name, Edgar Rice Burroughs, in a single issue of the magazine. It profoundly changed his life, along with popular culture, and the pop culture business, forever.
“Me, Tarzan,” The First Superhero
The orphaned infant child of marooned English aristocrats, Tarzan was adopted and named by a troop of advanced apes in the wilds of Africa, growing into an action hero. The novel was an overnight sensation. Its debut in All-Story led to newspaper serialization and a hardcover book the following year.
Fast-paced, imaginative, and ably told, Tarzan borrows from sources as diverse as Rudyard Kipling’s The Jungle Book (1892), whose main character Mowgli was a boy raised by wolves; the jungle adventure tales of H. Rider Haggard; and even Joseph Conrad, from whom Burroughs took the As-Told-to-Me narrative frame of the 1906 classic novella, Heart of Darkness.
With his overnight success, Burroughs was able to draw on his hard-earned corporate savvy. Affable and easy-going, he considered himself a storyteller, not a writer, whose job was to steadily produce product that was then sold to the highest bidder.
In 1914, with Tarzan’s success making him the most famous author in America, Burroughs bought a large house in the Chicago suburb of Oak Park. This almost certainly made an impression on 15-year-old Ernest Hemingway, who lived just eight blocks away.
Burroughs was the first writer to incorporate as a business – ERB Inc. – that licensed all of his characters and stories. In the early stages of his career, this mainly meant serial publication rights, magazines, newspapers, and hardcover editions of the novels that began to flow from his pen. His foresight, though, created a goldmine in 1918 when the first Tarzan film debuted.
Though the first movie Tarzan, Elmo Lincoln, looked more like a weightlifter in a long, furry, off-the-shoulder gown, and not the lithe, nearly nude character of the novel, the film was an immediate smash. With then-groundbreaking special effects, and relatively realistic jungle scenes, it was one of the first films to gross more than $1 million. Burroughs’s share was a cool $45,000 (over $800,000 in 2021 dollars).
Tarzan Kick-Starts Action Hero Movies
Tarzan was the first superhero to appear across a range of consumer products – candy, games, toys, comic strips, comic books, radio shows, and films. Fourteen years after the first movie, Tarzan was back in theaters, now in the shape of Olympic swimming champion Johnny Weissmuller, exactly the trim and muscular figure Burroughs envisioned for his famous character.
The first two MGM Tarzan films were particularly notable for Weissmuller’s jungle yell, ever after associated with the character, and the sexy chemistry between him and costar Maureen O’Sullivan, Tarzan’s “mate” Jane.
Made before the Hays production code enforced a nearly Victorian modesty on Hollywood movies, Tarzan the Ape Man (1932) and Tarzan and His Mate (1934) dressed their two gorgeous stars in the skimpiest outfits possible at the time. The second film even included a beautifully shot nude underwater ballet. Cut from the finished film, it was rediscovered in MGM’s archives decades later.
But if the ten next Weissmuller movies earned Burroughs another fortune, they also took Tarzan away from him. The plots for the films were cobbled together by studio writers, and drifted widely from the characters and stories Burroughs continued to produce.
Where Weissmuller’s Tarzan spoke in a pidgin English, and rarely left the jungle home he shared with Jane and their adopted son “Boy,” the Tarzan of the novels (human name: John, Lord Greystoke) had quickly regained the status and estate of his aristocratic parents, learned to fly airplanes, dressed well, could speak French, and lived with Jane (and their biological son Jack) on an enormous African ranch, returning to his jungle ways only as needed by the demands of plot.
Widely considered the best-selling American author of the first half of the 20th century, Burroughs’s dozens of adventure titles are estimated to have sold as many as 60 million copies.
Burroughs admitted that “most of the stories I wrote were the stories I told myself before I went to sleep.” As such, they are particular tales of wish fulfillment of a long-frustrated, white American man who grew up in the late 19th century. Burroughs, according to the novelist and critic Gore Vidal, “consoled himself with an inner world where he was strong and handsome, adored by beautiful women and worshipped by exotic races.” Consequently, his stories can present problems for many contemporary readers.
Though his cavalry experience left Burroughs with a respect for the black soldiers he served with, and an admiration of the Native Americans he encountered on duty, as he aged, and his writing became more formulaic, common racist tropes of savage Africans, and stereotypically comic Afro-American servants, infused his stories.
White supremacy – based explicitly on culture, not genetics – is the now-obvious subtext of the Tarzan and Mars adventures. Burroughs’s worst racial animus, however, was directed at the Japanese. In his last Tarzan novel, Tarzan and the Foreign Legion, written in 1943, Tarzan, helped by a drug giving him eternal youth, shows up to fight for the Allies in the South Pacific.
Tarzan And The Demands Of The Market
Burroughs escaped a financial dead end by writing Tarzan of the Apes, but churning out a stream of pulp novels with the same characters, year in and out, for two decades eventually brought on a creative one.
He was never too fussy about how his stories unfolded. The later works in the Tarzan (24 novels total) and Mars (10 books) series, along with a third series, six titles total, about the Land of Pellucidar, a prehistoric world inside a hollow Earth, rely on stock predicaments, outlandish coincidences, and bad dialogue.
The decline in quality was the direct result of a constant need for new product. For all the money Burroughs made, he spent it on a millionaire’s lifestyle once he moved from Oak Park to Los Angeles in 1918.
In 1918, Burroughs bought the 550-acre San Fernando Valley mansion estate of the late newspaper publisher H.G. Otis, naming his new home for his famous hero. Tight finances forced Burroughs to subdivide and sell the property, for a neat profit, six years later. In doing so he created the Los Angeles neighborhood still called Tarzana.
In California, he settled into a life of steady writing (producing many action novels outside the three fantasy adventure series) and business deals. A divorce and quick remarriage to a woman half his age preceded a move to Honolulu in 1936. There he witnessed the December 1941 attack on Pearl Harbor. A two-year stint as a celebrity war correspondent, without seeing much action, in the Pacific brought a level of thrills missing from his life since his cavalry/cowboy days.
By then, though, Burroughs was suffering from decades of heavy cigarette smoking and vigorous social drinking. Divorced again, and increasingly incapacitated with a failing heart, he died of a coronary in Los Angeles in 1950. ERB Inc., however, continued to run, managed by his son and grandson, and still licenses products to this day.
Why Tarzan Matters
Given the poor quality of Burroughs’ later stories, and the tacit racism of so many of the tales, is his work still worth reading? In spite of those liabilities, Edgar Rice Burroughs did a lot of stuff right. He took great pride in researching details for his African stories, and created maps and languages for his make-believe realms.
He was a genius at what’s now called world-building, hanging his fantasies on a frame of realistic details. He came up with some excellent names, and was peerless at describing action – everything from sword fights to horseback riding. Most of all, he had a rich imagination that makes his best works, none of them very long, fun to read.
What’s more, Burroughs’s immense popularity gave an early drive and distinction to pulp fiction, that very American literary form, and by doing so inspired generations of young writers. And if his prose can’t compare with the work of the best pulp authors, his characters certainly do.
Tarzan, like any mythic being, has survived for more than a century in the popular imagination by representing wide and ongoing cultural concerns. Once standing for a certain kind of European management of wild places and remote people, Tarzan now represents an immersive encounter with nature, a vivid connection between humans and animals that recognizes our shared existence on the planet, and the threat to endangered species and pristine landscapes.
Tarzan as Eco-Warrior? It’s a safe bet that Ed Burroughs, were he alive today, would be happy to tell that story.
The books that started it all
Published originally in a pulp magazine called All-Story in 1912, Tarzan of the Apes by Edgar Rice Burroughs was the first novel about a white child who was raised by primates after his parents died. He grew up to usurp the alpha male ape as king of the jungle after learning their ways. He swung from vines, had a trademark call of the wild, was eventually introduced to a bunch of abhorrent humans and the less abhorrent Jane, the love of his life, and finds out he is the heir to a title and a fortune. The series was an immediate massive hit and Burroughs capitalized on that popularity by writing two dozen sequels.
Hollywood came calling
Not counting the adult films, there have been at least 45 movies starting with 1918’s silent Tarzan of the Apes and including a bunch of cheesy adventures in the 1930s and 1940s with Johnny Weissmuller and a softcore romp with Bo Derek in 1981 that featured the characters from Burroughs’ books. There was also a 1966-68 NBC television series starring Ron Ely as the savage swinger and an animated children’s program in the 1970s. The most well-know adaptation is likely the Disney animated movie made in 1999, which like many other Disney films and Disney rides, feature real-life places.
Tarzan’s image, according to the Los Angeles Times, has been used to sell everything from T-shirts to vitamins and chest wigs. In Japan, a fitness magazine was even named after him. The Southern Californian community, Tarzana—where Burroughs built his office in 1926 and was buried—is also named after the lord of the jungle. There is no denying that Tarzan is one of the most beloved and enduring characters in the whole of literature.
Burroughs’ inspirations
The author who originally wrote under a pseudonym because “he thought writing was a lark” and a “silly profession for a big vigorous outdoorsman, as he fancied himself to be,” according to a Los Angeles Times interview with Scott Tracy Griffin, who wrote Tarzan: The Centennial Celebration, a scholarly coffee-table book published when the first novel turned 100 in 2012. Griffin says Burroughs was always “canny about his inspirations.” He “was a very well-read man” who “studied Greek and Latin through his school years, did research in the Chicago Public Library” and “had a very firm grounding in the classics.”
Burroughs usually claimed Tarzan was based on classic tales and mythology, often citing the story of Romulus and Remus. According to Britannica.com, they were the twin grandsons of King Numitor, who was deposed by his brother, and fathered by the war god Mars. They were sentenced to death by drowning as infants so as not to leave any rightful claimants to the throne. But they wound up floating down the Tiber River to the site where they would later found Rome, only surviving by being suckled and fed by a she-wolf and a woodpecker.
Many believe Burroughs was so specific and canny about the origins of his idea because he was plagued by accusations of copying Rudyard Kipling, whose Jungle Book was published many years earlier in 1894 and featured Mowgli, a boy raised by wolves, befriended by other animals, and eventually faced with both internal and external human dilemmas. (Coincidentally, it was also turned into a Disney cartoon and a live-action film.) Kipling himself once accused Burroughs of jazzing up the Mowgli plot in order to make Tarzan a hit, according to The Hollywood Reporter.
Possible real-life Tarzan
But like a good book, the plot thickens. It turns out Kipling might have been wrong, at least partially, and Burroughs might have hidden his actual inspiration for the hero. It wouldn’t be the first incidence of a writer basing an iconic character on a real person.
Enter the 14th Earl of Streatham, William Charles Mildin. According to a 1959 article by journalist Thomas Llewellyn Jones in Man’s Adventure magazine, Mildin’s shocking tale of survival and primates sounds pretty familiar.
To recap, Tarzan aka John Clayton was the child of aristocrats. The family was marooned in Africa and, after both of his parents perished, he was left to fend for himself in the jungle. He learns survival skills from a family of apes who call him Tarzan, meaning “white of skin.” He eventually tangles with a bunch of other humans including his shady family members and his beloved Jane and learns about his moneyed heritage.
Both came from English nobility
A Telegraph article explains that the earl’s story surfaced when family documents were released after his son died in 1937. Lord Mildin left 1,500 handwritten pages of memoirs. Tarzan’s real identity was Lord Greystroke. (Lord Greystroke is, however, a made-up name.)
Both were shipwrecked in Africa
The Earl also spent more than a decade, 15 years to be exact, in the wilds of Africa after a job on a boat went terribly wrong. His papers begin: “I was only 11 when, in a boyish fit of anger and pique, I ran away from home and obtained a berth as cabin boy aboard the four-masted sailing vessel, Antilla, bound for African ports-of-call and the Cape of Good Hope …”
His ship was destroyed during a three-day storm and he claimed he survived by clinging to a “piece of the wreckage.” He washed ashore somewhere between Pointe Noire and Libreville in French Equatorial Africa, according to The Telegraph. The original Man’s Adventure article said official insurance documents proved the Antilla had been totaled in 1868.
Clearly, if he was the prototype for Tarzan, this is where Burroughs took some liberties. Mildin was 11 and had run away from home; Tarzan was a small child who was stranded with his parents.
Both palled around with primates
The papers say he did not seek out natives as he “had always heard they were savages — headhunters and cannibals.” Mildin’s memoirs claim he took up with a group of apes after they provided him with food. According to a fanzine called ERBzine article, which reprinted Llewallan Jones’ 1959 article, the journals stated: “For some strange reason, I was not afraid of these strange creatures. They were hideous to look upon but seemed gentle and harmless.”
He writes that they gave him nuts, grubs, and roots. He was starving so he ate the castoffs, which apparently were rejected by his system at first. “I was terribly ill afterwards and the apes appeared to understand this. One ancient female hunched her way over to me and cradled me in her arms.”
He “gathered branches to make a crude treehouse.” He returned the favor to the family by making fire and stealing weapons from a native settlement: “I found new and easy ways to root under logs for grubs and dig for roots with a sharp-tipped stick. He talks about dressing their wounds with cool moss or wet mud.
Mildin brags that he was “unusually strong and agile for his age” but never claims he became the leader of the animals. “The brutes came to look upon me, not as a leader for I could not match their feats of strength and endurance, but as a mute well-intentioned and helpful counselor,” says an excerpt in the ERBzine piece.
Unlike Tarzan, he did not speak to the apes but did figure out some form of communication. Sounds wild, but scientific experiments and studies like the long-term one with Koko The Gorilla prove apes can be taught sign language. Once Mildin became a teen, he claims he left the beasts and moved in with a native tribe.
Both were swingers
Albeit different kinds, but Mildin was a bit of a player before he re-entered the realm of the white man. He alleges he married five local women and sired four children during his time in the village. His papers allege that the barren wife was speared to death in a ritual as it was the tribe’s custom to punish sterility.
When bad blood began to boil again with rival tribes, according to the ERBzine article, Mildin fought alongside his adopted people and taught them the art of “surprise attacks.” After he tired of war, he went full deadbeat dad, deserted them, and worked his way slowly up the coast until reaching a trading post some 250 miles away. Within months, he had returned to his homeland to claim his title, estate, and white male privilege. Warring tribes in that part of Western Africa at the time is a verifiable fact and according to the ERBzine article, there was an 1884 report from Fort Lamy that confirms Mildin came through there to get home.
According to the Reporter-Herald, the story goes a little differently. They mention that Mildin returned to London 15 years later but it was after being captured by adventurers and returned to civilization. If you remember, Tarzan also spends time in civilization, eventually learns of his nobility, and was often hunted by other humans.
Either way, Mildin made it home to his family fortune and title. He married again and had one son, Edwin George, in 1889. He died in 1919 and his son died in 1937 never having married.
No proof
Given that most of the players in this scenario died before this theory could be proven, there’s no way to 100 percent know that Mildin’s story helped in at least part to spark Tarzan’s creation. Mildin’s detailed papers were only released, per his will, when his last legitimate heir had passed away. However, the broad details of his marooning in Africa and his return, a few decades before Burroughs wrote the book, were covered in several articles in The London Times and romanticized in English illustrated papers and magazines, according to ERBzine. We’ve already established that experts believe Burroughs was a very well-read man who did lots of research. And if he did reach out to Mildin, it is entirely possible that Burroughs agreed to keep it a secret because Mildin knew the details of his papers, largely admitting the existence of his illegitimate African-based children, would complicate his will.
Jane of the Jungle
Pretty sure this tale has you wondering about Jane. But sadly for fans of Tarzan’s lady friend who first appeared in Tarzan of the Apes — A Romance of the Jungle in 1912 in All-Story, she does appear to be a pure figment of Burroughs’ imagination. Jane’s introduction was such a hit that it spurred Burroughs to write a bunch of tales about the pair’s life together in the jungle. Perhaps best of all, she inspired one real-life Jane, Jane Goodall, to live among the apes in Africa. “Silly man,” Goodall is reported as saying by the Jane Goodall Institute. “He married the wrong Jane.” We guess we can add Tarzan and Mildin to the list of classic cartoons and their real-life inspirations.
Source: https://www.rd.com/article/man-who-inspired-tarzan/
Back in 2012, the Library of America published special facsimile editions of two Edgar Rice Burroughs’s novels: “Tarzan of the Apes,” introduced by Thomas Mallon, and the nearly as famous planetary romance, “A Princess of Mars,” introduced by Junot Diaz. This year, Edgar Rice Burroughs Inc. has begun to issue a uniform authorized edition of the entire Tarzan series, each volume featuring action-filled cover art by Joe Jusko. The company has also continued the “Carson of Venus” saga with a newly commissioned exploit by Matt Betts titled “The Edge of All Worlds.” While Burroughs (1875-1950) churned out every kind of pulp adventure, including several books set in the hollow-earth realm of Pellucidar and a fast-moving lost-world trilogy assembled as “The Land That Time Forgot,” the first Tarzan novels, in particular, show how deeply his mythic storytelling can captivate the imagination.
The books do this, moreover, despite Burroughs’s sometimes stilted language, period stereotypes (dotty professor, “humorous” Black maid, cartoon Russian anarchist) and myriad improbabilities in their plotting. Racial attitudes and beliefs are typical of the time yet more nuanced than you might expect: Tarzan judges people, regardless of their skin color or ethnicity, solely by their character. Courage, fortitude and compassion — these are the qualities that matter.
Burroughs opens “Tarzan of the Apes” (1914) with an irresistible hook: “I had this story from one who had no business to tell it to me, or to any other.” The pages that follow describe how the infant son of the dead Lord and Lady Greystoke is reared by an anthropoid ape named Kala and learns to survive and flourish in the African jungle. One day, the grown Tarzan swings out of the trees to rescue a party of shipwrecked Westerners, thereby encountering Baltimorean Jane Porter and her suitor, the English aristocrat William Clayton, heir-apparent to the Greystoke title and estates. Many adventures follow but, with a daring that most writers would shrink from, Burroughs brings the novel to a climax in, of all places, Wisconsin.
There, Jane and Tarzan finally acknowledge their love for each other, even though Jane feels honor-bound to keep her promise to wed Clayton. Shortly after a tearful farewell, the brokenhearted ape-man learns that he is, in fact, the rightful Lord Greystoke. Just then, Clayton enters and cheekily asks, “How the devil did you ever get into that bally jungle?” The answer provides the novel’s throat-catching final lines:
“ ‘I was born there,’ said Tarzan, quietly. ‘My mother was an Ape, and of course she couldn’t tell me much about it. I never knew who my father was.’ ”
This act of renunciation drives home one of Burroughs’s main themes: That despite a brutish, not British, upbringing, Kala’s son possesses unassailable nobility and fineness of character. Note that this isn’t because of aristocratic blood, family background or race. Rather the novel presents Tarzan as Rousseau’s unspoiled child of nature, a literally noble savage free from the vices and corruption associated with advanced industrial society. However, the encounter with Jane Porter has seriously shaken his equanimity.
As “The Return of Tarzan” (1915) opens, the ape-man feels psychologically divided between the claims of “civilization” and the call of the wild. (This is a common literary theme of the era — think of Jack London’s sled dog Buck, Robert Louis Stevenson’s Dr. Jekyll and Oscar Wilde’s Dorian Gray.) What should a lord of the jungle do with his life?
First, Monsieur Jean C. Tarzan tries to adapt to Parisian high society — at least until a dastardly Russian named Nikolas Rokoff contrives to make it appear that Tarzan’s friendship with the Countess de Coude masks a full-fledged love affair. To save the lady’s honor, Tarzan again chooses self-sacrifice, resolving to die in a duel with her husband, the finest pistol shot in France. Miraculously, he survives and, for good measure, proves the countess’s innocence.
Next, the ape-man travels to Algeria to expose a traitor in the French Foreign Legion. By freeing a young Arab woman from slavery, he earns the undying gratitude of her father, a powerful desert sheikh. “All that is Kadour ben Saden’s is thine, my friend, even to his life.” Tarzan rapidly comes to admire the sheikh and his stern, dignified warriors, but resists the temptation to settle among them permanently.
After thwarting several murder attempts by Rokoff, our hero finally returns to his beloved African homeland. “Who would go back to the stifling, wicked cities of civilized man when the mighty reaches of the great jungle offered peace and liberty? Not he.” Before long Tarzan, by now a specialist in rescuing people from certain death, saves an African named Busuli, then joins his new friend’s people, the Waziri, among whom he finds contentment — for a while.
Even the most casual reader of “The Return of Tarzan” will notice its neatly orchestrated shifts, as its displaced protagonist “tries out” life among White Europeans, sunburnt Arabs and Black Waziri. But Tarzan’s journey of self-discovery isn’t over yet. While exploring the mysterious, half-ruined city of Opar, he is captured by its savage inhabitants, most of whom are virtually indistinguishable from H.G. Wells’s bestial Morlocks. Only Opar’s high priestess La preserves a fully human beauty and Tarzan the Irresistible naturally catches her eye.
Following a lucky escape from Opar, the weary-hearted lord of the jungle finally decides, in Walt Whitman’s phrase, to “turn and live with the animals. They are so placid and self-contained.” He rejoins the apes he grew up with and gradually begins to forget the heartache and complexity of being human. At which point Jane reappears – along with Clayton and Rokoff.
As this précis indicates, the Tarzan novels repeatedly extol glad animal spirits and natural instinct over western culture’s soul-deadening constraints and artificiality. This is a simplistic dichotomy, albeit useful for highly melodramatic storytelling. In his many, many adventures to come, the ape-man will sometimes appear as the urbane and proper Lord Greystoke, but whenever serious danger threatens, he will, in approved superhero fashion, quickly doff his bespoke suit and take to the trees as Tarzan the untamed, Tarzan the invincible.
eBook of Tarzan of the Apes, by Edgar Rice Burroughs
Tarzan of the Apes (1918)
The Son of Tarzan (1920)
Tarzan and the Golden Lion (1927)
Tarzan the Tiger (1929)
Tarzan the Ape Man (1932)
Tarzan the Fearless (1933)
Tarzan and His Mate (1934)
New Adventures of Tarzan (1935)
Tarzan Escapes (1936)
Tarzan’s Revenge (1938)
Tarzan Finds a Son (1939)
Tarzan’s Secret Treasure (1941)
Tarzan’s New York Adventure (1942)
Tarzan Triumphs (1943)
Tarzan’s Desert Mystery (1943)
Tarzan and the Amazons (1945)
Tarzan and the Leopard Woman 1946
Tarzan and the Huntress (1947)
Tarzan and the mermaids (1948)
Tarzan and the Slave Girl (1950)
Tarzan’s Peril (1951)
Tarzan and the Lost Safari (1957)
Tarzan’s Fight for Life (1958)
Tarzan’s Greatest Adventure (1959)
Tarzan the Ape Man (1959)
Tarzan the Magnificent (1960)
Tarzan Goes to India (1962)
Tarzan´s Three Challenges (1963)
Tarzan and the Great River (1967)
Tarzan’s Jungle Rebellion (1967)
Tarzan and the Jungle Boy (1968)
Tarzan’z Deadly Silence (1970)
Greystoke’s The Legend of Tarzan, Lord of the Apes (1984)
Tarzan And The Lost City Trailer (1998)
Tarzan (1999)
Tarzan and Jane (2002)
Tarzan – The Legend Starts Here (2013)
The Legend of Tarzan (2016)
eBook of Utopia, by Thomas More
eBook of The Tempest, by William Shakespeare
eBook of The Life and Adventures of Robinson Crusoe, by Daniel Defoe
eBook of Gulliver’s Travels, by Jonathan Swift
eBook of The Mysterious Island, by Jules Verne
eBook of Treasure Island, by Robert Louis Stevenson
eBook of The Island of Doctor Moreau, by H. G. Wells
eBook The Most Dangerous Game by Richard Connell
eBook The Black Island by Hergé
eBook The Voyage of the Dawn Treader by C.S.Lewis
eBook Lord of the Flies by William Golding
Our Man in Havana by Graham Green (1958)
eBook Our Man in Havana by Graham Gren
eBook A Caribbean Mystery by Agatha Christie
eBook Jurassic Park by Michael Crichton
eBook The Beach by Alex Garland
Charles Lutwidge Dodgson (January 27, 1832-January 14, 1898), a.k.a. the writer known as Lewis Carroll, was a Renaissance man of the Victorian Era. He was an accomplished mathematician, poet, satirist, philosopher, inventor, and photographer in the art form’s earliest days. Yet most of us know him best as a children’s author because of Alice and her adventures through the nonsense and tea of Wonderland. If you’ve only seen him through the looking glass, here are a few other things you should know.
Like a lot of writers, Dodgson was frustrated by losing the excellent ideas that inconveniently come in the middle of the night, so in 1891 he invented the nyctograph. The device is a card with 16 square holes (two rows of eight) that offers a guide for the user to enter a shorthand code of dots and dashes. Dodgson also considered it useful for the blind.
2. He suffered from a stutter for most of his life.
Dodgson had a rough childhood. He developed a stutter—which he called his “hesitation”—at an early age. It stuck with him throughout adulthood and ultimately became part of his personal mythos—including the evidence-free claim that he only stuttered around adults, but spoke without problem to children. A childhood fever also left him deaf in one ear, and a bout of whooping cough at 17 weakened his chest for the rest of his life. Late in life, he developed debilitating, aura-hallucinating migraines and what doctors at the time diagnosed as epilepsy.
3. Carroll was the dodo in Alice’s Adventures in Wonderland.
Dodgson delivered the original story concept for Alice in Wonderland while on one of his boating trips with the Liddells—the children of his boss, Henry Liddell, the dean of Christ Church, Oxford—and he marked the July 4, 1862, event in the book itself as the Caucus Race. Alice is Alice Liddell, the Lory is Lorina Liddell, the Eaglet is Edith Liddell, the duck was colleague Reverend Robinson Duckworth, and the dodo was Dodgson himself. The popular story is that he used the bird as his caricature because his stammer made him sometimes introduce himself as “Do-Do-Dodgson,” but there’s no evidence to back up the claim.
4. Carroll spelled out his inspiration for Alice in the last chapter of Through the Looking Glass.
Throughout his life, Dodgson denied that Alice was based on any real-life person, but “A boat beneath a sunny sky,” the poem at the end of Through the Looking-Glass, is an acrostic that spells out Alice Pleasance Liddell.
5. He wrote 11 books on mathematics.
A master logician, Dodgson’s work in the fields of linear algebra, geometry, and puzzle-making is noteworthy. He wrote almost a dozen books that ranged from An Elementary Treatise on Determinants, With Their Application to Simultaneous Linear Equations and Algebraic Equations to The Game of Logic to The Theory of Committees and Elections. His interests and expertise widely varied; he also wrote the first printed proof of the Kronecker-Capelli theorem [PDF] and a conceptual system for better governmental representation.
6. The Alice stories are possibly satires of non-Euclidean math.
Dodgson was a conservative mathematician, living and working in an age in which the discipline was dramatically changing. In a 2010 op-ed for The New York Times, Melanie Bayley made a compelling case that Alice’s adventures parodied an incipient, conceptual math that featured imaginary numbers and quaternions, which Dodgson scoffed at. The Cheshire Cat may represent the growing abstraction in the field, and the overall absurdity of Wonderland may be meant to match the “absurdity” the conventional Dodgson saw emerging in his discipline.
7. One person thought Carroll was Jack the Ripper.
The list of people suspected of being Jack the Ripper is a long one, and, for some reason, the mind behind Alice is on it. The Ripper and Dodgson were contemporaries; the murders took place in 1888, when Dodgson was in his mid-fifties. Author Richard Wallace theorized that Dodgson, following a strict religious upbringing and potential bullying during his unhappy school years, grew up to become a serial murderer following his successful teaching and writing careers. The bulk of the theory stems from Wallace rearranging Dodgson’s writing into “confessions.” While Dodgson did bury codes and clues in his books, scrambling random paragraphs into syntactically awkward statements about killing is more than a stretch.
8. He was an accomplished photographer.
Beginning in his mid-twenties and continuing for over two decades, Dodgson created over 3000 photographic images, including portraits of friends and notable figures (like Alfred, Lord Tennyson), landscapes, and stills of skeletons, dolls, statues, paintings, and more. According to Lewis Carroll: A Biography, Morton N. Cohen’s biography of the artist, Dodgson had his own studio and briefly considered making a living as a photographer in the 1850s.
9. Carroll was a lifelong bachelor, which has led to some speculation about his romantic interests.
Dodgson’s photography has also been at the center of a modern reconsideration of Dodgson’s sexuality. The author was a lifelong bachelor whose surviving photographic work is 50 percent comprised of depictions of young girls, including Alice Liddell, as well as several prints where the girls are nude. The most famous of these is a portrait of one Oxford colleague’s daughter, Beatrice Hatch. Not much is directly known about Dodgson’s personal relationships, which has led to speculation—notably by Cohen—that he had romantic feelings for the 11-year-old Alice, but author Karoline Leach suggested that the reframing of Dodgson as a pedophile is a myth borne from ignorance of Victorian morals and the popularity at the time of nude children in art, combined with Dodgson’s family burying information about the writer’s relationships with adult women.
10. Carroll may have been one inspiration for the novel Lolita.
Vladimir Nabokov, who translated Alice’s Adventures in Wonderland into Russian, once referred to Carroll as “Lewis Carroll Carroll, because he was the first Humbert Humbert.” Nabokov’s suspicions centered around Carroll’s photographs.
11. He became a deacon, but never a priest.
So much of Dodgson’s life invites speculation, including his refusal to become a priest, counter to the rules of Christ Church during his residency there. He was ordained as a deacon on December 22, 1861, but had to petition Dean Liddell to avoid becoming a priest. Once again, his stammer appears to be one possible explanation as to why he refused priesthood, but there’s no evidence that it might have impeded his ability to preach. Other possible reasons include a love of theater (which the Bishop of Oxford spoke out against), tepid interest in the Anglican Church, and a growing interest in alternative religions.
Source: https://www.mentalfloss.com/article/535136/10-fascinating-facts-about-lewis-carroll
eBook of Alice’s Adventures in Wonderland, by Lewis Carroll
eBook of Through the Looking-Glass, by Charles Dodgson, AKA Lewis Carroll
Kipling’s father, John Lockwood Kipling, was an artist and scholar who had considerable influence on his son’s work, became curator of the Lahore Museum, and is described presiding over this “wonder house” in the first chapter of Kim, Rudyard’s most famous novel. His mother was Alice Macdonald, two of whose sisters married the highly successful 19th-century painters Sir Edward Burne-Jones and Sir Edward Poynter, while a third married Alfred Baldwin and became the mother of Stanley Baldwin, later prime minister. These connections were of lifelong importance to Kipling.
Much of his childhood was unhappy. Kipling was taken to England by his parents at the age of six and was left for five years at a foster home at Southsea, the horrors of which he described in the story “Baa Baa, Black Sheep” (1888). He then went on to the United Services College at Westward Ho, north Devon, a new, inexpensive, and inferior boarding school. It haunted Kipling for the rest of his life—but always as the glorious place celebrated in Stalky & Co. (1899) and related stories: an unruly paradise in which the highest goals of English education are met amid a tumult of teasing, bullying, and beating. The Stalky saga is one of Kipling’s great imaginative achievements. Readers repelled by a strain of brutality—even of cruelty—in his writings should remember the sensitive and shortsighted boy who was brought to terms with the ethos of this deplorable establishment through the demands of self-preservation.
Kipling returned to India in 1882 and worked for seven years as a journalist. His parents, although not officially important, belonged to the highest Anglo-Indian society, and Rudyard thus had opportunities for exploring the whole range of that life. All the while he had remained keenly observant of the thronging spectacle of native India, which had engaged his interest and affection from earliest childhood. He was quickly filling the journals he worked for with prose sketches and light verse. He published the verse collection Departmental Ditties in 1886, the short-story collection Plain Tales from the Hills in 1888, and between 1887 and 1889 he brought out six paper-covered volumes of short stories. Among the latter were Soldiers Three, The Phantom Rickshaw (containing the story “The Man Who Would Be King”), and Wee Willie Winkie (containing “Baa Baa, Black Sheep”). When Kipling returned to England in 1889, his reputation had preceded him, and within a year he was acclaimed as one of the most brilliant prose writers of his time. His fame was redoubled upon the publication in 1892 of the verse collection Barrack-Room Ballads, which contained such popular poems as “Mandalay,” “Gunga Din,” and “Danny Deever.” Not since the English poet Lord Byron had such a reputation been achieved so rapidly. When the poet laureate Alfred, Lord Tennyson, died in 1892, it may be said that Kipling took his place in popular estimation.
In 1892 Kipling married Caroline Balestier, the sister of Wolcott Balestier, an American publisher and writer with whom he had collaborated in The Naulahka (1892), a facile and unsuccessful romance. That year the young couple moved to the United States and settled on Mrs. Kipling’s property in Vermont, but their manners and attitudes were considered objectionable by their neighbours. Unable or unwilling to adjust to life in America, the Kiplings returned to England in 1896. Ever after Kipling remained very aware that Americans were “foreigners,” and he extended to them, as to the French, no more than a semi-exemption from his proposition that only “lesser breeds” are born beyond the English Channel.
Besides numerous short-story collections and poetry collections such as The Seven Seas (1896), Kipling published his best-known novels in the 1890s and immediately thereafter. His novel The Light That Failed (1890) is the story of a painter going blind and spurned by the woman he loves. Captains Courageous (1897), in spite of its sense of adventure, is burdened by excessive descriptive writing. Kim (1901), about an Irish orphan in India, is a classic. The Jungle Book (1894) and The Second Jungle Book (1895) are stylistically superb collections of stories. These books give further proof that Kipling excelled at telling a story but was inconsistent in producing balanced, cohesive novels.
In 1902 Kipling bought a house at Burwash, Sussex, which remained his home until his death. Sussex was the background of much of his later writing—especially in Puck of Pook’s Hill (1906) and Rewards and Fairies (1910), two volumes that, although devoted to simple dramatic presentations of English history, embodied some of his deepest intuitions. In 1907 he received the Nobel Prize for Literature, the first Englishman to be so honoured. In South Africa, where he spent much time, he was given a house by Cecil Rhodes, the diamond magnate and South African statesman. This association fostered Kipling’s imperialist persuasions, which were to grow stronger with the years. These convictions are not to be dismissed in a word: they were bound up with a genuine sense of a civilizing mission that required every Englishman, or, more broadly, every white man, to bring European culture to those he considered the heathen natives of the uncivilized world. Kipling’s ideas were not in accord with much that was liberal in the thought of the age, and, as he became older, he was an increasingly isolated figure. When he died, two days before King George V, he must have seemed to many a far less representative Englishman than his sovereign.
Legacy of Rudyard Kipling
Kipling’s poems and stories were extraordinarily popular in the late 19th and early 20th century, but after World War I his reputation as a serious writer suffered through his being widely viewed as a jingoistic imperialist. (His rehabilitation was attempted, however, by T.S. Eliot.) His verse is indeed vigorous, and in dealing with the lives and colloquial speech of common soldiers and sailors it broke new ground. Balladry, music hall song, and popular hymnology provide its unassuming basis; even at its most serious—as in “Recessional” (1897) and similar pieces in which Kipling addressed himself to his fellow countrymen in times of crisis—the effect is rhetorical rather than imaginative.
But it is otherwise with Kipling’s prose. In the whole sweep of his adult storytelling, he displays a steadily developing art, from the early volumes of short stories set in India through the collections Life’s Handicap (1891), Many Inventions (1893), The Day’s Work (1898), Traffics and Discoveries (1904), Actions and Reactions (1909), Debits and Credits (1926), and Limits and Renewals (1932). While his later stories cannot exactly be called better than the earlier ones, they are as good—and they bring a subtler if less dazzling technical proficiency to the exploration of deeper though sometimes more perplexing themes. It is a far cry from the broadly effective eruption of the supernatural in The Phantom Rickshaw (1888) to its subtle exploitation in “The Wish House” or “A Madonna of the Trenches” (1924), or from the innocent chauvinism of the bravura “The Man Who Was” (1890) to the depth of implication beneath the seemingly insensate xenophobia of Mary Postgate (1915). There is much in Kipling’s later art to curtail its popular appeal. It is compressed and elliptical in manner and sombre in many of its themes. The author’s critical reputation declined steadily during his lifetime—a decline that can scarcely be accounted for except in terms of political prejudice. Paradoxically, postcolonial critics later rekindled an intense interest in his work, viewing it as both symptomatic and critical of imperialist attitudes.
Kipling, it should be noted, wrote much and successfully for children—for the very young in Just So Stories (1902) and for others in The Jungle Book and its sequel and in Puck of Pook’s Hill and Rewards and Fairies. Of his miscellaneous works, the more notable are a number of early travel sketches collected in two volumes in From Sea to Sea (1899) and the unfinished Something of Myself, posthumously published in 1941, a reticent essay in autobiography.
Source: https://www.britannica.com/biography/Rudyard-Kipling/Legacy
eBook of The Jungle Book, by Rudyard Kipling
Rudyard Kipling’s The Jungle Books were first published in 1894 and 1895, and they feature stories about Mowgli, a boy raised by wolves in the Indian jungle. The stories have remained popular and have inspired numerous adaptations – but their attitudes have been questioned by some parents and critics, who see them as a relic of Britain’s colonial past.
Indeed, a classic way of reading the tales is as an allegory for the position of the white colonialist born and raised in India. Mowgli – the Indian boy who becomes “master” of the jungle – is understood to be – as Kipling scholar John McClure interprets it: “behaving towards the beasts as the British do to the Indians”.
So its interesting that among the wide variety of music to be performed at the 2019 Proms is Charles Koechlin’s Les Bandar-log. It’s a piece that he wrote in the first half of the 20th century as part of his nearly life-long effort to set the whole of Rudyard Kipling’s Jungle Book to music. As a scholar whose focus has been both on Kipling’s children’s literature and, more broadly, the representation of animals in children’s fiction, I’ve been asked to take part in a BBC Radio 3 Proms Plus talk on the subject.
The classic account of Kipling, while persuasive in many ways, seems to me to be a bit limited. It misses some of the interesting questions the stories raise about notions of belonging and identity.
The standard account relies on the idea that the human and animal identities within the stories are clearly distinguished from each other and fixed – and that this fixed distinction extends via allegory to white colonial and Indian identities.
Fluid identities
But what happens to our understanding of the stories if we don’t treat the human and animal identities as distinct? I would argue that a species name doesn’t necessarily fix a character’s identity in the reader’s mind’s eye.
For example, Bagheera, the black panther, is described in terms of a series of other animals: he is “as cunning as Tabaqui [the jackal], as bold as the wild buffalo, and as reckless as the wounded elephant”. Attributes that are supposedly intrinsic to one animal can be found in another. Like Bagheera, Mowgli describes himself in terms of other animals: “Mowgli the Frog have I been […] Mowgli the Wolf have I said that I am. Now Mowgli the Ape must I be before I am Mowgli the Buck,” and it is this process of transformation that will lead to the end in which he will become “Mowgli the Man”. In this way he blurs the distinction between himself and the other jungle inhabitants.
This undermines narratives of essential difference between species. If we follow this through with respect to the common allegorical reading that sets Mowgli apart from the animals, it also undermines claims that there are absolute differences between white colonialists and Indian “natives”.
Also take a closer look at the relationship of the child Mowgli to the inhabitants of the jungle and you’ll see the way this complicates accounts of the Jungle Books as straightforwardly imperialist in character.
Belonging
The Jungle Book stories focus a great deal on the issue of belonging, raising questions about the grounds on which one may claim to belong to a particular group or community: is belonging a matter of being born a member of a group, or is it a matter of convention and social agreement?
Because Mowgli is raised by wolves and initiated into their society he has a hybrid identity. Shere Khan, the tiger, resists Mowgli’s hybrid identity, referring to it as “man-wolf folly”. He claims that his hatred of Mowgli is justified because Mowgli is intrinsically “a man, a man’s child”. On the other hand, Akela, the leader of the wolves, claims kinship with Mowgli on the basis that:
He has eaten our food. He has slept with us. He has driven game for us. He has broken no word of the Law of the Jungle. … He is our brother in all but blood.
For Akela, Mowgli’s belonging is secured by his actions and his conformity with wolf society. Meanwhile, it’s worth noting that the most strident advocate of the idea that identity and belonging are a matter of “blood” is Shere Khan, the villain of the piece.
By the end of the first Mowgli story it may seem that those, like Shere Khan, who claim that one’s identity is what one is born to be, carry the day – since Mowgli is cast out of the jungle. Though he speaks of leaving the jungle and going to “his own people”, he also qualifies this with: “if they be my own people” and he also goes on to reassert his claim to be part of the wolf pack when he follows this with the promise: “There shall be no war between any of us in the pack.”
As Daniel Karlin points out in his Penguin Classics edition of The Jungle Books (1987), Kipling changed this in his final collected edition of the stories to: “There shall be no war between any of us and the pack,” and so in the later edition “he already identifies with men”.
Either way, Mowgli does go on to rule the jungle rather than just remain a member of the jungle “family” as seems to be suggested by the recent Disney live-action/CGI film based on the stories. So there are ambiguities there, but a close reading of the Jungle Book stories leads me to feel that there is more to them than an imperialist narrative.
After a century or so during which Kipling has frequently been painted simply as a cheerleader for the “white man” and his burden – and at a time when questions of identity and belonging are particularly relevant for Britain – perhaps it’s time for a more nuanced reading of his classic works that allows their ambiguities and ambivalences to come to the fore.
Hannibal, Missouri made Mark Twain, and, in turn, Twain made Hannibal famous. Few American authors are as closely intertwined — and influenced — by their hometowns as Twain. The childhood years spent in this Missouri town gave birth to some of the most famous characters in American literature, an emotional and memory-filled well that Twain would return to again and again.
Twain came from humble origins
Samuel Langhorne Clemens was born in the tiny town of Florida, Missouri, on November 30, 1835, two weeks after Halley’s Comet made its closest approach to the Earth. He was the sixth of seven children born to John and Jane Clemens. He was a sickly youth, whose parents feared he might not survive, and the family was beset by the tragic early deaths of three of Twain’s siblings.
When Twain was 4 years old, his family moved to the Mississippi River port town of Hannibal, where John worked as a lawyer, storekeeper and judge. John also dabbled in land speculation, leaving the family’s finances often precarious. His son, who would become one of the wealthiest authors in America, would follow in his father’s financially-shaky footsteps as an adult and was prone to speculation and ill-advised investments that would repeatedly threaten his financial security.
Jane was a loving mother, and Twain would later note that he inherited his love of storytelling from her. His father couldn’t have been more different, and Twain later claimed that he had never seen the dour and serious John smile.
His years in Hannibal would be the most formative of his life
Hannibal would be immortalized as the town of “St. Petersburg” in Twain’s works. He would write of lazy days spent in the company of a group of loyal friends. They played games and spent hours and days exploring the surrounding area, including a cave just outside of town that was a favorite of Clemens’ real gang of friends, which would play a key role in Tom Sawyer as the cave where Tom Sawyer and Becky Thatcher nearly died.
Thatcher was based on Twain’s real-life childhood crush, Laura Hawkins. Like Twain, Hawkins had moved to Hannibal as a child, and her family lived on the same street as the Clemens family. She and Twain were schoolmates and sweethearts, and idealized versions of Laura made their way into several other Twain books, including The Gilded Age. Later in life, Twain and Hawkins rekindled their friendship, with Twain visiting with her in Hannibal and Hawkins traveling east to Twain’s Connecticut home just two years before his death.
Sawyer’s half-brother Sid was based on Twain’s younger brother Henry. The two were quite close, and when Twain began training as a riverboat pilot on the Mississippi, he encouraged Henry to join him. Tragically, Henry was killed in a steamboat explosion at the age of just 20. Twain never forgave himself, and Henry’s death haunted him for the rest of his life.
Twain said he based the character of Sawyer on himself and two childhood friends, John B. Briggs and William Bowen. But many believe that he nicked the character’s name from a hard-drinking, Brooklyn-born fireman named Tom Sawyer who Twain had befriended in the 1860s. Like Twain, Sawyer had worked on riverboats in his youth, and the pair bonded over a series of drinking benders and gambling adventures in San Francisco, Nevada and elsewhere.
Another childhood friend was the inspiration for Huck Finn
Although Twain initially claimed to have invented the character entirely, he later admitted that Finn was based on Tom Blankenship. The son of the town drunkard, Blankenship was nonetheless idolized by the boys of Hannibal, who relished his sense of freedom and easy ways.
As Twain later wrote in his autobiography, “He was ignorant, unwashed, insufficiently fed; but he had as good a heart as ever any boy had. His liberties were totally unrestricted. He was the only really independent person — boy or man — in the community, and by consequence, he was tranquilly and continuously happy and envied by the rest of us.”
The character of Finn, first introduced in “Tom Sawyer” before getting his own book in 1884, was Twain’s most indelible creation — and his most controversial. While enormously influential and still popular more than a century after it was published, the book is also one of the most frequently banned in America, criticized for its use of coarse language, ethnic slurs and its depiction of the runaway enslaved person, Jim, which many consider racist.
The novel shows Twain dealing with the impact of American slavery
The Adventures of Huckleberry Finn was one of the first American novels to be written entirely using an English vernacular language and dialect, as Twain recalled both the sights and sounds of his youth. It was also Twain’s attempt to reconcile both the darkness and light of his Hannibal years, which were filled with happy childhood memories as well as darker ones, reflecting the realities of the often capriciously violent world of a riverboat town and the lasting effects of racism and slavery.
Twain later admitted he had grown up unquestioningly accepting slavery, before becoming an avowed advocate for Black rights later in life. Missouri was a slave state, and both Twain’s father and several Clemens family members owned enslaved people. As a young boy, Twain spent summers on his uncle’s farm, listening to stories told by its enslaved workers, including an old man named “Uncle Daniel.” Twain also drew on similar stories he heard from formerly enslaved people who worked for his sister-in-law in upstate New York after the Civil War to create his portrait of Jim, and a long-ago story of the Tom Blankenship’s brother’s secret assistance to a runaway enslaved person would inspire Finn’s relationship with Jim.
Twain’s childhood ended early
When young Twain was just 11, his father died, pushing the family to the brink of economic collapse. Twain was forced to leave school and worked a series of jobs before becoming a printer’s apprentice, where he put his burgeoning love of words into tactical practice by setting type. After stints working for his brother’s newspaper and other publishers in the Midwest and East, Twain fulfilled another childhood love fueled by his Hannibal days by becoming a Mississippi River boat pilot. This brief, though happy, phase of his early 20s was also where he acquired the pen name that millions would soon know him by: “Mark Twain,” a term used by captains to mark a water depth of two fathoms, indicating safe passage for their ships.
Although Twain would only work on the Mississippi for a few years before the start of the Civil War, that period, like those in Hannibal before them, left a lasting impression. Twenty years after his riverboat career ended, Twain took a nostalgic journey along the river to New Orleans, inspiring much of his 1883 book, Life on the Mississippi. And as he made his way back up along the river, he made a return visit home to Hannibal, back to where it all began.
Source: https://www.biography.com/news/mark-twain-early-life-facts
Mark Twain, born Samuel Langhorne Clemens Nov. 30, 1835 in the small town of Florida, MO, and raised in Hannibal, became one of the greatest American authors of all time. Known for his sharp wit and pithy commentary on society, politics, and the human condition, his many essays and novels, including the American classic,The Adventures of Huckleberry Finn, are a testament to his intelligence and insight. Using humor and satire to soften the edges of his keen observations and critiques, he revealed in his writing some of the injustices and absurdities of society and human existence, his own included. He was a humorist, writer, publisher, entrepreneur, lecturer, iconic celebrity (who always wore white at his lectures), political satirist, and social progressive.
He died on April 21, 1910 when Halley’s Comet was again visible in the night sky, as lore would have it, just as it had been when he was born 75 years earlier. Wryly and presciently, Twain had said, “I came in with Halley’s Comet in 1835. It is coming again next year (1910), and I expect to go out with it. It will be the greatest disappointment of my life if I don’t go out with Halley’s Comet. The Almighty has said, no doubt: «Now here are these two unaccountable freaks; they came in together, they must go out together.” Twain died of a heart attack one day after the Comet appeared its brightest in 1910.
A complex, idiosyncratic person, he never liked to be introduced by someone else when lecturing, preferring instead to introduce himself as he did when beginning the following lecture, “Our Fellow Savages of the Sandwich Islands” in 1866:
“Ladies and gentlemen: The next lecture in this course will be delivered this evening, by Samuel L. Clemens, a gentleman whose high character and unimpeachable integrity are only equalled by his comeliness of person and grace of manner. And I am the man! I was obliged to excuse the chairman from introducing me, because he never compliments anybody and I knew I could do it just as well.”
Twain was a complicated mixture of southern boy and western ruffian striving to fit into elite Yankee culture. He wrote in his speech, Plymouth Rock and the Pilgrims,1881:
“I am a border-ruffian from the State of Missouri. I am a Connecticut Yankee by adoption. In me, you have Missouri morals, Connecticut culture; this, gentlemen, is the combination which makes the perfect man.”
Growing up in Hannibal, Missouri had a lasting influence on Twain, and working as a steamboat captain for several years before the Civil War was one of his greatest pleasures. While riding the steamboat he would observe the many passengers, learning much about their character and affect. His time working as a miner and a journalist in Nevada and California during the 1860s introduced him to the rough and tumble ways of the west, which is where, Feb. 3, 1863, he first used the pen name, Mark Twain, when writing one of his humorous essays for the Virginia City Territorial Enterprise in Nevada.
Mark Twain was a riverboat term that means two fathoms, the point at which it is safe for the boat to navigate the waters. It seems that when Samuel Clemens adopted this pen name he also adopted another persona – a persona that represented the outspoken commoner, poking fun at the aristocrats in power, while Samuel Clemens, himself, strove to be one of them.
Twain got his first big break as a writer in 1865 with an article about life in a mining camp, called Jim Smiley and His Jumping Frog, also called The Celebrated Jumping Frog of Calaveras County. It was very favorably received and printed in newspapers and magazines all over the country. From there he received other jobs, sent to Hawaii, and then to Europe and the Holy Land as a travel writer. Out of these travels he wrote the book, The Innocents Abroad, in 1869, which became a bestseller. His books and essays were generally so well-regarded that he started lecturing and promoting them, becoming popular both as a writer and a speaker.
When he married Olivia Langdon in 1870, he married into a wealthy family from Elmira, New York and moved east to Buffalo, NY and then to Hartford, CT where he collaborated with the Hartford Courant Publisher to co-write The Gilded Age, a satirical novel about greed and corruption among the wealthy after the Civil War. Ironically, this was also the society to which he aspired and gained entry. But Twain had his share of losses, too – loss of fortune investing in failed inventions (and failing to invest in successful ones such as Alexander Graham Bell’s telephone), and the deaths of people he loved, such as his younger brother in a riverboat accident, for which he felt responsible, and several of his children and his beloved wife.
Although Twain survived, thrived, and made a living out of humor, his humor was borne out of sorrow, a complicated view of life, an understanding of life’s contradictions, cruelties, and absurdities. As he once said, “There is no laughter in heaven.”
HUMOR
Mark Twain’s style of humor was wry, pointed, memorable, and delivered in a slow drawl. Twain’s humor carried on the tradition of humor of the Southwest, consisting of tall tales, myths, and frontier sketches, informed by his experiences growing up in Hannibal, MO, as a steamboat pilot on the Mississippi River, and as a gold miner and journalist in Nevada and California.
In 1863 Mark Twain attended in Nevada the lecture of Artemus Ward (pseudonym of Charles Farrar Browne,1834-1867), one of America’s best-known humorists of the 19th century. They became friends, and Twain learned much from him about how to make people laugh. Twain believed that how a story was told was what made it funny – repetition, pauses, and an air of naivety.
In his essay How to Tell a Story Twain says, “There are several kinds of stories, but only one difficult kind—the humorous. I will talk mainly about that one.” He describes what makes a story funny, and what distinguishes the American story from that of the English or French; namely that the American story is humorous, the English is comic, and the French is witty.
He explains how they differ:
“The humorous story depends for its effect upon the manner of the telling; the comic story and the witty story upon the matter. The humorous story may be spun out to great length, and may wander around as much as it pleases, and arrive nowhere in particular; but the comic and witty stories must be brief and end with a point. The humorous story bubbles gently along, the others burst. The humorous story is strictly a work of art, — high and delicate art, — and only an artist can tell it; but no art is necessary in telling the comic and the witty story; anybody can do it. The art of telling a humorous story —- understand, I mean by word of mouth, not print — was created in America, and has remained at home.”
Other important characteristics of a good humorous story, according to Twain, include the following:
Twain believed in telling a story in an understated way, almost as if he was letting his audience in on a secret. He cites a story, The Wounded Soldier, as an example and to explain the difference in the different manners of storytelling, explaining that:
“The American would conceal the fact that he even dimly suspects that there is anything funny about it…. the American tells it in a ‘rambling and disjointed’ fashion and pretends that he does not know that it is funny at all,” whereas “The European ‘tells you beforehand that it is one of the funniest things he has ever heard, then tells it with eager delight, and is the first person to laugh when he gets through.” ….”All of which,” Mark Twain sadly comments, “is very depressing, and makes one want to renounce joking and lead a better life.”
Twain’s folksy, irreverent, understated style of humor, use of vernacular language, and seemingly forgetful rambling prose and strategic pauses drew his audience in, making them seem smarter than he. His intelligent satirical wit, impeccable timing, and ability to subtly poke fun at both himself and the elite made him accessible to a wide audience, and made him one of the most successful comedians of his time and one that has had a lasting influence on future comics and humorists.
Humor was absolutely essential to Mark Twain, helping him navigate life just as he learned to navigate the Mississippi when a young man, reading the depths and nuances of the human condition like he learned to see the subtleties and complexities of the river beneath its surface. He learned to create humor out of confusion and absurdity, bringing laughter into the lives of others as well. He once said, “Against the assault of laughter nothing can stand.”
Source: https://www.thoughtco.com/mark-twain-biography-4142835
eBook of The Adventures of Tom Sawyer, by Mark Twain
Mr. Samuel Clemens has taken the boy of the Southwest for the hero of his new book, The Adventures of Tom Sawyer, and has presented him with a fidelity to circumstance which loses no charm by being realistic in the highest degree, and which gives incomparably the best picture of life in that region as yet known to fiction. The town where Tom Sawyer was born and brought up is some such idle shabby Mississippi River town as Mr. Clemens has so well described in his piloting reminiscences, but Tom belongs to the better sort of people in it, and has been bred to fear God and dread the Sunday-school according to the strictest rite of the faiths that have characterized all the respectability of the West. His subjection in these respects does not so deeply affect his inherent tendencies but that he makes himself a beloved burden to the poor, tender-hearted old aunt who brings him up with his orphan brother and sister, and struggles vainly with his manifold sins, actual and imaginary.
The limitations of his transgressions are nicely and artistically traced. He is mischievous, but not vicious; he is ready for almost any depredation that involves the danger and honor of adventure, but profanity he knows may provoke a thunderbolt upon the heart of the blasphemer, and he almost never swears; he resorts to any strategem to keep out of school, but he is not a downright liar, except upon terms of after shame and remorse that make his falsehood bitter to him. He is cruel, as all children are, but chiefly because he is ignorant; he is not mean, but there are very definite bounds to his generosity; and his courage is the Indian sort, full of prudence and mindful of retreat as one of the conditions of prolonged hostilities. In a word, he is a boy, and merely and exactly an ordinary boy on the moral side. What makes him delightful to the reader is that on the imaginative side he is very much more, and though every boy has wild and fantastic dreams, this boy cannot rest till he has somehow realized them. Till he has actually run off with two other boys in the character of a buccaneer and lived for a week on an island in the Mississippi, he has lived in vain; and this passage is but the prelude to more thrilling adventures, in which he finds hidden treasures, traces the bandits to their cave, and is himself lost in its recesses. The local material and the incidents with which his career is worked up are excellent, and throughout there is scrupulous regard for the boy’s point of view in reference to his surroundings and himself, which shows how rapidly Mr. Clemens has grown as an artist. We do not remember anything in which this propriety is violated, and its preservation adds immensely to the grown-up reader’s satisfaction in the amusing and exciting story. There is a boy’s love-affair, but it is never treated otherwise than as a boy’s love-affair. When the half-breed has murdered the young doctor, Tom and his friend, Huckleberry Finn, are really in their boyish terror and superstition, going to let the poor old town-drunkard be hanged for the crime, till the terror of that becomes unendurable. The story is a wonderful study of the boy-mind, which inhabits a world quite distinct from that in which he is bodily present with his elders, and in this lies its great charm and its universality, for boy-nature, however human nature varies, is the same everywhere.
The tale is very dramatically wrought, and the subordinate characters are treated with the same graphic force that sets Tom alive before us. The worthless vagabond, Huck Finn, is entirely delightful throughout, and in his promised reform his identity is respected: he will lead a decent life in order that he may one day be thought worthy to become a member of that gang of robbers which Tom is to organize. Tom’s aunt is excellent, with her kind heart’s sorrow and secret pride in Tom; and so is his sister Mary, one of those good girls who are born to usefulness and charity and forbearance and unvarying rectitude. Many village people and local notables are introduced in well-conceived character; the whole little town lives in the reader’s sense, with its religiousness, its lawlessness, its droll social distinctions, its civilization qualified by its slave-holding, and its traditions of the wilder West which has passed away. The picture will be instructive to those who have fancied the whole Southwest a sort of vast Pike County, and have not conceived of a sober and serious and orderly contrast to the sort of life that has come to represent the Southwest in literature.
Source: https://www.theatlantic.com/magazine/archive/1876/05/the-adventures-of-mark-twain/306509/
eBook of Adventures of Huckleberry Finn, by Mark Twain
On its surface, Mark Twain’s The Adventures of Huckleberry Finn is a straightforward story about a boy and a runaway slave floating down the Mississippi River. But underneath, the book—which was published in the U.S. on February 18, 1885—is a subversive confrontation of slavery and racism. It remains one of the most loved, and most banned, books in American history.
1. Huckleberry Finn first appears in Tom Sawyer.
The Adventures of Huckleberry Finn is a sequel to Tom Sawyer, Twain’s novel about his childhood in Hannibal, Missouri. Huck is the “juvenile pariah of the village” and “son of the town drunkard,” Pap Finn. He wears cast-off adult clothes and sleeps in doorways and empty barrels. Despite this, the other children “wished they dared to be like him.” Huck also appears in Tom Sawyer, Detective, and Tom Sawyer Abroad.
2. Huckleberry Finn may be based on Mark Twain’s childhood friend.
Twain once said that Huck is based on Tom Blankenship, a childhood friend whose father, Woodson Blankenship, was a poor drunkard and the likely model for Pap Finn. “In Huckleberry Finn I have drawn Tom Blankenship exactly as he was,” Twain wrote in his autobiography. “He was ignorant, unwashed, insufficiently fed; but he had as good a heart as ever any boy had.» However, Twain may be exaggerating here. In 1885, when the Minneapolis Tribune asked who Huck was based on, Twain indicated it was no single person: “I could not point you out the youngster all in a lump; but still his story is what I call a true story.”
3. It took Mark Twain seven years to write The Adventures of Huckleberry Finn.
Huckleberry Finn was written in two short bursts. The first was in 1876, when Twain wrote 400 pages that he told his friend he liked “only tolerably well, as far as I have got, and may possibly pigeonhole or burn” the manuscript. He stopped working on it for several years to write The Prince and the Pauper and Life on the Mississippi and to recharge in Germany. In 1882, Twain took a steamboat ride on the Mississippi from New Orleans to Minnesota, with a stop in Hannibal, Missouri. It must have inspired him, because he dove into finishing Huckleberry Finn.
“I have written eight or nine hundred manuscript pages in such a brief space of time that I mustn’t name the number of days,” Twain wrote in August 1883. “I shouldn’t believe it myself, and of course couldn’t expect you to.” The book was published in 1884 in the UK, and 1885 in the U.S.
4. Like Huckleberry Finn, Mark Twain’s view on slavery changed.
Huck, who grows up in the South before the Civil War, not only accepts slavery, but believes that helping Jim run away is a sin. The moral climax of the novel is when Huck debates whether to send Jim’s enslaver a letter detailing Jim’s whereabouts. Finally, Huck says, «All right, then, I’ll go to hell,” and tears the letter up.
As a child, Twain didn’t question the institution of slavery. Not only was Missouri a slave state, but his uncle owned 20 enslaved people. In Autobiography of Mark Twain, Volume 1, Twain wrote, “I vividly remember seeing a dozen black men and women chained to one another, once, and lying in a group on the pavement, awaiting shipment to the Southern slave market. Those were the saddest faces I have ever seen.” At some point, Twain’s attitudes changed and he married into an abolitionist family. His father-in-law, Jervis Langdon, was a “conductor” on the Underground Railroad and helped Frederick Douglass escape from slavery.
5. The Adventures of Huckleberry Finn‘s Emmeline Grangerford is a parody of a Victorian poetaster.
Huckleberry Finn parodies adventure novels, politics, religion, the Hatfields and the McCoys, and even Hamlet’s soliloquy. But most memorable may be the character of Emmeline Grangerford, the 15-year-old poet. Emmeline is a parody of Julia A. Moore, the “Sweet Singer of Michigan,” who wrote bad poetry about death. So does Emmeline, according to Huck: “Every time a man died, or a woman died, or a child died, she would be on hand with her ‘tribute’ before he was cold. She called them tributes.” Along with bad poetry, Emmeline paints “crayons” of dramatic subjects, such as a girl “crying into a handkerchief” over a dead bird with the caption, «I Shall Never Hear Thy Sweet Chirrup More Alas.»
6. Many consider The Adventures of Huckleberry Finn to be the first true «American» novel.
“All modern American literature comes from one book by Mark Twain called Huckleberry Finn ,” Ernest Hemingway wrote in Green Hills Of Africa. “There was nothing before. There has been nothing as good since.» While this statement ignores great works like Moby-Dick and The Scarlet Letter, Huckleberry Finn was notable because it was considered the first major novel to be written in the American vernacular. Huck speaks in dialect, using phrases like “it ain’t no matter” or «it warn’t no time to be sentimentering.” Since most writers of the time were still imitating European literature, writing the way Americans actually talked seemed revolutionary. It was language that was clear, crisp, and vivid, and it changed how Americans wrote.
7. Many people consider the end of The Adventures of Huckleberry Finn to be a bit of a cop-out.
A major criticism of Huckleberry Finn is that the book begins to fail when Tom Sawyer enters the novel. Up until that point, Huck and Jim have developed a friendship bound by their mutual plight as runaways. We believe Huck cares about Jim and has learned to see his humanity. But when Tom Sawyer comes into the novel, Huck changes. He becomes passive and doesn’t even seem to care when Jim is captured. To make matters worse, it turns out that Jim’s owner has already set him free, and that Huck’s abusive dad is dead. Essentially, Huck and Jim have been running away from nothing. Many critics, including American novelist Jane Smiley, believe that by slapping on a happy ending, Twain was ignoring the complex questions his book raises.
8. The Adventures of Huckleberry Finn is frequently banned.
Huckleberry Finn was first banned in Concord, Massachusetts in 1885 (“trash and suitable only for the slums”) and continues to be one of the most-challenged books. The objections are usually over the n-word, which occurs over 200 times in the book. Others say that the portrayal of African Americans is stereotypical, racially insensitive, or racist. In 2011, Alan Gribben, a professor at Auburn University, published a version of the book that replaced that offending word with slave. Around the same time appeared The Hipster Huckleberry Finn, where the word was replaced with hipster. The book’s description says, “the adventures of Huckleberry Finn are now neither offensive nor uncool.”
9. Twain had some thoughts about The Adventures of Huckleberry Finn‘s censorship.
In 1905, the Brooklyn Public Library removed Huckleberry Finn and Tom Sawyer from the shelves because, as a librarian wrote to Twain, Huck is “a deceitful boy who said ‘sweat’ when he should have said ‘perspiration.'» Here’s Twain’s reply :
DEAR SIR: I am greatly troubled by what you say. I wrote Tom Sawyer and Huck Finn for adults exclusively, and it always distresses me when I find that boys and girls have been allowed access to them. The mind that becomes soiled in youth can never again be washed clean; I know this by my own experience, and to this day I cherish an unappeasable bitterness against the unfaithful guardians of my young life, who not only permitted but compelled me to read an unexpurgated Bible through before I was 15 years old. None can do that and ever draw a clean sweet breath again this side of the grave. Ask that young lady—she will tell you so. Most honestly do I wish I could say a softening word or two in defense of Huck’s character, since you wish it, but really in my opinion it is no better than those of Solomon, David, Satan, and the rest of the sacred brotherhood. If there is an unexpurgated Bible in the Children’s Department, won’t you please help that young woman remove Huck and Tom from that questionable companionship? Sincerely yours, S. L. Clemens
10. A penis drawing almost ruined The Adventures of Huckleberry Finn.
Twain, who ran his own publishing firm, hired 23-year-old E. W. Kemble to illustrate the first edition of Huckleberry Finn. Right as the book went to press, someone—it was never discovered who—added a penis to the illustration of Uncle Silas. The engraving shows Uncle Silas talking to Huck and Aunt Sally while a crude penis bulges from his pants.
According to Twain’s business manager Charles Webster, 250 books were sent out before the mistake was caught. They were recalled and publication was postponed for a reprint. If the full run had been sent out, Webster said, Twain’s “credit for decency and morality would have been destroyed.” You can view Kemble’s original illustrations here.
Source: https://www.mentalfloss.com/article/59870/10-facts-about-adventures-huckleberry-finn
Idiomas RalFer 